从想见到相见-芝加哥艺术博物馆1

鹿鱼

鹿鱼 965563 想去芝加哥，想去芝加哥艺术博物馆，计划了好久好久。那些曾无数次在画册、书籍和屏幕上凝望过的世界名作，一直藏在心里，心心相念，梦魂牵绕。如今，千里迢迢来到芝加哥，走进那座令我神往已久的艺术殿堂。从“想见”到“相见”，这一刻，等待了太久。激动、惊喜、感动……所有的情绪交织在一起，难以言表。芝加哥艺术博物馆，我终于来了。 芝加哥艺术博物馆 Art Institute of Chicago 简称 AIC，是继纽约大都会博物馆之后美国面积第二大艺术博物馆，馆藏作品超过26万件。博物馆正中三角楣下是AIC全名，建于“公元1897年 Anno Domini MDCCCXCVII”。两边是耳熟能详的著名艺术大师名字：多纳泰罗，梅姆林，波提切利，莱昂纳多·达芬奇，丢勒，米开朗基罗，拉斐尔。安德烈亚·德尔·萨尔托（意大利雕塑家），荷尔拜因，柯勒乔，委罗内塞，丁托列托，鲁本斯，委拉斯开支。两只青铜狮子雄踞大门两边。 看我做的功课，在AIC网站上找到我最“想见”的作品，查好是否展出，在哪一个展厅，标记，画上红圈。幸运的是，两位当地朋友（AIC的会员，同行朋友的熟人）对这里熟门熟路，将我标记的“想见”一一打卡，无一漏网，让我们免费享受VIP待遇。⭐️ 12件必看藏品🎧 有语音导览许多展品还有中文语音导览，AIC 真是服务到家了，为艺术小白和英文不好的人提供方便。 1. 卡耶博特《雨中巴黎街道》Gustave Caillebotte, Paris Street; Rainy Day, 1877，212.2 × 276.2 厘米这幅画作如此巨大，实在出乎我的意料！这是法国画家古斯塔夫·卡耶博特规模最大、最具雄心的作品，一直在世界各地巡回展出。总听到朋友说，它在巴黎，它在洛杉矶，我都无缘相见，现在终于回到芝加哥，可以在芝加哥原展地与它相见啦。画中描绘的是巴黎一处繁忙的十字路口，距离他的住所仅几步之遥。事实上，卡耶博特笔下的巴黎场景，极少超出他所熟悉的街区范围。 画中两名主要人物仿佛正迎面朝观者走来，而画框之外的某处景象吸引了他们的注意。卡耶博特通过画中当时新出现的折叠式雨伞以及湿润鹅卵石路面上微妙的倒影，巧妙地暗示了雨天的环境。 少不了打破禁忌，与名作合了影。参观者络绎不绝，抓个没人的时候真不容易。 此展厅是另一幅巨作，修拉的《大碗島的星期天下午》，占据了一整面墙。尽管不是周末，展厅里的人群仍旧熙熙攘攘，名作前更是络绎不绝。 2. ⭐️🎧修拉《大碗島的星期天下午》 Georges Seurat, A Sunday on La Grande Jatte - 1884, 1884-86，207.5 × 308.1 厘米乔治·修拉在他最著名、尺幅也最大的这幅画作中，描绘了来自不同社会阶层的人们在巴黎以西塞纳河上的大碗岛公园里漫步、休憩的场景。据说，修拉耗时两年半，画了四百多个草图，又经过一年时间“点彩”才完成。这么大的画要点多少点呀！ 戴高礼帽的男人和打阳伞的女人在画面中特别突出，女人手里牵的不是狗，而是猴子。 修拉运用“点彩法”创作了《大碗岛的星期天下午》，这是一种高度系统化且具有科学性的技法，其理论依据在于：紧密排列的纯色色点会在观者的视觉中混合交融。他于1884年着手创作，先用互补色的小型水平笔触铺设底色。随后，他点绘了一系列色点，这些色点在远观时会汇聚成轮廓清晰且光彩熠熠的形态。 岸边阴影下，穿便服叼烟斗的男子，带高礼帽拿文明棍的西装革履男子，还有做针线活的女子组成一个三人组。 不看说明，还真没注意到。‼️ 修拉增绘了一圈由蓝色、橙色和红色色点组成的边框，从而在画作主体与特制的白色画框之间建立起视觉上的过渡。特别放大了看边框，色彩与图中的临近色彩是互补色啊！ 3. 修拉《大碗島星期天的下午》习作 Georges Seurat, Oil Sketch for "A Sunday on La Grande Jatte—1884", 1884这幅绘于薄木板上的小型油画，是乔治·修拉为《大碗岛的星期天下午》（见上图）所创作的二十多幅习作之一。尽管乍看之下其构图与最终完成的巨幅画作颇为相似，但画中众多人物的安排与最终版本却大相径庭。例如，右侧那组包含一位坐着的老者在内的三人组合，在完成作中被彻底重构，取而代之的是一位戴高帽的男子和一位牵着猴子的女性。这种将宏大庄重感与诙谐幽默巧妙结合的特质，在草图中那些布局略显生硬的人物身上尚未体现出来。 4.🎧雷诺阿《两姐妹》 Pierre-Auguste Renoir, Two Sisters (On the Terrace), 1881皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿在塞纳河畔家族餐厅露台上，创作了这幅洋溢着春意、青春与美感的佳作。画中的年轻女子身穿当时女性划船爱好者青睐的蓝色法兰绒连衣裙。她与身旁的女孩并非亲属关系。1881年7月，艺术商从雷诺阿手中购得此画，并为其取了现在的标题。 鹿鱼摄于8/3/2023，大地雕塑公园，美国新泽西州早在2023年，我就看到过《两姐妹》仿真雕塑，我还写过美篇，今天终于见到原作了。<a href="https://www.meipian.cn/4vg08faw" target="_blank">徜徉名画中-大地雕塑公园1</a> 5.🎧卡萨特《给孩子洗澡》Mary Cassatt, The Child's Bath, 1893我刚刚在华盛顿看过了玛丽·卡萨特的特展，对于这个美国女印象派画家颇有好感。《给孩子洗澡》细腻地描绘了亲密的家庭情感，这也是卡萨特整个艺术生涯中反复探索的主题。照料者的脸颊紧贴孩子肩膀、她环抱孩子的姿态，以及孩子那只肉乎乎的小手搭在她膝盖上的动作，无不流露出两人之间深厚的情感纽带。 这幅构图大胆的作品呈现出极具平面感的画面、装饰性的纹样以及明亮的色彩，体现了卡萨特深受日本美学影响。 6. 卡萨特《阳台上》 Mary Cassatt, On a Balcony, 1878-79《在阳台上》曾在1880年的印象派画展上展出，画中描绘了一位身处私人花园的女性，她被红、蓝、黄、粉各色充满活力的笔触所描绘的花卉环绕。卡萨特的创作聚焦于中上层社会女性的活动——既包括去剧院等公共场合的出行，也涵盖了如本画所示的居家场景。画作上方可见的蓝色阳台栏杆界定出了花园这一封闭空间，而画中女子身着的晨装则进一步凸显了此处环境的私密与惬意。卡萨特通过女子选择的读物暗示了其题材的现代性：她正在阅读报纸而非小说，这表明即便身处家中，卡萨特笔下的人物依然与当代世界保持着紧密联系。 7.⭐️🎧霍珀《夜莺》（或译成《夜游者》） Edward Hopper, Nighthawks, 1942美国画家爱德华·霍珀曾回忆道：“我大概是在不经意间，描绘了大城市的孤独感。” 在一家通宵营业的餐馆里，三位顾客坐在吧台边，与侍者相对而坐。 画作构图严谨，细节简约：画面中既看不到餐馆的入口，街上也见不到任何杂物。通过和谐的几何形态与餐馆内电灯散发出的光芒，霍珀营造出了一种既宁静优美又充满神秘感的氛围。 这一对男女似乎沉浸在自己的思绪中，彼此之间互不交集。尽管这幅画的灵感源自霍珀在纽约格林威治大道上见过的一家餐馆，但它并非对现实场所的写实描绘。 背对我们的男子是以霍珀自己为模特的。作为观者，我们不禁会对画中人物、他们之间的关系以及这个虚构的世界浮想联翩。 8. ⭐️ 🎧格兰特·伍德《美国哥特式》 Grant Wood, American Gothic, 1930 在《美国哥特式》一画中，格兰特·伍德通过描绘一位农民及其女儿僵硬的姿态与装束，直接唤起了人们对旧时代的回忆；正如艺术家本人所言，画中人物仿佛是“我家旧相册里的锡版照片”。他们伫立在自家门前，这座房屋采用了19世纪80年代流行的“木构哥特式”建筑风格——伍德是在造访爱荷华州埃尔登 Eldon 时看到过类似的农舍。 刚好碰上博物馆的导览，蹭听了一会儿。尽管此画不大，还是独占一面墙，足见此画在馆中的地位，也为了容纳更多的游客观看。 1930年，这幅画在 AIC 展出时引起了轰动，画作中耐人寻味的特质引发了观众对画中人物及其故事的种种猜测。许多人将这部作品解读为一种讽刺，认为它描绘了那些与日益现代化的世界格格不入的中西部人。 然而，伍德的初衷却是传达美国乡村价值观的积极形象，旨在为大萧条初期的人们提供一种令人心安的愿景。 图片由菲格艺术博物馆、达文波特市艺术收藏、格兰特·伍德档案、艺术之友收购基金SB-8提供其实模特是一位牙医和艺术家的妹妹。这幅使伍德一夜成名的画作如今成为美国版的《蒙娜丽莎》，每个美国人都认识它，“站在房子前面的这对夫妇已经变成了预备生、雅皮士、嬉皮士、气象员、大麻种植者、三K党成员、运动员、歌剧迷、约翰逊家族、里根家族、卡特家族、福特家族、尼克松家族，克林顿一家......”。 9. 梵高《卧室》 Vincent van Gogh, The Bedroom, 1889文森特·梵高曾三次描绘他在法国南部阿尔勒“黄房子”里的卧室。他当时渴望在那里建立一个“南方画室”，让志同道合的艺术家们能够和谐共事。1888年，为了迎接首位访客——同为艺术家的保罗·高更——并装饰住所，梵高创作了一幅几乎一模一样的卧室画作。梵高曾希望这幅画能让人“放松大脑，或者更确切地说是放松想象力”，然而高更在“黄房子”的逗留期间却充满了紧张气氛。事态最终演变成梵高自残，而高更则撤回了巴黎。梵高是在普罗旺斯地区圣雷米的一家精神疗养院居住期间创作了这件作品（即该系列的第二个版本）。 10.⭐️ 梵高《自画像》 Vincent van Gogh，Self-Portrait, 1887这幅自画像中浓烈的色彩与充满动感的笔触，或许暗示了艺术家内心世界的动荡不安。文森特·梵高曾饱受抑郁与焦虑的困扰；在投身绘画之前，他曾尝试从事牧师、教师和艺术品商人的工作，却始终难以在这些职业中立足。在为这幅作品选色时，他遵循了新印象派的色彩理论——该理论认为，将互补色（如蓝与黄、红与绿）并置，会产生一种视觉上的震颤效果。然而，对于其他艺术家而言，这仅仅是一种基于科学客观性的技法，但在梵高手中，它却演变成了一种情感表达的语言。画中，背景的蓝绿色衬托出艺术家头发与胡须的橙红色，从而将观者的视线聚焦于他那引人注目的神情之上。 11. 伦勃朗《带金链的男子》 Rembrandt van Rijn, Old Man with a Gold Chain, 1631在整个职业生涯中，荷兰黄金时代大师伦勃朗创作了许多极具表现力的人物习作，通过戏剧化的服饰与光影效果来刻画人物性格。画中这位老者是伦勃朗在莱顿时期作品中的常客，他那饱经风霜的面容与身上佩戴的贵重饰物，金链、钢制护颈甲（gorget）及插有羽毛的贝雷帽形成了鲜明而动人的对比。 画作笔触自信果敢，捕捉到了人物动作戛然而止的瞬间，这表明该作约绘于1631年，即这位艺术家即将迁往商业中心阿姆斯特丹之际。 12.华托《田园聚会》 Jean-Antoine Watteau, Assisted by Jean-Baptiste Pater, Pastoral Gathering, 1718-21法国洛可可时代大师让-安托万·华托开创了“雅宴画” fête champêtre 的绘画体裁，描绘人们在自然风景中悠闲谈情说爱的场景。《田园聚会》中那些姿态优雅的人物被巧妙地分组，隐喻了爱情的三个阶段：童年的纯真（左侧）、浪漫的迷恋与求爱（中央），以及情意相通的圆满（右侧）。秋叶的变色与午后渐弱的光线，进一步烘托出浪漫情缘转瞬即逝的特质。这幅画作可能由华托在其创作生涯晚期起笔，后由其弟子让-巴蒂斯特·帕泰完成；帕泰曾师从华托，并负责完成了老师遗留的一些未竟之作。 13.弗拉戈纳尔《男人肖像》 Jean-Honoré Fragonard, Portrait of a Man in Costume, About 1767-68我没有想到，擅长洛可可风格，粉情艳色的弗拉戈纳尔（代表作《秋千》）还能画这么冷峻的男人。法国洛可可时代画家让-奥诺雷·弗拉戈纳尔以描绘轻松愉悦的情色场景而闻名，但他偶尔也涉足历史画和肖像画创作。这幅画属于一系列描绘半身人物的作品，这些作品在笔触处理上带有速写般的风格，呈现出充满奇思妙想的特质。这些画作往往描绘了身着华丽奇装异服的朋友与赞助人，且创作手法迅疾，旨在展示弗拉戈纳尔的精湛技艺，因此被称为“幻想人物像”（figures of fantasy）。 AIC 附图：多梅尼科·费蒂《演员》 Domenico Fetti, The Actor, 1621-22，现存圣彼得堡冬宫博物馆。本作在构图与色彩运用上，借鉴了17世纪意大利艺术家多梅尼科·费蒂（Domenico Fetti）的一幅画作。 14.布歇《他们在想着葡萄？》François Boucher，Are They Thinking about the Grape?，1747这幅画取材于1745年的一出哑剧，讲述了一位年轻牧羊人对一位牧羊女萌生爱意的故事。画中两人互相喂食葡萄——这种水果与享乐之神酒神巴克斯有关，暗示着他们的邂逅并非完全纯洁无瑕。法国洛可可时代画家弗朗索瓦·布歇以田园生活为主题创作的画作，构成了他对18世纪法国艺术最具影响力的贡献。这些描绘乡村生活的作品充满了华丽而俏皮的幻想色彩，主要为富有的金融家和贵族私人欣赏而作，与当时乡村劳作的社会现实几乎毫无关联。 15.格勒兹《年轻女孩的习作》 Jean-Baptiste Greuze, Study of a Young Woman, About 1770在这幅意境亲密的画作中，那位优雅的年轻女子正凝视着观者，一只手轻柔地托在下巴处，仿佛刚刚被人唤住。她的面容很可能是参照画室模特而非定制肖像画的委托对象所绘。艺术家创作此类作品：即所谓的“表情头像”（têtes d'expression）旨在展示其表现情感的技艺。正是这类“表情头像”作品，使得法国画家让-巴蒂斯特·格勒兹在生前声名大噪。 附1: 格勒兹《打破水罐》Jean-Baptiste Greuze, The Broken Pitcher, 1771（鹿鱼摄于4/18/2024 卢浮宫，法国巴黎）一见到这个女孩，我立刻想起我在卢浮宫看到的这幅画。果不其然，是同一个画家的作品。 附2: 格勒兹《穿着红色背心的小男孩》Jean-Baptiste GREUZE, Petit garçon au gilet rouge, vers 1775-1780（鹿鱼摄于3/11/2025，康纳克·杰伊博物馆，法国巴黎)还有这幅，与年轻女孩习作何其相似乃尔。 16. 朗克雷《美丽的希腊女郎》 Nicolas Lancret, The Beautiful Greek Woman, 1731-36法国洛可可画家尼古拉·朗克雷是继华托之后“雅宴画”的领袖画家。这种身着戏服，展现戏剧角色的可视为“角色画”。 希腊女郎的神态，姿势让我觉得在哪里见过。 果然，在华莱士收藏馆，也有一幅朗克雷的同名画，不过构图有些不同。画家们的得意之作，常常复制好几幅。（鹿鱼摄于8/20/2022 华莱士收藏馆，英国伦敦） 17.雅克-路易·大卫《帕斯托雷女士和她儿子》 Jacques-Louis David, Madame de Pastoret and Her Son, 1791-92这幅肖像画创作于法国大革命时期，但缺少了最后几层能够营造出如珐琅般细腻光洁表面的罩染工序。创作中断很可能是因为画中女士支持国王，而法国浪漫主义画家雅克-路易·大卫则是一位积极投身革命的人士。尽管德·帕斯托雷是一位社交名流，但在画中，她身着朴素的细平布长裙，正坐在儿子的摇篮旁做针线活。此外，她还践行了哲学家让-雅各布·卢梭所倡导的理念，为职业母亲的子女创办了一所日间托儿所，以此弘扬家庭美德。 18. Jacques-Louis David, Madame François Buron, 1769 1757年父亲去世后，年轻的雅克-路易·大卫便寄养在叔叔——建筑师弗朗索瓦·比龙夫妇家中。尽管比龙先生希望大卫学习建筑，比龙夫人却格外支持他成为一名画家。在这幅亲密而早期的肖像画中，大卫描绘了正在阅读的婶母——她短暂地抬起头，以一种既温暖又含蓄的神态注视着观者。她的目光流露出画家与画中人之间深厚的情感纽带，同时也展现出这位雄心勃勃的年轻艺术家对当时描绘“富有情感的中产阶级女性”这一艺术惯例的熟稔与把握。 19. 柯罗《中断的阅读》Jean-Baptiste-Camille Corot, Interrupted Reading, About 1870此画曾经到华盛顿国家美术馆参加“柯罗女性画像展”。<a href="https://www.meipian.cn/1oxet5q2" target="_blank">柯罗女性画展-美国国家美术馆（十一）</a>之7。尽管《中断的阅读》尺幅宏大，但它最初是为私人环境而非公开展示而创作的。法国画家柯罗让模特穿上他在意大利购得的服饰摆姿势。画中女子放下了手中的书（很可能是一部小说），她那失神的表情暗示着思绪已将她带离了书本的世界。她那略显慵懒的姿态——双肩内收，单臂托腮——进一步将她与外界隔绝开来，同时也突显了她沉浸于内心世界的状态。尽管柯罗生前极少展出自己的人物画作，而更倾向于展示浪漫主义风格的风景画，但这些人物画后来却成为了他最具影响力、也最广为人知的作品。 20. 柯罗《受伤的欧律狄刻》 Jean-Baptiste-Camille Corot, Wounded Eurydice,1868-70故事来自古希腊神话，欧律狄刻是俄耳甫斯的妻子，不慎踩到毒蛇，被咬伤致死。悲伤俄耳甫斯用琴声打动冥王和冥后，允许他带妻子还阳，但是俄耳甫斯违背了告诫，转身确定妻子是否跟着他，致使欧律狄刻再度坠回冥界。 鹿鱼摄于10/14/2018 美国国家美术馆，美国华盛顿我以为我在华盛顿国家美术馆的“柯罗女性画像展”中见过《受伤的欧律狄刻》，结果是柯罗同一题材的不同版本，当年参展的版本现存明尼阿波利斯艺术学院。仔细比较，可以看出两幅画的不同。 21. 夏尔丹《白色桌布》 Jean Siméon Chardin, The White Tablecloth, About 1731-32让-西梅翁·夏尔丹擅长静物画及描绘中产阶级宁静家居生活的画作，他凭借在法国皇家绘画与雕塑学院主办的沙龙上展出的画作，赢得了广泛赞誉。在这类早期静物画中，他融入了17世纪荷兰与佛兰德斯画作中常见的母题：例如采用透视缩短法描绘、刀柄伸出桌沿的刀具；翻倒的玻璃杯；以及餐后的残羹。这件作品独特的形状揭示了它最初的用途——作为遮挡壁炉口的屏风。若从地面高度视之，这块屏风会营造出一种视觉错觉，仿佛有一张桌子向内延伸嵌入了壁炉之中。 22. 戈雅《骑公羊的男孩》Francisco José de Goya y Lucientes, Boy on a Ram, 1786-87作为西班牙国王的宫廷画家，弗朗西斯科·德·戈雅也曾为王室居所设计挂毯。他先绘制小型油画草图来构思设计，随后制作与挂毯实物等大的画稿（即“粉本”），作为国王挂毯工坊织工们的制作蓝本。 这幅画稿是为装饰马德里郊外埃尔帕尔多宫（Palace of El Pardo）餐厅的一组挂毯而创作的。该餐厅的大幅挂毯描绘了“四季”这一传统装饰主题，但戈雅在门上方的小幅挂毯设计中发挥了丰富的想象力，创作了诸如眼前这幅描绘儿童与动物场景的作品。 23.🎧 大卫·霍克尼《美国收藏家（弗雷德与玛西娅·韦斯曼）》 David Hockney, American Collectors (Fred and Marcia Weisman), 1968英国“国宝级”艺术家大卫·霍克尼，一个最近刚刚去世的老顽童，他的作品极具辨识度。这幅画描绘了当代艺术收藏家韦斯曼夫妇在他们位于洛杉矶家中的雕塑花园里的情景。这对夫妇各自伫立，姿态僵直静止，宛如周围的艺术品一般——男方的站姿与右侧的图腾柱遥相呼应，女方的姿态则与身后的亨利·摩尔雕塑相映成趣。明亮的光线使画面呈现出扁平感，同时也让这对夫妇的形象显得格外鲜明突出；他们似乎对彼此以及身边的艺术品都浑然不觉。大卫·霍克尼是战后时期英国最多才多艺且最具独创性的艺术家之一，他于1964年定居洛杉矶。这幅作品出自他在20世纪60年代创作的一系列双人肖像画，画中人物多为他的朋友与熟人。 24. 雷尼·马格利特《凝固的时间（被刺穿的持续时间）》 René Magritte, Time Transfixed (La durée poignardée), 1938比利时超现实主义画家雷尼·马格利特创作《凝固的时间》时，正致力于通过作品探寻某种“诗意的秘密”。这位艺术家怀揣哲学与心理学层面的思考，尝试将两种意象并置，旨在引发观者联想到画面之外的第三种事物。 在这幅构图极具代表性的杰作中，他将火车与壁炉这两个截然不同的事物联系在了一起——尽管一个是工业产物，另一个则是家居陈设，但两者通过“烟雾”这一元素产生了关联。马格利特深知，观者会将火车头喷涌而出的浓烟与壁炉烟囱中升腾的烟雾联系起来，从而揭示出这幅画作蕴含的诗意秘密。 25.⭐️毕加索《红椅子》 Pablo Picasso, The Red Armchair, 19311931年12月，西班牙艺术家巴勃罗·毕加索开始创作一系列以法国模特玛丽-泰蕾兹·沃尔特为主题的画作。在毕加索与第一任妻子奥尔加·霍赫洛娃婚姻存续期间，他与沃尔特保持着一段恋情。或许是为了暗示这段双重生活，毕加索创造了一种新的主题：一张同时包含正面和侧面的脸。毕加索是一位不断创新的艺术家，他不仅在形式和风格上，也在材料上进行着实验。《红色扶手椅》展现了艺术家对工业涂料Ripolin 的巧妙运用。他将Ripolin 与油画颜料混合，创造出丰富的表面效果，从粗糙的黄色背景到几乎无刷的黑色线条，无不体现着艺术家的匠心独运。 本篇文字部分来自作品展牌和官网说明，谷歌翻译，如有不当，敬请谅解。 未完待续 图：鹿鱼 7/27/2026文：鹿鱼 9/4/2026