笔底有乾坤，画外无疆界——杨熹发教授悉尼开讲

曼曼

　　

2026年6月1日上午，澳大利亚中国文化艺术研究院每月一度的艺术交流活动按惯例举行。但六月的活动特别精彩，研究院邀请南开大学东方艺术系教授杨熹发作题为“中国国画的底层逻辑与我们在西方社会中如何发展”的演讲。关于中国画的意”与“思”、“中国画要在西方立足，关键不是技法，是创意”、“国画的底层逻辑与西方突围”，从古至今、东西方艺术，杨教授口若悬河滔滔不绝，一场让全场鸦雀无声的讲座在悉尼精彩演绎。

杨熹发教授是一位兼具深厚传统功底与强烈当代意识的中国画家与学者。 现任南开大学文学院东方艺术系教授、博士生导师，并长期致力于中澳两地的跨文化交流。杨教授的作品跨度极广，从严谨的工笔重彩到充满实验精神的当代水墨均有涉猎，曾多次斩获国家级大奖，并在海内外多次举办个展。除了大量的绘画创作，他还出版了《中国当代翰墨名家研究·杨喜发》、《中国画裸体艺术的表现形式与美学特征》等专著，并在《美术》、《中国画年鉴》等核心期刊发表了百余篇作品与论文。 艺术名家范曾、王学仲、何家英、郭浩满等均给予杨教授高度的评价。

这是笔者期待已久的一场艺术讲座。早在5月中旬“国韵祺祥·著名画家邓国祺悉尼展”上，杨熹发教授数分钟的发言就把笔者和现场听众深深吸引。经黄少石院长的特别邀请，感谢张仲衡老师的全程陪同，杨教授的讲座个性突出，观点鲜明，别具一格，令研究院艺术家及艺术爱好者受益匪浅。特以美篇留印记。

摄影：曼曼 黄瑜

美篇：曼曼

（笔者照片由现场友人拍摄，特致谢）

笔底有乾坤，画外无疆界

杨熹发教授悉尼开讲

杨熹发教授与参会者合影。

王少石院长主持讲座活动。

艺术家杨熹发（ 杨喜发） 简介

杨熹发（ 曾用名杨喜发） ，1963年生于天津，祖籍河北沧州。他先后毕业于天津美术学院绘画系（ 获学士学位） 、天津大学王学仲艺术研究所（ 获硕士学位） ，并于2010年获得南开大学博士学位。现为南开大学文学院东方艺术系教授、研究生导师，中国美术家协会会员，九三学社中央书画院首批成员。

杨熹发在艺术领域拥有极高的学术素养，他不仅是中国美术家协会会员，还是全国美术考级专家组成员。 自1989年起在南开大学任教以来，他为中国美术界培养了大量人才。

杨熹发教授为大家带来一场题为“中国国画的底层逻辑与我们在西方社会中如何发展”的精彩讲座。

杨教授脱稿演讲，口若悬河，对东方艺术与西方艺术滔滔不绝如数家珍，强烈吸引了研究院的艺术家和艺术爱好者们。

一开场，杨教授极具个性的关于“艺术与语言的关系：一种本质性的反思”就把听众吸引。

他说“艺术这个东西，有一个非常微妙的地方：但凡你能够用语言、用文字、用任何可以明确表达的方式说清楚的，它往往就不再是艺术本身了。换句话说，如果一件事物可以通过其他媒介被完整地传达——被解释、被概括、被翻译——那么它还需要艺术来做什么呢？

能被说清的，就不需要艺术了。艺术的特殊就在于，它恰恰承载了那些语言无能为力的部分。那个“说不清道不明”的东西，是只有艺术才能抵达的境界。”

杨教授观点鲜明：外行看画只觉好看，内行看画背后的经历与思考。艺术不在形象相似，而在精神共鸣与主观表达。画坏比画好更重要——敢于尝试、对内心负责，比技法完美更可贵。

会场鸦雀无声，全体与会者聚精会神地聆听杨教授的演讲。

杨教授深入浅出地阐述东方与西方艺术的本质差异，他指出，中国水墨画是历史悠久、注重抒写情意的艺术，而西方绘画长期以写实具象为起点。相比之下，中国画从一开始便是从画家心中悟出的形来表现情意，具备高度的概括与想象能力。

杨教授强调，当代艺术所追寻的，既非机械的“像”，亦非纯粹的水墨技法——而是透过作品，让“意”有所寄，让“思”有所归。

杨教授指出，西方并非不懂中国画——诸多古作早已入藏世界知名博物馆。关键在于当代创作者是固守传统框架，还是走出一条独创之路。有创意，便能赢得西方绘画界的认可；一味老面孔，只会被视为模仿，难入展馆。他类比：即便西画技法已达文艺复兴巨匠水准，若始终囿于旧框，同样因缺乏创新而被拒之门外。

寂静的会场，全神贯注的听众，会后王少石院长笑称，这是研究院历次学术讲课中秩序最好、最为安静的一次。

摘录几段杨教授的妙语连珠：

中国画与西画的根本区别在于：中国画以诗为魂、以书法为骨，以老庄文化为精神背景，追求的是诗意、写意与意象表达，而非写实。中国当然有看似写实的作品，比如秦始皇兵马俑——每个人物形象、发型、姿态各不相同，看似写实，但其目的并非再现真实的人，而是营造一种“威武沉厚的军队在站岗”的意象与气势。所以，它们看起来写实，实则仍是意象化的表达。

徐渭画葡萄，看上去只是几团墨点，仿佛瞎画，毫无葡萄的形象可言。但他题诗道：“半生落魄已成翁，独立书斋啸晚风。笔底明珠无处卖，闲抛闲掷野藤中。”正因为“笔底明珠无处卖”，他才刻意画得“闲抛闲掷”——把葡萄比作明珠，把自己的才华比作无人赏识的珍宝，一生跌宕堪比梵高。

就是这样看似狂乱的作品，开创了明代大写意的画风。此前的文人水墨写意画比较温文尔雅，到他这儿完全被颠覆。徐渭无疑是一座高峰。他的价值不在于葡萄画得像不像，而在于背后诗意的、精神的、文化的表达——一个文人不得志，将满腔愤懑倾注于作品之中。

徐渭并非个例，而是中国传统文人的普遍缩影——每个文人都觉得自己怀才不遇、未被充分认可。这种精神状态，确实代表了东方中国文人一代的整体心境。但关键在于，他画的东西绝不像那个东西。

你看他的画，要用“闲抛闲掷”的眼光去看，从中国传统文化的角度去体会，那才妙不可言；如果只从形象上看，觉得“画的什么都不是”，那就是外行。文人画要的不是“好看”——好看没有意义，他要的是背后的精神。

借此谈中国画的现状：大多数人还停留在笔墨、技术、能力的层面，因为千百年来这种表达形式流传太广，大家看的都是笔墨功夫。但绘画最重要的，永远是背后的精神。

　　

杨教授坦诚地说：西方懂中国艺术的人很多，甚至比我们更懂。他们知道，一幅画的价值在于诗意、书法以及背后表达的意境。一个实证是：在国际各大博物馆中，石涛、八大山人及更早的中国画，都被视为珍宝。原因在于，这些画家呈现了中国画内在的底层逻辑与精神。今天的人即便用着宣纸毛笔，如果没有诗意的意境、书法的根基，以及不同于前人的个性表达，作品凭什么被博物馆收藏？凭什么被视为好画？

关于写实，古希腊雕塑追求神的完美比例与理想化形象，现实中人体无法达到，因此不是写实；中世纪绘画为营造宗教氛围，刻意平面化，也不求写实；文艺复兴从乔托开始研究透视、明暗与光线，才使画面深入空间。艺术目标不同，写实并非唯一标准。

关于艺术个性。透视与立体感让文艺复兴绘画进入新境界。蒙娜丽莎、拉斐尔的圣母、米开朗基罗的作品，一看便知出自谁手——因为每位大师的个性截然不同：米开朗基罗充满力量感，连女人体也如此；拉斐尔以慈爱优美见长；达芬奇则深研科技、材料与解剖。即便三人同画一个杯子，风格也一目了然。可见，艺术并非纯写实或写生，而是个性与精神的外化。

杨教授硕说，澳大利亚当代艺术博物馆是一个非常重要的窗口。很多人去看，可能会觉得：“这画的什么呀，还不如小孩画的，技术还不如我。”

但如果从底层逻辑去看，这些作品恰恰是非常有个性的，甚至带有颠覆性，而且跟当下密切相关。这跟我们之前聊的中国画底层逻辑是相通的——本质都是展现个体的表达。

了解这些很重要。你只有先理解别人在这块土地上做了什么，才能找到自己的位置。今天，一定首先是当代的。

杨教授的演讲引发艺术家们的浓厚兴趣，集画家、作家、表演艺术家于一身的跨界艺术家徐希嵋老师与杨教授现场探讨。

德艺双馨的谭文华创院院长也发表自己的见解。

现场艺术家们或陷入沉思，凝神思考绘画创新的方向。

或兴趣盎然，吸收演讲精华，以拓宽创作思路。

黄少石院长的交流作品。

杨教授现场指导与点评，围观者众。

会后，杨教授和徐老师两位天津籍艺术家意犹未尽，继续交流切磋。

杨熹发教授艺术背景介绍

杨熹发艺术创作重要系列

《绯之梦》系列：

這是他最具代表性的水墨人体画系列。画作以大面及的朱砂（中國紅）為底色，結合具象与抽象的表現手法，描荟了与鸟、魚、蝶共同翱翔的动方女性人体。该系列旨在表达莊子「齐物轮」般的自然心境与精神自由，具有极強的視冲击力和哲学意味。

绯之梦系列：挣脱束缚的精神漫游

灵魂出窍般的自由：这一系列以人体为媒介，但他画的不只是皮囊，而是一种“优游自在、徜徉自适”的东方心境。

颠覆传统的红调技法：

他大胆打破常规，用生宣画工笔人体，并以大面积红色为主调尽情渲染。这种中西融合的画法，既保留了扎实的写实造型，又赋予了线条一种书法般流动的美感，让他赢得了“红色人体画家”的称号。

名家何家英评价，杨熹发“利用生宣画工笔人体，突破媒材局限，形成自由穿越材质界限的能力”，中西画法巧妙融合，线条富有中国书法之美。

《资本论》系列：

这是一组对人类文明进行深刻反思的作品。 他运用宣纸和水墨，将「钱币」作为核心符号，探讨其如何超越种族、文化与政治的界限，成为人类共同的追求与矛盾根源，引发观众对物质与精神自由的思考。

杨教授认为，在人类创造的一切文明中，唯有“钱币”可以超越种族、文化、宗教、政治、军事、经济模式的差异，成为人类共同的挚爱。在这个充满矛盾与冲突的世界中，人类对“钱币”的共同态度值得关注。

早期写实与重彩作品：

作品获得第八届全国美展优秀奖、全国美展铜奖等，展现了他早年扎实的造型能力和对民族题材的细腻刻画。

1994年，中国画《天边的云》获第八届全国美展优秀作品展。

1992年，作品《迎春花》获纪念毛泽东《在延安文艺座谈会上的讲话》发表五十周年全国美展铜奖。

自1998年起，杨熹发长期往返于中国与澳大利亚之间进行艺术交流。他在澳大利亚多次举办个展，包括：

多次参加中澳当代艺术展、悉尼朱雀画廊群展等。

《神性世界》个展在朱雀画廊举办

2023年退休定居悉尼后，杨熹发开启了一个全新的创作阶段，2024年推出了《神性世界》系列。该展由澳大利亚著名华人艺术家、策展人关伟博士策展，开幕式上曾于新南威尔士大学任教多年的学者徐放教授做了主旨演讲。*

策展人关伟的阐述《神性世界》核心特色：

东方智慧与澳大利亚本土元素交融：画卷中，东方智慧如涓涓细流，滋养着古老的神话故事，而澳大利亚奇特的动植物则通过传统的水墨技法呈现，同时赋予了现代的表现形式。

古老神话与现代科学的对话：在纸与墨的互动中，那些古老的神灵和奇异的生物仿佛再次鲜活起来。这些故事不仅是对神秘世界的描绘，更是对人与自然关系的深刻思考。当神话与现代科技相遇，基因与细胞的结合，为古老的传说注入了新的生命。现代科学技术的发展揭示了微观世界的奥妙，与古老神话的传说形成了一种奇妙的共鸣。

传统水墨与当代实验的融合：通过对基因细胞的描绘，杨熹发将古老的神话故事重新演绎，以全新的方式展现出来。这种结合既保留了传统艺术的精髓，又体现了现代科技的魅力。水墨画以其独特的笔触和色彩，很好地表达了这些复杂而深邃的主题。

杨熹发的《神性世界》不仅丰富了艺术的表现形式，也为观者提供了新的思考视角。在纸墨之间，我们可以看到现代科学与古老神话的交汇，感受到两者之间的奇妙联系。既能感受到东方神话的博大精深，也能看到现代科技的无穷可能。

名家郭浩满认为，杨熹发的作品“热烈、旷放、至性、奇逸乃至荒诞”，是一种“发人幽思的形而上的朱墨图式”，兼具哲理性、艺术性与人文关怀。

2021年《币见乾坤》个展于澳大利亚西悉尼大学美术馆。

2007年《残破的记忆——灭绝的动物》个展于澳大利亚Wollongong市美术馆

1999年，他还作为访问学者赴日本中央大学讲学。

名家评价

范曾评价杨熹发“谦恭温良，执弟子礼十有余载”，称其画作“尽精刻微而博大致远”，认为他以庄子《齐物论》《养生主》等大文章为底蕴，使裸体艺术远离俗套，蕴回归自然之哲理于画中。

王学仲先生评价他“以写实方法作裸女之传神，展现人体肌肤之丽而创为中国人体画新符号”，其作品“蔼然有希腊女神美好梦幻之境界，宛如红宝石之璀璨绘雕”。

难得杨教授莅临演讲，开心合影。

听杨教授演讲，沐一场艺术熏陶，很赞。

六月研究院交流作品

艺术家们热络交流中。

勤奋的画家翠现场完成了两幅速写作品。

其中一幅画的是俺老人家的背影，谢谢啊！