<div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《深蓝》</b></h1> 马克・布拉德福德<br>1961 年生于美国<br>《深蓝》，2018 年<br>布面综合材料绘画<br> 在《深蓝》这件作品中，马克・布拉德福德以一张洛杉矶城市地图为基底，层层叠加各类材料与颜料。这张地图诞生于 1965 年瓦茨暴乱之后 —— 这场动乱造成 34 人死亡，大量建筑与商铺损毁。制图者是麦康委员会，该机构制作这份地图，初衷是制定对策，避免城市再次爆发民众起义。<div><br>布拉德福德的画作如同热力分布图：既标注出暴乱中真实受损的区域，也象征席卷整座洛杉矶的反抗浪潮。画面上一个个饱满的彩色圆点，对应着当年建筑、车辆遭暴力破坏与损毁的记录。</div><div><br>瓦茨暴乱发生五十余年后，布拉德福德这件作品为这片土地、土地上的人民，以及洛杉矶持续存在的系统性种族不平等历史留下见证。作品标题 “深蓝” 同时唤起三层意象：太平洋、警服，以及深重的悲恸。<br><div><br></div></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《开罗》</b></h1> 朱莉・梅赫雷图<br>1970 年生于埃塞俄比亚，现居美国<br>《开罗》，2013 年<br>布面墨水、丙烯绘画<br> 朱莉·梅赫雷图的巨型绘画作品，均以规整的公共空间为创作基底，包括学校、机场、政府建筑等场景。她融合地图测绘与建筑绘图元素，构筑出层次繁复的视觉图景。作品《开罗》勾勒出这座埃及古城的样貌：撒哈拉沙漠的风沙席卷全城，城市错落的建筑肌理与厚重历史，尽数延展于黑白交织的矢量线条之中。与此同时，画作将开罗塑造为一座极具变革性的现代都市。作为阿拉伯之春的核心地带，这座城市一度稳居全球政治视野中心，让世界看见政府管控压迫与民众自发推动的社会变革。<div><br>这幅巨型画作拥有强烈的视觉冲击力，整体画面浑然一体、气势磅礴。而细观画面，繁复精妙的细节又塑造出无数独立且鲜活的视觉片段。《开罗》蕴含着鲜明的二元对立特质：古老与现代、社会性与政治性、群体共性与个体特质。作品深刻诠释了这座城市的鲜活生命力，以及其绵延发展、生生不息的复杂城市肌理与社会面貌。<br></div><div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《混乱一号》</b></h1> 马克・布拉德福德<br>1961 年生于美国<br>《混乱一号》，2007 年<br>布面综合材料拼贴作品<div><div><br></div></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《巨济岛大宇造船海洋造船厂：</b></h1><h1 style="text-align: center;"><b>半潜式钻井平台》</b></h1> 托马斯·施特鲁特<br>德国，1954年生<br>《巨济岛大宇造船海洋造船厂：半潜式钻井平台》，2007年<br>彩色冲印摄影作品<br> 自20世纪70年代起，托马斯·施特鲁特持续开展摄影创作。他的作品于平凡物象中蕴藏宏大叙事，揭示人类的行为范式，以及人与物质世界的内在关联。无论是肖像、风景、建筑还是室内场景，施特鲁特始终聚焦那些普遍存在却转瞬即逝的细节。这些细节被定格于大尺幅画面中，呈现出极具冲击力的崇高美感。2007年，施特鲁特首次前往韩国，在巨济岛的大宇造船海洋造船厂拍摄了这件钻井平台摄影作品。画面几乎无人，仅前景处一名俯身摆弄自行车的人影，以人体尺度反衬出工业设施的磅礴体量。占据画面主体的巨型工业装置，既彰显了尖端科技与工程建造的非凡成就，也承载着国际防务体系与跨境能源贸易背后错综复杂的全球政治关系。<br><div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《休斯顿约翰逊航天中心：</b></h1><h1 style="text-align: center;"><b>中性浮力实验室》</b></h1> 托马斯·施特鲁特<br>德国，1954年生<br>《休斯顿约翰逊航天中心：中性浮力实验室》，2017年<br>彩色冲印摄影作品<br> 托马斯・施特鲁特擅长从城市与自然地貌中层层剥离出历史与建筑的多重内涵。这幅作品里，一座充满未来感的 “城市”—— 宇航员水下训练舱，被安置在水面之下；水面上方是一处极具现代主义风格的广场，画面右侧配套办公建筑的设计灵感源自现代建筑大师、城市规划学家勒・柯布西耶。<div><br>这张照片拍摄于美国国家航空航天局约翰逊航天中心（JSC）。施特鲁特在过往的建筑构想中照见未来科技：水下这套复杂的设备如同沉船一般静置水中，它的摆放姿态，让人联想到一座文明消逝、沉入水底的古城遗迹。<br><div><br></div></div> <h1><div style="text-align: center;"><b>《渴望永恒》</b></div><div style="text-align: center;">（Longing for Eternity）</div></h1> <div><br></div> 创作者：草间弥生（Yayoi Kusama）<br>创作年份：2017<br>馆藏机构：洛杉矶布罗德美术馆（The Broad），与《百万光年之外的灵魂》为同馆两件独立镜屋装置（同一个作者）<br>材质：六边形镜面箱体、LED 彩色灯珠、多尺寸圆形镜面孔洞、紫色环境光<br>观看形式：不可进入式窥视装置，观众透过箱体洞口向内观看内部无限镜像空间<div><br></div> <div><br></div> <h1 style="text-align: center;">画面视觉元素解读</h1><div><br></div>1.无限光场<br>内壁布满密集红、蓝、白、粉三色 LED 光点，镜面层层反射，光点向画面深处无限延伸，形成隧道般的宇宙星海视觉，模拟无尽时空。<br>圆形镜面孔洞（核心符号）<div><br>2.空间内错落分布大小不一的凹面圆形镜洞，如同悬浮在宇宙中的独立凝视球：<br>曲面镜面会截取、反射观看者的面部、手持设备与展厅环境；<br>无数镜洞将单一观众影像无限复制、碎片化，和你此前关注的凝视球形成互文。</div><div><br>3.紫色基底氛围<br>箱体外部与空间底色为淡紫色，营造迷幻、静谧、虚无的宇宙氛围，弱化现实边界，强化精神抽离感。<br></div><div><br></div> <div><br></div> <div><br></div> <div><br></div> <div><br></div> <div><br></div> <div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《中华雄狮、牡丹、骷髅与喷泉 5》</b></h1> 村上隆<br>日本，1962年生<br>《中华雄狮、牡丹、骷髅与喷泉 5》，2011年<br>木板绷布丙烯绘画<br> 2009年前后，村上隆开始以中华雄狮为核心题材进行系列绘画创作。中华雄狮是中国传统石刻瑞兽，常伫立在寺庙、宫殿与官式建筑入口，象征守护与祥瑞。该系列早期作品多描绘雄狮端坐于流水石桥之上，狮首点缀的牡丹纹样，是寓意吉祥顺遂的经典符号。在村上隆的艺术语境中，中华雄狮与牡丹承载着跨文化交融的内核：这组源自中国的传统符号，同样深度融入日本视觉文化，频繁出现在日本经典极道电影与传统纹身艺术之中，成为两国文化交融的独特印记。这件作品创作于东北大地震之后，艺术家一改早期静谧的石桥意象，将桥体置换为层层堆叠的骷髅，同时融入佛教偈语“草木国土悉皆成佛”，意为“草木山川，天地万物，皆可修成佛性”。作品融合传统吉祥纹样、生死意象与东方禅理，在灾难与重生的思辨中，诠释了世间万物皆有灵性、历经毁灭亦可新生的深刻内涵。<br><div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b style="color: inherit;">《开开与琪琪：奋斗与冲击》</b></h1> <div>村上隆<br>日本，1962年生<br>《开开与琪琪：奋斗与冲击》，2009年<br>铝框画布丙烯、铂金箔绘画<br></div> <div>村上隆的经典艺术形象“开开”与“琪琪”，由其早期经典角色DOB先生演变发展而来。通体纯白的开开始终面带笑意，象征纯粹的天真与愉悦；同样身着白衣的琪琪，因口中暗藏吸血鬼尖牙，被赋予调皮灵动、狡黠不羁的性格特质。两个形象共同构成了村上隆艺术工作室的名称来源。“Kaikaikiki”一词源自16世纪的日本古语，寓意雅致格调与特异趣味的融合，而这正是村上隆在纯艺术创作与商业艺术实践中始终追寻的双重美学内核。《开开与琪琪：奋斗与冲击》是村上隆及其创作团队的突破性作品。创作初期，团队受制于有限的技术能力与创作条件，却始终坚持协作探索、打磨技艺，最终凭借不懈的创作突破，成就了这件风格鲜明、极具代表性的经典作品。<br></div><div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《探探波，又名阁楼丹：在知识炼狱的烈焰中灼烧》</b></h1> 村上隆<br>日本，1962年生<br>《探探波，又名阁楼丹：在知识炼狱的烈焰中灼烧》，2018年<br>木板装裱画布丙烯绘画<br> DOB先生是村上隆艺术创作的核心原型形象，融合了漫画角色哆啦A梦与游戏角色刺猬索尼克的视觉特征。该形象极具可塑性，会随极致的情绪波动发生剧烈形态蜕变，囊括极致欢愉、极致痛苦与深层焦灼等极端心境。在《探探波，又名阁楼丹：在知识炼狱的烈焰中灼烧》中，DOB蜕变为怪异的巨型魔物，悬空漂浮、肆意宣泄乱象。这件作品是村上隆个人痛苦情绪的直观投射，创作于他饱受痛风病痛折磨的时期。而在艺术评论视角中，角色的异化与扭曲，更是对当代社会的隐喻：过度消费、信息泛滥与无度的欲望堆砌，让整个社会陷入窒息与内耗的困境。这幅巨作汇聚了无数大小各异的形象，每个形象都刻画精细、独具特质。层次丰富的构图引导观者的视觉节奏，兼具整体的磅礴视觉冲击力与局部的细腻细节质感，形成张弛有度的观赏体验。<br><div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《歌川广重〈名所江户百景〉：</b></h1><h1 style="text-align: center;"><b>重思日本风 —— 上野月松》</b></h1> 村上隆<br>日本，1962 年生<br>《歌川广重〈名所江户百景〉：重思日本风 —— 上野月松》，2024–2025<br>布面丙烯、闪粉，裱于铝制画框<br><div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《旗帜》</b></h1> 贾斯珀・约翰斯<br>美国，1930 年生<br>《旗帜》，1967 年<br>布面蜡画、拼贴，三联屏<br> 贾斯珀・约翰斯曾说：“一天夜里，我梦见自己画了一面巨大的美国国旗。第二天一早，我便起身出门，购置材料着手创作。”<div><br>对于这一系列已然成为近现代艺术史标杆的作品而言，这是一段质朴的缘起。美国国旗既是一种观念的抽象载体，也是具象符号；可当国旗被描绘于画布之上，它又变成了什么？它究竟是这件物品的图像，还是物品本身？约翰斯的《旗帜》是一场感知博弈，在现实与幻象之间来回拉扯，作品的内涵也由此生发。<br><br></div><div>约翰斯自 1954 年开始创作旗帜主题，时值冷战初期，他对国旗的诠释冷静、理性，不带丝毫情感渲染。而这件 1967 年的版本，则诞生于越南战争最为激烈的时期。<br><div><br></div></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《无题》</b></h1> 贾斯珀・约翰斯<br>美国，1930 年生<br>《无题》，1991 年<br>布面蜡画、掺沙<br><div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《无题［纽约］》</b></h1> 赛・托姆布雷<br>美国，1928–2011<br>《无题［纽约］》，1953<br>布面油性建筑漆、蜡质蜡笔<br> 1952 年末，赛・托姆布雷与艺术家好友罗伯特・劳森伯格凭借奖学金前往意大利与北非游历。托姆布雷奔赴罗马自有目标，他在奖学金申请书中写道，自己被 “原始事物、仪式与灵物元素，以及均衡的造型秩序” 深深吸引。<div><br>在托姆布雷看来，这种融合仪式感的秩序，清晰显现于古代建筑、图腾石碑与刻有象形符号的遗迹之中；这些形态也融入了他这一时期的绘画与雕塑创作。<br><br></div><div>《无题》有着鲜明的图腾特质：画面中一系列形似阳具的塔状形象，以轻快的薄涂色块与狂乱线条勾勒而成。本质上，这件作品展现出原始能量转化为建筑形态的过程，个人化的笔触动作不断叠加，汇聚成原型意象。<br><br></div><div>《无题》创作于托姆布雷艺术生涯初期，却是理解艺术家毕生痴迷古代文明、相信艺术拥有。<br><div><br></div></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《无题》</b></h1> 罗伯特・劳森伯格<br>美国，1925–2008<br>《无题》，1954<br>布面油画颜料、织物、报纸拼贴<br> 罗伯特・劳森伯格对物质文化抱有强烈的吸纳欲。这件《无题》由木料、报纸、连环漫画、各式布料与复古蕾丝拼合而成，通体覆盖一层红色颜料。画面留存颜料流淌的痕迹与偶然形成的组合关系，其创作初衷不同于抽象表现主义的情感宣泄，而是营造层出不穷的意外并置，促使观者产生感知上的转变。<div><br>《无题》是劳森伯格艺术发展历程中的重要节点。他对日常物件的运用不断演进，最终催生融合绘画与雕塑的复合形式，也就是如今为人熟知的组合绘画（Combine paintings）。</div><div><br>1983 年，伊莱・布罗德与埃德思・布罗德夫妇购入这件劳森伯格《无题》时，出让了他们珍藏已久的梵高素描《圣马迪的小屋》（1888）。对于布罗德夫妇而言，这件《无题》是其收藏生涯的转折点，象征着二人愈发专注于收藏当代艺术家作品。<br><div><br></div></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《守望者》</b></h1> 贾斯珀・约翰斯<br>美国，1930 年生<br>《守望者》，1964<br>布面油彩，附实物，双联屏<br> 《守望者》创作于贾斯珀・约翰斯旅居日本东京期间。这件具有里程碑意义的作品包含一件以他友人腿部翻制的蜡模、两块画布面板，以及半把普通餐椅。整幅画面仿佛定格在动态发生的瞬间。画布左侧印有 “红、黄、蓝” 字样，字迹残缺，好似正在被擦除；画布右侧对应的彩色色块同样支离破碎。椅子向上腾空而起，身后留下橙、绿、灰色交织的痕迹，犹如富有表现力的色点如雨般洒落，覆盖在原本规整的画面之上。<div><br>总而言之，《守望者》试图超越绘画本身。作品捕捉到一个临界瞬间：思想与再现（符号与标识构成的世界）正向行动与物质表达的世界发生转变。<br><div><br></div></div> <h1 style="text-align: center"><b>左：《无题》</b></h1><h1 style="text-align: center"><b>《伊奥尼亚海边》</b></h1><h1 style="text-align: center"><b>《无题（罗马）》</b></h1> 赛・托姆布雷<br>美国，1928–2011<br>左：《无题》，2006 青铜<br><div>中：《伊奥尼亚海边》，1988</div><div>青铜、油性颜料<br></div><div>右：《无题（罗马）》，1987青铜</div> 以上均为托姆布雷晚期青铜雕塑。长期定居罗马的他深受地中海古典文明滋养，雕塑形态多源自远古石碑、骨骼、植物枝干与遗迹轮廓；部分青铜作品表面涂刷油性颜料，延续绘画里手绘、斑驳随性的质感，打通绘画与雕塑的边界。《伊奥尼亚海边》标题呼应古希腊地域景观，是其经典雕塑系列。<br><div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《无题》</b></h1> 罗伯特・劳森伯格<br>美国，1925–2008<br>《无题》，1963<br>布面油彩、丝网印油墨<br><div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《恰当之人》</b></h1> 爱德华・鲁沙<br>美国，1937 年生<br>《恰当之人》，2011<br>亚麻布面丙烯<br> 两件为同一年创作的配对文字绘画。爱德华・鲁沙以文字绘画闻名，作品常常借用日常短语制造语义留白与张力，冷静简约的视觉形式，融合西海岸波普艺术气质。词组形成对照关系，引导观者思考身份、群体、评判等议题。<br><div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《拉西恩尼加大道诺姆餐厅失火》</b></h1> 爱德华・鲁沙<br>美国，1937 年生<br>《拉西恩尼加大道诺姆餐厅失火》，1964<br>布面油彩、铅笔<br> 诺姆餐厅是一处公路地标。南加州遍布这类全天候营业的餐馆，为食客供应煎饼。对爱德华・鲁沙而言，诺姆餐厅拥有与好莱坞标志、电影片头字幕、标准石油醒目的加油站招牌同等重要的图像价值。这些物象都成为他 1960 年代的创作主题，是美国地貌、地域氛围，乃至美式独特语言范式的象征。<div><br>《拉西恩尼加大道诺姆餐厅失火》是鲁沙首件描绘建筑起火的画作。火焰为这一经典原型场景赋予超现实色彩，火势熊熊，近乎带有戏谑感；在整洁明亮的都市图景之中，迸发出富有表现力的能量，上演一幕略带煽情意味的戏剧性瞬间。<br></div><div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《恼于此物是石膏，而非牛奶》</b></h1> 爱德华・鲁沙<br>美国，1937 年生<br>《恼于此物是石膏，而非牛奶》，1965<br>布面油彩<br><div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《惊悚意大利西部片 5 号》</b></h1> 爱德华・鲁沙<br>美国，1937 年生<br>《惊悚意大利西部片 5 号》，2010<br>布面丙烯<br><div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《惊悚意大利西部片 3 号》</b></h1> 爱德华・鲁沙<br>美国，1937 年生<br>《惊悚意大利西部片 3 号》，2010<br>布面丙烯<br><div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《鎏金、纹彩、失策》</b></h1> 爱德华・鲁沙<br>美国，1937 年生<br>《鎏金、纹彩、失策》，2011–2012<br>布面丙烯<br><div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《臃肿帝国》</b></h1> 爱德华・鲁沙<br>美国，1937 年生<br>《臃肿帝国》，1996–1997<br>布面丙烯<br><div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《二十幅杰奎琳》</b></h1> 安迪・沃霍尔<br>美国，1928–1987<br>《二十幅杰奎琳》，1964<br>亚麻布面丝网印油墨<br><div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《毛泽东》</b></h1> 安迪・沃霍尔<br>美国，1928–1987<br>《毛泽东》，1973<br>亚麻布面丙烯、透明丙烯媒介剂、丝网印油墨<br><div><br></div> <h1 style="text-align: center"><b>《莉兹【早期彩色莉兹】》</b></h1> 安迪・沃霍尔（美国波普艺术奠基人，1928–1987）<br>《莉兹【早期彩色莉兹】》<br>创作年份：1963 年<br>材质：画布合成聚合物颜料 + 丝网印刷油墨尺寸：101.3 × 101.3 cm（正方形画幅） 安迪・沃霍尔（1928–1987），原名安德鲁・瓦霍拉，生于宾夕法尼亚州匹兹堡。1949 年他迁居纽约，整个 1950 年代都以商业插画师为职业。1960 年代初，他逐步形成标志性的波普风格。作为波普艺术领军人物，沃霍尔将大众商业文化的图像与创作手法引入视觉艺术领域。<div><br>彼时，抽象表现主义是主流艺术潮流，该流派宣扬普世感染力与独属于美国式的自由精神。而沃霍尔笔下的可口可乐瓶、金宝汤罐头，展现出美国的另一重面貌。他的作品凸显出精致广告塑造之下，这些商品深入人心的大众认知度。</div><div><br>沃霍尔早期作品以手绘完成，常常描摹投影图像，刻意营造机械复制的视觉效果。1962 年，他开始创作丝网印刷作品，这也是他最广为人知的创作媒介。尽管在照相丝网版画中，观者看不到画笔笔触这类手工痕迹，但艺术家的主观取舍是创作过程的核心。他自主挑选画面内容、设定色彩，裁切并时常改造原始素材图像。</div><div><br>依托这些创作选择，沃霍尔持续探讨名人、死亡、灾难与商品等主题，这些主题常被视作美国文化的隐喻。沃霍尔擅长制造模糊多义的表达，其作品既可以被解读为赞美，也可视为批判。从绘画作品、工作室 “工厂”，到极具话题性的个人形象，沃霍尔在世时便拥有深远影响力，他对后世几代艺术家的影响难以估量。<br><div><br></div></div> <br><h1 style="text-align: center;"><b>《金宝汤罐头</b></h1><h1 style="text-align: center;"><b>（曼哈顿风味蛤蜊浓汤）</b></h1><h1 style="text-align: center;"><b>【费鲁斯版本】</b>》</h1> 安迪・沃霍尔<br>美国，1928–1987<br>《金宝汤罐头（曼哈顿风味蛤蜊浓汤）【费鲁斯版本】》，1962<br>亚麻布面酪蛋白颜料、铅笔<br><div><br></div> <div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《头号通缉犯 6 号，托马斯・</b></h1><h1 style="text-align: center;"><b>弗朗西斯・C.》</b></h1> 安迪・沃霍尔<br>美国，1928–1987<br>《头号通缉犯 6 号，托马斯・弗朗西斯・C.》，1964<br>亚麻布面丝网印油墨<br> 1964 年，安迪・沃霍尔受委托为纽约世界博览会纽约州馆外墙创作作品。他放大纽约警察局通缉名单中的 13 张犯人入案照，将其排布成巨型网格壁画。这件极具争议的作品完成仅数日，博览会主办方便下令将其覆盖涂刷。沃霍尔早已预料并期待这场舆论风波。<div><br>他沿用这次委托所用的丝网版，创作出二十幅《头号通缉犯》系列绘画。托马斯・弗朗西斯・C. 阴沉的面容，与沃霍尔笔下一众名人肖像形成鲜明对照。沃霍尔将这些不愿被拍摄、籍籍无名的罪犯形象推向公众视野，迫使大众直面犯罪群体。<br></div><div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《大型电椅》</b></h1> 安迪・沃霍尔<br>美国，1928–1987<br>《大型电椅》，1967–1968<br>亚麻布面丙烯、丝网印油墨<br><div><br></div> <div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《单幅猫王【费鲁斯版本】》</b></h1> 安迪・沃霍尔<br>美国，1928–1987<br>《单幅猫王【费鲁斯版本】》，1963<br>亚麻布面丝网印油墨、喷漆<br><div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《舞蹈图解 [3]</b></h1><h1 style="text-align: center;"><b>〈林迪舞收身转身・男士步法〉》</b></h1> 安迪・沃霍尔<br>美国，1928–1987<br>《舞蹈图解 [3]〈林迪舞收身转身・男士步法〉》，1962<br>亚麻布面酪蛋白颜料<br><div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《吻（贝拉・卢戈西）》</b></h1> 安迪・沃霍尔<br>美国，1928–1987<br>《吻（贝拉・卢戈西）》，1963<br>纸上丝网版画<br><div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《种族骚乱》</b></h1> 安迪・沃霍尔<br>美国，1928–1987<br>《种族骚乱》，1963<br>斯特拉斯莫尔绘图纸面丝网版画<br><div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《救护车灾难》</b></h1> 安迪・沃霍尔<br>美国，1928–1987<br>《救护车灾难》，1963<br>斯特拉斯莫尔绘图纸面丝网版画<br><div><br></div> <h1 style="text-align: center"><b>《彻底停驻》</b></h1> 安迪・沃霍尔<br>美国，1928–1987<br>《彻底停驻》，1958<br>纸上墨水<div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《举国梦魇》</b></h1> 安迪・沃霍尔<br>美国，1928–1987<br>《举国梦魇》，1951<br>纸上墨水<br> 创作于 1951 年，属于沃霍尔极早期纸本手绘作品，此时他刚刚定居纽约，仍处在商业插画探索阶段。标题带有强烈社会隐喻，是他最早触及社会议题图像的尝试，远早于 60 年代灾难系列、通缉犯系列。作品以墨水手绘，能看到他标志性随性晕染的线条技法雏形。<br><div><br></div> <h1 style="text-align: center"><b>《洗碗机》</b></h1> 安迪・沃霍尔<br>美国，1928–1987<br>《洗碗机》，1960<br>纸上墨水 创作于 1960 年，处于沃霍尔波普艺术爆发前夕。他选取家用电器作为图像主题，将日常消费品转化为绘画题材，是金宝汤罐头、可口可乐系列的前期图像实验。依旧采用纸本墨水手绘，尚未启用丝网印刷，持续探索大众日常商品图像的艺术可能性。<br><div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《坐在自动餐台边的男子》</b></h1> 安迪・沃霍尔<br>美国，1928–1987<br>《坐在自动餐台边的男子》，1958<br>纸上墨水、水彩<br><div><br></div> <h1 style="text-align: center"><b>《折叠屏风（乳猪）》</b></h1> 安迪・沃霍尔<br>美国，1928–1987<br>《折叠屏风（乳猪）》，1955–1957<br>媒材：墨水、水彩、金箔，绘制于三块木质屏风板面<br><div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《你的断裂在哪里？[1]》</b></h1> 安迪・沃霍尔<br>美国，1928–1987<br>《你的断裂在哪里？[1]》，1961<br>棉画布面水性颜料<br><div><br></div> <h1 style="text-align: center"><b><font color="#ed2308">罗伊・利希滕斯坦</font></b></h1> 罗伊・利希滕斯坦（1923–1997）是美国波普艺术奠基人之一。他生于纽约，成长于第二次世界大战时期。曾就读于艺术学生联盟，后在俄亥俄州立大学深造并开展艺术创作。<div><br>20 世纪 60 年代初，利希滕斯坦开始在作品中运用广告与连环漫画图像，选取传统艺术范畴之外的视觉素材。久而久之，他的画作成为艺术与大众文化碰撞的象征。从带有漫画夸张感的广告画面、战争影像，到卡通符号、消费商品，美国文化中的各类印刷图文，催生了艺术家一系列标志性作品。<div><br>利希滕斯坦的绘画运用本戴网点、影线、平涂色块等印刷视觉语言。借用印刷与广告的视觉范式，是他创作实践的核心。他采用这种机械化的视觉简化形式，透过当代生活视角重新审视艺术史。<div><br>利希滕斯坦研究、尝试过诸多艺术议题、美学理念与绘画门类。他尤其探究印象派、立体主义、表现主义等艺术流派看待世界的方式。在一系列作品中，他复刻、夸张、戏仿、讽刺、检验这些艺术潮流，这套创作已然成为理解战后美国艺术不可或缺的文本。<br><div><br></div></div></div></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《河谷》</b></h1> 罗伊・利希滕斯坦<br>美国，1923–1997<br>《河谷》，1985<br>布面油画、马格纳丙烯颜料<br><div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《完美画作》</b></h1> <div>罗伊・利希滕斯坦<br>美国，1923–1997<br>《完美画作》，1986<br>布面油画、马格纳丙烯媒介剂<br></div><div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《不完美画作》</b></h1> 罗伊・利希滕斯坦<br>美国，1923–1997<br>《不完美画作》，1986<br>双联布面油画、马格纳丙烯媒介剂<br> 罗伊・利希滕斯坦热衷于思考绘画的法则，尤其是那些经由历史惯例形成的艺术规范。在他漫长的 “完美画作” 与 “不完美画作” 系列中，这套惯例本身成为审视对象。<div><br>不同于那些先承认、继而质疑各类艺术流派的作品，利希滕斯坦表示，这组完美与不完美系列旨在创造 “一种无特定表意的抽象创作方式”。尽管画面效仿几何抽象艺术的视觉语言，但遵循的是艺术家自行设定的规则，而非承袭其他艺术家的范式。</div><div><br>关于 “完美画作” 的创作条件，他阐述道：“你从画布任意一条边缘起笔，将线条延伸至另一边缘，如此往复，这就是这套游戏的规则。”</div><div><br>而在 “不完美画作” 中，他沿用相同的基础规则，却突破画布边界，让线条向外延伸、突破画面边缘。<br>在利希滕斯坦的这一系列抽象作品里，“完美” 与 “不完美” 之间的区分本身是人为、主观的。<br><div><br></div></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《额枋》</b></h1> 罗伊・利希滕斯坦<br>美国，1923–1997<br>《额枋》，1976<br>布面油画、马格纳丙烯媒介剂<br><div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《纯粹主义静物》</b></h1> 罗伊・利希滕斯坦<br>美国，1923–1997<br>《纯粹主义静物》，1975<br>布面油画、马格纳丙烯媒介剂<br><div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《非具象作品一号》</b></h1> 罗伊・利希滕斯坦<br>美国，1923–1997<br>《非具象作品一号》，1964<br>布面油画、马格纳丙烯媒介剂<br><div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《鲁昂大教堂，第三组》</b></h1> 罗伊・利希滕斯坦<br>美国，1923–1997<br>《鲁昂大教堂，第三组》，1968–1969<br>五联布面油画、马格纳丙烯媒介剂<br> 一场系列作品展览展出了印象派克劳德・莫奈描绘鲁昂大教堂的经典画作，受此启发，从不避讳挪用艺术母题的罗伊・利希滕斯坦，着手创作属于自己的大教堂系列。<div><br>莫奈历时两年在教堂现场写生，观察光线在建筑表面移动时，色彩与轮廓产生的变化；利希滕斯坦却并非实景写生。</div><div><br>莫奈极具手绘质感的创作方式，与利希滕斯坦带有商业印刷影响的画风形成鲜明对比。但印象派断续的笔触、未混合的原色，恰好成为利希滕斯坦平涂原色与本戴网点的先声 —— 这是对一个艺术流派与艺术大师充满戏谑意味的当代更新。<br><div><br></div></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《墙上之物》</b></h1> 罗伊・利希滕斯坦<br>美国，1923–1997<br>《墙上之物》，1973<br>布面油画、马格纳丙烯媒介剂<br><div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《女性人像》</b></h1> 罗伊・利希滕斯坦<br>美国，1923–1997<br>《女性人像》，1979<br>布面油画、马格纳丙烯媒介剂<br><div><br></div> <div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《</b><b style="color: inherit;">脱帽致意》</b></h1> 罗伊・利希滕斯坦<br>1996 年（艺术家晚期雕塑代表作）<br>媒介：上色、做旧青铜<br>尺寸：231.14 × 33.02 × 76.2 cm，等身大型立式雕塑<br> 前景雕塑《Coup de Chapeau II》<br>完全延续利希滕斯坦标志性漫画视觉语法：粗黑轮廓硬边分割、高饱和纯色平涂、漫画爆炸冲击波（爆炸气泡）、云朵式烟雾。<div><br>造型逻辑：一只手高高扬起，将黄色礼帽向上甩出，中间红色爆炸气泡象征脱帽动作带来的戏剧化冲击，底部三色条纹代表气流轨迹；<br><br></div><div>媒介创新：把二维漫画图像转化为三维立体青铜雕塑，金属基底完全复刻印刷插画的平面质感，消解雕塑传统体积光影。<br>背景配套馆藏（你此前已浏览作品）<br><br></div><div>右侧墙面：油画《I...I'm Sorry!》（1965–66），言情漫画改编的夏娃肖像；<br>左侧墙面：圆形网点抽象浮雕，同属利希滕斯坦抽象系列，沿用蒙德里安改造的网点几何语言。</div><div><br>整套展厅完整串联他 60 年代平面绘画与 90 年代立体雕塑创作脉络。<br></div><div><br></div> <div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《镜子一号》</b></h1> 罗伊・利希滕斯坦<br>美国，1923–1997<br>《镜子一号》，1969<br>布面油画、马格纳丙烯媒介剂<br><div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《我…… 对不起！》</b><br></h1> 罗伊・利希滕斯坦<br>美国，1923–1997<br>《我…… 对不起！》，1965–1966<br>布面油画、马格纳丙烯媒介剂<br> 如今罗伊・利希滕斯坦这套取材于漫画的波普艺术风格早已家喻户晓，但在 20 世纪 60 年代初期，这一创作手法极具颠覆性。<div><br>他挪用美国大众文化的视觉语言 —— 诸如米老鼠、可口可乐、连环漫画版面等通俗符号，并由此确立了独属于自己的艺术表达：他画出的作品初看完全不像是传统意义上的 “艺术”。<br>这套创作思路是他的一层伪装，同时也是一条转移学界视线的障眼法：借由通俗漫画的外壳，他得以将个人创作置入宏大的艺术史脉络，与历代艺术大师展开对话，反复演绎源自古典时代的经典母题。</div><div><br>《我…… 对不起！》这幅作品将圣经人物夏娃塑造成一名现代女性。利希滕斯坦刻意模糊了她道歉背后的动机，为作品留出多层解读空间：她是为偷吃禁果致歉？还是伤透了对方的心？这句磕磕绊绊的道歉究竟发自真心？画中人物简化平面的五官之下，暗藏着这句告白复杂、微妙的多重情绪。</div><div><br></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《阿尔及尔女子》</b></h1> 罗伊・利希滕斯坦<br>美国，1923–1997<br>《阿尔及尔女子》，1963<br>布面油画<br> 在从连环漫画与商业广告汲取图像素材的同时，罗伊・利希滕斯坦也向他所推崇的艺术前辈借鉴母题。借鉴、更新、力求超越前人，长久以来都是艺术创作中强大的传统。<div><br>巴勃罗・毕加索就曾广泛借鉴各类创作者，其中包括欧仁・德拉克洛瓦 1834 年的名作《阿尔及尔妇女》，利希滕斯坦挪用这一经典题材，同时融入模仿皮特・蒙德里安风格的原色网格构图。<br><br></div><div>德拉克洛瓦画中的女性形象源自男性幻想：一群后宫女子慵懒休憩、静静等候。毕加索在 20 世纪 50 年代中期创作的同题材系列，进一步放大这一题材带来的争议。但利希滕斯坦在此反转了画面里的情欲叙事。<br><br></div><div>画中女性由碎片化、棱角锐利的形体拼接而成；她与所处空间的建筑融为一体，鸟形轮廓的面孔不再迎合观者凝视，反而将视线拒斥在外。<br><div><br></div></div> <h1 style="text-align: center;"><b>《反思〈室内作画少女〉》</b></h1> 罗伊・利希滕斯坦<br>美国，1923–1997<br>《反思〈室内作画少女〉》，1990<br>布面油画、马格纳丙烯媒介剂<br><div><br></div> <h1><div style="text-align: center;"><b><font color="#ed2308">愿我的作品</font></b></div><div style="text-align: center;"><br></div><div style="text-align: center;">给去过的朋友，带来美好回忆；</div><div style="text-align: center;">对想去的朋友，能够有所帮助；</div><div style="text-align: center;">让没去的朋友，随我旅游一趟。</div><div style="text-align: center;"><br></div><div style="text-align: center;"><b><font color="#ed2308">谢谢观看</font></b></div><div style="text-align: center;"><br></div><div style="text-align: center;"><b><font color="#ed2308">欢迎转发</font></b></div><div style="text-align: center;"><br></div><div style="text-align: center;">张国华</div><div style="text-align: center;">2026年6月 摄影 洛杉矶</div><div style="text-align: center;">2026年7月 制作 北 京</div></h1>