芝加哥斯马特艺术博物馆

顾江禾

本次展览《我们如何治愈？》（How Do We Heal?）探讨了艺术与治愈之间的联系。它探讨了这些合乎时宜的问题，因为我们今天仍在努力应对持续的社会治愈，包括 COVID-19 疫情的影响、国际战争以及对种族不公正等的清算。《我们如何治愈？》从更广泛的视角来看待从不同挑战中治愈的过程，并通过斯马特（Smart）的永久藏品来思考艺术在这些过程中的作用。它被组织成六个主题区域，横跨前展厅和后展厅：健康、悲伤、流离失所、创伤、正念和保护。这个主题展览汇集了跨越时间、地理和艺术媒介的艺术作品，以审视历史上和当今艺术与治愈之间的关系。当您漫步于展厅时，我们鼓励您思考这些问题，并找到与您自己的治愈旅程产生共鸣的艺术作品之间的联系。

teamLab25周年艺术展，融合东方美学，算法实时渲染，探索人与世界的感知边界。

这是teamLab《自我与世界的连续性》展览，打破自我与世界的传统边界。互动数字光影把观众、动作与空间相融，诠释人是世界连续整体的一部分。

这件作品是《混沌中的秩序》，由程序实时渲染，并非预录动画，效仿鸟群、生命循环，展现混沌之中自然生成的秩序。画面不停流转消散，每一刻景象独一无二，演绎世事无常；算法持续运转，又代表数字世界里永恒的生命循环。

teamLab数字艺术《生命蓬勃生生不息，金碧》｜芝加哥大学永久馆藏，每一瞬间都是绝版画面。

它被芝加哥大学斯马特博物馆纳入永久馆藏，也是这座博物馆第一件计算机算法数字艺术藏品。

它不是循环播放的录好视频，而是算法实时渲染：花朵萌芽、绽放再凋零，生生不息，每一刻画面独一无二，转瞬即逝。

作品借鉴日本琳派、大和绘美学，金碧箔片背景搭配流水纹样，繁花在画面中不断生长。芝加哥大学师生还把它当做教具，融合计算机、生态学科，探索艺术与科学的跨界魅力。

这段视频展示的是由艺术团队 teamLab 于 2019 年创作的数字艺术作品《生死无止尽，此刻即永恒 II》（Continuous Life and Death at the Now of Eternity II）。

12 通道数字影像作品（无尽循环）核心意境：作品展现了花朵从诞生、盛开到凋零的生死循环。画面的明暗会随着现实中所在地区的日出与日落而实时变化，将观者的时空与自然的流转融为一体。

作者：尼克•凯夫（Nick Cave）（出生于 1959年，美国）

作品《声音外套》（Soundsuit）2011年，用

树枝、金属丝、室内装潢面料、篮子和金属骨架制做。

细小的树枝装饰着这件雕塑般的服装——或称“声音外套”——穿着者的头部上方还放置了一个大篮子。

当代艺术家尼克•凯夫在1991 年加利福尼亚州洛杉矶发生罗德尼•金（Rodney King）遭遇警察暴力执法事件后，开始创作他如今广为人知的“声音外套”系列。诞生于那场创伤性事件后的悲伤与哀悼过程中，凯夫利用在芝加哥格兰特公园捡到的树枝制作了他的第一件“声音外套”。这件“声音外套”创作于较近的

2011年，但它延续了早期利用树枝和现成物进行创作的实践，以此来应对挥之不去的种族不公和不平等。凯夫的“声音外套”在身体与周围环境之间筑起了一道屏障，为穿着者提供了一种保护，并隐藏了其身份。

Mel Chin（生于 1951年，美国）

《鸟是那个词》：北卡罗来纳变奏曲（Bird is the Word：North Carolina Variation) 2019年

词典的页面经过蜂蜡的重新定型和模压，组成了这件乌类雕塑。该词典中包含对现已灭绝的卡罗莱纳长尾鹦鹉（Carolina parakeet）的定义和描绘——在这件雕塑中也有所体现——这是唯一一种原产于美国东部的鹦鹉物种。当代艺术家陈美（Mel Chin）的艺术实践探索了生态、记忆、科学、技术和政治等主题。在这里，陈美呼吁人们关注灭绝物种的丧失，特别是人类干预对环境和我们自然世界的影响。

Cosmo Campoli（生于 1922 年，美国 - 卒于 1997 年，美国）

《死亡的诞生》 (Birth of Death)1950–51 年

青铜铸造

这件作品的核心核心概念是生与死的共生关系。在传统观念中，诞生代表希望，死亡代表终结，而坎波利通过一个扭曲、原始且略显怪诞的形体，将“出生”与“死亡”这两个本是对立的生命阶段融合在同一个戏剧性的瞬间。雕塑表现出一种生命从母体或未知的混沌中挣脱、诞生的状态，但在其诞生的一刻，它所继承和携带的便是不可避免的走向消亡的命运。

艺术家 宇宙·坎波利 (Cosmo Campoli，1923–1997)于1950-1951创作的《死亡之鸟》(Bird of Death) 铸铜雕像。

• 造型与隐喻： 这件雕塑呈现出一个带有多孔粗糙表面、神似卵状生物或原始器具的球体主体，其上延伸出一个带着惊恐或痛苦面孔的独特变异头像（或鸟头），球体侧面也长着类似带有空洞、痛苦张嘴的微型面孔。

• 生命与死亡的循环： 坎波利的创作常常围绕着“诞生、蜕变、死亡和重生”的生命循环。他将青铜材质处理得如同饱经风霜的考古出土物或天然岩石，以此表达一种根植于潜意识、带有仪式感和战后焦虑的精神力量。

这件作品是英国著名现代主义雕塑家芭芭拉·赫普沃斯（Dame Barbara Hepworth，1903–1975） 于1959年创作的抛光青铜雕塑，作品名为《宁静的头像（西娅）》

位于雕塑中上方的圆形内凹部分，暗示了眼睛的意象，同时也是其抽象景观艺术的体现。这种向内凹陷的形态能够很好地捕捉并汇聚光线，使抛光青铜表面产生柔和的明暗渐变，增强了雕塑的整体纵深感。

•标志性的“穿透”哲学：赫普沃斯是现代雕塑史中最早尝试在雕塑中心“挖洞”（孔洞，Pierced Form） 的先驱之一。对她而言，虚空间（负空间）和实体的青铜具有同样的雕塑分量，凹陷或孔洞将周围的空间和光线引入雕塑内部，打破了传统雕塑的封闭性。

英国著名现代主义雕塑家芭芭拉·赫普沃斯（Barbara Hepworth）于1960年创作的标志性现代雕塑作品《护身符 II》

雕塑呈现出有机的生物形态。她最具颠覆性的现代主义特征就是对雕塑进行“穿孔（Piercing）”，使空洞和负空间成为雕塑形体的一部分。这种手法不仅减轻了石材的沉重感，还引导光线与周围的空间与雕塑融为一体。

这幅画是由美国芝加哥女性主义艺术家 霍利斯·西格勒 (Hollis Sigler, 1948–2001) 于 1981年 创作的布面油画，名为 《还有更多——所有让你看看未来有什么在等待着你的好理由》（"There's More—All Good Reasons to See What's in Store For You"）

维尔·穆恩什（生于 1955 年，印度）

“葬礼” 创作于2001 年

木材、油漆、喷墨打印照片、金属和塑料花

一个带有黄花的弧形船形结构被倒挂在一个长方形雕塑上方，两侧延伸出短柱。艺术家的自画像照片被贴在雕塑两侧的外观上，每张照片下方都刻有诸如“移民（migrant）”、“极端分子（extremist）”和“难民（refugee）”等单独的词汇。媒体和激进的伊斯兰主义者曾使用这些词汇来标识 1990 年逃离克什米尔的人群，其中包括艺术家维尔·穆恩什本人。穆恩什自此一直过着流亡生活，这一经历至今仍是他艺术创作的核心。

这幅作品是原住民艺术家 亚瑟·阿米奥特（Arthur Amiotte） 创作的名为 《伤膝谷 III》（Wounded Knee III） 的混合媒介拼贴画。

它是一幅视觉的Relational Archive（关联性档案）。它通过把白人主流媒体的报道《The Press》拆解，与原住民的亲身历史记忆拼贴在一起，旨在打破西方中心主义的历史叙事，控诉殖民者的掠夺，同时赞颂原住民在历经灭绝危机后依然坚韧不灭的文化生命力。

这幅画作是由日本著名版画家小原古邨（Ohara Koson，1877–1945）在 1910 年左右创作的传统木版画（新版画运动时期的花鸟画），名为《水边涉水的白鹭》（Wading Egret）。

这幅标志性的现代日本木版画名为《神圣之鹤》（Sacred Crane），由日本著名版画艺术家河野薰（Kawano Kaoru, 1916–1965）创作，被藏于芝加哥大学司马特博物馆（Smart Museum of Art）等世界知名艺术机构中。

河野薰是日本20世纪中叶“创意版画”（Sōsaku-hanga）运动的代表人物，该运动主张艺术家“自画、自刻、自印”，完全独立完成创作。

作品名为《树干上的双鹤》（Pair of Cranes Standing on a Branch），是日本明治至大正时期的著名画家、木版画大师尾形月耕（Ogata Gekkō, 1859–1920）于约1900年创作的彩色木刻版画（木版画）。

这幅画作是日本江户时代晚期著名的南画（文人画）大家山本梅逸（Yamamoto Baiitsu, 1783–1856）的作品，名为《柳鹭图》（Egrets and Willows）。

画面左上角的题款中，落款最后两个字清晰可辨为“梅逸”，下方还钤有其个人的名章。山本梅逸精通中国宋元时期的传统花鸟画技法，其作品笔墨细腻、清秀高雅，这幅描绘柳渚双鹭的挂轴完美体现了他极具文人气息的画风。

苏西·弗里曼（1956年出生于英格兰）

《从摇篮到坟墓样本》（Cradle to the Grave Sampler）约 2003 年

各种颜色鲜艳、形状各异的小片状药物样本被排列成一个松散的网格图案。苏西·弗里曼（Susie Freeman）的艺术作品扩展了对“治愈系物品”的思考，将当代社会中药物的“物品属性”（object-like quality）也纳入其中。它还探讨并质疑了医疗保健行业中药物和制药在促进康复方面所起的作用，特别是在弗里曼生活和工作的英国。作为一名接受过专业训练的纺织艺术家，弗里曼在一项更大规模的《从摇篮到坟墓》艺术创作倡议中，与一位医生和一位影像艺术家展开了合作。

H. C. (Horace Clifford) Westermann

（生于 1922 年，美国；卒于 1981 年，美国）

给玛莎的纪念碑 (Monument to Martha)

1960年

松木、殖民地卡斯克松木线条（Colonial Casque pine molding）、胶合板、镜子、锡、铸金属士兵、塑料贴纸和纸

这幅画是美国艺术家西摩·罗索夫斯基（Seymour Rosofsky）于1961年创作的布面油画，题为《牙医椅上的病人》（Patient in Dentist's Chair）。该作品现收藏于芝加哥大学斯马特美术馆（Smart Museum of Art）

作品简介与背景

罗索夫斯基是二战后芝加哥著名的“怪兽名册”（Monster Roster）艺术运动的核心成员之一。这一流派的艺术家深受二战后的存在主义思潮（Existentialism）和心理学影响，不同于当时纽约风靡的抽象表现主义，他们坚持具象绘画，常常通过扭曲、夸张甚至有些恐怖的人体形态，来表达战后人类普遍的焦虑、脆弱与内心挣扎。

• 画面内容： 画面描绘了一个极具戏剧性和压迫感的医疗或手术场景。一个身体被束缚、近乎僵硬的病人躺在巨大的、带有强烈机械感的牙医椅或手术台上，上方站着一个模糊而冰冷的面具般医护人员。

• 艺术表达： 罗索夫斯基在这幅画中运用了错综复杂的线条、几何色块以及阴暗幽闭的冷色调，将原本平常的“看牙医”日常经验，转化为了对身体脆弱性、现代工业与医疗体制对个人的控制，以及人类在面临肉体痛苦时孤独、无助状态的深层哲学隐喻。这一独特的视角也成为了战后芝加哥存在主义具象艺术的经典代表作之一。

《手术室》黄铜浮雕

约瑟夫·哈勒·沙夫纳捐赠，以纪念其挚爱的母亲萨拉·H·沙夫纳

这两件艺术品展示了艺术家如何描绘医疗空间以及照顾和治疗病人的群体。在左侧，画作描绘了一位牙医在牙科诊室治疗病人；而在右侧的艺术品中，一位病人正在一组医疗专业人员的围绕下接受手术。

在不同的艺术风格和媒介中描绘这些临床设施和医疗场景，表明了人们对视觉化健康相关主题的广泛关注。

算法数字艺术品首次被芝加哥大学Smart博物馆收藏，数字艺术用实时算法演绎生死与混沌之美。手机拍摄的效果不佳，现场观看才能体验到真正的视觉震撼。