MoMA(纽约现代艺术博物馆)(1)🎨🎭🖼️

崇元

曾在网络上看到这样一张图片，配着这样一句话：看艺术，不只站一天；努力看懂，必须看爽。 初夏纽约的早晨，晨风微吹。图片来自网络。 我们一路朝着艺术的方向走去。 途中，在Turtle Bay找了一家咖啡屋，享用完早餐和咖啡后，便沿着曼哈顿的街道人行道继续前行。 步行约十五分钟，转过街角，便看到了目的地 —— 那座玻璃建筑，现代艺术博物馆（Museum of Modern Art，简称MoMA）的招牌映入了眼帘。 MoMA坐落于纽约文化、商业与旅游中心，周边汇聚洛克菲勒中心、时代广场和中央公园等地标。创立于1929年，在首任馆长小阿尔弗雷德·H·巴尔（Alfred H. Barr Jr.）的带领下，逐渐成为世界现代艺术的重要殿堂。馆藏从最初的9件扩展至近20万件，涵盖绘画、雕塑、摄影、设计等领域，并以约1880年作为现代艺术的起点。MoMA的”门面”图片来自网络。 早就听闻梵高的《星夜》（The Starry Night）是MoMA的镇馆之宝。踏进博物馆，我们几乎没有停留，直奔一号展厅，只为亲眼一睹这位大师的不朽之作。梵高曾说：“看着星星，总能让我做梦。”创作于1889年的《星夜》，描绘的是法国圣雷米（Saint-Rémy-de-Provence）的夜空。当时，梵高正在当地精神病院接受治疗，饱受精神疾病的折磨。令人感叹的是，正是在这一时期，他迎来了创作的高峰，把内心翻涌的情感化作画布上这片旋转、炽热而充满生命力的星空。 闪亮的星月、翻涌的夜空、沉睡的村庄，还有高耸的柏树，共同构成了一个既宁静又隐隐不安的夜晚。梵高奔放有力的笔触，让星空仿佛在不停旋转、流动，充满了生命力。 美国艺术史学者安娜玛丽·伊克（Annemarie Iker）曾指出，《星夜》中隐藏着真实的天文现象。画面中，悬挂在巨大柏树右侧的明亮天体，正是金星（Venus）。根据天文记录，1889年春季，金星确实曾高悬夜空，肉眼清晰可见。梵高将真实的星空与内心的情感融为一体，使《星夜》超越自然写照，历经岁月依然闪耀生命的光芒。视频来源网络。 幸运的是，我们赶在人潮涌来之前，在《星夜》前安静地欣赏了一会儿。没过多久，画作前就围满了观众。 下一幅驻足的作品，是法国后印象派大师保罗·塞尚（Paul Cézanne）的《苹果静物》（Still Life with Apples，1895-1898）。巧合的是，这也是女儿初中上绘画课时曾临摹过的作品。塞尚一生钟爱苹果静物，留下了270多幅相关作品。他曾说，要“用一个苹果震惊巴黎”。与传统静物画追求真实再现不同，他打破透视规律，更注重色彩、结构和画面的表现力。 塞尚画水果极其讲究。他常用红绿、蓝黄等互补色营造强烈的视觉张力，并反复调整水果位置，让每个细节都服从画面的秩序。正因为对静物安排有着近乎苛刻的要求，塞尚并不喜欢真人模特，认为模特细微的动作变化会干扰他的观察与创作节奏。据说，当疲惫的模特难以坚持时，他曾说：“苹果不会动！”这句看似简单的话，恰恰体现了他对静物写生近乎执着的追求。塞尚《有水果盘的静物》（Still Life with Fruit Dish）也收藏于MoMA。当时我们没拍下来。图片来源于MoMA官网。 《松石图》（Pines and Rocks，1897）是塞尚晚期的重要风景作品，描绘了普罗旺斯地区松树与岩石交错的宁静景象。画面中的松树和岩石，并不是对自然的简单复制，而是被塞尚赋予了雕塑般的力量感。他通过色块的组合和空间关系的调整，寻找自然背后隐藏的结构与秩序，把眼前的风景转化为一种经过重新构建的视觉形式。正是这种对形体与结构的不懈探索，塞尚被誉为“现代艺术之父”，并深刻影响了后来立体主义和抽象艺术的发展。莫奈称他为“我们所有人中最伟大的。”（Cézanne is the greatest of us all.）马蒂斯说：“如果塞尚是对的，我就是对的”；而毕加索更称他为“我们画家们的父亲”。 《穿红背心的男孩》（Boy in a Red Vest，1880—1890）是塞尚人物画中的代表作。虽然塞尚很少使用职业模特，但这幅画是个例外，画中的男孩是一位来自意大利的模特米开朗基罗·迪·罗萨（Michelangelo di Rosa）。塞尚以他为模特创作了多幅作品。画中的男孩身穿红色背心，神情安静，姿态自然。看似简单的人物形象，却通过稳定的构图、色彩和空间处理，体现了塞尚对绘画结构的探索。这幅作品最初的收藏者正是印象派大师莫奈。如今，MoMA馆藏中的许多塞尚作品，都与重要艺术赞助人莉莉·布利斯（Lillie P. Bliss）有关。1934年，她的捐赠成为MoMA早期收藏的重要基础，也让更多塞尚作品得以在这座现代艺术殿堂中永久保存。 走到这里，我们看到博物馆对莉莉·布利斯的介绍。1929年MoMA首次开放时，馆藏还十分有限，与其说是一座成熟的博物馆，不如说是一个现代艺术理念的起点。1931年，布利斯留下的150余件艺术遗赠，成为MoMA早期馆藏的重要基石。作为三位创始女性之一的布利斯收藏的，多为19世纪末法国艺术家的作品。这些艺术家大胆探索色彩、空间与形式，在当时常常颇具争议，却开启了现代艺术发展的新方向。更具远见的是，布利斯的遗赠条款允许博物馆出售部分作品，将资金用于新的艺术收藏，为博物馆的发展提供了持续支持。1941年，MoMA便利用这笔基金购入了梵高的《星夜》，使其成为馆藏中最具代表性的作品之一。 “人们从我的画作中看到诗意——其实不然，我所运用的，只是方法，除此之外，别无他物。”——乔治·修拉（Georges-Pierre Seurat）下一幅让我们驻足的作品，是新印象主义代表画家乔治·修拉的《通向港口的入口》（Entrance to the Harbor，1888）。画中描绘了宁静的法国海港。修拉用纯色小点代替传统调色，让色彩在观者眼中自然融合，形成明亮、清新又富有节奏感的画面。与梵高一样，修拉也是一位英年早逝的天才，在32岁时因白喉病离世，短暂的生命也让他的艺术道路戛然而止。 修拉最著名的作品之一《阿尼埃尔浴场》（Bathers at Asnières，1884），描绘了巴黎近郊塞纳河畔阿尼埃尔（Asnières）工人阶层休憩的场景。画中人物安静地坐在河岸边，侧面的姿态如同雕塑般凝固。他们各自沉浸在自己的世界里，彼此有所联系，却又保持着距离。柔和的阳光洒在河面和人物身上，营造出一种宁静而近乎停滞的氛围。背景中的铁路桥、公路桥以及远处的工厂烟囱，与河畔休闲的场景交织在一起，展现了19世纪法国社会转型时期独特的时代面貌。 —— 这幅画收藏于伦敦国家美术馆（The National Gallery, London）。 那年的伦敦之行，有幸与它在展厅相遇。 修拉另一幅最具代表性的杰作——《大碗岛的星期天下午》（A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte，1884—1886）描绘的地点，正好位于《阿尼埃尔浴场》场景的塞纳河对岸。这幅现藏于芝加哥艺术学院（Art Institute of Chicago）的经典之作，描绘了一个阳光明媚的星期日下午，人们在大碗岛（La Grande Jatte）公园休闲的场景。画面中约有40个人物，他们或散步、或坐卧、或交谈，姿态看似自然，却被修拉以严谨的点彩技法和几何构图安排在画面之中。图片来自芝加哥艺术学院官网。 《大碗岛的星期天下午》高清画面的作品细节，图片来源网络。 1909年，莉莉·布利斯观看了美国画家亚瑟·B·戴维斯（Arthur B. Davies）的画展，由此与这位艺术家结下深厚友谊。尽管父母并不赞同，莉莉·布利仍常常前往戴维斯的画室，甚至专门送去一架钢琴，只为在那里为他演奏。渐渐地，她成为戴维斯作品的重要收藏者，而戴维斯也成为她的艺术顾问。戴维斯的《榨葡萄酒》（The Wine Press，1918），虽然以酿酒为题，却没有描绘葡萄或榨酒器，而是呈现了一位裸体人物站在夕阳笼罩的山景中。画面宁静而富有冥想气息，充满地中海“黄金时代”的理想意象，表达了自然、身体与精神之间的和谐。 “如果你想要画的是情绪，那么带上它所有的力量。否则，你就不能坐视和凝望对象，不能确切地描绘你所看到的每一个细节。你要去画它所必须展示的东西，而那恰恰产生于你对主题的情绪反射之中。”——爱德华·蒙克（Edvard Munch）爱德华·蒙克（Edvard Munch，1863—1944）是挪威著名画家，被誉为“表现主义之父”。他的作品常表现孤独、焦虑与内心挣扎。《风暴》（The Storm，1893）正是其中的代表作。扭曲的线条、浓烈的色彩和不安的氛围，不只是描绘自然风暴，更像是在映射人物内心的恐惧与孤独。 蒙克最著名的《呐喊》（The Scream），早已成为世界艺术史上最具标志性的形象之一。正如有人所说：“痛苦常有，而表达不常有。”画中这个站在桥上、双手捂脸、仿佛正在无声尖叫的人物，已经成为很多人心中的经典形象。它表达的不只是恐惧，更像是在喊出人内心深处的孤独、焦虑和不安。《呐喊》现收藏于挪威国家博物馆（National Museum, Oslo）。 《镜前少女》（Girl before a Mirror，1932）这幅作品位于展厅入口，也是整个展厅人流最集中的地方。画前总是涌上一波又一波的人群。这是进入毕加索艺术世界的第一幅作品。画中女子被认为是毕加索（Pablo Picasso，1881—1973）的情人兼缪斯玛丽-泰蕾兹·沃尔特（Marie-Thérèse Walter）。她站在镜子前，现实中的自己与镜中的形象形成鲜明对照：一面柔和、明亮，另一面则带有更强烈的色彩变化与神秘感。 毕加索曾说：“我花了一辈子，才学会像孩子一样画画。” 如果把“人人都能看懂”当作艺术的评判标准，那我得承认，毕加索的绝大部分作品，我真的看不懂——我想，很多人或许也有同感吧！🫢曾在纽约大都会艺术博物馆（The Metropolitan Museum of Art，简称The Met）欣赏过毕加索的作品，如今来到MoMA，又一次与大师的画面对面。这样的重逢，再次印证了一个事实：大师的地位，从来不需要我们这些普通观众去评判。本着“艺术不是为了迎合大众，而是为了启发大众”的理念，虽然看不懂，我依然愿意一看再看，一幅也不想错过哦。说不准哪一天，艺术小白的我突然就豁然开悟呢！😂🎨回到画前 ——《绿色静物》（Green Still Life，1914）是毕加索立体主义时期的重要作品。画面以绿色为主调，将水果、酒瓶、玻璃器皿等日常静物解构、重组，从不同视角同时呈现于同一画面。看似打破了现实，却开创了一种全新的观察方式，也成为现代艺术发展的重要里程碑。 “我们画的是事物的表面，里面还是背面？” —— 毕加索穿播这一来自网络的小视频。 《牵马的男孩》（Boy Leading a Horse，1905-06）这幅作品创作于毕加索的“玫瑰时期”，源自他未完成的壁画构想《水塘》（The Watering Place），原本画中有四位骑马者和一位牵马少年，最终少年形象被单独保留下来。少年步伐坚定、神情沉静，呈现出毕加索迈向立体主义前难得的宁静时刻。没过多久，他便以立体主义彻底改写了现代艺术史。 《亚维农少女》可不是画错了，而是毕加索用“解构”向传统绘画发起的一次大胆挑战。画的是五位妓女，震撼的却是整个艺术界。从此，现代艺术翻开了新的一页。从《牵马的男孩》到《亚维农少女》，再到立体主义时期的大胆突破，MoMA中的毕加索作品见证了这位现代艺术巨匠不断颠覆传统、探索创新的艺术历程。 《编辫子的女人》（Woman Plaiting Her Hair，1906）一场巴黎暴雨，给毕加索带来了一段爱情。1904年，23岁的毕加索在街头遇见了波希米亚模特费尔南德·奥利维耶（Fernande Olivier），两人很快相恋，一起过起了充满艺术气息的巴黎生活。那段时期，毕加索的艺术也悄然转变，从忧郁孤独的“蓝色时期”走向温暖明亮的“玫瑰时期”。粉红色调逐渐取代了蓝色，画面也变得柔和起来。画中这位安静编辫子的女子，很可能正是他的缪斯费尔南德。她垂眉沉思，优雅中带有雕塑般的宁静感，有毕加索“玫瑰时期”的特色。 《双裸女》（Two Nudes，1906）中的陶土红色调和厚重的人物造型，源于毕加索对故乡西班牙古代伊比利亚雕塑的浓厚兴趣。画中两位女性几乎对称，而左边人物的脸，和上幅《亚维农少女》中最左侧的女性非常相似——雕刻般的鼻梁、深陷的双眼，仿佛来自同一个原型。画中的女子还拉开帘子，向外凝视，仿佛在邀请我们走进画中。 《我亲爱的》（Ma Jolie，1911-12）“我非常爱她，我会在画里写下这份感情。”——毕加索曾在写给情人马塞尔·昂贝尔（Marcelle Humbert）的信中这样表达。昂贝尔正是这幅作品背后的灵感来源。毕加索在画面下方写下“Ma Jolie”（我亲爱的），这是他对昂贝尔的昵称，也是一首当时流行歌曲的副歌名称。可是，凡人如我，盯着看了半天，愣是没找到画里的“美人儿”😜！—— 人物早已被拆解成一层层交错的几何形状，只能从“Ma Jolie”、高音谱号和五线谱等符号中，慢慢寻找她的芳影。毕加索没有直接画出爱人的容貌，而是把爱情和记忆藏进几何结构与符号里——这就是立体主义有趣又迷人的地方吧！ 《抱曼陀林的女孩》（Girl with a Mandolin (Fanny Tellier)，1910）是毕加索分析立体主义（Analytical Cubism）时期的代表作。画中女孩是模特范妮·特里耶（Fanny Tellier），她正在弹奏曼陀林。毕加索把她拆解成交错的几何形体，却依然保留了人物的轮廓和姿态。 《有酒瓶的静物画》（Still Life with Liqueur Bottle，1909）酒瓶、玻璃杯和餐具都被拆解成交错的几何形体，棕褐色调让物体轮廓若隐若现，仿佛从不同角度同时呈现。这正是毕加索立体主义的探索：画的不只是物体，而是我们“怎么看”物体。 《果盘》（Fruit Dish，1908-09）毕加索用厚重的笔触和深色调，把水果和器皿拆解成几何形体，物体与空间的边界也变得模糊。 　　《沐浴者》（Bather，1908-09）毕加索将人物身体解构为几何形体：胸部、肩膀与四肢被简化为硬朗的线条与色块。画面不再局限于单一视角，而是将正面、侧面甚至背面的信息融合在同一空间中。 《妇女头像》（Woman's Head，Fernade，1909）毕加索以情人费尔南德（Fernande Olivier）为原型创作了这件雕塑。作品最初以黏土塑成，后铸成青铜。他将立体主义与非洲雕塑元素融为一体，把五官变成交错的立体形体，不再追求“像不像”，而是探索人物的结构与空间。有趣的是，MoMA还在作品旁专门为孩子们设计了一段互动解说：毕加索最初是用黏土塑造了这件费尔南德的肖像。你能看出他是怎样用双手推、拉黏土，塑造出她的鼻子、眼睛、脸颊和头发的吗？他并不想把她塑造成现实中的样子，而是希望我们能从不同角度同时看到她。绕着雕塑走一圈吧！看看随着你的移动，这张脸会发生怎样的变化？看到这里，我好像也得到了一点提示：欣赏现代艺术最好的方式，也许不是急着问“像不像”，而是换个角度去看。说不准，换个角度就看懂了。😄 毕加索《梳妆的女子》（Woman Dressing Her Hair，1940）毕加索用粗重的线条和大块形状，把女性身体“拆开”再重新组合。手臂、肩膀和头发仿佛由金属或石块铸成。虽然画面几乎抽象，但女子专注梳头的动作依然清晰有力。这幅作品创作于二战爆发后的动荡时期。在战争的阴影下，画中的女子依然沉着地梳理头发，仿佛在告诉我们：即使世界一片混乱，生活仍然要继续。 《泉边的三个女人》（Three Women at the Spring，1921）作品描绘了三位女性在泉边取水的场景。毕加索把她们画得厚重而有雕塑感，陶土般的肤色、白色长裙和陶罐，营造出宁静庄严的古典气息。一战结束后，毕加索暂时放下激进的立体主义，重新回望古希腊罗马艺术，在古典传统中寻找秩序与稳定。三位沉稳坚实的女性，也仿佛寄托着战后人们对和平与安定生活的向往。 《四位舞者》（Four Dancers，1925）毕加索用简洁有力的墨线，把四位舞者交织在一起。夸张变形的身体和富有节奏感的线条，让整个画面充满动感和张力。 《叹息》（The Sigh，1923）创作于毕加索的新古典主义时期。简洁的线条和沉稳的色调，营造出宁静而又带着淡淡忧郁的气息。