《大师经典技法研修班》—两节大师鉴赏课

侯暄丽

1.大师班是什么？大师班是咱们象之、丹青二位院长亲自带班，带同学们学习更系统的油画课程，主要学习各种大师的经典画作和经典技法，通过五种经典流派，追溯技法的源头，更清晰的理解技法，并且活学活用。并且分析经典画作让我们能读画、会画，会表达。让我们对学到的东西可以更好的利用出来知道自己画面的优缺点，知道要如何进行更改精进。探索发现自己画面的美 2.大师班讲什么内容？大师班作品呈现是大师的经典画作💨内容上是帮助我们院长班的同学把之前的散开的知识梳理归纳的。让您可以自己掌握油画技能脱离课堂不再是跟画学习。从五种风格出发 每一种风格都可以帮咱们解决画面中的问题 [嘿哈]古典风格让咱们分层次解决绘画步骤中的基础问题， [嘿哈]印象风格让我们了解色彩理论调色不再那么难 [嘿哈]写实风格加强形色归纳帮助我们规律找到物体本身 [嘿哈]现代风格更多的表现形式找到我们适合自己的画面优势 [嘿哈]表现风格去给咱们解决整个画面的节奏，让作品构图，色彩，刻画都安排秩序， 都是帮助我们解决现在院长班学的吃力不理解基础不扎实的~[亲亲]帮助我们整理绘画思维，解决我们现在知识自己理解消化不了的问题。可以知其然后知其所以然的画您自己的作品咱们有规律的调整绘制自己的画面。 4、为什么现在招生？①材料工具的准备②基础巩固，针对已报名的同学进行基本功训练这个是二位院长针对院长班报名同学的基础单独开设的基本功训练，讲授一些大师训练基本功的方法，并且带练课有名额限制，所以要提前招生，确定谁准备参加这个基本功课，要提前训练。 本次《大师经典技法研修课》我们将特别为同学免费提供：①象之、丹青二位院长亲自进群点评作业为同学进行辅导②院长多年教学经验，整体课程编排绝对最符合院长班同学学习情况，内容体系系统。③大师课开课前先带同学们打基础，做好复习，带着同学们学习《大师基本功训练营》课程，让同学们学的更加安心④大家可以看我们院长编排的大师班课表，全部结合目前院长班学习情况，，让同学们学有所成👉课程设计节奏上也是比现在缓课程侧重带大家理解消化。 总的来说，大师班是学习完我们现在院长班之后继续研修经典提升自己了解审美的一个班级。[嘿哈]大师班我们主要要学习各种大师的经典画作和经典技法，追溯技法的源头，更清晰的理解技法，并且活学活用，让我们的画面更加的丰富，知道自己画面的优缺点，而且知道要如何进行更改精进。另一方面还会提升我们审美的能力我们能读懂画、会画画，能审美，会表达。对我们了解艺术史，精进自己的绘画能力，提升审美能力，多方面提高的一个课程。 1、现代风格的全面解放是由哪位大师主观性改变的？ 2、精彩现代风格的刮刀都有哪些技法呢？ 3、油画你除了用笔刷作画,我们还可以用什么工具作画吗？答案：万物皆可是艺术。2、精彩现代风格的刮刀都有哪些技法呢？常用的刮刀技法有：挫、拍、揉、线、扫、跺、拉、擦、抑、砌、划、点、刮、涂、摆等技法 第三个问题答案很灵活的油画是放松的多元化具有很多包容性的，我们可以利用自己想到的器具当做绘画工具，这也是现代画画的包容性和创新性的体现，接下来老师简单的给同学们分享一下常规的刮刀技法 大师班学习内容为五大风格，75节课时，三十多幅大师作品，学习大师经典技法研修班也是我们独立绘画的必经的阶段 丹青院长亲自进群辅导《大师基础训练营课程》电子版《原版大师报请临摹图集》《田园风景入门写生课》 一：刮刀技法油画中的刮刀技法是将各种颜料糅合到一起的工具，画画时需要把颜色和谐的搭配在一起，通常是用颜料堆积出来，刮刀作画更能感受人与画之间的互动。其中技法包括了：挫、拍、揉、线、扫、跺、拉、擦、抑、砌、划、点、刮、涂、摆等技法。二、工具介绍:油画刀的刀身通常为三角形或长矛形，是由不锈钢制成的。尺寸上来看有大有小，从刀身的柔软程度来看，也有软有硬。作画时的刀与调色刀是不一样的，调色刀的刀身是细长的，一般用它从颜料瓶铲取颜料，用它去着色，还会用它刮除调色板上多余的颜料。油画刀刀身的形状是多种多样的：有三角形、矩形、长矛形、方头的、尖头的、圆头的甚至是锯齿状的。刀身越长越宽，油画刀就会越柔软。反之。越短，越僵硬。三、做画步骤：1.画草图 作画前的准备工作：先在画布上涂适当的底色，画出静物大致轮廓，用毛刷把一些颜色涂到画布上。要在作画前一两天将底色涂好，要等底色干透了在涂色。在上色时要将油画刀的刀柄用力向下压，以保证画布能沾上颜色。当底色干了后，开始画草图，用圆头的毛刷将物体基本轮廓勾勒出来，也可以用铅笔或炭笔。草图的颜料选取要依照底色而定，与底色形成反差。 花样刮刀玩法，感受绘画趣味现代潮流当中,有不少大师都喜欢画现代风格，也让无数大师及名家学习关于现代绘画的技法更是成为画师的必要“阶段” 象之老师也是独爱现代表现风 [玫瑰]他准备今天教👉“刮刀前置调色法”画万里长城 2.着色只需用颜料将轮廓线圈定出来的空白部分“填满”即可，选择一个深浅适中的颜色涂上去即可。着色后，草图就看不见了。接下来只需用油画刀将颜料堆厚，并将色调调浅或加深即可。对于用毛刷着的色以及最初的底色可以酌情进行保留。 3.刮刀作画过程调色将颜料挤到调色板的一侧，在调色板中央对颜料进行混合。在调色时先将颜料摊开，再将颜料刮起，连续重复几次，慢慢在浅色中兑入深色颜料。在调色板上取颜料时，将油画刀略微偏一下，用一个干净利落的动作将颜料抹到左刃或右刃上，抹到需要着色的运笔方向。如颜料堆积在左侧，那么就要自左向右运笔。[嘿哈]颜料厚度。如果需要将颜料涂厚一点，准备大号的抹刀，像泥瓦匠一样握住刀柄，将刀身贴到画布上，让刀身与画布保持平行。运笔时，动作幅度要大，且要稳。用刀身压住颜料，带着颜料往前走。在抹刀上施加的压力越小，涂在画布上的颜料越厚。如果需要将颜料涂薄一点，只需在运笔时将油画刀再偏一偏就可。这样，刀身与画布之间的夹角就变大。这时，与画布产生接触的是刀的刀刃，用刀刃带着颜料走。越是用力按抹刀，涂的颜料就越薄。 4.颜料覆盖范围[捂脸]如果要给较小一片区域着色，用小号的抹刀铲取少量颜料。着色时，用一个连贯的动作一次性将颜色涂好。通常采用这种技巧对画面细节细节加工。如果要给较大区域着色时，应准备大号抹刀，并在着色时多铲取一些颜料，再在画布上涂上厚厚一层，用抹刀把已经抹在画布上颜料朝各个方向逐渐摊开。如果要给较小一片区域着色，用小号的抹刀铲取少量颜料。着色时，用一个连贯的动作一次性将颜色涂好。通常采用这种技巧对画面细节细节加工。 5.着色要领将颜料均匀的抹在画布上，要在一块较大的区域表现出颜色的细微变化，就要将大块的区域分割成几个小区域，逐个进行着色。在小区域进行着色时，无须让颜色进行混合，颜色之间的融合只是一种视觉上错觉。为了让相邻两种颜色之间有个自然的过渡，可以先用油画刀将不同颜色分界地带的颜料刮下来，然后将颜料涂到原来的位置，重复操作，即可将颜色顺接。6.勾勒线条选用小号的圆头抹刀，在铲取颜料后将刀的侧面抵到画布上，再慢慢画出去，动作越快，线条越明朗。【总结】表现物体的立体形状时，正对光源处的用暖色调，背对光源处的用冷色调。还要注意颜料的厚度对附近区域颜色的亮度所造成的影响。所以要利用颜料的厚度来调整色调变化。等作品干后涂上上光油。总之，油画刮刀法是釆用从锡管里挤出颜色直接在画布上作画的技法。画布就像一块大调色板，用画刀在画布上调和颜色并布满画面，对于不满意的部分可以随时刮掉重新上色。用画刀作画能使画面颜色有一种特殊的明亮感，从整体上提高了色彩的纯度，油画刀的刮色技法可用于未干的色层，也可用于刚刚干透的色层。刀刮法透出的底色，产生微妙斑驳的肌理，达到両笔不能实现的视觉效果。 惠斯勒画肖像时，每对着模特画一次，就把所画的部位刮一遍，能产生一个很美的、变化无穷的细腻色层。这样，当作品完成时，画面色层很薄，但色彩却极其丰富、自然。马奈、萨金特、勃纳尔等许多画家经常使用刮色层技法作両，利用刮刀法产生特殊效果。刮色层技法能使画面清新、活泼、富有生气，产生绝妙的引人入胜的色彩效果。 现代绘画艺术中让人感受最深的是它包含了更多的自由因素。它不像传统古典主义艺术、宗教艺术、学院派艺术那样，有着严格的模式，不再一味地追求写实。这些艺术创作中的自由元素，使艺术家可以更好地发挥自己的创作灵感，更真实地表达自己的创作情绪。现代绘画强调绘画的纯粹性，重视绘画的形式构成，重视绘画的形式美，强调画面视觉要素的构成秩序。希望同学通过学习各种技法来自由表达自己的画面哦！一起期待今晚精彩有趣的刮刀技法吧 两节大师鉴赏课 【今晚18:30课程】作品：莫奈光影色彩《干草堆》讲师：丹青老师 [玫瑰]学习知识点：光影并置法,色彩并置法(光影色彩并置法) 莫奈《干草垛》是拍卖史上价格最高拍卖时间最快的一幅画，仅仅用了8分钟 莫奈为了捕捉光彩的感觉，每天画十几幅 莫奈为什么一直画干草垛呢？画最简单的东西，最出彩！ 莫奈《干草垛》富含非常多得色彩元素 准备好扇形笔和大号的圆头笔准备开始画底色了 白色+拿坡里黄色，调出亮黄色，我们先铺底色哦~ 注意不要让颜色形成大的色块，而是保留每一笔的笔触 画面的暗部颜色主要是：蓝紫红色调 暗部里面也要加一点红色，进行衔接 目前大的光影的效果已经很明显了 干草垛的边缘位置在细致的压一压 挨着草堆的光芒是最强烈的，黄色可以明显一些 总结第一步，起稿，用小笔蘸取土黄色，勾出物体大体的轮廓和比例，注意物体间的距离和比例关系。 第二步呢，我们用中号儿笔蘸取白色和亮黄色，也就是说柠檬黄或者纳普里黄，然后把整体画面的底色铺上。注意这时候要薄涂。 第三步呢，我们用中号儿笔蘸取紫罗兰和古蓝色，铺出干草堆的暗部颜色，那么这里呢，我们要注意一下，用笔要松弛，并且要注意一下。不要破坏整体一开始起的稿儿，同时呢，用笔的时候也要注意在大的结构上，顺着稻草堆的结构走向去用笔。 第四步呢，我们继续用中号儿笔蘸取我们刚才的蓝色和紫色，包括更多的草绿、朱红，还有品红色。那么继续来丰富加强我们的暗部的色彩关系，用笔的时候呢，我们注意和铺色铺大的暗部一样，要用笔灵活松动，同时呢。要符合草堆的一个结构走势。 第五步，我们继续铺设亮度和寿光的这种颜色，那么我们继续拿中号儿笔蘸取品红，朱红、亮黄色、蓝色，包括白色等铺设天空。和稻草的亮部的边缘的颜色，那么这一步呢，我们要注意一下，一定要控制好亮部的比例和面积，同时天空的这个颜色呢，需要注意一下从稻草堆的寿光。处往外蔓延，用笔要呈现一种放射状。 第六步，我们继续来进行整体画面的塑造处理，主要处理近处的这个最大的干草堆，那么我们在处理的时候呢，用小笔去蘸取。朱红、土黄、草绿、紫罗兰等一些暗部的色彩，那么在这里呢，我们要注意一下整体画面的前后的一个空间对比。以及我们要。把主要的精力放在前边的一些物体，以及地面的一些光影，最后呢，我们再去处理一下什么，处理一下我们的一个近处的一个边缘线。 第七步，我们去调整画面的关系，那么这个关系呢，包括画面当中的一个主次关系和虚实关系。主次关系我们要注意左侧近处的草垛。边缘和天空的一个对比要明确强烈，那么同时我们要注意画面所有物体的一个轮廓线的一个虚实，特别是要注意远处的树木以及远处草垛的边缘。不要过于强烈。 拿铅笔轻轻的勾出物体的形状，接下来，要画咱们的远山了，认真看老师在调色盘中蘸取的颜色，以及在画面中的笔法。大家拿出刮刀先和象之老师先进行前置调色了 调色的方式直接目标调色法刮刀前置调色法手机上课：👉http://u.ldci.cn/Bhdbbf电脑上课：👉http://u.ldci.cn/vPA1J0 接下来，要画咱们的远山了，认真看老师在调色盘中蘸取的颜色，以及在画面中的笔法 用点或者戳的方法，把远山的部分慢慢丰富表现出来 象之老师第二个技巧来啦，是不是很多同学对于画面的亮暗把控不好？问题前置提前把前后明暗关系找到。 刮刀前置的调色方法更适用于表达人物的面部肤色的细腻变化 刻画城墙的颜色，注意受光面和背光面的颜色 长城城墙要表现出雕塑的效果哦~ 了解一下刮刀作画的画面效果吧 已报名丹青老师班 ✨今晚的大师鉴赏课象之老师教学了刮刀前置调色的方法技巧👉先挖沟——铅笔打稿👉再修路——调色刻画👉先有学——学习临摹👉后有术——技法觉醒 《透视知识加餐》一、透视的发展1.什么是透视？古希腊画家阿哥塔尔库斯画的布景画，是目前发现最早的透视画人类对透视原理的认可可追溯到古希腊时期，透视作为数学和几何学的一个独立分支出现，对透视的科学研究开始于14世纪的文艺复兴时期，完成于18世纪中叶，透视学几乎经历了从萌芽到盛期的整个文艺复兴时期。古希腊画家阿哥塔尔库斯画的布景画，是目前发现最早的透视画；英国艺术史学者贡布里希认为，古希腊绘画末期最大的发现就是透视缩短法，缩短法在当时的瓶画中可以显现。古希腊黑绘瓶画👆首先人们是出于本能地运用了透视法，14到18世纪文艺复兴的口号响彻了文学、戏剧、美术、雕塑、建筑等各个领域，这一时期是西方文明史上极为重要的阶段，为了复兴古典绘画，再现视觉真实，出现了大批的艺术家研究探索透视规律。 14世纪以前的埃及壁画和圣母图👆 拉斐尔的湿壁画画面明显可以看出一点透视关系🚶佛罗伦萨画派创始人乔托的作品《金门之会》，画中的建筑不再是简单的摆设，而是运用透视和明暗法来表现建筑的体积和空间，使建筑承载整幅作品空间的深度。乔托提出视觉观察的重要性，引导人们揭示自然内在的规律，开启了透视法之先河，开辟了走向文艺复兴的新路，但却没有寻找到科学的透视方法，因此这个时期绘画中运用的透视并不准确。 乔托的作品《金门之会》 马萨乔的代表作品《纳税钱》，首次运用了单一的焦点透视法，采用特定的光源投射到物体上，使物体产生明显的明暗层次，进而形成一定的立体感。马萨乔在绘画中运用的空气透视法，表现纵深的三维空间感。👆马萨乔的代表作品《纳税钱》🎵佛罗伦萨画派的弗兰切斯卡，是一个具有科学探索精神的画家。他相信科学的透视是绘画的基础，在阿尔伯蒂的理论影响下，弗兰切斯卡穷其毕生精力研究绘画中的透视。他的每一幅作品中都少不了透视，并且具有系统研究特殊学的著作。 皮耶罗·德拉·弗朗西斯卡(Piero della Francesca)《鞭打基督》 👊4、【文艺复兴时期对透视法的新发展】到了文艺复兴时期，透视技法在绘画中运用达到了另一个高峰，艺术家们通过运用透视组织画面不再局限于平面中，表现三维空间的纵深感和惟妙惟肖的真实感，更多的是为了追求形式之美。大部分画家追求严谨的结构形式美，使画面产生平静、稳定的效果，趋向简化完善的境界，适应了古典主义时期的审美趣味。《哀悼基督》意大利曼特尼亚👆 《哀悼基督》波提切利👆 达芬奇的《最后的晚餐》就是采用【焦点透视法】，当时焦点透视法属于创作实践的最初范例。[礼物] 5、【透视的基本规律】透视的基本规律就是我们能够观察到的【近大远小、近实远虚】 🙌比如说我们图中的电线杆，高度相同的电线杆，在透视的影响下，近处的更长远处的更短，形成了近大远小的空间关系 💢6、【视点与视平线】人观察物体的时候通常会有三种情况：俯视的情况、平视的情况以及仰视的情况。二【透视之于绘画的重要性】🔥💗首先，透视对于绘画来说是一个不可或缺的骨架。🔥其次，我们所用的透视，归根结底只是一个帮助我们画出更接近于事物在真实世界的本来面貌的画的工具，而这个工具带给我们的更多是一种参考、导航作用。也就是说允许你有误差，允许你进行艺术表现，只要大的方向没有错，你画出来的东西肉眼不会感觉到不舒服，就可以。👣我们画画，大部分情况是要将一个具有三维空间属性的场景、物体、人或者想象中的事物表现在二维平面上，并且还要让看到的人感受到这张画是有空间感的，有体积感的 👍在画面中想做到这点，必然要借助透视。🌟1.一点透视💪是透视中最常见，应用也相对比较广泛的，也是最简单的透视。它的定义我们可以简单的理解为画面中有且只有一个消失点和灭点的画面，在绘画中一点透视也叫平行透视。我们常见的透视有：一点透视、两点透视、三点透视、空气透视。 💙那么讲到这里，这里会引申出两个相关的词语，一个是灭点，一个是地平线。什么是灭点呢？🙌画面中两条或多条平行线线条向远处地平线伸展至聚合的那个那一点，叫做灭点也叫做消失点。那什么又是地平线呢？画面中地面与天空相交的边界线就是地平线。 ❤一点透视的应用（文森特·梵高《阿尔勒的卧室》) ❤达芬奇《最后的晚餐》 👣2、两点透视两点透视是透视中最常见应用最多的一种，它的定义，我们可以参考一点透视的定义，简单的理解为画面中两个消失点和灭点的画面叫做两点透视。💓两点透视在美术教学中也有一个名字叫做成角透视。如何理解呢？当你的视线正处于观测一个物体的侧面，有一条边正好在视觉偏中间的位置，那么它一定是成角透视或者说两点透视。另外，区别于一点透视，两点透视至少可以看到物体的两个面最多可以看到物体的三个面。 举个例子描绘这个教堂的内部，我们首先找到地平线和消失点的位置，再进行画面的表现，这样就能比较准确的表现出这个教堂内部的结构。 3、三点透视三点透视顾名思义，当画面中存在三个消失点的时候就是三点透视，其实三点透视是建立在两点透视的基础上，由于我们观测物体的角视角出现仰视或俯视的情况，出现的透视现象。[礼物] 4、空气透视在现实生活中，我们总会发现近处的花草树木看起来颜色更为鲜明，远处的颜色比较灰暗，色彩纯度更低。近处颜色暖，远处颜色冷。这就是空气透视。有的同学可能有过这样的疑问：为什么在风景画要把处在前面的物体画得那么清晰、明暗对比那么强呢？为什么要把后面的物体虚化呢？这其实是为了体现空间感。这种因为物体与我们之间的距离增大而导致的物体清晰度和明暗对比减弱的变化就是消逝透视。 ✋老师也会以实例的形式给大家解读一些最常用的透视知识在作画前我们要对物体的透视进行分析，才能绘画出较为准确的画面效果。这对我们更好地理解物体的结构有很大的帮助。 透视现象在转换到画面中的直观感受：图中人的手在最前面，人物在很远的地方，所以表现在画面中手几乎占据了画面的一大半位置，远处的人物还没有一个人的手指头高。 当我们观察眼前的一支笔，然后我们随着笔的慢慢转动，我们的视视角发生变化，它原来的是一根线，它垂直我们的视线的时候会变成一个点。 同理观察一个圆柱体 👇实际运用圆的透视怎么画？圆在平视角度上面，它就是一条线，当它的透视角度越大，然后我们所看到的面积也就越大，当它垂直于我们视角的时候，它会变成一个正圆形。 圆柱的透视怎么画？我们在起型阶段，可以把世间万物看做几何形的组合体，只要掌握好球形，圆柱体，立方体的透视结构后，就能画出各种物体的透视关系了。 总结：1、视觉透视规律近大远小，近长远短。 2，空气透视规律。近实远虚，距离近对比强，距离远对比弱。亮边线条锋利重且清晰明确，暗面线条粗重且对比微妙。 如何判断透视正确与否？1.直觉法通常如果画面出现透视问题，整个画面就会显得非常的别扭怎么看怎么不舒服，这个时候我们逐个方面去寻找看看是那个地方不舒服，然后看看是否符合近大远小，近实远虚这个法则。便可以判断出透视是否有问题。 2.辅助线法在物体上延长一下辅助线，看一下这些线条的走势是否符合原理，一点透视的辅助线最后会交汇于一个点，而两点透视我们就要看看能不能连到两个灭点。 3、色彩透视。色彩透视：包括明度对比、色相对比、冷暖对比、纯灰对比。①明度（亮度）对比：亮面明度高暗面明度低，明度高低与距离光源呈负相关。②色相对比：距离光源越近环境反射光对物体边缘颜色影响越大，反之越小。③冷暖对比：物体受光面与背光面冷暖对比，受亮面受光源冷暖影响大，暗面受环境影响大；暖色与冷色并置。视觉上暖色靠前，冷色靠后。根据画面整体色调判断画面的冷暖调性，暖色：黄，红，品红；冷色：蓝，青，绿。④纯灰（饱和度）对比：距离人眼近纯度高，距离人眼远纯度低，即近纯远灰。 海面波纹：近疏远密 冷暖对比：近暖远冷 纯度对比：近纯远灰 色彩语言在油画中的应用美术的基本语言元素是点、线、面、色，任何语言都是在这四个基本元素上演化。绘画语言包括线条运用、明暗色调、色彩原理运用、空间、透视、构图和笔触等绘画元素。完成一幅油画作品，表现形式、内容、精神都要有所传达。色彩，在绘画中有着独特的意蕴，是任何绘画语言都无法代替的。[加油]油画色彩的丰富表现力和它所产生的感情力量，可以直接在艺术家和观众的心灵之间架起一道互相沟通的桥梁。从绘画色彩语言的形式演变的层面来说，绘画色彩与画家主体意识的对应状态的层面中呈现出一种由外部描摹向内心深入发展的转变轨迹，色彩是作为画家表情达意的重要手段，[机智]随着画家审美意识的不断深化，色彩表现，将为绘画带来了极具色彩美感魅力的变异风貌。 油画中情感的表达是人们对客观世界的一种自然反应，体现了人们所特有的一种生活态度，也是人们进行主观情感表达的一种艺术方式。在油画艺术创作的发展中，经常通过情感与色彩艺术来直接表达人们的情感，各种色彩往往能反映出不同的心理感觉。画面中色彩的选择主要取决于艺术家对物像“内在生命”的认识和艺术家的内在需要，因而，👉物象的选择也只能取决于有目的地激荡人类灵魂这一内在需要原则，从而使色彩也作为“有意味的形式”唤起人们的审美情感。 一、油画中色彩的概念在油画艺术创作中，色彩始终是油画创作者表现自身艺术情感本质倾向的主要手段，是他们表达某种艺术情感的主要符号，是艺术情感表达过程中具备的本质特征，也是具有艺术思想感染力的表达语言，同时更能表现油画创作者的主体情感。特别是在这个审美观念日趋多元化的时代，油画创作者越来越强烈地要求在绘画作品中表现出创作油画时产生的主体情感，可以通过色彩在油画创作中获得精神上的满足，这也是油画创作者表达自身情感和精神灵感的主要手段。二、油画作品中色彩表达的情感作为油画艺术创作的重要组成部分，情感表现力贯穿于油画艺术发展的整个过程。在油画艺术发展早期，人们就把自己的精神生活和思想感情通过简单的绘画予以表现，转化为一种艺术上的体验。油画艺术在文艺复兴时期是非常明显的一种情感表达的方式。文艺复兴提倡“以人为本”的哲学思想，肯定了“以人为本”的哲学世界观。当时的艺术家一致认为，油画艺术创作主要体现人的各种精神、思想、情感，提倡人性的解放，打破了传统神学对人精神和思想情感的束缚。同时，那个时期的艺术家通过强烈的色彩去表达内心的情感，通过油画传递自己的内心想法，这也使这一时期的油画艺术得到了重大的发展。例如，乔托·迪·邦多纳是意大利文艺复兴的开创者之一，被誉为“欧洲绘画之父”“西方绘画之父”，他的作品更多倾向于宗教题材，但是通过宗教题材的作品可以了解他要所表达的内心情感以及社会背景，可以使更多的人通过他的作品了解那个时代所发生的事情及创作者本身所要表达的情感。在《犹大之吻》这幅画作中，通过耶稣表情平静与犹大面目狰狞的对比，来深刻描绘这幅画所要表达的内容。通过这幅画可以看出乔托的画风已经向着画面层次的方向发展，通过他的画作可以看到那个时期油画艺术的一种进步，同时通过他使用的色彩还能够明白他内心所要表达的情感，利用鲜明的色彩以及高超的技术在画作当中进行情感融入，进一步推动了那一时期艺术的发展和进步。 三、油画创作的情感表现“情”是指油画创作中创作者主观意识的“情”，创作作品的过程中需要“传情”，使观赏者在欣赏作品时有所“动情”。在这个过程中，创作者首先要把画面传达给观众，让观众在欣赏作品时透过画面来感受艺术家在创作过程中的情感，并与艺术家进行精神上的交流，让观众在欣赏作品时透过画面中具体的形象感受到艺术家的情感。情感不仅仅是每一件优秀油画作品的价值所在，更是构成美的核心要素。油画创作者只有在创作过程中将自己的情感通过画面传达出来，这样的油画作品才可以称得上是精品。如果只是单纯地描绘表象，那么这样的油画是不能被称之为作品的，只能被当作是临摹画。四、油画艺术中的情感与色彩现代油画艺术作品中浪漫的情感文化需求往往依赖情感色彩艺术的准确生动表达，因此油画的情感色彩依然承载着画家丰富的艺术生活实践经验、情感心理状态、独特的艺术审美价值角度和丰富的浪漫情感文化体验，所以情感和色彩之间的联系在当代油画艺术创作中仍具有十分重要的意义。 油画艺术创作中创作者的情感冲动是否强烈，正是成功并且快速地完成艺术作品创作的重要动因和驱动力，由于自然环境中的某些因素直接激发了创作者对油画艺术的某种强烈感情，从而使创作者对绘画艺术产生一种强烈的情感冲动，并想把此时此刻所产生的各种艺术思想和他人生的各种体悟所产生的各种艺术情感在绘画当中倾诉出来。在特殊的自然环境中，油画艺术创作过程中审美情趣的表达是油画艺术创作中的一种混色的、可塑的、可延展的、灵活的油画色彩，是现代绘画艺术作品中丰富的绘画情感与艺术内涵的一种良好的表达方式。伴随着社会的不断进步和现代绘画艺术观念的不断更新，创作者更加重视油画色彩的灵活运用，而现代油画艺术创作的色彩表现方式也更加多元，但无论如何，在现代油画艺术创作中色彩的灵活运用已经越来越受到创作者的重视在艺术创作的整个过程中，现代油画艺术创作的色彩表现方式也越来越多。在现代油画艺术创作中，色彩的表现已经成为创作者审美心理和情感的一种具体表达，从而使观赏者更好地理解油画作品表达的情感，产生情感上的共鸣。五、油画作品中色彩与情感之间的转化绘画作品的成功，关键在于对情感色彩的运用。如何更合理地运用色彩，涉及情感色彩和主体情感的相互转化。这就要求油画艺术家首先要正确地处理好情感色彩与主体情感之间的互动关系，依靠自己的真实情感准确地调配出相应的情感色彩，将在特定的创作环境或者特定的心境中产生的某种情感表现出来。 在运用情感色彩的过程中，可以适当地运用一些夸张的表现手法，大胆创新，自由表达，从而创作出优秀的油画艺术作品。另外，油画创作者必须具备独特的艺术视角。在不追求个性张扬的油画时代，创作者仍需要时刻谨记自己只是一个观察者。要有独特的正确的观察视角，这样他们才能真正创作出具有个人艺术魅力的油画作品，才能够得到广大欣赏者的一致好评。这些都充分说明了油画色彩在现代油画艺术创作过程中的重要地位和不可替代性，这也就要求油画创作者要准确地把握情感与油画色彩之间的密切关系，运用丰富多彩的油画色调，通过合理的色彩组合来表现出其无可替代的重要地位。六、色彩和情感在油画创作中的重要性分析在油画创作中，创作者可以借助色彩和情感来抒发内心想法，从而保持作品的生命力。例如，可以使用红色来彰显欢快的情感，使用黄色可以表现不安的情绪，这意味着改变色彩的搭配可以提升油画作品的动态性，从而为观赏者提供更好的视觉享受。 从莫奈的《圣·拉扎尔火车站》这幅油画作品来看，其运用色彩和情感来实现对作品内容的升华，观赏者不仅可以透过这幅作品感受到莫奈对生活的热情，而且会因为视觉冲击留下深刻的印象。 除此之外，梵高的代表作《向日葵》也实现了对色彩的充分运用，整个油画中大面积的黄色表现出自己对生活的热爱，同时也反映出他的不安情绪，结合梵高的生活背景和创作经历来看，这样的色彩充分反映出他的矛盾心理。[从这一角度讲，色彩对油画作品而言至关重要，虽然由色彩所呈现出的力量是摸不着的，但却对整幅作品的情感表达发挥出重要作用，创作者可以通过色彩的变化来表现内在思想感情的变化。色彩与情感相互关联，这二者对凸显作品内涵极为重要，其关系到作品是否具有较强的生命力，以及所表现的内涵是否鲜活。油画创作者可以根据客观事物和内心情感进行创作，而这二者的衔接效果在很大程度上依赖于色彩的搭配和情感的表达。在油画的创作过程中，色彩与情感二者不可缺少，因为二者是相互融合的，创作者将只有将色彩与情感融合在一起，才能够创作出有灵魂的油画，才能将油画所要表达的内容通过色彩与情感的运用更好地传达给观赏者。 为什么要学会运用色彩？主观性色彩更能表达画家内心感受、思想。让我们的绘画和我们自己联系起来，最直接的就是我们可以把控自己的画面，调整我们的画面。油画创作中主观性色彩的特点: 1、主观性：油画创作中主观性色彩，是相对客观对象本身所呈现的色彩而言。[烟花]画面主观性的释放，是根据作品主题和画面的需要，对色彩进行再创造。 2、象征性：就多数人来说，色彩的联想具有共通性。色彩不仅可以象征事物，还可以象征一些抽象的意念。 3、装饰性：部分油画家为表达自己的主观感受，采用平面化的手法，把看似简单的色彩有秩序地组合。 绿色是夏天的颜色，象征平静和自我满足;蓝色是天空的颜色，象征升华；黄色是大地的颜色，象征世俗；白色象征虚无；黑色象征死亡等。常借助线条对色彩进行分割和串联，利用之间的相互照应、对比、联结，创造出美好的节奏和韵律。 主体表现：画家把对客观景物的观察所获得的视觉感受直接转换为画面色彩，主要运用光与色的结合，表现特定光源和环境里的色彩气氛与效果。画者把个人的情感意念转换为画面色彩，不受客体外在真实的局限，其色彩具有不同程度的主观性。利用在色彩感知中，所产生的感情和象征意义的体验与指向，通过色彩的运用，创造与情感表现主题相吻合的画面视觉效果。 使主观性色彩具有表情作用和象征意味，使油画艺术产生丰富的表现力。 老师也推荐大家要多看、多临摹，学习成熟艺术家的绘画技巧、风格在学习过程中，可提高画面颜色的选择、构图，及绘画技巧，不要担心会被艺术家的风格所束缚。 你在不知不觉中，把成熟艺术家的绘画方式、技巧，带进自己画面，绘画过程中寻找你所擅长的绘画主题，学会扬长避短使它成为你的一部分为你所用形成自己的风格。