《亘：艺术的穿越方式》‌（2）”《苏州慢生活》系列之七十

姚传良

（接上篇）位于苏州现代美术馆8号馆的“亘:艺术的穿越方式”‌ 中的第二篇章。由北京画院院长吴洪亮策划，集结27位/组中外艺术家的55件作品。‌‌“来回”篇章位于8号馆二层，承接一楼“俯仰”篇章对历史与时空的追问，转而回归脚下的土地与身边的个体，传递贴近本土的人文温度与在地关怀。这一篇章的重点展品包括：‌‌黄永玉与张梅溪的白描长卷‌：1973年二人同游拙政园后创作，线条流畅，捕捉了江南园林“移步换景”的空间美学。赵仁辉《都市荒野侦探》‌：用13个屏幕呈现上官山长达三个月的红外摄影，还原人类退场后荒野的回归。秋麦《长江万里图》‌：以卫星定位取景拍摄，展出“申浦”“通州”“海门”三段，聚焦长江入海口。施慧《璧》《玦》《环》系列‌：以宣纸和纸浆复刻良渚文明玉器形制。‌‌ 黄永玉《苏州拙政园白描长卷》材质类型‌纸本水墨。这幅长卷全程采用纯粹的白描手法创作，不施任何色彩，也没有额外的皴染处理，仅依靠流畅且富有节奏变化的线条，精准勾勒出拙政园里亭台错落、曲径通幽的景致，完美捕捉到江南园林“移步换景、虚实相生”的独特空间美学。1973年黄永玉与妻子张梅溪同游拙政园，被园林的意境深深打动后创作了这幅长卷。次年他五十岁时，又为这幅长卷题写了补记，标注出倒影楼、浮翠阁、宜两亭等园内胜迹，原本计划给画中建筑标注名称，最终决定保留这份留白，让画面多了一重含蓄的想象空间。 局部。 赵仁辉《都市荒野侦探》《都市荒野侦探》是新加坡艺术家赵仁辉受邀参与苏州当代美术馆“空间生产力”项目的创作成果。这件作品由艺术家精心设计的墙纸和13个屏幕的影像组成，墙纸上均匀分布着村庄、池塘、黄鼠狼、画眉等图案，这些形象都来自曾“闯入”摄像头里的真实动物，影像部分则播放着艺术家在废弃村落里拍摄的影片。2024年5月，艺术家实地考察了那些容易被现代都市生活所忽视、遗忘或掩盖的“都市荒野”空间，并在苏州一处“荒野”的密林中架设了多部红外摄影机，进行了长达3个月的影像记录。赵仁辉试图从海量的影像素材中追踪和捕捉生命的蛛丝马迹，最终编辑为这部综合影像作品。 秋麦《长江万里图》之申浦 三桠皮纸上摄影打印。这是艺术家秋麦耗时五年创作的《长江万里图》系列中的代表性作品，该系列完整覆盖了从长江源头到入海口的全段地理脉络。‌选用三桠皮纸作为输出介质，这种特殊纸张自带类似传统书画的温润质感，让摄影作品和中国古典山水手卷的视觉气质高度契合。‌这件作品是秋麦参考宋代同名古画的创作脉络，以古画中标注的地理点位为线索，借助卫星地图规划实地拍摄路线完成的创作。“申浦”指代的是长江下游临近上海的黄浦江流域，作为长江入海口的标志性段落，这件作品用低饱和度的朦胧影像，把现代都市江岸的景观和千百年前古典山水的悠远意境融合在了一起。 秋麦《长江万里图》之通州该作品是秋麦耗时五年创作的《长江万里图》系列中的42件手卷式作品之一，整个系列创作周期为2010至2015年。‌创作核心参考了收藏于美国弗利尔美术馆的宋代佚名同名古画，秋麦以古画中标注的地理点位为取景依据，借助卫星地图完成精准的行程规划。“通州”对应长江下游临近入海口的南通通州段，属于长江三角洲城市化程度较高的江岸区域，是秋麦记录工业与城市地理变迁的代表性取景地。 施慧《璧》《玦》《环》系列施慧的《璧》《玦》《环》系列，是她为苏州当代美术馆“亘：艺术的穿越方式”展览量身创作的‌纸浆纤维装置新作‌，以宣纸和纸浆复刻良渚文明玉器形制，完成了“易朽之纸”与“恒久古玉”的奇妙材质对话。‌艺术家打破玉器坚硬冰冷的固有印象，用最柔软、最易逝的宣纸与纸浆，塑造出玉一般的厚重体量与温润肌理，素白的纸质表面隐约透出山河纹理的朦胧质感。‌三件作品分别对应良渚玉器的经典形态——《环》为完整无缺的大圆环形，《璧》是中心开孔的规整圆璧，《玦》则是带一处缺口的环形，精准还原了古玉的文化符号特征。作者长期以來就一直以纸浆为核心媒介，完成“凝纸为石”的材质转化，把柔软的纤维塑造成具有雕塑感的硬质形体，在素白的东方意境里完成对传统文脉的当代转译。 张晓刚《表皮8号：刺眼1号》‌创作媒介‌油彩，综合材料。‌这件作品属于张晓刚近年推出的《表皮》系列，是他创作生涯中一次关键的风格转向：褪去了过往标志性的图像叙事与象征符号，转而聚焦绘画语言本身，通过层叠的肌理、反复堆叠的色层，营造出类似中世纪湿壁画的考古质感，传递出极具个人化的精神体验与生命温度。从对应的作品画面中可以看到，人物肢体与面部的形态被巧妙解构融合，画面整体布满细密的裂纹肌理，模拟出古旧壁画历经岁月侵蚀的质感，色彩克制内敛，将视觉焦点完全引向材质本身带来的“切肤之感”，这也正是《表皮》系列最核心的表达特质。 何多苓《杂花写生1-4》媒介材质‌纸本木炭。展览同时呈现四幅《杂花写生》作品。2012年，何多苓开始了杂花写生系列的创作。艺术家摒弃了西方印象派的画法，采用中国画的方法进行空间压缩，将物象简化为二维平面，以更主观的方式表达。铅笔在纸上游走，不事雕琢，花的轮廓在寥寥数笔间浮现，又似随时会消散。 张晓刚《失忆与记忆》张晓刚，中国当代极具国际影响力的标志性艺术家。画面材质‌：布面油画‌画面里的灯泡、电线、旧书籍都是艺术家反复使用的私人记忆符号，灯泡的意象源自童年记忆里父亲反复开关电灯的日常细节，旧书与泛黄书页则呼应了展览“读者与作者”的核心主题。作品将私人化的记忆碎片与集体时代的阅读经验融合，用静谧的画面氛围传递出对过往时光、个体记忆的回溯与思考。 张晓刚《表皮14号：烛火》媒介材质‌油彩，综合材料。如果说，人文情感的描述只是画家工作的一件外衣，那超自然和神性的光辉又如何抵达？张晓刚在这一系列作中，并不追求一种风格，他有意保留一些模糊感受，以打破了过去作品的完整性。空间的韵律被有意地削减，被色块的穿插与层次所替代。强烈的光影和反复的描绘，让形体变得异常结实，像是穿越时代而来的古老建筑与雕塑。这件作品属于张晓刚近年推出的《表皮》系列，该系列是他创作生涯中一次关键的重心转移，彻底将焦点拉回绘画语言本身，褪去了过往标志性的叙事张力与象征符号，转而以层叠的肌理、反复的绘画动作、色层堆叠的考古质感，在“记忆”的母题之上让表达更内敛纯粹。 左侧是一件大型枯木松树装置，保留了完整的树根形态，枝干舒展，造型极具东方禅意。右侧墙面上悬挂着一幅弧形彩虹主题的艺术画作，色彩层次丰富，作品《霓石一散》是徐累耗时六个月完成的绢本里程碑式杰作。《霓石一散》是想象力的结晶，将石的坚实质感与虹的空灵缥缈并置，这种现实与幻象的互动构建出辩证统一的关系，暗合了“太极两仪”（阴与阳）的原初本质。拍摄地点在8号馆1~2楼。 喻红《精卫》《精卫》这幅作品本身，它呈现了精卫鸟的形象，但与其传统形象大相径庭。精卫鸟的身体由废弃的建筑材料构成，如红砖、钢筋等，这些材料被巧妙地组合在一起，形成了精卫鸟的身躯。背景是金色的，与精卫鸟的灰白色和黑色线条形成鲜明对比，使得整个画面既神秘又富有视觉冲击力。整体来看，《精卫》这幅作品通过现代艺术手法重新诠释了传统神话故事，将精卫鸟的形象与废弃建筑材料相结合，引发观众对于自然、环境、人类活动以及文化传承等问题的思考。喻红的作品在国内外的艺术展览中广泛展出，受到了艺术界的高度关注。不仅在国内的重要美术馆和艺术机构举办个展，还多次参加国际知名的艺术展览，如威尼斯双年展等，在国际艺术舞台上展示了中国当代女性艺术家的风采。‌她的众多作品被国内外知名的美术馆、博物馆和私人收藏家收藏，这充分证明了她的艺术价值和市场认可度。 喻红作品《夏娃》材质工艺‌布面丙烯。喻红非常大胆地从古代宗教艺术作品、寓言和众多跨文化的日常场景中汲取灵感，在她所创造的新世界里，二元对立的传统概念——比如自然与现代、神话与世俗——都不再是绝对的。在《夏娃》这件作品里，夏娃这个形象在当下语境中拥有了全新的意义，她不再是那个需要被定义、被规训的符号，而是成为了一个在当代社会中自在生长的独立个体。对喻红而言，夏娃的故事在当下可以被重新解读，她不再是原罪的开端，而是代表着女性自主选择、探索自我生命可能性的起点。 徐累《镜花缘》材质工艺‌纸本设色，延续了徐累标志性的传统工笔技法，同时融入当代绘画的色彩晕染逻辑。作品名称直接呼应清代李汝珍的经典奇幻文学《镜花缘》，没有直接复刻原著里的海外奇谈、异国游历情节，而是提取原著“虚实相生、镜花水月”的核心东方哲思，把古典文学的意象转化为更具当代感的视觉表达。延续了徐累四十年创作里一以贯之的思辨维度，没有直白地输出叙事内容，而是用朦胧、隐喻的视觉语言，呼应原著里对性别议题、社会观察的深层探讨，在纸本的细腻肌理里完成古典精神与当代视角的隔空对话。 　　周春芽《狮子林一景》作品材质‌纸上丙烯。这件作品属于周春芽近年的园林系列创作，狮子林作为苏州经典的中式园林，是他探索东方传统山水观与当代表现主义语言融合的重要题材。这类纸上丙烯作品依托灵动奔放的笔触，跳出传统园林绘画的范式，用浓烈的色彩和松弛的笔意重新诠释古典园林的当代生命力。 周京新天池山寂鉴寺写生‌材质工艺‌纸本水墨。‌该系列作品源自2017年周京新于天池山寂鉴寺的实地写生，艺术家主动跳出传统写生的固有约束，在自然风物中以纯粹的书写性笔墨直面自我，在山野写生的过程中完成了一次沉静的艺术自省与笔墨语言探索。 8号展厅平面本身就是“回”形螺旋布局，上下挑空贯通，没有预设固定路线，“就像苏州园林，走进去之后面前会分出数条路径，每一条路径都成立”。展览从“俯仰”到“来回”的布局与8号馆回形螺旋的建筑形制天然呼应，形成L可游、可感、可思的艺术穿越体验。 ‌隋建国《云中花园——9个一立方》‌作品的创作背景根植于隋建国十余年的数字雕塑探索脉络，同时也是为苏州当代美术馆开馆大展量身定制的核心作品。将手捏泥土的原始形态经3D扫描放大，把柔软的泥土温度凝固为坚硬的光敏树脂雕塑群落。艺术家最初尝试闭着眼睛徒手捏泥，刻意避开过往几十年学院雕塑训练的理性控制，完全让身体的本能触觉主导创作，留下最本真的手迹痕迹。从2012年起，他开始引入3D扫描、光敏树脂打印技术，把掌心大小的手捏泥团放大为巨型雕塑，逐步完成了“流星”“岛屿”等多个子系列的探索，积累了成熟的技术路径。他刻意让手工的“非理性痕迹”与数字打印的“理性生产”形成碰撞。最终艺术家将9个独立的一立方单元串联成12米长的雕塑群落，完全适配展厅回环贯通的观展动线，让观众可以环绕行走、近距离观察表面留存的指纹细节。 在笔者游览过程中，全程讲解的是美术馆的一位志愿者，（她毕业于德国柏林艺术大学，攻读西方艺术史专业，柏林艺术大学（UdK Berlin）是柏林公认最好的艺术类院校，也是欧洲规模最大的艺术高校）。‌‌讲解专业且详细，谨此向老师深表感谢。 背景音乐：《帕格尼尼主题狂想曲》。（2026年11月11日制作）。