<p class="ql-block">二年一次的静安国际雕塑展在静安雕塑公园开幕了。一晃已经是第九届了。每届雕塑展我都会如期前往观看雕塑家的作品，今年雕塑展的主题是“空间涌现”，意为“生存的轮廓”。</p> <p class="ql-block">展览于9月24日至12月31日举行，核心展区在静安雕塑公园，延伸展区覆盖南京西路、苏州河静安段沿线，共呈现来自14个国家的33组艺术家的36组作品，其中国际作品占比近60%，近70%为全新委任作品。我今天观看的是雕塑公园的全部作品。</p> <p class="ql-block">以上是韩冬（中国）的二件作品《献给太阳的颂歌15号 (云兽 3)》、《献给太阳的颂歌5号 (宇宙之心)》和李林迪（澳大利亚）的《星光余烬的隐秘世界》。（最右边的是常设作品）</p> <p class="ql-block">《献给太阳的颂歌15号(云兽3)》延续了韩冬对自然、宇宙与原始精神世界的探索。作品以横向延展的形态展开,低矮而绵长的尺度使其既具有动物般的身体感,又呈现出云气、山石或某种未知生命体的形态特征。"云兽"并非对现实动物的直接描绘,而是艺术家融合自然观察、神话想象与原始生命意识而形成的抽象形象。观者似乎能够辨认出某种生命的轮廓,却始终无法准确命名。这种不确定性赋予雕塑一种来自远古图腾的神秘感。"云兽"仿佛游走于天地与宇宙之间,承载着原始生命力。青铜的坚硬质地与形体的流动感形成反差,使沉重的材料获得近乎呼吸般的生命感,也让作品成为一种介于物质与精神、远 古与当代之间的存在。 </p> <p class="ql-block">《献给太阳的颂歌5号(宇宙之心)》是韩冬围绕太阳、宇宙与原始精神展开思考的雕塑作品。"宇宙之心"既指向太阳作为生命能量源头的中心,也隐喻潜藏于万物内部的精神核心。韩冬长期关注新石器时期的玉石雕塑,在他看来,红山、良渚、凌家滩等文化中的玉器,是人与神灵、人与未知世界之间的沟通媒介,并以高度抽象的形态承载难以言说的精神经验。作品延续这一内在逻辑,将远古艺术中关于自然、神秘与敬畏的精神感知转译为当代雕塑语言。作品中的裂痕不仅构成形体上的破损,更如宇宙内部显现出的创伤,成为生成与毁灭、完整与破碎同时存在的痕迹。坚硬而沉重的青铜承载着这种伤痕,而裂隙又成为通向内部的入口,使不可见的宇宙力量获得具体形态。"颂歌"由此既是赞美,也是对宇宙 创伤与生命韧性的吟唱。 </p> <p class="ql-block">《星光余烬的隐秘世界》呈现出近似蛋形的形态。蛋象征着开端--生命本身的起点。白天,作品映照出周围生动而繁盛的日常景象。人们的身影倒映其上,与建筑和天空的倒影彼此交融、逐渐消隐,强调人类本就是自然的一部分。夜幕降临后,作品自身散发出光芒,如星尘般闪烁,并在下方投射出影子。它仿佛悬浮于空间之中,吸引人们向它靠近,并由此改变着公共空间的体验。</p><p class="ql-block">"有一个美丽的事实一直令我着迷:那些在数百万年前诞生、又早已消亡的恒星,它们的光直到今天依然能够照耀着我们。在我看来,这正是生命一个非常美妙的隐喻。我们的生命是有限的,即使恒星也并非永恒。每一个生命都会产生回响,如同涟漪一般,在我们自身之外继续扩散。《星光余烬的隐秘世界》代表着我们每一个人;所谓'隐秘世界',指的是存在于每一个瞬间的内心世界……我们向世界荡开涟漪,世界也同样在我们心中激起涟漪。生命正是在这样的彼此作用中形成,而这也正是它的动态与活力所在。"</p> <p class="ql-block">《万物于一刻》 王一（中国）</p><p class="ql-block">数百片不规则的几何形态汇聚成一个同时收束与绽放的奇点,王一试图借此呈现某种时空的视觉悖论。他长期关注城市与自然的抽象化转译,探讨实体的稳固与流变,以及瞬间与永恒的交替。《万物于一刻》主要由透明亚克力和镜面不锈钢构成,将周围现代都市中的规范机制与标准化生活解构、折叠为随机映射的切片。如羽毛般轻盈的亚克力在阳光下透射、叠映出不断变化的彩色光斑,其半透明的材质特性消解了固有的体积感,使真实的物理空间在视觉上被压缩成抽象绘画般的二维平面。</p><p class="ql-block">夜间,艺术家则以简练的彩色光线勾勒出这座"星丛",呼应机械化生产体系的精准与坚固,以及数码时代矢量图形的视觉特征。当城市灯火隐没于夜色,在刹那与亘古之间的涌现与演化中,唯有一粒发光的尘埃在漂流。 </p> <p class="ql-block">《庇护所l》&《庇护所II》 </p><p class="ql-block">孙一钿（中国）</p><p class="ql-block">本系列源自艺术家的同名绘画作品。艺术家将原本轻盈、膨胀的塑料充气建筑转化为厚重的天然大理石雕塑。充气游乐城堡与临时气膜庇护所,原本依靠空气短暂成形,柔软、临时,也随时可能消散;大理石则以坚硬而持久的物质属性,将充气结构鼓起、膨胀与褶皱的形态永久凝固。两种截然相反的材质与视觉感受由此形成坚硬与柔软、真实与虚幻之间的张力。</p><p class="ql-block">作品延续了艺术家在绘画中对"庇护"意象的探讨。当一个临时性的娱乐与庇护空间被赋予近乎纪念碑式的重量,作品也由此提出疑问:我们所渴望的保护与安全,究竟来自真实而稳固的庇护,还是如充气结构一般,看似完整,却随时可能 消失的幻象? </p> <p class="ql-block">《栖(银叶杜鹃)》 </p><p class="ql-block">铁木尔·斯琴（德国）</p><p class="ql-block">《栖(银叶杜鹃)》是铁木尔·斯琴基于横断山脉田野调查创作的雕塑作品。作为全球生物多样性最为集中的地区之一,横断山脉也是杜鹃花属植物高度多样的区域。尽管杜鹃花已在世界各地被广泛种植,并被驯化为观赏类园艺植物,但在这里,它们仍生长于复杂的生态关系中,呈现出不同于人工培育的形态与生存方式。</p><p class="ql-block">斯琴通过高分辨率3D 扫描将这些自然形态带到当下,将杜鹃花及其周围的生命形态转译为相互交织的雕塑结构。作品在保留特定景观特质的同时,呈现出生命系统内部复杂而持续发生的关系。《栖(银叶杜鹃)》延续了斯琴对人与自然世界关系的探索,将自然视为具有自身能动性的存在,而非人类活动的被动背景, 并试图重新唤起一种与自然共生的精神性。 </p> <p class="ql-block">《拥抱》 解群（中国）</p><p class="ql-block">作品以天然红土作为材料,是一件"一次性"雕塑。双人连体的座椅造型可供公众坐在草坪中休息;泥土雕塑如同从土地中生长出来,泥土的颗粒与温度呈现出原始的气息,使人得以在快节奏的都市生活中重新拥抱土地。 </p> <p class="ql-block">《地之泉》解群（中国）</p><p class="ql-block">泥土经高温烧制成为陶,显示出地下涌现的自然之力。雕塑由数件以不同新石器时代器物为造型的红陶堆叠而成,人与自然的关系也在陶器的刻画花纹上涌现。喷泉以新的方式不断更新,在我们习以为常的都市景观之上,这件作品试图找回--种原始的力量--土地的力量。</p> <p class="ql-block">《无法抵达的远征》 </p><p class="ql-block">廖小舟（中国）</p><p class="ql-block">《无处抵达的远征》以"远征"作为贯穿作品的精神线索。作品从中世纪骑士、城堡建筑与20 世纪 90 年代中国城市建筑景观中提取视觉原型:骑士象征出发、探素与征服未知的意志;城堡代表关于目的地、安全感与理想世界的想象;而90 年代城市建设中大量出现的玻璃幕墙、金届构架、尖塔等建筑形式,则承载着另一代人关于"向前发展"的集体记忆。艺术家将这些来自不同时代的符号并置,使作品成为一座跨越历史经验与个人记忆的想象性建筑,</p><p class="ql-block">"无处抵达"并非对远征意义的否定,而是将关注点从"抵达何处"转向"为何不断出发"。当一个目标被实现,新的目标又随之出现,所谓的终点不断向更远处退去。因此,"远征"不再是一条从起点通往终点的直线,而成为一种持续发生的状态。</p><p class="ql-block">作品借助参数化设计语言,对骑士、塔楼与建筑结构等符号进行拆解、重组与转译。原本坚固、垂直的建筑形态,被转化为柔软、膨胀、流动的身体;金属滑道则重新改写了传统城堡稳定而明确的空间秩序。作品将中世纪的英维神话、20世纪 90 年代的城市未来主义与今天的数字设计语言叠合于同一空间,试图 回应人为何始终不断想象远方,并一次又一次踏上旅程。</p> <p class="ql-block">《工业自然》</p><p class="ql-block"> 托尼·克拉格（英国）</p><p class="ql-block">《工业自然》出自托尼·克拉格的同名系列,延续了艺术家对工业材料与有机形态的持续探索,在自然与人造之间展开多重对话。该系列多为大型铝或青铜雕塑,将工业材料的特质与自然界中的运动形态融为一体。层叠的曲线如抽象的花朵或珊瑚般扭转、交错,同时保留着鲜明的机械美感。上漆并经手工打磨的表面,进</p><p class="ql-block">一步凸显了有机形态的易逝与工业材料的持久。作品体现了克拉格所说的"有机与人工元素的碰撞与融合"。它并非简单并置有机与工业两种形式语言,而是进一步探讨二者之间的相互依存,以及自然与技术之间的复杂关系。通过富有诗意的形式与材料创新,克拉格邀请观者重新思考何 谓"自然",何谓"技术"。 </p> <p class="ql-block">《心绪捕手》 </p><p class="ql-block">韦德与莱塔（澳大利亚&波兰）</p><p class="ql-block">韦德与莱塔相信,游戏是成长、联结与重焕青春活力的载体。游戏让我们得以触及最纯粹的自我,也让我们尽情享受简单的快乐。在《心绪捕手》中,我们置身于一片游戏空间,暂时忘却视线之外的世界,让色彩与形状成为通往快乐的鲜明信号。</p><p class="ql-block">作品标题指向那些稍纵即逝的时刻:重要的只有迎面而来的风与脚边青草的清香,仿佛在短暂的一瞬间,整个世界只属于自己。这是韦德与莱塔首次真正意义上创 作的游乐空间,作品的运动由参与其中的观众触发。 </p> <p class="ql-block">《从此,向旁生长》 </p><p class="ql-block">佐罗昆特利（法国）</p><p class="ql-block">我们所处的时代具有一种鲜明的张力,一端是飞速发展的技术,另一端是对生命世界重新投注的关切。当在不断追求进步与效率的同时,人类也再次意识到,自身的存在依赖于那些超越人类范畴的关系。</p><p class="ql-block">这件装置如同一座生态系统的纪念碑,将自然带入城市景观的中心。公共长椅等城市基础设施被重新塑造,并被蔓生植物与水生物种所占据。混凝土常给人以厚重、工业化且缺乏生命力之感,艺术家却将其视为一种有机材料,在漫长而细致的创作过程中以手工塑形。</p><p class="ql-block">作品中央,一对交叠成心形的蜻蜓从地面升起,以一种纪念性的姿态颂扬生物多样性。蜻蜓往返于水与空气之间,成为这一生态系统的象征,也指向彼此联结的万物。 </p> <p class="ql-block">《来自风的信号 -IV》 </p><p class="ql-block">徐戈（中国）</p><p class="ql-block">这是一缕来自旷野的信号--那是风的问候,是光的絮语,也是城市与自然最温柔的和解。风本是无形无相、转瞬即逝的存在,却被艺术家以万干彩丝轻轻捕获缓缓编织。当风穿越南京西路的玻璃幕墙,掠过静安寺的飞檐翘角,最终栖落在这片葱郁之中,以一件轻盈的编织装置,为这座城市织就了一封来自远方的情书。</p> <p class="ql-block">《弥合》 刘韡（中国）</p><p class="ql-block">当我们试图以自己的理解去弥合一段共同的记忆,或某个历史时期留下的创伤时,我们所带来的或许是另一种毁灭。当我们试图以人类几千年乃至上万年发展所建立的文明,以及由各种因素构成的证据,去证明关于人类存在意义的猜想时,真正的裂痕才显现在我们眼前。每一种文明、每一种意识形态的形成,似乎都不完全符合逻辑,也并非平滑地彼此衔接,而更多是一种野蛮的焊接与缝合。这种野蛮的焊接与缝合,恰恰也源于人类本性中的某种缺失。人类始终带着这种缺失去认识世界、探索宇宙。今天,我们也正是带着这种缺失,去面对技术与人工智能带来的困惑。 </p> <p class="ql-block">《地球之夜》 李汉威（中国）</p><p class="ql-block">《地球之夜》始于一次中断的拍摄开始。玻璃幕墙、摄影摇臂、轨道支架和水泥底座被重新组装在一起。虽然拍摄未能继续,但这些原本服务于镜头的设备却留了下来。玻璃上绘有城市树木的枝干、纹理和投影,其中混入了计算机生成的枝干。摄影摇臂支撑着玻璃,构成整个装置的骨架。水泥底座的形态来自一张堆满快递包裹的长桌的扫描模型,白色形体则来自艺术家在三维软件中的一次手势操作。</p><p class="ql-block">树木、快递桌和拍摄设备都离开了原来的位置,经过记录、扫描或建模,以不同的材料和尺度重新出现。拍摄虽已经停止,它们却在现场共同组成了一幅未曾被拍下来的画面。 </p> <p class="ql-block">《人类时间即运动(秋)》 </p><p class="ql-block">奥拉维尔·埃利亚松（丹麦&冰岛）</p><p class="ql-block">奥拉维尔·埃利亚松的《人类时间即运动(秋)》(2019)延续了艺术家长期以来对于形式及其与科学、数学原理之间相互作用的探索,呈现数学形态"克莱利亚曲线"的一种变体。该曲线由18世纪初的意大利数学家圭多·格兰迪提出,并以克莱利亚·格里洛·博罗梅奥伯爵夫人的名字命名。它描绘了一个点沿球面经线运动,同时绕球体轴线旋转时形成的轨迹。由此形成的球面曲线,与削橙子皮形成的螺旋路径,或将毛线缠绕成球的轨迹相似。作品表面的黑白涂装模拟了 一个假想光源置于雕塑中心时的光影效果,并强调雕塑本身的物质性。 </p> <p class="ql-block">《听园》 时子媛（中国）</p><p class="ql-block">园中常有的鸟鸣在声音层面参与塑造了人们对于园林环境的整体认知。作品在这一既有的环境声景中引入由机械装置产生的"鸟鸣",通过改变声音的生成机制,探讨人工自然与感知机制之间的关系。装置在形态上既指向"鸟的居所",也对应着园林中的典型空间结构,沿曲水、回廊与围合式路径展开,在园林这一"人造自然"中再造一层"人造鸟鸣",形成一条纵伸的感知路径。由此,观者在行 走与聆听中不断辨识声音及其来源,并在熟悉与陌生之间重新感受所处的环境。 </p> <p class="ql-block">《有侬有我蛮适意》 </p><p class="ql-block">马里内拉·塞纳托雷（意大利）</p><p class="ql-block">马里内拉·塞纳托雷的灯光雕塑取材于意大利南部的传统节庆灯饰 luminarie- 一种常见于节庆和公共庆典中的临时灯光建筑。自2016 年以来,她持续以建筑和城市尺度重新诠释这一民间传统,并从巴洛克时期的临时建筑、舞台结构、玫瑰窗和节庆装饰中汲取灵感。通过光、色彩、文字与空间节奏,她将 luminarie 转化为一种临时建筑,重新塑造公共空间,为人们的聚集、流动与共同体验创造场所。 在本届上海静安国际雕塑展中,塞纳托雷将这一创作脉络带入上海的城市与社区语境。作品以 LED 灯呈现 文字 "The Word community Feels Good",并首次以城 市方言进行在地化转译--"有侬有我 蛮适意",将抽象的"社区"概念转化为"你"与“我"之间直接而亲切的关系。入夜后,灯光装置延展了公园在夜间的公共体验,创造出一个供人们相聚与相遇的空间,也回应着不断变化的上海城市环境中, 社区关系与公共空间的持续生成。 </p> <p class="ql-block">《拾间》 孙珺与陈佳莹（中国）</p><p class="ql-block">《拾间》以"时间碎片"为创作核心,通过丈量时间的尺度,构建时间与空间之间的内在联系。作品灵感源于对校园日常生活的观察,那些稍纵即逝、常被忽略的停留瞬间,构成了每个人共同拥有却鲜少留意的时间经验:作品以钟表这一承载时间的日常物件为切入点,记录不同时刻的片段,并将不同时间的节点相互连接,从中提取几何化的轨迹,使原本无形的时间转化为可见的空间形态,成为时 间在场所中留下的印记。 </p> <p class="ql-block">《复眼张力》 周子正（中国）</p><p class="ql-block">作品由六个鼓胀的曲面单元搭建空间结构,形态取自昆虫复眼视觉系统与液体表面张力生成的自然曲面。每个单元如同独立的视觉细胞,借助透明亚克力的折射变形,将周遭景观在空间中持续重组。</p><p class="ql-block">空间组织借鉴中国古代屏风形制。传统屏风依靠折叠与展开生成连续多变的视觉界面,既分隔空间,又引导观者视线。光线于透明曲面内穿行、折射、层层叠加,使整体结构仿佛具备感知能力,随观众的移动轨迹产生回应。观众行走间不断切换视角,获得近似复眼的多重视觉体验。透明曲面带来的光学张力,令景观在装置表面呈现流动、叠加与延展的视觉效果。依托这套互动机制,作品将静态空间 转化为动态感知场域,呈现一种正在生成的"空间涌现"。 </p> <p class="ql-block">《无界之境》 </p><p class="ql-block">秦文渊、项诚皓、罗怡伟、李茗宇、朱奕恒、 郑伊伊（中国）</p><p class="ql-block">《无界之境》以正二十面体单向镜为载体,结合 LED 自发光结构,营造出一个无限延展的虚拟空间。观众在装置外部观看时,既能感知明确的几何边界,又因其"无限空间"的视觉效果而产生沉浸式的空间体验。尽管 LED 屏本身是二维的,但经 由正二十面体内部的多重反射,作品生成了一个不断延伸的三维视觉空包,</p><p class="ql-block">作品灵感来源于神圣几何。柏拉图立体中的正二十面体被认为是连接微观世界与宏观宇宙的桥梁,象征着智慧、宇宙连接、精神升华,与运动、变化、情感流动和潜意识等概念相关。基于这一意象,作品内部播放时钟、星云与万花筒等不断变化的影像,将自然界中充满混沌性与不可预测性的元素引入几何结构之中。单向镜不仅是一种物理介质,更成为一种"打破边界"的视觉语言,使内部的混沌通过无限反射不断向外部的秩序渗透。</p><p class="ql-block">作品探讨"界限"与"无界"的辩证关系:单向镜象征边界的存在,无限延展的内部空间则象征界限的消解,构成对"真实一虛拟一感知"关系的再演绎。作品以单向镜与数字影像为媒介,在有限的物理空间中构建出一个视觉"异托邦", 探讨人类知觉现象中的空间延展,以及后数字语境下时间与秩序的重构。 </p> <p class="ql-block">《正在充电》何犀凤（中国）</p><p class="ql-block">《正在充电》以一条连续延展的不锈钢"线条"为核心,将跷跷板、秋干、椭圆机、轻量拳击球等公共健身器械串联为一个统一的生命体。作品以巨大的充电插头为起点,如同一根无限延伸的电缆,构想出一个碳基生命与硅基智能深度共生的未来。人类、机器与城市基础设施之间的边界也由此被重新定义。</p><p class="ql-block">作品将公共健身器械转化为能量循环系统中的"节点"。这些原本用于身体锻炼的设施,在这里成为能量传输、情感交换与系统连接的媒介。夸张的充电插头既暗示未来机械生命对电力的依赖,也隐喻身体运动或将成为一种可被提取、转化与循环的能源。</p><p class="ql-block">作品以流动的不锈钢曲线完成了一次空间中的"绘画",宛如城市中的神经网络、管道或数据线路,在工业结构与游乐设施之间建立联系。亚克力与橡胶材料则为金属系统增添了柔软质感与触觉性。在上海这一超大型都市的语境中,《正在充电》既是对未来城市基础设施的想象,也将日常公共健身器械重新编码为连接身体 技术与城市系统的接口。 </p> <p class="ql-block">从公园出来，这里有一个雕塑展的文创快闪店。</p> <p class="ql-block" style="text-align:center;">秋光漫染静安园，</p><p class="ql-block" style="text-align:center;">雕塑纷呈映晓昏。</p><p class="ql-block" style="text-align:center;">铁骨凝形承古意，</p><p class="ql-block" style="text-align:center;">流光幻彩赋新魂。</p><p class="ql-block" style="text-align:center;">孩童嬉逐穿廊过，</p><p class="ql-block" style="text-align:center;">长者徐行细语温。</p><p class="ql-block" style="text-align:center;">莫道艺途多渺远，</p><p class="ql-block" style="text-align:center;">此间万象共乾坤。</p> <p class="ql-block">摄影：家龙</p>