非凡毕加索

晏

2026.4.30. 　　毕加索（ 1881年10月25日——1973年4月8日），西班牙画家、雕塑家。法国共产党党员。是现代艺术的创始人，西方现代派绘画的主要代表。

毕加索出生在西班牙马拉加，长期在法国进行艺术创造活动。是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家之一，立体画派创始人，他和他的画在世界艺术史上占据了不朽的地位。他对二十世纪的艺术史有着浓墨重彩的一笔，人们称他为“人类艺术史上罕见的天才”。在西班牙内战和纳粹占领法国期间，毕加索坚定地站在民主和进步势力一边，积极参与反法西斯斗争。

　　他于1907年创作的《阿维尼翁的少女》（也有译为《亚威农少女》）是第一张被认为有立体主义倾向的作品，是一幅具有里程碑意义的著名杰作。它不仅标志着毕加索个人艺术历程中的重大转折，而且也是西方现代艺术史上的一次革命性突破，引发了立体主义运动的诞生。这幅画在以后的十几年中竟使法国的立体主义绘画得到空前的发展，甚至还波及到芭蕾舞、舞台设计、文学、音乐等其他领域。（此画本次没来展出，图片来自网络）

　　2025年12月22日至2026年5月3日在上海浦东美术馆举办的“非常毕加索：保罗•史密斯的新视角”展览，展出80件毕加索真迹，涵盖其一生各个阶段、多种风格的作品，是国内迄今最完整、展出作品最多的一次毕加索作品展。

此次展览是继2011年在上海世博园中国馆举办的毕加索中国大展后的又一重要展览，两次展览展品均来自巴黎毕加索博物馆。2011年的展览展出了48幅油画、7幅版画和7座雕塑，同时参展的还有50幅关于毕加索的摄影作品。而2026年的“非常毕加索”展览则以创新的策展理念和丰富的展品，为观众带来了一场前所未有的艺术盛宴。

这张照片是毕加索在瓦洛里斯城堡小教堂里，进行另一个版本《战争与和平》的速写，由卢奇亚诺.艾默尔执导的纪录片《毕加索》拍摄期间。

1953年 安德烈.维莱尔摄

　　此次展览由英国时尚设计大师保罗•史密斯担任艺术总监，展品囊括毕加索所有标志性创作阶段，包括油画、炭笔画、铅笔画、雕塑、水彩、浮雕、版画、陶瓷等数十种创作材料，全面呈现这位艺术家的多面性。展览打破了传统单色展墙，通过墙面设计呼应毕加索画面元素，营造出强烈的视觉冲击力，使观众在走动中既感受到艺术家的思维脉动，也获得沉浸式的观展体验。

　　展览中包括了毕加索以玛丽-特雷莎•瓦尔特为模特创作的《阅读》（1932），首次来到中国的《牛头》（1942），以及儿童主题作品《装扮成丑角的保罗》（1924）与《与玩具卡车玩耍的幼儿》（1953）等代表作。此外，还有体现西班牙文化热情的《斗牛：斗牛士之死》（1933），立体主义时期的《圣心大教堂》（1909-1910），以及蓝色时期的《男人肖像》（1902-1903）等作品。

这张照片是毕加索在马杜拉工坊中，站在一件陶器前，由卢奇亚诺.艾默尔执导的纪录片《毕加索》拍摄期间。

1953年 安德烈.维莱尔摄

　　毕加索是位多产画家，据统计，他的作品总计近37000件，包括：油画1885幅，素描7089幅，版画20000幅，平版画6121幅。他是有史以来第一个活着亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。在1999年12月法国一家报纸进行的一次民意调查中，他以40%的高票当选为20世纪最伟大的十位画家之首。对于作品，毕加索说：“我的每一幅画中都装有我的血，这就是我的画的含义。”全世界前10名最高拍卖价的画作里面，毕加索的作品就占据4幅。

毕加索是个不断变化艺术手法的探求者，印象派、后期印象派、野兽派的艺术手法都被他汲取为自己的风格。他的才能在于，他的各种变异风格中，都保持自己粗犷刚劲的个性，而且在各种手法的使用中，都能达到内部的统一与和谐。他的作品，无论陶瓷、版画、雕刻都如童稚般的游戏。在他一生中，没有特定的老师，也没有特定的子弟。他就是那个独一无二的存在！

　　除了《阿维尼翁的少女》，他的代表作还有《卡思维勒像》（图片来自网络）。

《卡思维勒像》是毕加索1909—1911年“分析立体主义”时期的绘画，进一步显示了对于客观再现的忽视。这一时期他笔下的物象，无论是静物、风景还是人物，都被彻底分解了，使观者对其不甚了了。虽然每幅画都有标题，但人们很难从中找到与标题有关的物象。那些被分解了的形体与背景相互交融，使整个画面布满以各种垂直、倾斜及水平的线所交织而成的形态各异的块面。在这种复杂的网络结构中，形象只是慢慢地浮现，可即刻间便又消解在纷繁的块面中。色彩的作用在这里已被降到最低程度。画上似乎仅有一些单调的黑、白、灰及棕色。实际上，画家所要表现的只是线与线、形与形所组成的结构，以及由这种结构所发射出的张力。

　　这张《瓶子、玻璃杯和小提琴》也是他的代表作之一（图片来自网络）。

1912年起，毕加索转向其“综合立体主义”风格的绘画实验。他开始以拼贴的手法进行创作。《瓶子、玻璃杯和小提琴》清楚地显示了这种新风格。

在这幅画上，我们可分辨出几个基于普通现实物象的图形：一个瓶子、一只玻璃杯和一把小提琴。它们都是以剪贴的报纸来表现的。在这里，画家所关注的焦点，其实仍然是基本形式的问题。

　　当然，在他所有的代表作中，最著名的就是这幅《格尔尼卡》（图片来自网络）。

1937年，第二次世界大战期间，毕加索作油画《格尔尼卡》抗议德、意法西斯对西班牙北部小镇格尔尼卡狂轰滥炸了3小时，造成约1654人死亡，小镇化为废墟的暴行。这幅画是毕加索最著名的一幅以立体主义、现实主义和超现实主义手法相结合的抽象画，剧烈变形、扭曲和夸张的笔触以及几何彩块堆积、造型抽象，表现了痛苦、受难和兽性，表达了毕加索多种复杂的情感。

毕加索的这幅画仅使用了黑、白、灰三种颜色，这种单色调的处理旨在营造低沉、悲凉的氛围，强化战争带来的痛苦与绝望感，仿佛在硝烟覆盖下生命都失去了色彩，把战争的残酷表现得非常震撼。

这幅画的原作现存于马德里索菲亚王后艺术中心，我2015年去参观了这幅反战巨制，作品的两旁站着两位彪形大汉，不允许观众靠近，也不能拍照，我们只能久久地站在画前，细细地观赏，深深地刻进心里。据说，现在允许拍照了！

　　接下来，让我们一起欣赏本次展览所带来的作品。

牛头 1942年春

这件作品是首次来中国展出。《牛头》几乎是毕加索“现成物”创作中最广为人知的代表作。据传，这件作品的材料：自行车鞍座与车把，是他在垃圾场偶然发现的。艺术家仅用两个日常物件的简单集合，就完成了这件雕塑，其创作方式与“精致尸体”游戏相通。后者是一种由该流派发展出的集体创作游戏。参与者依次在纸上绘制或书写，彼此看不到前人的内容，最终拼合为出人意料、荒诞而富有想象力的图像或文本。毕加索通过不同寻常的组合或赋予物件新的、意想不到的用途，或创造出全新的形式。

　　男人肖像 1902年冬--1903年

在这幅画中，毕加索描绘了一个面无表情的男人，他望向虚空、目光迷离，同时双臂交叉，佝然坐在咖啡馆的吧台一侧。他背后墙壁上，乡村风景画仅露出一角。后来，毕加索透露了画中人的身份：“类似于街上常看到的那种疯子。巴塞罗那没有人不知道他。”画面下方存在一处明显的缺损，很可能是某次不当运输造成的。至少自1908年以来，这幅画就一直处于这种状态。

　　为完成《阿维尼翁的少女》，毕加索尝试了大量的研习稿，这是其中一幅。

胸像（《阿维尼翁的少女》研习稿 1907年春

自1906年秋起，毕加索开启了新的探索，尝试简化形体与空间。起初，他几乎将全部注意力都集中于女性身体。为此，他创作了大量研习稿与作品，尝试了绘画、雕塑与素描等多种媒材。毕加索在该时期创作的人物形象大多以正面示人，画面几乎只使用粉色与赭色。几个月后，这一特征在他的杰作《阿维尼翁的少女》（1907年）中得以充分体现。

女人胸像（《阿维尼翁的少女》研习稿） 1907年春

女人或水手胸像（《阿维尼翁的少女》研习稿） 1907年春

这件作品综合展示了毕加索对伊比利亚原始主义、非洲艺术以及塞尚的形式观念的日益热情。头部如纪念碑般肃穆，以正面示人并采用对称构图，轮廓线条清晰可见，这些元素说明毕加索摒弃了西方肖像画中的拟真传统，转而追求一种自成一体的形式：内敛、肃穆，伴有一丝奇异的疏离。

一方面，作品标题并没有确定画中人的性别和身份；另一方面，毕加索有意让这幅画作呈现雕塑特质。此外，他也在探讨人体如何同时兼具建筑感与生物属性，兼容阳刚与阴柔之特质。从这个意义上说，这件作品预示了对形体的极端分解与重组，在《阿维尼翁的少女》中，这一手法将达到巅峰。简化的空间层次，紧绷的形体，面部与颈部之间充满顿挫感的过渡，这些细节说明艺术家渴望将绘画转译为雕塑，将触觉与视觉融汇在一起，构成一种独立的、统一的艺术语言。

母与子 1907年夏 　　船 1911年 　　圣心大教堂 1909年冬--1910年

《圣心大教堂》是毕加索早期立体主义阶段中罕见的以建筑为题材的作品之一。在这一时期，他开始瓦解古典透视法，通过打碎空间层次来重构现实。尽管这幅画并未完成，但圣心大教堂的轮廓已经清晰可辨：重重圆顶与尖塔被重新构想为不断变换方位的几何形体，且似乎正在倒向观者所在的方向。

这幅画创作于“分析立体主义”初现之时，毕加索将建筑解析为多重互相交织的平面，并使用了赭色、灰色等柔和色调。他并未将教堂描绘为固定的地标，而是将之转化为与周围空间紧密联结的动态存在。这件作品展现了毕加索将建筑形体视为可塑之物的野心：建筑与静物形成人体一样，也能服从于同一套分解逻辑。
　　“女人头像”研习稿（费尔南德） 1909年夏 　　杯子、苹果、书 1911年春 石榴、杯子和烟斗 1911年 　　孕妇 1949年 　　吉他 1920年9月18日 　　拿烟斗的男人 1914年春（推测） 　　玻璃杯与烟盒 1914年春 　　留八字胡的男人 1914年春（推测） 　　络腮胡男人胸像 1933年 　　玻璃杯与报纸 1914年夏 　　玛雅与洋娃娃 1938年1月16日 与玩具卡车玩耍的孩子 1953年12月27日 装扮成喜剧丑角的保罗 1924年

毕加索的长子保罗出生于1921年2月4日。画中，他身着喜剧丑角戏服，引发对意大利即兴喜剧的联想。从“粉色时期”（1904—1906年）的街头艺人系列起，到20世纪70年代，意大利即兴喜剧一直都是毕加索艺术创作的重要母题。同时，这幅画彰显了毕加索与长子之间的纽带：这位艺术家也曾多次呈现自己身穿喜剧丑角戏服的样子。艺术家有意将此作停留在未完成状态：画布背景处未施任何颜料，足部位置的改笔痕迹清晰可见。

跳舞的喜剧丑角 约1950年（推测）

喜剧丑角 约1950年

　　初次领圣餐的少男少女 1919年冬

在这幅肖像画中，两个孩子身穿初次领圣餐的礼服。毕加索的灵感来源于一张1914年的摄影师样片广告。对基督徒而言，初次领圣餐是继洗礼之后皈依宗教的第二个重要仪式。时至今日，参加此类仪式时，人们仍会身着礼服拍摄留念，并由家人分发寄送、相告亲友。此作在艺术家生前从未公开展出，直到1986年，马德里举办了一场展览，展出毕加索最后一任伴侣雅克利娜.罗克继承的藏品，公众才首次见到这幅画。

　　躺在床上的裸女 1920年6月16日 西斯莱夫妇，致敬奥古斯特.雷诺阿（一对情侣） 1919年末 斗牛 瓦洛里斯斗牛中的红斗篷招式 1956年8月 雷蒙.法布尔摄

毕加索自幼便在父亲的陪伴下在马拉加观看斗牛仪式。终其一生，无论起初在西班牙，或是之后在法国南部生活期间，他都会前往斗牛场。对斗牛的迷恋滋养着他的创作，他不仅会直接呈现斗牛这一意象，也会运用其象征含义。这一带有神圣意味的对抗仪式，不仅体现了人与兽之间的角力，也在更广义上象征着生死定律之间的对峙。斗牛士被牛角挑起、命悬一线的那一瞬间，成为毕加索20世纪10年代至30年代诸多油画、素描和版画的主题。20世纪40年代，毕加索移居瓦洛里斯期间，斗牛也是他陶艺作品中经常出现的装饰主题之一。如果说两次世界大战期间的毕加索更喜欢突出斗牛活动中紧张且极富戏剧性的一面，那此时的他则转向了节庆的风格。1959年，为写于18世纪的专业指南《斗牛术》重版绘制的系列插图便体现了这一点。

毕加索在阿尔勒斗牛场看台上 1960年 佚名摄 　　系列插图之《田野上的公牛》 1957年5月 奔向斗牛场 1957年5月 　　唐.坦克雷多的斗牛招式 1957年5月 以斗篷诱导公牛 1957年5月 撑杆跃起，躲避冲击 1957年5月 致命一击之后，斗牛士示意公牛已死 1957年5月 　　公牛之死 1957年5月 　　清场 1957年5月 　　斗牛士被拥戴离场 1957年5月 　　斗牛 1923年末--1924年初（推测） 　　牛头 1931年 毕加索戴着斗牛士帽，被朋友们抬着站在瓦洛里斯主广场斗牛场中央 1954年 安德烈.维莱尔摄 　　毕加索在阿尔勒的斗牛场上接受斗牛士维多利亚诺.巴伦西亚的致意 1961年4月（推测） 佩皮略摄 　　戴条纹帽的女人胸像 1939年6月3日 　　阅读 1932年1月2日

这幅画是毕加索以伴侣玛丽.特蕾兹.瓦尔特为灵感源泉而创作的。画中女子正沉浸在阅读所引发的神游之中，艺术家同时呈现了她的正脸与侧颜。画中人身体的其余部分均由交织的线条和色块构成，似乎已经与扶手椅融为一体。20世纪30年代，毕加索重新诠释了立体主义，通过景层叠置创造出一种新的空间透视法，由此形成了他在那一时期的典型风格。

坐着的戴帽子女人 1939年5月27日 　　双臂交错而坐的女人 1937年 男孩与龙虾 1941年6月21日

战争期间，毕加索并未直接描绘冲突的场景，而是构思一个充满不安意象的幽暗世界，以曲折隐晦的方式暗示暴力与荒诞。这幅画作将童稚的天真与身体的怪诞并置：男孩那缺牙的、扭曲的笑容，在红色嘴唇（画布上唯一的一抹鲜活色彩）的衬托下愈显刺眼；同时下体裸露，正对着前方的盘子。男孩几近掐死手中的龙虾，这样的情景给观众带来一种无可否认的焦虑感。大地色调的使用，模糊而逼仄的空间带来的感觉，以及男孩几近失衡的身体比例，共同营造出令人不适的氛围。

　　室内的猫头鹰 1948年12月7日 　　戴帽女人胸像 1941年6月9日 　　独一无二的陶艺作品
　　早在1906年，毕加索就已经在蒙马特地区进行了最初的陶艺创作尝试，但直到1948年定居瓦洛里斯之后，他才开始了大规模陶艺创作。瓦洛里斯小镇坐落于戛纳与昂蒂布之间，数个世纪以来因制陶而闻名。1954年以前，毕加索在由苏菲和乔治.拉米耶夫妇主理的马杜拉工坊中创作了数以千计的原创作品，展现了陶艺技能的发展。他享受陶土的造型、雕刻与赋色过程。盘子、水壶及其他瓶罐上不时出现农牧神头像、动物形象与斗牛场景，他也会在盘子表面描绘或捏制水果和美食，仿佛静物画中那样待人品尝。
　　本墙面上悬挂的白色瓷盘令人联想到毕加索陶艺创作成果之丰硕，也引出了对大批量工业产品与手工艺制品之间关系的思考。
　　仿马奈《草地上的午餐》 1960年3月3日----8月20日

毕加索曾重温马奈1863年的画作《草地上的午餐》，创作了数量可观的系列改作，这幅作品便是其中之一。毕加索并没有直接复制马奈画中的著名野餐场景，而是对其进行了转化：有的人物变换了位置，有的人物消失，风景部分变得模糊不清，形体或被压扁，或被合并，或被处理为装饰纹样。

毕加索对鲜艳色彩、装饰纹样和构图重组的运用既是在向原作致敬，也是在提出新的挑战：引导我们重新思考“致敬”在现代艺术语境中的含义。后来，在与挪威艺术家卡尔.内斯哈尔的合作过程中，该系列作品中的数个人物被再度诠释为大型混凝土雕塑，进一步延伸了绘画、雕塑与建筑空间之间的对话。
仿马奈《草地上的午餐》 1961年7月13日 马奈《草地上的午餐》改作 1961年7月4日----12月6日 仿马奈《草地上的午餐》 1961年7月27日 　　小尺幅《草地上的午餐》（致敬马奈） 1962年4月22日 　　欣赏了毕加索几幅仿马奈的作品后，让我们来看一下马奈的原作：《草地上的午餐》吧！（图片来自网络） 　　3号女人头像：朵拉.玛尔肖像 1939年1月----6月 　　年轻女子肖像（致敬小克拉纳赫）.二号 1958年7月4日 　　戴绒球帽、穿印花上衣的女人肖像 1962年1月----3月（推测） 枝叶间的农牧神 1948年3月10日 一家人 1970年9月30日

这幅作品是毕加索晚年创作的典型范例，画面展现出极具表现力的风格、自由的笔触与纯真的人物造型。画中人物衣着华丽、头饰时髦，色彩浓郁饱满，形成强烈而亮眼的明暗对比，令人联想到十七世纪的绘画传统。年近九旬的毕加索在此以充沛的活力重新演绎“家庭肖像”这一传统主题，既承袭了古代大师们的笔法，也赋予这一题材全新的生命力。

　　坐着的老年男人 1970年9月26日----1971年11月14日 　　窑炉分隔件，饰有身穿条纹毛衣的男人胸像 1950年9月23日 吸烟者.二号 1964年8月19日 毕加索在瓦洛里斯“威尔士别墅”的餐桌旁，将小面包摆出手指造型 1952年9月 罗贝尔.杜瓦诺摄

对这张照片，我印象特别深，在上次毕加索作品来沪展出时，这张照片就置放在进门处，我当时就觉得这样的摆拍太有趣，太有想象力了。

毕加索在瓦洛里斯富尔纳陶艺工坊里的肖像照 1952年9月 罗贝尔.杜瓦诺摄 　　1858年，海魂衫（条纹水手衫）被正式确定为法国海军的制服，它采用海军蓝与白色横纹设计，在海上具有辨识度。20世纪初，可可.香奈儿首次将这类服饰简洁、富有航海气息的风格运用于日常服装，将之转变为时尚符号。
　　1952年，摄影师罗贝尔.杜瓦诺在瓦洛里斯为毕加索拍摄了一系列照片。在这组照片中，毕加索频繁穿着海魂衫：有时是在工作室里、厨房里，有时在他亲手制作的陶器间怡然自得。随着时间推移，海魂衫逐渐成为毕加索公众形象的重要组成部分：既波西米亚又勤奋务实，既一丝不苟又童心未泯。海魂衫不仅代表着毕加索的个人风格，也象征着他对大海的终身眷恋以及他对地中海文化的身份认同----最终凝聚为创作自由与自我重塑的标志。
　　时隔15年，再次欣赏大批量毕加索的作品，收获满满。

对于绘画风格，各人有各自的喜好，你可以不喜欢立体主义，但你不可否认：毕加索是一位真正的天才！

20世纪是属于毕加索的世纪。他在这个多变的世纪之始从西班牙来到当时的世界艺术之都巴黎，开始他一生辉煌艺术的发现之旅。在20世纪，没有一位艺术家能像毕加索一样，画风多变而人尽皆知。毕加索的盛名，不仅因他成名甚早和《阿维尼翁的少女》、《格尔尼卡》等传世杰作，更因他丰沛的创造力和多姿多彩的生活，他留下了大量多层面的艺术作品。1973年，毕加索过世后，世界各大美术馆不断推出有关他的各类不同性质的回顾展，有关毕加索的话题不断，而且常常带有新的论点，仿佛他还活在人间。 他创作中丰富的造型手段，以及空间、色彩与线的灵活运用，是值得永远记取的。

非凡的毕加索，期待在下次的专题展中再见！