巴洛克的繁花余韵—奥地利美景官花绘真迹展

瓦尔登湖畔小木屋

美景宫馆藏花绘真迹大展 北京“中华世纪坛”展期中的“百年芳心从瓦尔德米勒到克里姆特——奥地利美景宫花绘真迹展”，通过35位奥地利艺术大师的作品真迹，系统梳理了欧洲花卉绘画从精细装饰走向精神表达的百年流变，也是奥地利国宝级博物馆美景宫首次在北京大规模、系统呈现横跨18至20世纪初的60件馆藏花卉艺术真迹，将使中国观众无需远行，便可在家门口一次性欣赏到重量级画家瓦尔德米勒、古斯塔夫・克里姆特、埃贡・席勒等大师代表作，及其他35位艺术家的珍贵原作。沉浸式感受奥地利百年花绘艺术的极致魅力、惊叹与感动！ 前言 在波澜壮阔的西方艺术史中，奥地利美景宫博物馆不仅是一座巴洛克建筑的巅峰之作，更是艺术史进程的重要坐标，而花卉艺术则是这座殿堂中一抹既温柔又深邃的底色。花卉在美景官的语境下，既是权力的裝饰，也是中产阶级的宁静日记，更是世纪末分离派艺术家寻找精神归宿的媒介。 从18世纪初巴洛克时期的宏大叙事，到20世纪初期表现主义对灵魂深处的挖掘，奥地利花弃艺术经历了一场从“修饰性装饰”到“情感媒介”的深刻流变。花弃的存在唤起了人们内心深处的愉悦与赞叹，这种愉悦感源于生命的娇贵与转瞬即逝的特质，瞥见花朵绽放的瞬间无疑被视作珍贵的恩典。 “花为媒”的艺术桥梁 本次展览以“花卉”这一跨越国界的艺术语言，在多瑙河畔的艺术灵感与长城脚下的文化积淀间架起一座民心相通的桥梁。百年花卉艺术史，不仅系统勾勒出奥地利百年间从自然主义模仿到形式主义创新的完整轨迹，也成为中奥两国在建交55周年背景下，文明交流互鉴、共赏艺术之美的生动缩影。 　　展出方精心设计的三种门票，我选了右边藕荷色这张，留念、做书签。看展中得知，票面上的画作，是奥地利杰出绘画大师瓦尔德米勒的作品“可怜的祝福者”。（讽刺社交场的虚伪与功利）（作品见后） 巴洛克的繁花余韵 花卉作为独立艺术门类的出现，是欧洲绘画史上的一个重要转折点。在15世纪之前，花卉几乎完全依附于宗教叙事或装饰。16世纪未至17世纪初，花卉绘画开始脱离人物背景，正式成为独立的“静物画”门类。18世纪的维也纳花卉绘画风潮受到荷兰与巴黎的多重影响，带有明显的戏剧性光影特征，强调色彩的明亮感与深沉背景之间的强烈对比，展现了高度的写实性与装佈性。在巴洛克语境中，花开常与水果、昆虫、猎物以及珍贵器皿并置。这种安排不仅是为了视觉上的丰盛，更蕴含了“万物皆虚”的隐喻——盛开的花朵象征着生命的巅峰。 我们从这里回到三百年前的维也纳皇室宫殿，不妨想象你正穿行在欧式皇宫的黄昏里。这里的花朵带有一种高贵的温暖，它们在阴影中点亮了一東光，告诉我们要珍惜每一个生命盛开的瞬间。这是花卉艺术在奥地利的萌芽，也是美的最初觉醒。 　　想象我们正穿行在美景宮的黄昏里。这里的花朵带有一种高贵的温暖，它们在阴影中点亮了一東光，告诉我们要珍惜每一个生命盛开的瞬间。（2017年摄于维也纳美景宮外） 这个展览的全部艺术杰作珍品，正是来自奥地利这个由亲王夏宫→皇家画廊→美景宫国家博物馆的国宝馆藏） 　　花是大自然美丽的词语和象形符号，用以向我们示意它是多么地爱我们。 约翰·沃尔夫冈冯·歌德 “百年芳心”展以“花绘”为核心线索，串联了18世纪至20世纪初奥地利艺术发展黄金时期的众多艺术杰作。 美好时代的宁静日记 穿过宫廷的长廊，走进19世纪的维也纳。拿破仑战争结束后，维也纳社会进入了一个充满爱与宁静的居家时代，后世将其称为“比德迈尔”(1815至1848年间）)。比德迈尔花卉绘画的核心，不同于巴洛克的戏剧化光影，反而偏爱温润且均匀的质感，强调自然光线下一种前所未有的细腻与亲切。 这一时期伴随着中产阶级的兴起，艺术创作的焦点开始从皇宫的宏伟厅堂转移到了市民家庭的舒适客厅。作为时代的旗手，瓦尔德米勒在画作中注入了近乎偏执的真诚，让明亮的自然光驱散了古典画室的阴翳。这种变革反映出当时社会对内敛与秩序的追求，以及大众对日常细节的无限热爱。人们开始懂得在家中摆满鲜花，让生活慢下来。每一片叶子上的露珠，每一朵郁金香透明的花瓣，都被艺术家们细细捕捉。 彼得麦雅时期（Biedermeier Style） 是 19 世纪初至中叶起源于欧洲德语区（奥地利、德国为主）的艺术与生活方式潮流，涵盖绘画、设计、建筑、文学等领域。其名称源于虚构人物 “毕德迈雅先生”，象征当时新兴资产阶级务实、追求现世舒适的生活态度。 努力过后，知足乐天，享受一段愉悦闲适的生活，是每个人来世一生最美好的向往与精神归宿！ 　　走进艺术大师瓦尔德米勒、克里姆特、席勒等艺术家的经典作品，在花朵的盛放与凋零之间，感受奥地利艺术跨越时代的审美传承。 　　瓦尔德米勒（1793-1865） “彼得麦雅时期“奥地利最重要的画家之一。其作品涵盖了肖像、静物、风景和民俗等多个领域，每一幅画都充满了生活的气息和自然的韵味。 费迪南德·格奥尔格·瓦尔德米勒Ferdinand Georg Waldmüller 费迪南德·格奥尔格·瓦尔德米勒被公认为“彼得迈雅”时期最杰出的艺术家，他是奥地利写实主义的丰牌。他的艺术核心在于对“瞬间光”的客观纪录。他认为艺术应当是自然的忠实仆人，而非古代大师的拙劣仿制品。他通过对正午强光的极端描绘，产生了一种在当时极具争议的“过曝”美感，这种手法预示了印象派的到来。在风景画中，他利用光影的剧烈对比来塑造空间的深度，使得原本平面的画布产生了一种全景摄影般的透视张力。 　　水果、鲜花与银杯静物画创作者：费迪南德·格奥尔格·瓦尔德米勒。木板油画 画家精细刻画华贵雕花银器、缤纷鲜花与饱满鲜果；桃子、多色葡萄等食材和盛放的花卉彼此衬托。明亮日光映照花色，和深邃暗沉的背景形成强烈对比，器物细节刻画精致考究。 玻璃瓶中的玫瑰1831年。费迪南德·格奥尔格·瓦尔德米勒木板油画 在此幅静物画中，艺术家仿佛与自己竞技，力求将画中每一物件描绘得更为逼真，他精准掌握银质物件的金属光泽—烛台、杯子与盖碗，其抛光表面似乎映照出周围物品，这种金属光芒与玫瑰花瓣柔和、雾面的光泽形成对比，使花朵沉浸于层次丰富的粉红色调中，即使是承载物件的白色丝质缎面桌布，也展现出瓦尔德米勒对材质质感的独特掌握。 　　这幅作品现场给我印象最深的，是画中银质杯及其他物件不同角度、层次的金属光泽和细腻描绘，那银杯铮亮的光感，仿佛就是摆在那的一个真实杯子，可惜手机拍出来有些虚，欣赏效果打了折扣。下面一张好些😊 花卉的光影虚实、花瓣层次的细腻逼真，花朵无论坚挺抑或枯萎耷拉的真实状态，无不描画的令人惊叹❗️ 窗边的玫瑰1832年木板油画费迪南德·格奥尔格·瓦尔德米勒瓦德米勒常以木板作为油画载体，本量作品亦然。木板坚硬的材质近似瓷器的光滑表面，而他在油画中亦不断追求如瓷器绘画般的华丽光泽。画中描绘一只玻璃花瓶，插满玫瑰置于窗台上，窗后可见一扇老式窗户，其小片玻璃由小条网格固定，这种窗户制法延续数世纪，尽管在瓦尔要德米勒所处时代，城市建筑已普遍使用大型玻璃窗。这种旧式窗户为画面增添一种古朴氛围，窗台斑驳的表面易被艺术家细致描绘，画中仅呈现单一花种，部分花朵已呈老态与枯萎，似乎暗示生命的无常。通过这幅简洁而写实的花卉画，瓦尔德米勒触及了“转瞬即逝“的象征主题，展现他在静物画中蕴含哲思的能力。 玫瑰、草莓与面包静物画1827年。木板油画 在这幅静物画中，瓦尔德米勒以非凡的精准度描绘了众多水果与玫瑰，细致入微地捕捉每个物体的表面结构及用光折射的光影，构图本身更强化了真实感，水果随意堆叠在明显过小的盘中，一只苍蝇恰好停在看似随意丢弃的画包上。 　　除上述花卉画，展览还带来瓦尔德米勒两幅不同主题人像作品。 可怜的祝福者1861年。费迪南德·格奥尔格·瓦尔德米勒木板油面 瓦尔德米勒的艺术成就不仅在田园风俗画，更因其规模和题材的城市室内画。除肖像、静物和风俗画外，他风俗题材的绘画，也是维也纳城市生活得以显著记载的中产阶层风俗场景。这是维也纳城市生活、高级住宅内的资产阶级社交场景，其创作的都市风俗画作细腻逼真。画面呈现出资产阶级沙龙的温馨聚会，大量人物细节让观者想象人物之间的亲密情谊，这幅描绘社交祝福的作品标题，隐喻着世俗社会里的趋炎附势。 画面展现维也纳中产阶层的沙龙场景。女主人（或许正是艺术家本人之妻）正接受宾客的祝福，宾客们则从她手中接过钱币。讽刺虚伪带有施舍性的人情社交。（我选的门票就是这幅画） 　　花环制作师 瓦尔德米勒风俗画的另一个主题，是对当时普遍存在的社会弊病的一定程度批判。少数富裕的上层阶级与庞大的贫困劳动者群体形成鲜明对比，后者根本无力改善自身生存境遇。他刻意回避残酷尖锐的社会批判，而倾向于用细腻温婉的私密劳动场景与家庭生活取悦观众。在这幅作品中，年轻女子赤足而坐、室内陈设简陋，另有两名孩童肆意地自在自乐，寓意艰难的贫困并未触动女孩儿，她依然欢快地编织着花环。 喜欢这幅画的思想表达与光感艺术👍！ 　　愿繁花在你的每一个灵感中绽放！ 　　第一间展厅的红色背景墙 静物画。豚鼠、鲜花与水果作者：弗朗茨·维尔纳·塔姆 这部作品细致描绘了各种花卉、水果，甚至还有一只豚鼠。是塔姆作品的典型代表。他将精准的技法与自然主义构图相结合，呈现出令人惊叹的现代感！ 致雅克的礼赞1821-1822年约翰·纳普布面油画218cm×160cm 这幅作品堪称约翰·纳普最优雅且最具纪念意义的。此作致敬对象为维也纳植物学家尼古劳斯·约瑟夫·冯·雅克(1727-1817)。画中可见其肖像以浮雕形式镌刻于石墩之上，而这座石墩也是支撑华美花瓶的基座。雅克曾深入研习瑞典植物学家卡尔·冯·林奈(1707-1778)的复杂植物分类体系，为现代植物学理论莫定了基石。花瓶中倾泻而出的繁花绿植，连同石基周围陈列的果实、贝克、蜗牛、澳洲凤头鹦鹉与长尾猴，既演绎林奈的动植物分类体系，也彰显出生物多样性的全球性特征。 大型花卉静物与鸟类（皇家收藏）1799年。布面油画。 127× 159cm。约翰·巴普蒂斯特·德雷克斯勒Johann Baptist Drechsler德雷克斯勒将花瓶置于一片林地之中，鸟儿在花瓶旁飞舞，甚至还有一个装满鸟蛋的鸟巢，背景由晴朗的天空和枝繁叶茂的树木构成。花瓶前的地面上铺满以桃子和葡葡为主的果实。因此，画家描绘了一幅引人入胜的自然景象，其中既有温室里人工培育的花产和兰花，也有在未受破坏的自然环境中繁茂生长、却往往被人忽视的植物。这幅画作的画幅尺寸对于德雷克斯勒而言也异常巨大，其艺术表现力毋庸置疑。创作完成后不到一年，这幅画就被皇家收藏。 弗朗茨·维尔纳·塔姆（宫廷画家） 弗朗茨·维尔纳·塔姆是18世纪早期就已专攻花卉题材的画家之一，他来自德国，1685年移居罗马。当时的罗马是欧洲绘画中心，许多来自德国、法国、荷兰的艺术家都在此学习和工作。这段经历使得塔姆接触到了著名的荷兰花卉绘画，对他日后的艺术生涯产生了决定性的影响。塔姆的花卉和动物画作也给罗马皇室留下了深刻的印象，1695年皇室将他召至维也纳，此后他便一直担任宫廷画家直至去世。 静物画：野兔、鲜花与水果（受美景宫建造者欧根亲王委托创作）1720/1724年。布面油画弗朗茨·维尔纳·塔姆41.8cm×51.5cm 这幅作品创作于1720年前后，大约在维也纳美景宫峻工之时。这座宫殿的建造者萨伏依的欧根亲王（军事统帅），委托塔姆创作了多幅类似的花卉画作来装饰宫殿内部。 英年早逝的女画家的作品。 　　每幅静物花卉画都细腻逼真，呈现出摄影图片般触手可摸的真实质感，值得细细品味！ 静物与花卉1720/1724佛朗茨·维尔纳.塔姆 弗朗茨·泽维尔·彼得是比德迈尔时期杰出的艺术家之一。与许多同行相似，他专攻花卉画创作，并长期担任维也纳美术学院下属的“制造厂绘画学校”教授。该机构培养了众多供职于维也纳奥格滕瓷器制造厂的花卉画家。彼得偏爱在木板上描绘花卉，其材质特性与瓷器硬质表面颇为相似。在这幅木板画创作中，他正是通过这种材质特性刻意模仿瓷瓶瓷盘的平滑质感。此外，这幅作品还呈现了尤为新颖的构图。包含玫瑰、水仙等多品种的花束横卧于葡萄、梨子和桃子等水果之上，一只色彩斑斓的雀鸟正欲飞向装满鸟蛋的巢穴，蝴蝶翩然掠过，暮色中的山峦隐现于云层之下。彼得以此构建出现实中难以企及的奇幻构图，为观者呈现出丰富多元的视觉体验 花卉静物画弗朗茨·泽维尔·彼得 小而精的两幅画作静物与花卉1786年木板油画 约翰·巴普蒂斯特·德雷克斯勒34cmX 26.5cm约翰·巴普蒂斯持·德雷克斯勒的作品是理性启蒙与巴洛克遗风的结晶。他不仅是一位卓越的画家，更是一位将植物学观察转化为视觉美学的严谨学者。德雷克斯勒的风格并非单纯的静态呈现，他在构图上据弃了早期巴洛克的绝对对称，转而采用一种更符合自然生长逻辑的偏移式排布，这种手法被认为赋予了静物以“呼吸感”。他在明暗对照法的基础上，引入了更为柔和的色调梯度，使背景的暗部不再是死板的黑色，而是充满了空气流动的氛围。 花卉静物1839年布面油画约瑟夫·劳尔 约瑟夫劳尔毕业于维也纳美术学院，在校期间同时修风景画与花卉画课程，这张作品创作于他的学生时期，构图上带有传统色彩。花卉中盛放的玫瑰花采用人工构图，对每朵花瓣与叶片都进行近平缩微画般的过度精细描绘，更不忘以蝴蝶🦋昆虫点缀花丛。这种精心构图的花卉描绘传统数年后便告终结，艺术家们开始将花卉置于自然中呈现。 浪漫主义绘画的低语Whispers of Romanticism 自1840年起，奥地利的花卉绘画发生了一个重要的风格转变。艺术家们不再满足于描绘花瓶中的切花，而是开始转向描绘生长在奥地利本土的植物。当艺术家的脚步跨出家门，走向野外，花朵便展现出自由的灵魂，花卉不再是被观察的静物，而是与我们一起呼吸、一起成长的伙伴。 在浪漫主义时代，花卉被赋予了极为复杂的隐喻意义。它们是恋人之间无言的信使，是诗歌中无法用词汇表达的情感。这种对“花语”的迷恋，使得此时期的绘画带有一种浓郁的抒情特质。请您驻足聆听，那是阿尔卑斯山谷吹进维也纳的微风声，那是野性的顽强，也是诗意的灵动。 　　每一章节展厅的背景色彩，结合了这一时期的艺术创作背景，都有所不同。本章契合“浪漫主义绘画“的低语，背景色为温馨的粉红或藕荷色调。 罂粟花丛中的少女Girl among the Poppies1892年。木板油画西奥多·冯·赫尔曼 赫尔曼将一位年轻女子置于画面中心，她正忙于采摘罂粟花朵。一名幼童坐在田间不远处，这揭示了年轻母亲常需辛勤劳作，且无人照料其子女的现实。面面背景中还可见其他农业劳动者。 西奥多·冯·赫尔曼 西奥多·冯·赫尔曼晚年创作的大部分风景题材作品，都绘制于他当时生活和工作的兹奈姆（今兹诺伊莫）及周边地区。尽管这座小镇如今位于捷克境内，但在奥匈帝国时期这里并无边界，赫尔曼仅需约两小时便能轻松抵达维也纳。在法国生活期间，霍尔曼直接接触了印象派绘画，这使他产生了强烈的冲动，渴望以类似手法捕捉眼前这片土地的风景。他的风景画中常出现劳作的农人身影，这也让他得以展现画中农田的耕作方式。 高山花卉的自然生长之态高山花卉创作年份：1876年作者：约瑟夫·舒斯特（Josef Schuster，奥地利1812‑1890）材质：木板油画。 奥地利地处北纬45度，与蒙特利尔、中国哈尔滨约同，从作品中看到自然中盛开的生机盎然的高山花卉，似乎感受不到寒冷的气息。 　　彼时大众的审美发生转变，比起采摘下来的切花，人们愈发喜爱原生环境里自然生长的山野花草。约瑟夫·舒斯特紧随审美风潮，此作还原岩石山地上高山野花原生的生长样貌。画家把各类高山植物汇聚在画幅当中，该构图虽然和真实山野环境存在出入，但契合当时观赏者的审美喜好。 小花卉场景（高山花卉） 1860年。约瑟夫·劳尔 这幅画中可见的士壤和水面暗示着花朵生长在溪流的岸边，但劳尔仍然像早期绘制花東卉那样，细致入微地描绘着每一杂花，报春花、紫罗兰，它们在这细致的自然场景中紧密地生长在一起。 兹奈姆附近的红豆草田1893年。画布被于木板上22cmx48cm西奥多·冯·赫尔曼 夏季时节，該奈姆附近的田地常种满作为动物问料的红豆草，当花盛开大地便会化作色影给烂的壮丽花海。 赫尔曼的艺术实践主要是走进旷野，自发地以“写生(en plein ai)”的方式，在小画幅面布上用油画颜料捕提大自然的彛间印象。回到面室后，他再将这些素材转移到大画幅画布上。这件小幅作品正是此类写生习作之一，其草国般的笔触和几乎完全缺失的细性印证了这一点。当时，艺术家领向于将这类油面习作仅视为辅助工具，甚至从未在展览中展出。然而在今天，这些作品凭借其非凡的艺术自由度与独立性，往往比最终的大幅版本更受推类。 戈伊瑟恩的废弃墓地奥尔加·维辛格-弗洛里安 这幅作品展现了一个被鲜花和灌木丛完全遮蔽的古老基地前景树木投下的阴影与画面中心明亮光折射的区域形成了强烈的对比。菜叶、灌木以及这片静谧之地的访客身上散发出的无数闪烁反光，营造出一种跳动闪烁的光影效果，这一技法与法国印象派的绘画技法非常接近。 罂粟永恒的长眠 西方人在公元前5000年，就已发现罂粟果实可以麻痹、镇静以及致幻的作用。在希腊神话中曾记载，谷神因女儿珀耳塞福涅被冥王抢走而伤心欲绝，于是她喝下由罂粟花制作而成的蜜水，来缓解自己痛苦的情绪。 罂粟竟然有这么😱古老的历史呢！ 绽放的罂粟花 林荫之下玛丽.埃格纳 玛丽·埃格纳 玛丽·埃格纳是一位行走在光影边缘的温情观测者，她的风格如同一阵拂过维也纳森林的清风，以极其敏锐的感官捕捉着日光在云层、树梢与水面间的每一次微小的跳跃，她笔下的色影充满了温润的空气感，无论是南欧午后灼热的红土，还是故乡秋日里被露水打湿的果园，都在她略带朦胧的笔触下升华为一种超越现实的情绪图景。在埃格纳的画布前，时间仿佛放慢了解步，让观者沉浸在一种永恒且安详的大气呼吸之中。 “藤架之下” 玛丽.埃格纳 这幅印象派静物‑风景作品，刻画庭院葡萄藤架下的秋日景致。铺着白布的桌面上摆放盛满葡萄的木筐、彩椒与南瓜，后方藤蔓廊道向深处延伸，秋日暖黄的树叶烘托闲适安逸的乡间氛围。画家偏爱户外写生，擅长将静物融于花园景色当中。 爱丽丝.沃尔特1890年布面油画爱丽丝·沃尔特爱丽丝·沃尔特师从多位花卉画家，维辛格.弗洛里常以同样富有诗意的方式，将大束野花随意摆放在桌面或地面上，这启发了沃尔特创作此画的灵感。在沃尔特的作品中，部分花朵散落在木凳上，另一些则插在旧编织篮的花瓶里，而脏污墙面上悬挂的铁栅栏，或许是鸟笼的局部，更添几分寂寥，在这看似简陋的环境里，鲜花虽色彩明艳，却略显暗淡而孤寂。更有几朵已然凋谢,使得这幅花卉作品充满忧郁气息。 克洛蒂尔德·比尔1880年。汉斯·马卡特木板油画在这幅为艺术家表妹克洛蒂尔德·比尔所作的肖像画中，马卡特运用了十六、十七世纪特有的极具戏剧张力的绘画技法。而如此精心构图的肖像画，自然也少不了花卉装饰。 汉斯·马卡特Hans Makart 出生于萨尔茨堡，后定居维也纳的画家汉斯·马卡特，生前已是奥地利艺术界的一颗耀眼明星。马卡特早逝，年仅四十四岁，艺术生涯短暂却在当时掀起了一股狂热的追捧浪潮，1860年至1880年间的维也纳艺术界至今仍被称为“马卡特时代”。这位画家的新巴洛克风格作品，回应了新兴中产阶级对社会地位与奢华形象的追求。他笔下的公寓内景和天顶画风格，深受16、17世纪贵族文化的影响。女性肖像作品常以身着华丽的历史服饰呈现，这满足了当时人们对奢华和夸张自我展示的需求。 装饰花束1884年。布面油画汉斯·马卡特 Hans Makart205cm X 118cm 汉斯·马卡特曾受奥地利皇帝法兰兹·约瑟夫亲自召唤，自慕尼黑迁至维也纳，并于十年后获任美术学院历史绘画教授。他最具代表性的公共创作，是1879年在维也纳环城大道上策划的盛大游行，为皇帝与皇后伊丽莎白（茜茜）结婚二十五周年纪念而举行。 除创作文学主题的巨幅画作与肖像画外，马卡特亦为维也纳富裕市民阶层设计整套室内装饰作品，如天花板与墙面画。花卉画在当时的城市宫殿(Palais)中极受欢迎，此作即为其中一例。与比德迈尔时期注重花朵细节描绘的风格不同，马卡特在此以奔放笔触与动态构图呈现花束，细节服从于整体装饰性安排。他所关注的并非植物学精准，而是整体视觉效果与空间氛围的塑造。 　　上面这位画家深受皇室青睐，曾策划了1879年维也纳环城大道上的盛大游行，为弗朗茨.约瑟夫皇帝与皇后伊丽莎白（茜茜）结婚二十五周年纪念而举行。 泉畔仙女爱德华·维特（1858-1925） 活跃于19世纪纪末至20世纪初的维也纳艺术圈，介于学院传统与象征主义之间，不似克里姆特那般张扬，却以沉静内敛的笔触，在肖像、装饰与宗教绘画领域中，成为维也纳1900时期艺术风貌的重要缩影。 画面展现秋日静谧的林间园林。中部设有带女神雕塑的喷泉池。三位身着薄纱的仙女驻足草地，其中一人伸手抚摸小鹿；白桦、彩叶林木、低空飞鸟共同烘托朦胧梦幻的氛围感，属于典型象征主义神话风景。 身穿紫袍的贵族女人作品重在服饰质地的细节描饰 一对路易十五样式丝绸软包贴金雕花扶手椅法国。约1930年 茱莉亚·查尔蒙特 居中：洛可可风格铜鎏金座钟，带有孩童人物雕塑。 左右成对：同款黄铜人形烛台 整套复原奥地利旧时上流阶层宅邸的室内陈设；肖像画、奢华座钟烛台、古董柜体一同还原19‑20世纪维也纳富人居室风貌。 静物画：鲁道夫王储半身像 1890年雨果·查尔蒙特 雨果·查尔蒙特是花卉静物画的杰出大师，亦擅长将花卉陈设融入更为复杂的叙事构图之中。本作即为一幅纪念画，旨在向皇储鲁道夫致敬。鲁道夫为皇帝法兰兹·约瑟夫之子，于1889年去世，年仅三十—岁。其猝逝震撼整个哈布斯堡王朝，因其为皇帝与皇后的独子，原被视为未来的继承人。查尔蒙特于事件发生一年后创作此画，当时公众对皇储死亡的具体情况所知甚少，事实上，他是自杀身亡。画作并未直接暗示此事件，而是透过一系列道具唤起人们对皇储个人兴趣的记忆。画面右侧可见狩猎战利品，象征其对狩猎的热爱；桌面除华丽花束外，亦摆放一只较小的花瓶，以及大量书籍与图稿，暗示其科学研究的兴趣。皇储本人则以白色半身像与披挂于装饰箱上的军服形式出现。透过敞开的窗栏望向远方，可见维也纳最具代表性的两座教堂—圣史蒂芬大教堂与卡尔教堂的剪影。整体构图融合花开、人物与象征物件，展现查尔蒙特对叙事性与光影氛围的精致掌握。 “花绘”画中重温历史　鲁道夫：19世纪奥匈帝国皇帝约瑟夫弗朗茨一世与茜茜公主（伊丽莎白）的独子，哈布斯堡王朝皇太子，1889年31岁殉情自杀，成为19 世纪末欧洲最著名的皇室悲剧之一。丧子之痛的茜茜公主深受打击，远离宫廷欧洲散心，1898年10月在瑞士日内瓦秘密休养期间遇刺身亡。 　皇储之死演变出的历史巨变 鲁道夫死后，奥匈帝国皇帝之侄弗朗茨.斐迪南继任皇储。1914 年，斐迪南夫妇在萨拉热窝视察期间遇刺身亡，奥匈向塞尔维亚宣战，第一次世界大战爆发。两年后，86岁的老皇帝病逝，侄孙卡尔一世继位，又两年后（1918年）奥匈战败，一战结束，奥匈帝国解体，与奥匈帝国相关的斯拉夫、塞族等民族经二次世界大战后分分合合，最终独立建国为今日现代国家——1. 奥地利共和国 2. 匈牙利3. 捷克共和国4. 斯洛伐克共和国5. 斯洛文尼亚共和国6. 克罗地亚共和国7. 波斯尼亚和黑塞哥维那8. 北马其顿共和国 9. 黑山10. 塞尔维亚共和国11. 罗马尼亚 12. 意大利共和国统治欧洲600多年的传奇王朝哈布斯堡王朝黯然退出历史舞台。皇子鲁道夫的早逝，间接导致了哈布斯堡王朝的衰亡和一战爆发，并由此催生演变出了众多现代独立主权国家。（细看图片美景宮后方的教堂与上图画作教堂呼应）点击下方链接，可阅游记前南斯拉夫首都贝尔格莱德一战发生地<a href="https://www.meipian.cn/2wvprfl2" target="_blank" style="background-color:rgb(255, 255, 255); font-size:18px;">南斯拉夫——消失了的时代记忆（八）《终篇》</a> 　　点击下面链接可阅东欧之旅奥地利维也纳美景宫、美泉宫。 　　2017年摄于奥地利维也纳美景宮园内。<a href="https://www.meipian.cn/lnmx7is" target="_blank" style="background-color:rgb(255, 255, 255); font-size:18px;">东欧之旅手机片速览（篇三）（奥地利美泉宫后花园🌸/美景宫）</a> 印象派的光影足迹 19世纪后半叶，奥地利的艺术学院仍不录取女性，而花卉绘画却成为了女性进入职业艺术圈的窄门。来自法国的印象主义绘画在一些奥地利女性艺术家手中，迎来了新的变体，一阵带着花香与阳光的暖风向奥地利花坛吹来，这是属于女性艺术家的黄金时代。 她们不再追求刻画每一根线条，而是捕捉那转瞬即逝的“心情”，跳动的笔触下，花朵变成了光。透过极低且广阔的透视。密集的色块堆叠，让这一时期的花卉作品呈现出一种如同阳光下宝石般闪耀的效果。她们的画作像是一场华丽的视觉派对，充满了动感与生机，这种风格预示了后来表现主义的色彩解放。 　　紫丁香作为 19 世纪欧洲最受欢迎的花卉之一，时常会出现在各路画家的作品里。 世纪未的灵魂之花 1897年，奥地利艺术史迎来了一场引人注目的转变。以古斯塔夫·克里姆特为首的一群艺术家脱离了保守的学院派，成立了“维也纳分离派”。他们的建立不仅是一次组织上的独立，更是一场视觉主权的争夺，从建筑、家具到服装，这一时期的花卉不再是“物”，而是作为一种有机的装饰语言，融入到平面设计和建筑线条中。如果说克里姆特捕捉的是繁华的巅峰，那么分离派的另一位天才埃贡·席勒对花卉作为生命的隐喻提出终极的探索。他们提倡打破传统艺术的边界，追求装饰性与精神性的高度结合，这是世纪未一个如梦似幻的绚烂之境。 这一时期的艺术家们把花朵变成了表达自我情感的语言，它们或相拥，或欢快地舞动，每一朵花都比以往任何时候热烈而奔放，每一朵花都是一颗璀璨的灵观星辰。前卫的风格下，是对生命与勇气的敬畏。当百年的艺术流变走到这里，花朵已化为了永恒的艺术之魂。 　　那个时代最具时代特征的画家古斯塔夫.克里姆特 雨后After the Rain1808年布面油画古斯塔夫 ·克里姆特 风景画在克里姆特的艺术中一直占据着非常特殊的地位。1898年至1917年间，克里姆特创作了近60幅风景画。这方面的主要灵感来源包括每年夏季定期前往乡间旅行。1898年，克里姆特首次随弗洛格家族前往上奥地利湖区萨尔茨卡默古特的哈尔施塔特湖畔圣阿加莎度假。正是在此地，他创作了这幅描绘花草果树点缀的草地回作，画面中觅食的鸡群为场景增添了生机，果树的层叠构图与画面中白色鸡群的自由分布，共同营造出虚幻的空间纵深感。克里姆特特有的绘画技法追求柔和的粉彩质感，模糊了物体轮廓，使整个场景笼罩在朦笼雨雾中，生动传递出雨天的独特氛围。此外，克里姆特的画作还透着点彩派的气息，这种技法将在未来几年由他臻于完美，尤其体现在此作对树木的描绘中。这些美学原则表明克里姆特正与西欧绘画的当代潮流趋于融合。 “猫奴”与“猫猫定画液” 克里姆特是一位无可救药的“猫奴”，他在维也纳的工作室里养了十几只猫，允许它们在珍贵的素描画稿上随意嬉闹、踩踏。当评论家阿瑟·罗斯勒对混乱的画室表示惊讶时，克里姆特竟戏戏谑地宣称，猫尿其实是世界上最完美的“定画液”，能让画纸呈现出独特的质感。令人遗憾又好奇的是，尽管他的一生与猫形影不离，却从未在自己的正式画作中留下过它们的踪影。 　　镇馆之宝《吻》 美景宫镇馆之宝、克里姆特“黄金风格”集大成的作品《吻》，（1907–1908） 克里姆特最负盛名作品，金箔、镶嵌纹样，现藏维也纳美景宫。 上转网图。 《阿黛尔·布洛赫-鲍尔肖像》（1912）黄金肖像巅峰，曾创下天价拍卖纪录。 　　被誉为“奥地利的蒙娜丽莎”，2006年6月、被美国大亨RonaldLauder以1.35亿美元（折合人民币9亿多）收藏，并登上了当时世界第二昂贵油画的宝座。 　　克里姆特最具代表性的作品之——《金色的丽莎》。（转网图） 　　喜欢自然界的密林。画中林子里的意境！ 　　驻足欣赏大屏幕滚动播放的克里姆特的作品时，我更被一段与画作相协不知曲名的小提琴🎻背景乐深深吸引，以致看完全部画展又折返回来，驻足听并录制了那段瞬间被感染的小提琴乐曲！ 埃贡.席勒 埃贡·席勒（1890年6月12日－1918年10月31日） 奥地利天才画家，师承古斯塔夫·克林姆特，是20世纪初期重要的表现主义画家。28岁早逝。 席勒的作品特色是表现力强烈，描绘扭曲的人物和肢体，且主题多是自画像。其画作多收藏于列奥波多博物馆。 　　真正美的东西，必须一方面跟自然一致，另一方面，跟理想一致。 ——埃贡.席勒 　　埃贡·席勒的作品《向日葵》 埃贡.席勒《向日葵》1911年。布面油画90cmx80.3cm 埃贡·席勒创作这幅画时刚满二十一岁。距他中途辍学离开维也纳美术学院仅过去一年，他由此开创了独具表现力的绘画风格。这种被同时代人视为令人不安且挑衅性的全新表达形式，最初体现在一系列裸体画、自画像以及神秘的人物描绘中。在早期创作中，席勒也描绘了细致入微的自然景观与地形图景，包括这幅描绘数株向日葵紧密相依的画作。单朵向日葵从茂密枝叶间探出的姿态令人联想到人体轮廓，而盛开的花朵本身更宛若面容。密集排列的花丛交织成深色竖柱，与苍白的天空形成鲜明对比。近乎剪纸般的锐利轮廓与明艳怪异的叶片，共同营造出强烈的张力与生命力，仿佛蕴含着象征性的解读空间。在那些岁月里，席勒感受到与自然的强烈共鸣，饱含抒情浪漫情怀的他仿佛能与草木融为一体。他坚信自己拥有透视能力，能比常人更深入地窥探自然奥秘。然而席勒极少描绘花开，即便创作也多出现在忧郁的景观画中。 　　席勒《向日葵🌻》拥挤的画面、阴郁的色调与梵高暖黄色明快的《向日葵》，反差太强烈了！不喜欢😌！ 　　梵高名作《向日葵》。 2026年6月摄于荷兰阿斯特丹“梵高博物馆”。 　　梵高博物馆里的梵高自画像。 夏季风信子(白水仙）1901年雨果·查尔蒙特布面油画，73cm × 98cm 花园风景油画，前景成片盛放的白色夏风信子为视觉主体；远处排布着草坪、各类观赏花卉与高大乔木。 画家以柔和通透的光影，还原私家花园静谧慵懒的夏日氛围。风信子源自希腊神话典故，画作借白花寄托温柔的意象。 前景密集挺立的白色花穗层次分明，远景树木虚实朦胧，是典型奥地利印象派庭院花卉题材。（注：雨果·查尔蒙特，创作静物画《鲁道夫皇储半身像》的画家，见楼上） 　　喜欢这画的色调与意境！ 　　这些技法粗旷色调浓郁的花作与前展厅细腻描绘的花卉作品风格迥然不同。还是喜欢前边那些细腻温润耐看的花卉作品😊 采玫瑰的人 创作者，安东.罗马可。 采玫瑰的人1882/1884年安东·罗马可木板油画 89cmX 66cm明媚的日光几乎过度突显了少女的面容，同时赋予其他所有平面以雕塑般的立体感与质感。画中少女显得格外脆弱，这种脆弱感不仅源于她纤细的面容与手臂，更因近乎玻璃质感的花朵与编织疏松的篮子强化了这种印象。 　　看完全部画展，意犹未尽，似有心动与召唤，我又穿回展厅入口，在看似很静但还是有杂音的克里姆特展板前，反复听了这段旋律如画中森林一样迷人的小提琴背景音乐并录了一段。播放音量很小，我举着手机贴近墙面录音时，保安警惕的在通道里来回转😂。 可惜杂音太大了🤦‍♂️。 　　偶见了展厅里的志愿者讲解，上下午各一次。这些志愿者不是职业艺术工作者，也是资深美术爱好者了。跟听了一段，受益！这位年长的志愿者跟观众说，这些画都是难得见到的，拍下来好好收藏吧☺️。收了👌！ 2026年8月—摄于“中华世纪坛”