中华艺术馆不时不食展

云龙·现场

一次偶然的观展，一场与食器的相遇。在「不时不食」的展厅里，没有复杂的解说，只有一件件器物安静地陈列着。砂锅、铜壶、玻璃杯、勺子装置……它们不再只是厨房里的工具，而是带着各自的故事，向我们展示着饮食文化的多元与鲜活。

上海中华艺术宫举办「不时不食」主题展览，是第四届上海艺术设计大展的“食”板块单元。

「不时不食」主题展览入口的打卡照

高饱和度的玫红色背景上，印着生姜、切片食材和荔枝/红毛丹的线描版画，把“顺应时节吃应季食材”的主题直接呈现出来。

​“不时不食”是源自《论语》《礼记》的传统饮食理念，意思是“不当时令的食物不吃”，强调遵循自然节律的饮食智慧，和右侧的“顺时养生”完美呼应。

带孔洞的白色板上，排列了5行8列共40个白瓷勺，每一把勺子柄都被做了变形处理——有的扭曲、有的拉长、有的弯曲，打破了勺子原本规整的形态。

​艺术家以日常的瓷勺为载体，通过改变手柄的形态，让“千篇一律的日常餐具”变成了充满变化的艺术表达，既保留了勺子的实用特征，又赋予了它新的艺术张力。

侗瓶系列

这组作品出自设计师黄惠贞、唐伟焜之手，是RESTUDIO工作室的代表作，创作于2023年。

以黔东南传统亮布（侗族非遗工艺） 包裹不锈钢骨架，让硬挺的金属呈现出布料褶皱的柔软质感，刚柔并济。

人形陶瓷雕塑

两件作品以抽象的人形为载体，打破了传统食器的实用边界，更像“有生命的器皿”。

深色款：陶土的质朴质感，搭配孔洞与竹状结构，充满原始的手工张力。

浅色款：表面肌理细腻，造型更舒展，仿佛破土而出的自然形态。

深色镜面玻璃器：表面如镜面般光滑，能反射周围环境，模糊了器物与空间的边界，是对传统“器”概念的现代解构。

绿釉/窑变风格器皿。表面斑驳纹理，模仿矿石、窑变釉的效果，带一种“自然天成”的东方美学，呼应了“不时不食”里食材顺应天时、自然生长的理念。

渐变玻璃托盘

磨砂渐变玻璃托盘，边缘呈现从橙到绿的渐变色彩，表面雕刻了类似冰裂纹或迷宫的几何纹理，自带朦胧的半透明质感。

渐变的色彩呼应了“不时不食”里食材随季节变化的色彩意象，而冰裂纹纹理则让人联想到食材的肌理与自然的裂痕，兼具实用性与装饰性。

刻字紫砂茶具组

建水紫砂刻字茶具，主体是朱红色的陶罐与茶杯，表面采用阴刻阳填工艺，将文字与图案融入器身。罐身的文字包含网络热词与传统语汇，用“传统工艺+现代语境”的方式，让古老的茶具与当代文化对话，呼应了展览对“饮食文化与时俱进”的探讨。

哑光黑陶食器组

三件哑光黑陶食器，造型古朴而充满原始张力。带把手的小碗、双柄的器皿，还有带盖的鸟钮炖盅，都简化了传统食器的装饰细节，回归到陶土本身的质朴质感。

几何拼接陶瓷雕塑

两件作品采用“模块化拼接”的方式，将圆润的半球体组合成抽象的容器形态，像一个个微型的建筑或生命体。

左侧暖橙色的作品表面是磨砂质感，右侧蓝白渐变的作品则通过色彩过渡强化了空间层次，打破了传统陶瓷器的对称与规整。

褶皱感白瓷花器系列

四件作品以“被捏出褶皱的陶瓷”为设计核心，模拟布料被揉皱的柔软质感，与陶瓷本身的坚硬形成强烈反差。

器身点缀的淡绿色釉点，像布料上的刺绣或植物的肌理，为素白的陶瓷增添了自然的生机感，呼应了“不时不食”中食材与自然的关联。

黑色釉陶饮器组

三件黑釉陶瓷器（马克杯、高脚杯、公道壶）以极简的黑色釉面为主，搭配圆润的环形把手与底座，线条流畅又充满力量感。

「烛火意象」陶瓷玻璃装置

这些作品以“烛火”为灵感，将手工吹制的彩色玻璃作为火焰部分，搭配陶瓷底座，还原了烛光摇曳的形态。

玻璃部分：透明的蓝、金、绿色玻璃，模拟火焰的通透与流动感，顶端的白色“灯芯”细节，强化了烛火的意象。

陶瓷底座：做了仿金属、窑变釉等不同处理，有的像斑驳的树桩，有的像复古的烛台，与玻璃的轻盈形成强烈对比。

烛火是传统饮食场景里的重要元素，这类装置以当代艺术的方式，重构了“食物与火光”的温暖记忆。

手工吹制玻璃食器组

工艺特点：这组器皿是典型的手工吹制玻璃作品，底部的不规则“玻璃足”是吹制时自然形成的痕迹，自带随性的手工温度。

器皿以半透明的烟灰色为主，内部的气泡、纹理都保留了玻璃熔融时的流动感，打破了传统玻璃器的规整感。

它们既可以作为盛放食物的容器，也可以作为茶席、餐桌的装饰摆件，让“食器”的概念从实用延伸到美

釉色实验陶瓷杯组

这组陶瓷杯的亮点在于丰富的釉色与肌理变化：

上排杯子采用了银彩/金属釉，呈现出细腻的哑光金属质感。

下排杯子则用到了窑变、渐变釉和颗粒肌理，从暖橙到紫蓝的色彩过渡，模仿了自然的光影与矿石纹理。

模块化拼接食器组

作品用金属杆作为连接轴，把不同材质、形态的部件（金属漏斗、玻璃盘、陶瓷滤杯等）拼接在一起，像是一套可自由组合的“食器积木”。

这些部件可以被重新搭配，组成咖啡滤杯、高脚杯、托盘等不同功能的食器，体现了当代设计的模块化与可持续理念。

这组作品以“堆叠、拆解、重组”为核心，将玻璃的圆柱、圆环等基础单元组合成新的形态。

左侧两件：把玻璃环层叠在金属杆上，像被拆解后重新组装的瓶器，打破了玻璃容器的常规形态。

右侧两件：保留了玻璃瓶的原始形态，瓶身上的线条强化了分层的结构感，呼应了“解构”的主题。

这是一件以勺子为核心的当代陶瓷装置作品，也是「不时不食」展览里最具巧思的展品之一

作品以洞洞板为基底，悬挂了数十只手工陶瓷勺子，形成矩阵排列。勺子的勺头都保留了统一的形态，但勺柄却被做了千奇百怪的变形：扭曲、弯曲、螺旋、折叠，像被赋予了不同性格的“餐具精灵”。

勺子是饮食里最基础的工具，这件作品通过对勺柄的解构，探讨了“工具的功能与形态”的关系。

扭曲的勺柄打破了餐具的实用边界，让日常物件变成了艺术品，呼应了展览“饮食文化的多元表达”的主题。

站在这件作品前，看着满墙的勺子，忽然觉得很有意思。

这些勺子，勺头都规规矩矩，是我们每天吃饭喝汤的样子，可勺柄却各有各的“脾气”：有的扭成了麻花，有的弯成了问号，有的像在伸懒腰，还有的像在跳舞。

我站在这儿看了好久，想起老话说“民以食为天”，可这“天”里，最基础的，不就是手里这把勺子吗？它盛过五谷，也盛过山珍，盛过家常的烟火，也盛过宴席的热闹。可在艺术家手里，它被从“实用”里解放了出来，变成了一个个鲜活的“小人儿”，好像在说：你看，吃饭这件事，也可以这么有趣。

这几件器物，像被揉皱又轻轻抚平的丝绸，也像晨雾里晕开的天色：青蓝、粉白、鹅黄，一层层揉在一起，边缘朦胧柔和，可中心放射状的纹路却又那么清晰。

尤其是右边这只小花器，粉粉的瓶口，清透的瓶身，插着一片小小的叶子，像把春日的和风都装了进去；而那只晕着青绿色的盘子，从中心向外晕开的色彩，像雨后的湖面，安静又柔软。

两件经过现代设计的粗陶砂锅。陶土经过特殊处理，表面呈现出哑光金属般的颗粒质感，沉稳而力量。锅盖提手和两侧把手都被简化成利落的几何线条，既方便实用，又充满了克制的设计感。

它们脱胎于传统砂锅，却用极简的线条和质朴的肌理，还原了炊具最本真的“烟火气”。

左侧：粗陶塔吉锅

塔吉锅采用深褐色粗陶打造，表面带着哑光的颗粒肌理，敦实厚重。它代表着饮食里的“烟火气”，是慢烹细煮的载体，也呼应了“不时不食”里顺应时节、尊重食材本味的智慧。

右侧：

八角玻璃杯和公道杯，是手工吹制玻璃的作品。半透明的磨砂质感，搭配琥珀色、烟灰色的晕染纹理，是烧制过程中自然形成的效果，自带朦胧的光影美。

锤纹金属陶罐

以“原始陶罐”为灵感，用金属复刻了手作陶器的肌理感。

表面的凹凸锤纹是手工锻打出来的，带着自然的起伏，釉色/氧化层呈现出从深褐到赤红的斑驳变化，像被时光打磨过的古陶罐。

极简铜制提梁壶

是传统提梁壶的一次大胆解构。

壶身被简化成了圆润的扁形，去掉了多余的线条，只保留了壶嘴和壶盖的核心功能。提梁用双股金属条制成，线条利落轻盈，和厚重的铜壶身形成了强烈对比。

一组用铜打造的几何花器

主体为紫铜，表面带着细腻的金属光泽，部分切面露出了内部的水泥基底，形成冷暖、软硬材质的碰撞。每一件都采用了不同的扭转与切面设计，或三角、或菱形，像被扭转的棱柱，打破了传统花器的对称形态。

锡制提梁壶套装

主体采用纯锡打造，色泽银灰温润，搭配黄铜提梁，形成冷暖金属的经典配色。壶身侧面有浅浮雕的山水纹理，杯身则有细腻的锤纹或錾刻细节，是传统锡工艺与现代设计的结合。

极简铜制提梁壶组

左侧：造型夸张，底座为喇叭口，壶身与底座的分离设计大胆，提梁更高，充满雕塑感。

右侧：造型圆润小巧，线条更内敛，是对传统铜壶的极简重构。

异形金属耳杯

这两件作品更偏向于艺术化的食器/酒器设计。

材质与工艺：采用金属复合工艺（或银/铜合金）打造，表面光滑圆润，色泽从内侧的暖红过渡到外侧的银白。

螺旋肌理玻璃雕塑

这是一件手工吹制的玻璃作品，整体呈半透明的米白色，表面有层层扭转的螺旋肌理，像被凝固的漩涡，又像被揉皱的丝绸，带着流动的动态感。

它打破了传统玻璃器皿的实用边界，更像一件纯粹的雕塑

金属侧把公道杯组

三件公道杯分别采用银/白铜、紫铜打造，表面抛光得锃亮，搭配红棕色的木柄，温润又有质感。杯身是经典的锥形，侧把设计方便倾倒，是茶席上的实用器。

走出展厅，手里没有带走一件器物，心里却装下了满室的烟火与清欢。

吃，从来都不只是填饱肚子；器物，也从来都不只是盛放食物的工具。它们藏着我们对时节的敬畏，对食材的尊重，也藏着我们对生活的热爱。这一场观展，不只是看了一场食器展，更是和中国人“不时不食”的生活哲学，做了一次温柔的对话。