追随梵高的脚印( 四 )－“超越梵高：沉浸式体验”

冰山一来客

文森特·梵高（Vincent Van Gogh）于1853年出生于荷兰，是现代世界上最知名的艺术家之一。他创造了众多令人印象深刻的作品，其中包括数百幅具有标志性风格的画作。梵高以饱受折磨的灵魂和独特的艺术视野而著称，从而提供了丰富的作品得以让人制作这个卡尔加里沉浸式梵高展。 　　在Beyond Van Goh Calgary | 卡尔加里沉浸式梵高展中，十九世紀末印象派大師梵高（Vincent Van Gogh）的超过200 幅精心挑选画作，以最先进的科技 360 度呈現，让你能沉浸於梵高的光影世界。 这独特的 “Imagine Van Gogh” 展览将是一次非接触式体验，并且每次入场人数有限，每场展出限时一小时，并要求观众按省级Covid-19卫生安全标准进场参观。我们在八月初就买票，进入参观体验。 “爱总是会引起麻烦，这是真的，但对它有利，它会充满活力。” -- 文森特.梵高 1884 展览以一种生动、壮观的方式将梵高的油画带到了生活中，让观众在普罗科菲耶夫、卡米尔·圣桑、舒伯特、莫扎特、萨蒂等著名音乐家悠扬古典乐的陪伴下，沉浸在文森特.梵高所创造的光怪陆离的世界里。 一座座巨型的投影板，上面写满了梵高的一生；前來參观的宾客在此時此刻都靜下來，徐徐回顾着梵高的故事。 展室中悬掛着很多镜框，可以由观众拍摄有镜框的自己特色的照片。 梵高传奇背后的人物本身与他的画作一样，这是展览的核心。梵高是有史以来最出色的艺术家之一，但他也是一个有痛苦焦虑的普通人。 梵高的杰作，摆脱了框架，活跃起来，出现和消失，流过多个表面，细节的细节刺激着我们高度的感官。通过将他自己的话语设定为交响乐谱，我们可能会对这位饱受折磨的艺术家的惊人作品有新的认识。 随着我们走进影视展室，首先见到众多的星云由上而下，滚滚而来，慢慢地呈现出梵高的自画头像来。接着又来了星云不断滾动，又呈现出不同的梵高头像，以此重复，似乎要把三十多幅不同的梵高自画像都显示一遍。由于时间关系，我们只能走向下一展室。 “在大多数人的眼中我是什么呢？一个无用的人，一个反常与讨厌的人，一个没有社会地位、而且永远也不会有社会地位的人。好极了，即使这是事实，我也要以我的作品来表明，这样一个反常的人，这样一个毫不足取的人的内心是怎样的。这是我的雄心，它的主要基础是爱而不是恨，是冷静而不是热情，我时常陷入极大的痛苦，这是事实。但是我的内心仍然是安静的，是纯粹的和谐与音乐。在最寒碜的小屋里，在最肮脏的角落里，我发现了图画。“ 一梵高。 我们一进入展厅，迎面扑来的就是巨大的1890 年5月的土黃瓶鸢尾花。鸢尾花插在花瓶里，但见她孤单的绽放，它的花形恰似一群翩翩起舞的蝴蝶，充满古怪般灼眼的热情，透出很是夺人眼目的精巧，还有那诱惑人心的抢眼色彩，使人感到这就是梵高自己。 在展览空间，我们欣赏到梵高的标志性艺术品，它以鲜艳的色彩横穿墙壁和地板。这种广阔的投影体验将著名的画作放大，扩大参观者对梵高作品中色彩和纹理深度的欣赏。 突然间又变成黑白图像，梵高年轻时候的照片和他绘画的众多画作草稿，逐一显示。 马上感觉眼睛不够用，前后左右和脚下的地面都在展示画作，有的是局部特写，有的是整幅画面。每位观众都融入了画里，在画中缓缓行走，在画中凝神观望，在画中举手拍照，在画中亲密相拥.....在画展里享受短短一段时间逃离世俗的艺术梦幻世界。 我们在这些巨大的画作投影中徘徊，被他的笔触、细节、色彩所吸引。 我知道这是《黄昏的村舍》梵高于1885年5月在纽南创作。 画作会被放大和分割，然后投影成不同寻常的形状，以强调梵高作品那令人著迷的夸张画风和扭曲动感。 这幅画《斯海弗宁恩海滩》的传奇经历，失而复得。2002年12月7日凌晨，两名盗贼翻过屋顶潜入荷兰阿姆斯特丹的梵高博物馆，偷走了梵高的名画《斯海弗宁恩海滩》和《离开尼厄嫩教堂》，画的下落从此不明。到15年后的2017年才查获被偷走的梵高两幅名画。 斯海弗宁恩海滩是荷兰最著名的海滨，该作品用粗线条和明亮的金黄色表现暴风雨来临前咆哮、激荡的大海。 “如果一个人真正热爱大自然，就会发现到处都是美。＂ 1874 年 4 月 30 日梵高从英格兰给弟弟提奥的信说到。 《吃土豆的人》，是梵高1885年于纽南所创作的著名的作品。他所画的是农民，他要描绘他们的境况，描绘如他所说的这些人身上散发出的“火腿味、烟味和土豆热气”。画中低矮的屋顶简直就要压在这一家人头上，画家似乎只有蹲在地上才画得出，多少可以体会到他对其命运的关心和对其品德的敬重。 梵高距离所画的对象又是那么近，观者仿佛因此也被引到现场，就像站在画面中间那背对着我们的小女孩的身后似的。　　他希望这幅画能强调出“伸在碟子上的那只手，曾挖掘过泥土。”同时窗外的景色，也令人深切地感受到煮土豆的香味。＂ 　　画家粗犷的笔触，阴暗的色调，与画里的内容正是相得益彰——这些人就是如此粗糙、如此无望地活过了一生。 梵高笔下的茅草屋、破牲口棚状况。 这幅《蓝色的溪谷》 1889年10月创作于圣雷米。 随后显示梵高到巴黎学习绘画时，梵高在巴黎时期创作的《阿斯尼尔的美人鱼餐厅》。 随着出现著名的阿尔勒的黄房子，以及室内卧室状况。 1888年5月梵高在阿尔勒租了一间房子居住，因为它的外壁涂成了黄色，故被称为"黄房子"。画面上建筑物的右侧即是梵高的住所(正面的窗户涂成绿色和黄色的部分)。 “我的房子沐浴在灿烂的阳光下，在这里，我可以生活、呼吸、沉思和作画。” 梵高给弟弟提奥写信说，这时候是梵高精神状态很好的时期。 梵高很早就向往"艺术家的乐园"，因此希望这个家能成为南法的"未来画室"，并且希望能够尽快地接他的穷朋友高更来一起共同生活。 在欣赏艺术作品的时候，你是否也曾想象过如果自己能“置身画中”，会是一种怎么样的体验？此时，我们正在画中。 这是1889 年的《在阿尔勒的卧室》。 　　这幅画是梵高最著名的作品之一。鲜明的色彩、非凡的透视效果和亲切的主题，不仅是梵高最受欢迎的作品, 也是他自己最中意的作品。 果园繁花。以及农村景象。《盛开的梨花》1888年4月他写道：“我也刚画了一株小梨树——土地是紫色的，背景是一堵边上种着一些直挺挺白杨的墙与蓝色的天空；一杆紫色的树身，白色的花，在一簇花上有一个黄色的大蝴蝶。” “繁枝容易纷纷落，嫩枝商量细细开” 《果园里盛开的杏树》 1888年3月 “我还有另外一幅果园，和粉色桃树的那幅一样好，是极浅的淡粉色杏树。……同时拥有色调和色彩是不可能的。你不能够同时选择两条道路，你需要做出选择；我想我会选择色彩。”是否有:“人面不知何处去，桃花依旧笑春风”的感觉？ 我们感觉好象梵高在一片金黄的世界，向前奔跑。远方闪烁的希望，是麦芒，是火焰，抑或是太阳。 梵高说：“我也像他们一样在田里耕种。” 　　在这幅《播种者》画中，梵高使用了强烈黄蓝对比色来表现夕阳下的麦田景观。开阔的前景和紧实的背景, 呈现出后退延伸的效果。农夫的姿态和位置与地面上的土沟, 形成上下动势的平衡。让我们想起:“锄禾日当午，汗滴禾下土。” 梵高说：“如果我的画卖不动，我也没有任何办法。但那一天终将到来。人们会认识到这些画要比颜料和我们花在上面的，我困顿的生计，更有价值。”事实是，在多年以后，梵高油画《收割者》拍出2.12亿。 《圣玛利海滩的渔船》 1888年6月　　圣玛利是法国南部普鲁旺斯地区的一个地中海边的渔村，离梵高居住的阿尔勒五十公里左右。圣玛利海滩是地中海沿岸很有特色的度假胜地，拥有一片难得的绵延数十里的沙滩，梵高在此完成了几幅以渔船为画题的作品，他很喜欢这里的海。 《运煤船》 1888年夏阿尔勒 《阿尔勒的红葡萄园》 1888年11月这幅画是梵高生前唯一卖出的作品。买这幅画的人名叫安娜·博赫，一位比利时艺术家兼收藏家，在1890年初她曾支付400比利时法郎买下这幅作品。让我们感受到:“西园晚霁浮嫩凉，开尊漫摘葡萄尝”。 这是一幅很漂亮的风景画，普照的阳光、火一般的光线的扩散、血红色的葡萄园、热情和精张的色调的炽热。梵高希望在他的作品中为我们画出酒的酵素和醉意、令人发狂的热气腾腾。他的色彩中的喧闹性暗示了无节制的狂欢, 葡萄园被看作是异常的促进者和主要的源泉。本幅画呈现梵高惯用的深远空间感。他用红色来描绘葡萄树, 极具表现性。梵高还将画中的阿尔农妇, 画成布列塔尼地方的装扮。 ”我不知道你是否会明白把色彩搭配好就可以表达诗一样意景，就像在音乐中可以表达安慰的意景一样。“ 《阿尔勒夜间的露天咖啡座》 1888年9月 画中, 在煤气灯照耀下的橘黄色的天蓬, 与深蓝色的星空形成同形逆向的对比, 好像在暗示着希望与悔恨、幻想与豪放的复杂心态。梵高已慢慢地在画面上显露出他那种繁杂而不安、彷徨而紧张的精神状况。这家名叫兰卡散尔的咖啡馆, 由于通宵营业, 因而被称之为“夜间的咖啡馆”。 在梵高完成此画的100多年后, 这家咖啡馆一直是阿尔勒人喝咖啡的地方, 现在被称做梵高的咖啡馆, 仍旧保留着那黄色的雨蓬和所有的东西。我们2017年曾经到过这家咖啡馆怀旧。 《阿尔勒夜间咖啡馆室内》 1888年9月这幅画采用高视点, 并以台球桌为中心展开放射状的景物安排。画中运用透视法的原则, 黄红绿三色互补, 同时使整个画面产生压迫感。冷清的咖啡馆中, 人物散坐在屋内两侧, 寥寥可数, 越发呈现出咖啡馆内空荡荡的气氛。老板站在偏离中央的地方, 孑然一身, 在这间大屋子里, 看上去格外渺小。这个不祥之地弥漫着凄凉和孤寂的气氛。 看着繁星之夜，你觉得忧郁。当您仔细观察时，发现作品中一半使用了绿色。梵高对颜色的运用令人着迷。我们在整个空间中穿行并从三个维度体验梵高的作品时，每一种感观都参与其中。我们实际上是进入了绘画内部，我们进入了他的世界，想像他在画《星夜》时，他身后发生了什么？ 看着满墙的星空，整个世界似乎都静了下来。灯光和音乐把梵高画中的天空和云朵变成会闪烁的光影。 梵高的画作常常散发出一种不真实的梦幻感，而如今在新冠疫情下观看，更让人感觉陷入画家在一百多年前一笔笔打造的魔幻世界。满眼的蓝色主色调，旋转着、挣扎着、痛苦着、憧憬着、迷茫着......正如疫情下的我们。 《罗纳河上的星夜》灯影摇曳、神秘浪漫。立刻让人想起:“海上生明月，天涯共此时”的佳句。梵高也说：”如果你因失去太阳而悲伤，你也将失去星星。 “ 《罗纳河上的星夜》是梵高最有影响力的作品之一，冷色迷人的深蓝短线铺满整个夜空，强而有力的笔触表达出夜的深沉神秘与无法预测，而点缀其上的微明星子，与倒映在河面上的瓦斯灯灯影相互辉映，表达出画家澎湃的内心。蓝色主调抹上黄调的星光河沿岸灯火，一对男女在河畔牵手夜行，那是罗纳河最典型的浪漫之夜。 无法捕捉到的梦幻星夜，用心记住就好。 梵高笔下的众多的人物肖像。光梵高给好朋友画过肖像的就有：邮递员鲁林、精神病医生加歇、画具商唐基、军人米里耶、画商里德、农民埃斯卡利耶、诗人博赫、疗养院医生雷伊、医院服务员特拉比克等。 《餐馆老板》 1887年春 <div>梵高说：“将来一定有一天，我的画可以卖到200法郎一幅。到那时我就不会对吃喝感到过分耻辱，好像有吃喝的权利了。”可惜这个时候来的太晚了，1990年5月15日一幅《加歇医生肖像》售价达8250万美元的时候，他已经去世了刚好100年！ </div> 《有粉红色背景的阿尔勒的妇女》（吉努太太） 1890年2月圣雷米虽然梵高笔下的这位阿尔勒妇女不是厨房里的妇女角色,但是表现出更浓的家庭生活气息和母性内涵。 《梵高母亲的肖像》这是梵高母亲的肖像画，创作于1888年10月，通过这幅油画，可以看出，虽然梵高的内心那样孤独寂寞，忧郁哀愁，但他对母亲是一种真诚的爱，向往爱的世界。画面母亲的慈祥，表现出画家内心深处的美好祝福和希望。梵高是出生在一个中产阶级的家庭，有父亲、母亲，两个弟弟，三个妹妹，遗憾的是，梵高给亲人画的油画，仅此一张，甚至连与他最亲密的弟弟也没给他画过。 《阿尔勒的女人》梵高。　　阿尔勒的女子以具有“地中海地区特有的美”而著称, 梵高花了几个月的时间寻找具有此种特征的模特。他终于找到了一个合适的阿尔勒人，名叫玛丽·吉努，她跟丈夫一起经营一家档次不高的车站咖啡馆，梵高和高更都经常去，并以她为模特。梵高用很多脸部轮廓线来表现吉努太太陷入沉思，手套和阳伞为女主人公的普罗旺斯装束增添了新潮气息 《摇摇篮的鲁林夫人》。既表现了母性又没让婴儿露面。画面上的鲁林太太稍微侧着身子，侧身的角度刚好避免和看画者有直接的目光接触。她坐在一张扶手椅里，右手搭在左手上，梵高还有几张同样的画都是左手搭在右手上，神态有些忧郁，因为她那张脸显得有点呆板，看上去正在出神地想什么心事，她既不瞧看画者，也没低头瞅那个并未画出来的婴儿，画面上唯一涉及婴儿的东西是她手中那根拉摇篮的绳子。 《独眼男子像》 1888年12月 《邮递员约瑟夫·鲁林》 1888年8月。在19世纪的法国，约瑟夫·鲁林作为邮递员是一个典型的养家糊口的人。他是3个孩子的父亲，每天辛辛苦苦的赚钱，但是善良的鲁林成为了梵高在阿尔仅有的几个朋友之一。这件作品是通过瑞士经销商和藏家Thomas Ammann以私售的形式5800万美元卖给了纽约现代艺术博物馆。 《妇女坐像》 1886年春巴黎和《阿尔老太太》 1888年2月阿尔勒 《诗人》 1888年3月份阿尔这是梵高朋友尤金·博赫的肖像，梵高将这幅画取名叫《诗人》（Poet）。对于尤金·博赫也许不为人所知，但对于梵高一生中只卖出一幅画的《阿尔的红葡萄园》应该广为人知，买这幅画的人名叫安娜·博赫的哥哥就是这个在天青石蓝背景衬托下穿着黄西装的画中人，名叫尤金·博赫（Eugene Boch 1855-1941），他和劳特累克曾经是法国历史画家柯尔蒙的学生，梵高的好友，诗歌爱好者，后来也成为比利时画家。他的画名气不大，倒是梵高给他画的这幅肖像画名气很大。 紧接着显示众多的静物花卉图案。梵高画过许多花，如他的生命一般绚烂！显出画家狂热的生命激情。 左边的是《红罂粟和雏菊》。 2014年11月5日，这幅梵高1890年的画作《红罂粟和雏菊》在纽约苏富比以 5500万美金落槌，6176.5万美元成交，折合人民币3.77亿元，买家为来自中国的华谊兄弟董事长王中军。中间的是《花瓶里的鸢尾花》 1890年5月梵高似乎也如同喜欢向日葵一样喜欢画这种植物，灿烂的蓝紫色十分突出，整幅画面富有活力，洋溢着清新的气息。 《十五朵向日葵》，1888年特意站在《十五朵向日葵》的画面墙前拍照留影，我脚下正巧是一朵绽放的向日葵，它向四面八方张扬着硕大花瓣，看不清未来的茫然，又透着不放弃的倔强。 《有剑兰和翠菊的花瓶》 1886年夏末巴黎 《花瓶中的花束》 1890年 6 月奥维尔 《瓶中薔薇》 1890年5月 中间是《玻璃杯中盛开的杏花》 1888年3月初，右边是《花瓶里的锦葵属玫瑰》1890年6月奥维尔 繁花似锦。 “就像此前我们跟你说过的，如果是儿子，我们将以你的名字命名他。我们希望这孩子以后可以像你一样有决心、有勇气。” 1890年，是梵高生命中的最后一年，他精神濒临崩溃、健康严重恶化、经济更加困顿的一年。恰恰也是这一年的一月，令梵高最快乐的事，就是他的弟弟提奥唯一的孩子出生了，名为：文森特·威廉·梵高。当提奥和妻子乔安娜写信告诉梵高新生儿的喜讯时，喜不自禁的梵高马上开始作画，为自己亲爱的侄子画了这一副《盛开的杏花》。画面上，乍暖还寒的春日，天空湛蓝清澈，杏花悄然绽放，灿烂枝头。杏花带来了春天的喜悦，正如侄子的出生为梵高所带来的欢乐一样，满溢而出。现在这幅画已成为梵高家族精神的象征，被挂在每一代梵高后代新生儿的床头。 梵高曾梦想有一个家，但这梦想被现实残酷地粉碎了。可以想象，当他听到提奥有了孩子是多么喜悦，他看到了新生命，看到了充满希望的未来。于是他画了这幅杏花，作为贺礼送给自己的侄儿。早春时节，杏花最早开放，预告着新生命的开始。 让我们觉得有:“春色满园关不住，一枝红杏出墙来”的意境。 《盛开的杏花》一片清淡雅致，一眼就能看出受到了日本版画的影响，但细看每一片花瓣，似乎都是活的，没有一点呆滞，流动着生命的气息。<div>超越梵高展之盛开的杏花。 </div> "认识自己难，画自己也不容易。" 梵高如是说。 绚烂色彩拼凑出的孤独一生。 “幻觉或许会消逝，但崇高永存。” 梵高自画像，从1886年到1889年之间创作了40多幅，现在能找到具体出处的有38幅。梵高笔下的自己，时而西装革履，仿佛一位中产阶级；时而头戴草帽，像麦地里的农民；有时拿着画笔，有时叼着烟斗，表情有庄严、有狰狞、有呆滞、有平和，唯独不见微笑。通过自画像这一形式，梵高为我们展现了他的愤怒、疯狂、忧郁和质疑，也给这个世界留下了他的勇敢、热情和用生命燃烧自己的不朽形象。 《戴草帽的自画像》，这幅戴草帽的自画像都完成于1887年，此时梵高开始受到印象画派的影响，色彩更加明亮。《割耳朵后的自画像》，这幅自画像创作于1889年1月，在梵高所有的作品中是比较著名的。这幅画表面很平静，但是忧郁的眼神、骨骼鲜明的脸颊、满头的绷带，仍然给人强烈的视觉冲击。 《圣雷米时期自画像》，1889年5月，梵高来到圣雷米医院接受治疗，他本人把这幅画看作自己神志清醒的标识，画面中，梵高的眼神坚定、有力，蓝色为主色调，背景中混合了灰色、绿色。 <div> </div>影视展室的最后是麦田群鸦。<div>在创作这幅画之后仅数周时间，梵高就自杀了。这幅画被认为是梵高最后的一幅画，成群的乌鸦在昏暗阴沉的天空中飞舞，一条小径前无去路－这一切都预示着他的死亡。 </div> 梵高最后一幅作品《麦田群鸦》 1890年7月奥维尔这幅画充满着恐怖、不祥的感觉, 梵高似乎已经超越了灵魂上的生死境界, 置身于异世界的试炼, 并试图将此世界置于笔下。 　　梵高精典语录。"我想画出触动人心的素描，我想透过人物或风景所表达的，不是伤感的忧郁，而是真挚的悲伤。" "当我画一个太阳，我希望人们感觉它在以惊人的速度旋转，正在发出骇人的光热巨浪。<div>当我画一片麦田，我希望人们感觉到麦子正朝着它们最后的成熟和绽放努力。</div><div>当我画一棵苹果树，我希望人们能感觉到苹果里面的果汁正把苹果皮撑开，果核中的种子正在为结出果实奋进。</div><div>当我画一个男人，我就要画出他滔滔的一生。</div><div>如果生活中不再有某种无限的、深刻的、真实的东西，我不再眷恋人间……" </div> 当我们离开展室的时候，似乎还和这位＂一生都未得到爱＂的画家在一起，沉迷在他的不朽画作之中⋯。