260504细品《罗马 罗马——从奥林匹斯到卡皮托利》

老顽童thtsjy

儿时读过《希腊神话》，中学时代又接触了《罗马神话》，为了了解希腊文明与罗马文明之间的传承，曾将这两个神话中的诸神一一对应整理，以求弄清其间的关系和脉络……

近日，亲友向我们推荐说上海世博会博物馆有大展值得一看。

获悉是《罗马 罗马》，兴趣大增，遂于闭展前一天，赶去一睹为快。

这是《罗马 罗马：从奥林匹斯到卡皮托利》古罗马艺术大展，由上海世博会博物馆与英国利物浦国家博物馆联合主办。

展览时间：2025年11月11日 - 2026年5月5日

展出131件（套）来自英国利物浦国家博物馆的古罗马文物，包含76件雕塑真迹、10余件近2米高的古罗马雕像、26件罗马皇帝&贵族半身像，绝大多数为首次亮相上海。

- 三大主题篇章：

1. 众神的传说：展现奥林匹斯诸神的信仰体系与神话故事；

2. 帝国的荣耀：讲述罗马帝国的帝王功业与权力象征；

3. 生活的盛宴：还原古罗马人的日常世俗生活。

“从奥林匹斯到卡皮托利”这个主题，其实是一条罗马文明从神话起源到帝国巅峰的完整时间线和精神脉络。

「奥林匹斯」：罗马文明的神话源头

奥林匹斯山是希腊神话中众神居住的地方，而罗马文明早期深受希腊文化影响，直接继承了这套神话体系：

罗马人把希腊众神“本土化”，比如宙斯变成了朱庇特、雅典娜变成了密涅瓦、阿芙洛狄忒变成了维纳斯，形成了自己的信仰系统。

这部分对应的是展览的第一个篇章「众神的传说」，展出的宙斯、雅典娜、维纳斯等雕像，就是罗马人对奥林匹斯众神的崇拜体现。

对罗马人来说，这些神明不仅是精神寄托，更是罗马民族的“起源神话”——传说罗马的建城者罗慕路斯，就是爱神维纳斯的后代，罗马的合法性从一开始就和奥林匹斯众神绑定在了一起。

「卡皮托利」：罗马帝国的权力巅峰

卡皮托利（Capitoline）是罗马七丘之一，也是古罗马的政治与宗教中心，这里有两个关键意义：

它是罗马共和国和帝国时期，朱庇特神庙的所在地，这里供奉着罗马最核心的保护神朱庇特，象征着神权与政权的合一。

更重要的是，卡皮托利山是罗马元老院、政府机构的所在地，是罗马帝国权力的心脏，代表着罗马从“神话城邦”走向“世界帝国”的转变。

这部分对应展览的第二个篇章「帝国的荣耀」，展出的奥古斯都大帝半身像、帝王雕像，就是罗马帝国权力的具象化体现——罗马皇帝们不仅是世俗统治者，还会把自己和神明绑定，比如奥古斯都就宣称自己是阿波罗神的后裔，用“神权”来巩固皇权。

“从奥林匹斯到卡皮托利”，讲的是罗马文明的完整叙事闭环：

罗马从继承希腊奥林匹斯众神的信仰开始，一步步把神话转化为自己的文化根基，再通过帝国扩张，把神权与皇权结合，最终在卡皮托利山上建立起一个横跨欧亚非的庞大帝国。

简单说就是：奥林匹斯，是罗马的精神源头（神话与信仰）；卡皮托利，是罗马的权力顶点（帝国与统治）；这个主题，就是用文物串起罗马从“神话城邦”到“世界帝国”的整个文明脉络。

展馆入口处。

第一展区——众神的传说

罗马神话是罗马人认识世界的一种方式。对神的虔诚与敬畏，甚至被视作罗马崛起的关键因素之一。读懂罗马神话可以帮助我们深入理解罗马文明。

早期的罗马神明只有名称与职能，缺乏拟人的形象，也没有故事可言。后来，罗马人接触到伊特鲁里亚、希腊以及东方文化，尤其被体系完整、叙事生动的希腊神话吸引，开始将希腊诸神的名号、性情与传说，与本土神明对应融合。这既体现了罗马对先进希腊文化的拿来主义态度，也反映出其兼收并蓄、开放进取的民族气质。

务实是罗马人的另一鲜明特质，这一点在神话中同样留下深刻烙印。希腊的神高度拟人，兼具人性光辉与弱点；而罗马的神在融合过程中褪去浪漫色彩，更多了一份凡间责任。人与神之间形成一种契约：人恪守敬拜仪式，神履行护佑职能，保国家安定，替民众消灾。

这是宙斯（朱庇特）雕像，创作于公元1-2世纪，材质为大理石。

在希腊神话中是神王宙斯，对应罗马神话中的朱庇特（Jupiter），是众神之王、天空与雷霆之神，也是罗马国家与秩序的最高保护神。

雕像的造型特征为：健硕的裸体男性身躯，卷发与浓密的胡须是宙斯的经典形象，象征力量与权威。

脚边的鹰是他的圣鸟，象征至高无上的权力；高举的右手原本握着雷霆（现已缺失），是他最标志性的武器。

公元1-2世纪正是罗马帝国的鼎盛时期，这件作品是罗马对希腊神祇文化的继承与改造，体现了罗马人对力量、秩序与帝国权威的推崇。

这是古希腊海神波塞冬（古罗马称尼普顿）的大理石头像。

创作于古罗马时期（公元1-3世纪），是一尊巨型雕像的残件，原像曾立于意大利蒂沃利的伊斯特别墅中。

雕像的造型特征为蓬乱卷曲的长发与胡须，被刻画成仿佛还在滴水的形态，呼应海神的身份；面部轮廓硬朗、眼神锐利，传递出掌控海洋的磅礴力量；大理石表面因岁月风化呈现出斑驳质感，却更添古典雕塑的沧桑魅力。

波塞冬是古希腊神话中的海神，地位仅次于宙斯；在古罗马神话中，他被称为尼普顿，同样是掌管海洋、地震与马匹的主神。

这尊雕像是古希腊天后赫拉（古罗马神话中称朱诺）的大理石立像。

创作于罗马时期，公元3世纪，大理石材质，现藏于英国利物浦国家博物馆。

赫拉（朱诺）是众神之王宙斯（朱庇特）的妻子，掌管婚姻、生育与女性，是奥林匹斯的天后。

赫拉在古罗马的对应神祇朱诺，地位极高，她的名字也成为了罗马的重要月份名称——六月（June），古罗马人常在六月举行婚礼，正是为了祈求朱诺的庇佑。

她手中握着的石榴，是赫拉的核心象征，代表婚姻的忠贞与多子多福；她头戴的面纱与冠冕，也凸显了她作为已婚女神的端庄与威严。

她身披厚重的希顿长袍与希玛纯披肩，褶皱雕刻细腻流畅，是古罗马雕塑对古希腊经典风格的继承。

这尊雕像曾被后世学者认为融合了弗里吉亚女神西布莉的形象特征，因此也被标注为“赫拉×西布莉”，是古罗马时期文化融合的典型体现。

这尊雕像是古希腊战神阿瑞斯（古罗马神话中称玛尔斯）的大理石立像。

创作于罗马时期，公元2世纪，大理石材质，现藏于英国利物浦国家博物馆。

在古希腊神话中，阿瑞斯是代表暴力与战争的神祇；而在古罗马神话中，对应的玛尔斯则被赋予了更复杂的角色——他不仅是战神，也是罗马城的守护神、农业与丰产之神，更是罗马建立者罗慕路斯与雷穆斯的父亲。

我们熟知的三月（March），正是以玛尔斯的名字命名的，古罗马人会在三月举行盛大的祭祀活动，祈求战神庇佑军队出征与农事顺利。

雕像的造型特征为头戴阿提卡式头盔，是战神身份的直接象征；右手持棍棒（原物可能为剑），左手倚靠的树桩上挂着战利品，展现了他的武力属性；雕像采用理想化的男性裸体，肌肉线条清晰，体现了古罗马雕塑对古希腊经典“完美人体”美学的继承。

这尊雕像刻画的是阿瑞斯作为阿芙洛狄忒（维纳斯）情人时年轻俊朗的形象，而非传统意义上充满暴力感的战神形象，这也是古罗马雕塑中对神祇人性化塑造的典型体现。

这尊雕像是古希腊爱与美之神阿芙洛狄忒（古罗马神话中称维纳斯）的大理石立像。

创作于罗马时期，公元前1世纪至公元1世纪，是古希腊原作的复制品，现藏于英国利物浦国家博物馆。

她是古希腊神话中掌管爱、美、欲望与生育的女神，也是西方艺术中美的终极象征；在古罗马神话中，她被称为维纳斯，同时被视为罗马民族的祖神（罗马建立者的先祖），兼具了政治与宗教的双重意义。

西方文化中象征爱情的红玫瑰，传说就与阿芙洛狄忒有关：她为了救重伤的恋人阿多尼斯，赤脚奔赴荆棘丛林，鲜血染红了白玫瑰，从此红玫瑰成为了炽热爱情的象征。

雕像旁的海豚是她作为“航海保护神”的象征，代表着她诞生于海洋泡沫的神话起源；而缠绕的蛇形装饰，既是她作为丰产女神的符号，也呼应了古希腊雕塑中对美神的经典塑造。

雕像采用了古希腊雕塑中经典的“半裸阿芙洛狄忒”造型，上半身裸露，下半身以布幔轻掩，既展现了女性人体的柔美曲线，也保留了神性的端庄。

流畅自然的衣褶雕刻，柔和低垂的眼神，传递出一种宁静而优雅的美感，是古罗马时期对古希腊“理想化人体”美学的完美继承。

这尊雕像曾是古罗马花园或浴场的喷泉装饰构件，海豚的嘴部有磨损痕迹，印证了它曾作为功能性喷泉出水口的历史。

这尊雕像是酒神狄俄尼索斯(巴克斯)的大理石立像。

创作于公元1-2世纪，现藏于英国利物浦国家博物馆·世界文明馆。

在古希腊神话中他叫狄俄尼索斯，是奥林匹斯十二主神之一，象征着狂欢、迷醉与生命力，也是西方艺术中最常被描绘的神祇之一。

这尊公元1-2世纪的罗马大理石像，正是古希腊酒神形象的经典复刻。

在古罗马神话中他被称为巴克斯，是酒神、狂欢之神、戏剧之神，也是掌管葡萄种植与酿酒技艺的保护神。

他是宙斯与凡人塞墨勒的儿子，也是奥林匹斯主神中唯一拥有凡人血统的神祇，因此他的信仰更具民间亲和力，是底层民众与狂欢庆典的核心崇拜对象。

酒神的庆典（狄俄尼索斯节）是古希腊戏剧的起源，悲剧与喜剧都诞生于对他的祭祀仪式，因此他也被视为西方戏剧的守护神。

雕像采用了典型的对立平衡（Contrapposto）姿态：右腿笔直支撑身体，左腿放松弯曲，重心偏移，让雕像充满了松弛而优雅的动态感。他的目光看向左侧，神态天真而慵懒，是古希腊罗马艺术中酒神的经典塑造方式。

右手环抱的权杖，顶端通常饰有松果，象征着酒神的生命力与狂欢精神，是酒神身份的核心符号。

左手握着的酒杯是18世纪修复的部分，还原了酒神手持酒杯、醉饮狂欢的经典形象。

左肩悬挂的动物皮毛，也是酒神的标志性装饰，象征着他与自然、野性的联结。

除了酒杯，雕像的部分衣褶和细节也经过了后世修复，这也是许多古罗马大理石雕像的共同特征——它们大多是古希腊青铜原作的复制品，在流传过程中常有残损与修复。

雕像展现了古罗马时期对古希腊“完美人体”美学的继承，肌肉线条柔和流畅，整体造型优雅而富有生命力。

作为古希腊神祇在古罗马时期的形象复刻，它体现了古罗马对古希腊文化的吸收与再创造，是罗马帝国时期文化交流的重要物证。

狄俄尼索斯的形象一直是西方艺术的经典母题，从文艺复兴时期的绘画到巴洛克雕塑，都能看到他醉眼朦胧、手持酒杯的身影，象征着人性中对自由、狂欢与生命力的追求。

这是狄俄尼索斯（酒神）主题展厅。

酒神狄俄尼索斯（巴克斯）不仅是葡萄酒之神，也是戏剧与狂欢之神。

整个展厅用深红色的丝绒幕布、复古镜框和戏剧面具，营造出酒神庆典的狂欢氛围，让观众仿佛置身古罗马剧场。

正是呼应了古希腊戏剧的起源——它诞生于对酒神的祭祀庆典，面具也是戏剧表演的核心符号，也对应了狄俄尼索斯作为戏剧之神的身份。

展柜里的陶瓶是古希腊黑绘/红绘风格的酒器（双耳喷口杯/陶瓶），是古罗马人继承古希腊文化的重要物证。这类陶瓶常被用于酒神祭祀与宴饮，瓶身上的图案也多描绘神话故事或狂欢场景。

酒神戏剧红绘双耳喷口杯(调酒杯)

Terracotta krater (wine mixing bowl)

公元前350-前325年 | 陶器

杯身上描绘的场景取材于一种名为“菲拉克斯”的滑稽剧，该剧种在公元前4世纪时曾盛行于南意大利的希腊殖民地。画面中站立的男子是酒神狄俄尼索斯(巴克斯)，他手握一只鸟，面向一位戴着怪异面具的男演员。此类剧目的场景常被描绘在杯身上，其风貌因此得以流传至今。

酒神节红绘双耳喷口杯(调酒杯)

Terracotta krater (wine mixing bowl)

公元前425-前400年 | 陶器

杯身上描绘了多位酒神节狂欢者，比如持杖起舞的迈那得斯和吹着笛子的萨蒂尔等。在古希腊神话中，酒神节狂欢者指的是围绕酒神狄俄尼索斯（巴克斯）进行庆典或祭祀的团体。他们通过集体性的饮酒、舞蹈和狂欢来赞颂生命与自然的丰饶。

酒神祭祀仪式红绘双耳喷口杯(调酒杯)

Terracotta krater (wine mixing bowl)

公元前4世纪 | 陶器

杯身上描绘的场景可能是酒神狄俄尼索斯(巴克斯)的一种秘仪：画面中间竖立着一个祭坛，一位年轻女子右手持火炬，左手持神杖，正走向狄俄尼索斯。在狄俄尼索斯秘仪中，女信徒会离开城镇，前往山中祭拜神灵。

这尊是酒神庆典祭坛（Marble altar with dancing figures）。

创作于公元前100年-公元100年，古罗马时期大理石制品。

祭坛上的浮雕描绘了酒神狄俄尼索斯（巴克斯）的神圣庆典场景：手持酒碗、狂舞的迈那得斯（酒神女信徒）；披兽皮、高举手臂的萨蒂尔（半人半羊的酒神随从）；中间的狮子象征着酒神与野性自然的联结。

这类圆柱形祭坛是古罗马酒神崇拜的核心器物，用于祭祀、庆典与宴饮仪式，浮雕上的狂欢场景，正是酒神庆典中迷醉、舞蹈与野性释放的生动写照。

这尊祭坛与之前的酒神主题陶杯、狄俄尼索斯雕像同属一个展览单元，共同构成了对古罗马酒神崇拜文化的完整呈现。浮雕上的迈那得斯与萨蒂尔，正是酒神庆典中“狂欢、迷醉与超越”精神的经典符号。

这尊浮雕描绘的是酒神狄俄尼索斯（巴克斯）诞生的场景，是古罗马时期的大理石浮雕。

画面中卧床的女子是狄俄尼索斯的母亲塞墨勒，她因目睹宙斯的真身而被雷霆击中，奄奄一息。一旁的仙女正抱着刚出生的狄俄尼索斯，而左侧的女子很可能是嫉妒的天后赫拉，她的存在暗示了这场悲剧的背景。

背景的帷幔、床榻的褶皱雕刻细腻，还原了古罗马室内场景的氛围；人物的姿态与神情传递出紧张的情绪，比如塞墨勒虚弱的姿态、仙女们匆忙的动作，让整个场景充满叙事张力；右侧手持双蛇杖的人物，是象征医疗与助产的神祇，呼应了分娩的主题。

这尊浮雕来自英国利物浦国家博物馆，是古罗马石棺上的装饰浮雕。它将酒神的诞生神话与古罗马的丧葬艺术结合，既体现了对狄俄尼索斯的崇拜，也反映了古罗马人对生命与重生的理解。

狄俄尼索斯的诞生是西方艺术中非常经典的题材。传说中，宙斯在塞墨勒死后，将未足月的狄俄尼索斯缝入自己的大腿，等他长大后才重新“诞生”，这也是酒神被称为“两次出生之神”的由来。

这尊是《酒神狄俄尼索斯（巴克斯）凯旋》大理石浮雕，是古罗马时期的石棺侧板。

浮雕描绘了狄俄尼索斯征服印度后凯旋游行的盛大场面：他坐在由两只豹（或狮）牵引的战车上，被狂欢的信徒簇拥，象征着酒神所代表的生命力、狂欢与自然力量的胜利。

狄俄尼索斯是画面上方的核心人物，手持象征酒神的葡萄藤或神杖，被帷幔与仙女环绕，神态雍容；迈那得斯（狂女信徒）是牵引战车的女性形象，手持酒碗或乐器，衣袂飞扬，充满狂欢的动感；萨蒂尔是半人半羊的森林之神，吹笛、击鼓，烘托庆典的热烈氛围；豹/狮是酒神的圣物，代表野性与征服力，也呼应了他与自然、酒的关联。

这类浮雕常见于古罗马石棺，将酒神的凯旋神话与“死者战胜死亡、获得重生”的寓意结合。狄俄尼索斯两次诞生的经历，也让他成为古罗马人心中“重生与永恒生命”的象征，因此常被刻在丧葬器物上。

这尊浮雕与之前的酒神诞生浮雕、庆典祭坛同属一个主题单元，完整呈现了酒神从诞生到凯旋的神话叙事，以及古罗马人对酒神崇拜的文化内涵。

阿波罗是奥林匹斯主神之一，掌管光明、太阳、预言、音乐、诗歌与艺术，也是青年男性美的象征。

阿波罗的形象一直是西方艺术中“男性美”的标杆，他既代表着理性与秩序，也象征着艺术与灵感。西方语言中的“阿波罗式”，正是用来形容克制、和谐、理性的美学风格。

《蜥蜴杀手阿波罗》（Apollo Sauroktonos）

别名：《阿波罗·索罗克妥诺斯》（Apollo Sauroktonos，希腊语意为“蜥蜴杀手”），也被称为《少年阿波罗》。

这尊雕像是古希腊雕塑大师普拉克西特列斯的经典名作，是古罗马时期对古希腊原作的大理石复刻。

原作时期：约公元前350年（古希腊古典晚期），材质为青铜（已佚）；

现存复制品时期：公元1-2世纪（古罗马时期），材质为大理石。

作者：普拉克西特列斯（Praxiteles），古希腊最具影响力的雕塑家之一，以“优雅抒情”的风格革新了古希腊雕塑美学。

雕像描绘了少年阿波罗倚靠在树干上，准备用手中的箭矢（已残损）射杀爬向树干的蜥蜴的瞬间：少年姿态慵懒而专注，重心偏移、身体呈柔和的S形曲线，这是普拉克西特列斯标志性的“对立平衡（Contrapposto）”手法，让雕像充满松弛的动感。

树干上的蜥蜴不仅是道具，更是神话叙事的隐喻：蜥蜴象征着阿波罗斩杀的巨蟒皮同（Python），而“杀蜥蜴”的轻松场景，正是他“涤除黑暗、建立德尔斐神谕所”神话的温柔化表达。

少年阿波罗射杀蜥蜴，展现了他作为“光明之神”对黑暗与混沌的征服。

蜥蜴在古希腊文化中常被视为“邪恶与污秽”的象征，阿波罗杀死蜥蜴，也象征着他净化大地、带来秩序与光明的神性使命。

不同于传统威严的神明形象，普拉克西特列斯将阿波罗塑造成稚气未脱的少年，肌肉线条柔和细腻，表情专注又带点天真，打破了“神明必须完美威严”的刻板印象。

雕像的肌肉、皮肤、衣褶（无衣）都被处理得温润柔和，充满抒情诗般的优雅感，这种“普拉克西特列斯式的慵懒”，深刻影响了后世西方雕塑对人体美的理解。

这尊像在罗马时期被大量复刻，不仅因为它的艺术价值，更因为阿波罗的“秩序与净化”象征，契合了罗马帝国对稳定与繁荣的追求。

目前全球现存约20件古罗马时期的《蜥蜴杀手阿波罗》大理石复制品，这尊来自英国利物浦国家博物馆，是保存状态较好的版本之一。

普拉克西特列斯的原作青铜像已失传，现存的大理石复制品，都保留了原作的姿态与细节，让我们得以窥见古希腊雕塑黄金时代的魅力。

这尊雕像是阿波罗（古罗马称福玻斯）的大理石立像。

创作于公元1-2世纪（古罗马时期），大理石材质，现藏于英国利物浦国家博物馆。

雕像采用了古希腊经典的Contrapposto（重心偏移）站姿，右腿支撑身体，左腿放松弯曲，让雕像充满松弛优雅的动态感，是古罗马雕塑对古希腊美学的完美继承。

头顶的束发带是阿波罗的标志性装饰，象征神性与不朽；卷曲的长发雕刻细腻，充满韵律感。

手中的圆筒状器物是后世修复的部分，原本可能是他的标志性武器弓箭、或象征音乐的里拉琴残件。

身旁的立柱雕刻着缠绕的蛇，呼应了阿波罗与德尔斐神谕所的关联——蛇代表大地与预言的力量，体现他作为预言之神的身份。

雕像的腿部、生殖器部位有明显的拼接与修复痕迹，这是古罗马大理石雕像流传过程中常见的情况。

这尊阿波罗像与之前的狄俄尼索斯雕像同属一个展览单元，分别代表了古希腊罗马文化中两种核心的美学精神：阿波罗式的理性、秩序与和谐，和狄俄尼索斯式的狂欢、迷醉与生命力。

这两尊都是古罗马时期复刻的阿波罗雕像，但在题材、姿态、象征意义和艺术来源上有明显区别，可以从几个维度对比：

《蜥蜴杀手阿波罗》

古希腊雕塑大师普拉克西特列斯的青铜原作（公元前4世纪） ；描绘少年阿波罗“击杀蜥蜴”的瞬间，隐喻他斩杀巨蟒皮同、建立德尔斐神谕所的神话；树干上的蜥蜴、右手的箭矢/投掷物，是核心叙事符号。

采用前倾的动态姿态：身体重心偏向一侧，左手搭在树干上，右手抬起作投掷状，目光紧盯蜥蜴，充满叙事张力。

造型更偏向少年感：肌肉线条柔和，表情专注而略带稚气，展现了普拉克西特列斯标志性的“慵懒优雅”风格。

树干与蜥蜴是雕像不可分割的一部分，既是支撑，也是故事的关键元素。

这个题材的深层含义，是将阿波罗“斩杀巨蟒、净化大地”的神话，转化为少年与蜥蜴嬉戏的轻松场景，既体现了古希腊人对神明的人性化塑造，也暗示了阿波罗“涤除污秽、带来光明”的核心神性。

《立姿阿波罗》

古希腊古典时期的阿波罗经典立像（原作已佚） ；表现作为“光明、艺术、预言之神”的阿波罗，展现他成熟、威严的神性；蛇纹立柱、手持的器物（可能是酒杯/里拉琴残件），是身份象征。

采用古典对立平衡（Contrapposto）站姿：重心偏移，身体呈S形曲线，姿态舒展而端庄，没有强烈的动作。

造型更偏向成熟神性：面容俊美，表情平静，头戴束发带，肩披绶带，整体呈现出秩序与和谐的古典美。

身旁的蛇纹立柱是附加元素，象征他与神谕、治愈的关联，而非叙事的一部分。

这尊像更接近阿波罗的“官方形象”：作为奥林匹斯主神，他代表着理性、秩序、艺术与光明，是古罗马人对古典美学“完美男性”的终极表达，常被用于神庙、浴场等公共空间，象征帝国的秩序与繁荣。

两尊雕像都来自英国利物浦国家博物馆，它们分别展现了古罗马人对阿波罗的两种塑造方式：一个是充满故事性的少年英雄，一个是代表秩序与美的成熟神明。

这是法厄同神话石棺浮雕（Marble sarcophagus decorated with an episode from the myth of Phaethon）。

公元2世纪末，古罗马时期大理石石棺面板，描绘太阳神赫利俄斯（也被等同于阿波罗）与儿子法厄同的神话场景。

画面中心坐着的是太阳神赫利俄斯，法厄同正恳求父亲借给自己太阳战车。传说中，法厄同因无法驾驭战车，失控的太阳车差点烧毁大地，宙斯最终用雷电击毁战车，法厄同坠落身亡。

浮雕两侧和下方雕刻了参与这场悲剧的众神：

左侧：代表四季的女神（冬、春、夏、秋）、大洋神俄刻阿诺斯

中心下方：海洋女神忒提斯、黎明女神厄俄斯

右侧：推动战车的风神、大地女神盖亚，共同烘托出神话的宏大叙事。

古罗马人将法厄同的故事刻在石棺上，既感叹命运的无常与人类的局限，也借太阳神的力量寄托了对死后重生的祈愿，是丧葬艺术中常见的主题。

这件浮雕来自英国利物浦国家博物馆，是古罗马石棺浮雕的典型作品。它用层层递进的人物构图，将神话的张力与戏剧性完整呈现，也反映了古罗马人对希腊神话的热爱与再创作。

这是阿尔忒弥斯（古罗马称狄安娜）的大理石雕像，现藏于英国利物浦国家博物馆。

她背后的箭袋，以及手持的姿态，是狩猎女神阿尔忒弥斯最典型的标志。

衣袍上装饰的鹿皮与鹿头，呼应了她的狩猎属性，也象征着她与自然、野生动物的联系。

短款的束腰衣和猎靴式的凉鞋，是古希腊狩猎女神的经典装束，方便她在山林间活动。

这件作品是古罗马时期（公元1-2世纪）对古希腊原作的复制品，在18世纪经过修复。阿尔忒弥斯在神话中既是月亮女神，也是狩猎与荒野女神，以贞洁、独立和强大著称。

这尊是古希腊智慧女神雅典娜（古罗马称密涅瓦）的大理石雕像，现藏于英国利物浦国家博物馆。

头戴科林斯式头盔，是雅典娜战争与智慧双重身份的象征。

身着古希腊女神的束腰衣，衣褶雕刻细腻流畅，肩带的蛇纹装饰呼应了她的保护神身份。

她身旁的盾牌是18世纪修复时添加的，上面刻画着戈耳工（美杜莎）的头像，在神话中，雅典娜的盾牌上带有美杜莎的头，能让敌人石化。

这件作品是古罗马时期（公元1-2世纪）对古希腊原作的复制品，在18世纪由修复师卡洛·阿尔巴奇尼完成修复并添加了盾牌。

这是古希腊智慧女神雅典娜（古罗马称密涅瓦）的大理石雕像，是罗马时期（公元1-2世纪）的作品。

她头戴科林斯式头盔，象征着战争与智慧的双重身份，头盔顶端的斯芬克斯雕像是典型的装饰元素。

右手托着的猫头鹰是雅典娜的圣物，也是她智慧女神身份的核心标志。

胸前装饰着美杜莎头像的胸甲，衣褶的雕刻细腻流畅，是古希腊罗马雕塑的经典技法。

这件作品现藏于英国利物浦国家博物馆，是罗马时期对古希腊原作的复制品，体现了古罗马对古希腊文化的继承与再创造。

这是古希腊著名的大理石群雕 《拉奥孔和他的儿子们》（也简称《拉奥孔》），是古希腊雕塑艺术的巅峰之作之一。

这件作品创作于公元前1世纪，由罗得岛的三位雕塑家（阿格桑德罗斯、波利佐罗斯、阿典诺多罗斯）共同完成，现收藏于梵蒂冈博物馆。

雕塑描绘的是特洛伊战争中的悲剧场景：特洛伊祭司拉奥孔，因警告同胞不要接受希腊人的“特洛伊木马”，触怒了希腊保护神雅典娜与波塞冬，被神派来的两条巨蛇缠绕至死，他的两个儿子也一同遭殃。

这件作品以极强的戏剧张力著称：拉奥孔痛苦扭曲的身体、紧绷的肌肉，将肉体与精神的痛苦刻画得淋漓尽致。

它也是古希腊“高贵的单纯，静穆的伟大”美学的反例，展现了人类在命运面前的无力与挣扎，深刻影响了后世的艺术创作（米开朗基罗、歌德都曾对它推崇备至）。

这是《拉奥孔》头部残件，是古罗马时期对古希腊名作《拉奥孔群像》的大理石临摹复制品。

它的原型是公元前1世纪古希腊的《拉奥孔和他的儿子们》群雕，原作现藏于梵蒂冈博物馆，描绘了特洛伊祭司拉奥孔与儿子被巨蛇缠绕至死的悲剧场景。

这件展品是罗马时期的复制品残件，仅保留了拉奥孔的头部和部分颈部。

它以极富张力的表情，完美复刻了原作中拉奥孔被蛇咬时的痛苦、挣扎与绝望：紧绷的面部肌肉、微张的嘴和扭曲的姿态，都在传递强烈的戏剧张力。

它是古希腊“拉奥孔神话”在罗马艺术中传承的关键物证，也让我们能近距离感受原作那种“痛苦与力量交织”的美学震撼。

这是古希腊泛雅典娜节的黑绘双耳陶罐（泛雅典娜奖瓶），来自英国利物浦国家博物馆。

这类陶罐是古希腊泛雅典娜节的“奖品瓶”，约公元前6世纪制作，用于盛放橄榄油，奖励给节日竞技比赛的优胜者。泛雅典娜节是雅典最重要的宗教与体育盛会，每4年举办一次，包含诗歌、摔跤、跑步、标枪等多项竞技活动。

瓶身采用典型的黑绘技法（红底黑纹），两面图案固定搭配：一面是雅典娜女神（画面上方的剪影示意），手持长矛与盾牌，象征雅典城邦的保护神。

另一面则描绘了竞技项目，这四件陶罐，分别对应诗歌比赛、摔跤比赛、跑步比赛和标枪比赛的场景。

这些陶罐不仅是古希腊陶器工艺的典范，更像一份“赛事档案”，直观展现了古希腊体育与宗教、城邦文化的紧密联系。古罗马时期，这类陶罐被大量收藏与复刻，也印证了古希腊文化对罗马文明的深刻影响。

泛雅典娜节标枪比赛黑绘双耳陶罐

年代/材质：公元前515年 陶器

陶罐一面描绘的是标枪比赛与管笛演奏的场景，另一面为倚盾持矛的雅典娜。

泛雅典娜节跑步比赛黑绘双耳陶罐

年代/材质：公元前530年 陶器

陶罐一面描绘的是赛跑场景，另一面为持盾的雅典娜。

泛雅典娜节摔跤比赛黑绘双耳陶罐

年代/材质：公元前520年后 陶器

陶罐一面描绘的是摔跤比赛的场景，画面中站立在选手两侧的是裁判和教练，另一面为持盾的雅典娜。

泛雅典娜节诗歌比赛黑绘双耳陶罐

年代/材质：约公元前540年 陶器

陶罐一面描绘的是诗歌比赛的场景，另一面为持盾的雅典娜。

🏹 爱神厄洛斯 vs 丘比特

从希腊到罗马的演变

这两位其实是同一位神在不同神话体系里的名字，就像雅典娜和密涅瓦的关系一样。我们可以从起源、形象和文化影响三个维度，一次性搞懂他们的区别与联系：

厄洛斯（Eros）：希腊神话的爱神

他是古希腊神话里最古老的神祇之一，最初是代表“原始欲望与创造”的宇宙神，后来逐渐演变成爱与美之神阿佛洛狄忒的儿子，负责掌管爱情、欲望与两性吸引。

丘比特（Cupid）：罗马神话的爱神

是厄洛斯在罗马神话中的对应版本，名字来自拉丁语“Cupido”，意为“欲望”。罗马人几乎完全继承了他的神话设定，只是名字和部分细节做了本土化调整。

形象演变：从俊美少年到调皮小天使

古希腊早期——俊美、健美的成年青年，带翅膀的美少年，气质优雅 弓箭（金箭/铅箭）、火炬、花环。

古希腊晚期-罗马——逐渐变成孩童形象，卷发、带翅膀的小男孩，活泼调皮 弓箭、翅膀、盲眼（后来的设定） 。

中世纪-文艺复兴——定型为胖乎乎的小天使，带翅膀、手持弓箭，象征“懵懂的爱” 弓箭、翅膀、心形元素。

弓箭的魔力：这是他最经典的设定——

- 金箭：被射中者会立刻陷入疯狂的爱情，无法自拔。

- 铅箭：被射中者会变得冷漠，拒绝一切爱意。

- 神话故事：最著名的就是《丘比特与普赛克》的故事，讲述了爱神与凡人少女普赛克的爱情，是西方艺术史上反复出现的经典题材。

他的形象从古希腊罗马时期就深入人心，如今更是情人节、爱情的标志性符号，几乎所有和“爱”相关的西方艺术作品里，都能看到他的身影。

这次的罗马特展里，他的形象是罗马时期的孩童版厄洛斯雕塑：卷发、带翅膀，手持弓箭或火炬，气质天真烂漫，和现在熟悉的“小天使”形象已经非常接近了。

这是展览里的天使翅膀打卡装置，和厄洛斯（丘比特）主题展区完美呼应。

它的设计灵感就来自西方艺术里天使/爱神的翅膀，尤其是厄洛斯这类带翅膀的神祇形象。这种装置在艺术展里很常见，把神话符号做成互动打卡点，让观众也能“化身爱神”，拍出有氛围感的照片。

诸神归位

THE PANTHEON TAKES ITS PLACE

公元前7至前6世纪，罗马主要敬奉三位主神——神王朱庇特和他的妻子朱诺，以及女儿密涅瓦。

后来受希腊文化影响，维纳斯等一些罗马次神地位提升成为主神，主神体系随之逐步扩充。

公元前3至前2世纪，罗马神与希腊神几乎实现了一一对应：朱庇特、朱诺、密涅瓦分别对应希腊的神王宙斯、天后赫拉与智慧女神雅典娜；玛尔斯对应希腊战神阿瑞斯；维纳斯对应希腊的爱与美之神阿芙洛狄忒，并且在罗马的建城传说中作为罗马人的祖先埃涅阿斯的母亲，奠定了罗马的神圣起源，因而备受尊崇。

诸神对应后，原本只有抽象神性的罗马神，从希腊神那里获得了具体鲜活的拟人形象。

罗马人仿照希腊雕塑范式为众神造像，神像的姿态、服饰与象征物成为辨识神明的重要依据。

然而，无论这些神像如何彰显神明的崇高与不朽，归根结底，诸神的世界始终与创造和敬奉他们的人类世界紧密相连。

众神聚会红绘双耳喷口杯，来自英国利物浦国家博物馆。

双耳喷口杯是一种用来调酒的器皿。杯身描绘了众神聚会的场景：位于画面中心的是阿波罗，宙斯和狄俄尼索斯分列其左右，山林精灵萨蒂尔和酒神的女性追随者迈那得斯环绕在他们周围。

这类红绘陶器是古希腊文化的重要载体，瓶身的神话场景不仅装饰性强，也反映了当时的宗教信仰与社会生活。罗马时期大量复刻这类陶器，也体现了罗马文化对古希腊艺术的继承与推崇。

黑绘陶制提水罐，现藏于英国利物浦国家博物馆。

约公元前520-前510年

提水罐表面绘有希腊诸位神明，从左至右分别是：手持酒杯的狄俄尼索斯，头戴头盔、手持长矛的雅典娜，手持里拉琴的阿波罗，以及与鹿相伴的阿尔忒弥斯。壶肩上绘有三名手持长矛的骑士。

这类黑绘陶瓶不仅是实用器皿，更是古希腊神话与宗教文化的载体。瓶身上的众神形象，反映了当时人们对奥林匹斯诸神的崇拜。罗马时期，这类陶器被大量收藏与复刻，也体现了罗马文化对古希腊艺术的继承与推崇。

这是赫尔墨斯（墨丘利）大理石头像，现藏于英国利物浦国家博物馆。

赫尔墨斯（罗马神话中叫墨丘利）是奥林匹斯的众神信使，也是商业、旅行者和小偷的保护神。这尊头像创作于公元1-2世纪，是罗马时期对古希腊原作的复刻。

头顶的带翼小帽（petasos）是他最核心的标志，代表信使的迅捷与身份。

卷发的造型、柔和的面部线条，体现了希腊化时期雕塑的光影技法，让面部轮廓富有立体感。

赫尔墨斯是罗马人非常喜爱的神祇之一，他的形象在古罗马的雕塑、钱币和壁画中都很常见，象征着智慧、沟通与商业繁荣。

这是色瑞斯（Ceres，对应希腊神话的得墨忒耳）坐像，现藏于英国利物浦国家博物馆。

色瑞斯是罗马神话中的谷物、丰收与农业女神，也是奥林匹斯十二主神之一。她的希腊对应者是得墨忒耳，是冥后珀耳塞福涅的母亲。

头戴面纱、端坐的姿态，是罗马时期丰收女神的经典形象，象征着母性、庄重与守护。

她的右手原本捧着谷物（已残损），座椅两侧的动物分别是猪和蛇，都是与丰收、土地和冥界相关的圣物，呼应了她掌管万物生长与生死循环的神性。

她的神话故事（女儿被哈迪斯掳走导致四季更替）是西方文化中“四季起源”的经典版本，也是古罗马人最崇敬的女神之一，与城邦的粮食安全和生存息息相关。

这是一件古罗马神庙形大理石骨灰盒（Ash Chest / Cinerary Urn），来自英国利物浦国家博物馆。

这类器物是古罗马时期的骨灰容器，用来盛放逝者火化后的骨灰。将骨灰盒做成神庙造型，是古罗马丧葬艺术的典型设计，象征逝者的灵魂如同居住在神圣的“永恒居所”中。

采用了古典神庙的立面结构，包括三角楣饰、螺旋纹科林斯柱式，以及模仿神庙大门的双扇门造型，门环清晰可见。

门楣上方的两只相向的鸽子、月桂枝叶、花环和丝带，都是古罗马丧葬艺术中常见的符号，象征和平、不朽与逝者灵魂的升华。

柱子旁的橄榄枝、月桂枝叶，既呼应了神庙的神圣性，也象征着永恒的生命与荣誉。

这件器物不仅是实用的丧葬用品，更体现了古罗马人对死亡的理解：通过将逝者的“居所”与神庙形制结合，赋予死亡以神圣性，同时也反映了古希腊罗马建筑美学对丧葬艺术的深刻影响。

这是一件古罗马大理石石棺残件（狮形装饰椭圆石棺端部），创作于公元3世纪早期。

这件残件来自一件椭圆石棺的端部，是古罗马丧葬艺术的典型代表。公元3世纪，罗马石棺普遍流行“S”形柱槽装饰，你可以在石棺侧面看到这种经典的装饰纹样。

浮雕描绘了狮子吞噬鹿的场景：狮子的左后爪按住鹿的身体，而鹿完全顺从，只是抬起头来，甘愿接受被捕食的命运。

狮子象征不可抗拒的死亡与命运的力量，同时也被视为石棺的守护者，震慑邪恶与盗墓者。

鹿象征逝者，它的顺从姿态表达了古罗马人对死亡的“宿命论”理解，寓意灵魂在死亡中获得超脱与安宁。

这类“猎狮/食兽”主题的石棺浮雕，是公元3世纪罗马丧葬艺术的热门题材。它们不仅展现了当时精湛的大理石雕刻技艺，更通过强烈的自然主义场景，传递了古罗马人对死亡、命运与死后世界的理解。

这是古罗马时期的美杜莎（Medusa）大理石面具浮雕。

美杜莎最标志性的特征就是蛇发：原本的头发被雕刻成了扭动的毒蛇，象征着她被诅咒后的样貌。

额头两侧的翅膀是希腊-罗马艺术中美杜莎的经典元素，代表她与冥界、风暴等超自然力量的联系。

这种“面具式”浮雕是古罗马建筑装饰的常见形式，被称为“Gorgoneion”（戈耳工之盾）。

在古罗马，美杜莎的头像常被用在建筑、盾牌或石棺上，作为辟邪护符。人们相信她能“以恶制恶”，用她的恐怖面容吓退邪灵和恶意。

她的目光在神话中能将人石化，因此这种浮雕也被赋予了守护、威慑的意义，保护建筑或逝者免受侵害。

美杜莎原本是希腊神话中的戈耳工三姐妹之一，被雅典娜诅咒后变成蛇发女妖。罗马人继承了这一形象，并将其广泛应用在建筑与丧葬艺术中，让她从怪物变成了守护与辟邪的符号。

这是古罗马石棺上的赫拉克勒斯（Hercules，希腊神话的赫拉克勒斯）主题浮雕面板。

浮雕描绘了古希腊神话中的大力士赫拉克勒斯，也就是罗马神话里的海格力斯。他的姿态定格了英雄的标志性形象：左手牵着缰绳，控制着马匹；右手握着他的标志性武器——狮头狼牙棒，身旁的狮子就是他“十二伟绩”中第一项任务的战利品——涅墨亚狮子。

这块浮雕原本是古罗马石棺的装饰面板，这类石棺在公元2-3世纪非常流行。将赫拉克勒斯刻在石棺上，有着特殊的寓意：赫拉克勒斯的形象象征着力量、勇气与不朽；他的十二伟绩被视为战胜死亡与磨难的象征，用来为逝者的灵魂“保驾护航”，寓意像英雄一样战胜死亡，获得永恒。

浮雕采用了古罗马时期典型的“理想化人体”表现手法，肌肉线条饱满有力，人物比例协调，马匹的动态也刻画得十分生动，体现了古希腊罗马雕塑对人体美与动态美的极致追求。

这是古罗马石棺上的赫拉克勒斯（海格力斯）主题浮雕面板，和上一张赫拉克勒斯浮雕是同一组系列展品。

浮雕中的人物就是古希腊神话中的大力士赫拉克勒斯（罗马神话称海格力斯）：他的标志性武器是手中的木棒，这是他完成“十二伟绩”的重要工具；他牵着缰绳，身旁的马象征着力量与征服，也呼应了他的英雄身份。

饱满的肌肉、充满力量感的姿态，是古罗马时期对赫拉克勒斯的经典刻画方式。

这块浮雕同样来自古罗马石棺：把赫拉克勒斯刻在石棺上，是为了借英雄的力量，为逝者的灵魂提供守护；他战胜磨难、最终成神的故事，象征着逝者战胜死亡、获得永恒的希望。

上一张浮雕中，他手持的是涅墨亚狮子的头（他的第一件伟绩战利品），而这一张中他拿着标志性的木棒，两者共同构成了对这位英雄不同身份符号的刻画。

这是一件古罗马时期的大理石石棺浮雕，描绘的是希腊神话中著名的《珀耳塞福涅被劫持》（The Abduction of Persephone，又称《冥王抢亲》）场景。

冥王哈迪斯（Hades）劫走农业女神德墨忒尔（Demeter）的女儿珀耳塞福涅（Persephone），将她带往冥界成为冥后。

这个神话也是古希腊人解释四季更替的起源：德墨忒尔因失去女儿而无心照料大地，导致万物凋零，而珀耳塞福涅每年有半年时间在冥界、半年在人间，便形成了四季轮回。

右侧蓄须的男性是冥王哈迪斯，他正将挣扎的珀耳塞福涅抱在怀中，脚下可见他的冥界战车的车轮。

中间头戴头盔、手持盾牌的女性是雅典娜，她试图阻止哈迪斯的暴行，体现了古希腊神话中众神对这场事件的干预。

左侧的女性是德墨忒尔，她伸出手臂，充满绝望地试图夺回女儿。

这件浮雕属于罗马帝国时期（约公元2世纪）的作品，是石棺的装饰面板。

古罗马人常以希腊神话为石棺主题，珀耳塞福涅的故事因涉及“死亡与重生”，成为当时流行的丧葬艺术题材，象征着死后的永生希望。

作品采用高浮雕技法，人物衣褶、动态和情感张力都刻画得非常生动，是罗马雕塑中表现神话叙事的典型代表。

这是公元1世纪古罗马大理石浮雕《胜利女神尼姬（维多利亚）献酒》。

浮雕描绘了带翅膀的胜利女神尼姬（罗马名维多利亚），向左侧的女神（通常认为是雅典娜/密涅瓦）献上祭酒的场景。胜利女神手持酒壶（oinochoe），正在为仪式倒酒，而另一位女神手持容器承接。

左侧女神身后的里拉琴，象征着音乐、艺术与城邦的繁荣，也暗示了这是一场庆祝胜利的仪式。

胜利女神脚边的圆形祭坛，进一步强化了献祭的宗教属性。

流畅的衣褶、优雅的姿态，体现了古罗马对古希腊古典艺术的继承与致敬。

这是公元1世纪古罗马大理石浮雕《胜利女神尼姬（维多利亚）向雅典娜献祭》。

画面中央带翅膀的是胜利女神尼姬（罗马名维多利亚），她正手持酒壶向碗中倒酒，碗边缠绕着象征智慧与守护的蛇。她的左侧高台上，站立着戴着头盔、手持长矛的雅典娜（密涅瓦），代表城邦的守护与智慧。

在古希腊罗马文化中，蛇是雅典娜的圣物，象征健康、守护与城邦的生命力。

尼姬向雅典娜献祭，寓意祈求女神护佑胜利，也代表对城邦繁荣的祝福。

流畅飘逸的衣褶、前倾的姿态，是古罗马雕塑对古希腊古典风格的完美继承，展现了胜利女神轻盈灵动的气质。

尼姬（维多利亚）是罗马帝国的“胜利代言人”，她的形象常出现在神庙、凯旋门和公共浮雕中，用来纪念战争胜利、竞技夺冠或政治成功，是古罗马对“荣耀”与“成功”的具象化崇拜。

这是公元2世纪古罗马石棺浮雕《被缚的普罗米修斯》。

这件浮雕以石棺为载体，讲述了古希腊神话中最具反抗精神的故事：普罗米修斯的苦难，象征着人类文明在反抗权威中诞生的艰辛；而赫淮斯托斯的无奈与宁芙们的同情，则展现了神话中复杂的人性与神性。

左侧被铁链锁在岩石上的是普罗米修斯，他是一位泰坦神，因盗取天火送给人类，被宙斯惩罚，永远困在高加索山，每日被鹰啄食肝脏。脚边的火炬象征他为人类带来的火种，盘旋的鹰则是宙斯派来折磨他的象征。

中间手持铁锤的是火神赫淮斯托斯，他是宙斯的命令执行者，却对普罗米修斯心怀同情，不得不亲手将他钉在山崖上。

右侧的女神们是海洋宁芙（水泽仙女），她们前来为普罗米修斯求情，构成了画面的情感张力。

浮雕的衣褶流畅、肌肉刻画精准，是古罗马艺术对古希腊古典风格的继承。通过人物的姿态与表情，传递出强烈的悲剧氛围，是古罗马时期极具代表性的叙事性浮雕作品。

胜利传承

希腊英雄赫拉克勒斯在罗马神话中被称为海格力斯。

他凭借超凡伟力完成十二项功绩，最终跻身神界，被罗马人视作勇武与胜利的化身。

在共和时代，多位军事统帅积极推崇海格力斯，将个人军事成就与神佑紧密相连。

罗马军团在重要关隘与营地常设海格力斯祭坛，日常行军亦携带其圣像，祈求战事顺利。

将军凯旋而归也常仿效他在神话里的情景举行献祭，以此彰显胜利的神圣性。

罗马人对海格力斯的崇拜，体现了他们对胜利的渴望。

从共和时代到帝国时代，在长达数世纪的军事扩张中，胜利是统帅获取政治资本、元老院赢得权威、皇帝巩固统治的根本，直接关系到个人威望、经济利益与国家安危。

因此，作为胜利象征的海格力斯，受到罗马人尤其是军事阶层的持久崇拜。

他不仅是力量之神，更成为罗马扩张精神与必胜信念的神话投射，其形象广泛出现在凯旋门上。

这是古罗马时期的青铜小雕像《赫拉克勒斯（海格力斯）》。

雕像表现的是古希腊罗马神话中的大力神赫拉克勒斯（Hercules），他是宙斯之子，以完成十二项试炼闻名。

他左肩披着的正是他的标志性象征——涅墨亚狮子皮，这是他第一项试炼的战利品，也是他最经典的识别符号。

左手握着的物体（现已残缺），大概率是他的另一件标志性武器大棒（club）。

这是一尊小型青铜像，很可能是古罗马时期家庭或神殿中的供奉物，体现了当时对赫拉克勒斯的崇拜。

雕像的肌肉刻画清晰，姿态舒展，是典型的古希腊罗马“英雄式”人体表现，展现了古典雕塑对人体美的追求。

赫拉克勒斯是古罗马人非常喜爱的神祇，他象征力量、勇气与坚韧，他的形象常出现在硬币、浮雕和小型雕像中，被视为保护神和胜利的象征。

这是一尊古罗马时期的大理石小雕像《赫拉克勒斯（Hercules）》。

雕像表现的是古希腊罗马神话中的大力神赫拉克勒斯（罗马名海格力斯），识别特征非常明显：他右手高举过肩，正将涅墨亚狮子的狮皮披在身上，这是他完成的第一项十二试炼，也是他最经典的标志。左手握着他的标志性武器——大棒（club），姿态充满力量感。

强健的肌肉线条、浓密的胡须，都是古典艺术中赫拉克勒斯的典型形象。

这是一尊小型供奉用的大理石雕像，造型源自希腊化时期的大型原作，风格写实而充满张力。

虽然有残缺（腿部断裂），但仍能看出对人体肌肉、动态的精准刻画，展现了古罗马雕塑对希腊古典传统的继承。

赫拉克勒斯在古罗马社会中被视为保护神，象征力量、勇气与克服困难的精神。这类小型雕像常被放置在家庭神龛或公共神殿中，供人们祈求护佑与好运。

安条克一世银币

公元前281-前261年

安条克一世是塞琉古王朝的一位国王，此为其在位期间发行的四德拉克马银币。

银币正面是神化的亚历山大大帝头像，带有阿蒙神的公羊角象征。

头像上的公羊角是关键识别点，它代表亚历山大大帝被神化为“阿蒙-宙斯之子”。公元前331年，亚历山大征服埃及后，被阿蒙神庙祭司宣布为阿蒙神的儿子，从此这个形象就成了他神性的标志。

这类钱币多由亚历山大的继业者（如利西马科斯）在他去世后发行，目的是借助他的威望巩固统治，也是希腊化时代“统治者神化”的典型表现。

它是人类历史上最早将统治者形象与神性符号结合的钱币之一，既体现了亚历山大的个人崇拜，也反映了古希腊与埃及宗教文化的融合。

第二展区——帝国的荣耀

罗马不是一天建成的。它的早期史近乎神话传说，而非历史。

传统记载中，罗马于公元前753年由罗慕路斯建立。罗慕路斯是特洛伊英雄埃涅阿斯的后裔，也是战神玛尔斯之子。他与孪生弟弟雷慕斯出生后遭遗弃，由母狼喂养。

母狼哺育双胞胎的形象因此成为罗马的象征。

然而，真实的罗马最初只是意大利半岛中部拉丁姆地区的一个小村落，其发展经历了三个阶段：向国家逐步过渡的王政时代（公元前753年—前509年）、大规模对外扩张的共和时代（公元前509年—公元前27年），以及内部长期和平、国力臻于鼎盛的帝国时代（公元前27年—公元476年）。

战神玛尔斯似乎格外垂青他的后代，通过长期征战，罗马人不仅统一了意大利半岛，更将版图扩张至欧亚非三洲。

在其极盛之年，帝国疆域面积接近600万平方公里，囊括今天30个主权国家的全部或部分领土，成为古代历史上最庞大的帝国之一。

这是古罗马帝国首任皇帝——奥古斯都（屋大维）的大理石半身像。

奥古斯都（原名盖乌斯·屋大维）是罗马帝国的开创者，结束了罗马共和时代的内战，建立了长达两百年的“罗马和平”。他的形象在古罗马艺术中被塑造成兼具神性与权威的完美君主。

胸甲中央的美杜莎头像象征着奥古斯都拥有击退敌人、掌控权力的力量，也是古罗马皇帝胸甲上常见的“辟邪与权威”符号。

前额的短卷发、轮廓分明的五官，是奥古斯都官方肖像的经典样式，强调他的青春永驻与神性。

外披的托加与胸甲同时体现了他作为罗马公民的身份与军事统帅的权威。

这类半身像多创作于奥古斯都统治时期或稍后，是古罗马官方肖像的代表。它们并非写实刻画，而是通过理想化的形象，塑造出一位“完美的帝国统治者”，传递奥古斯都的权威与神性。

这是古罗马弗拉维王朝开国皇帝——韦帕芗（Vespasian）的大理石半身像，也就是罗马斗兽场的建造者。

韦帕芗（公元69-79年在位）是罗马帝国弗拉维王朝的建立者，他结束了尼禄死后的内战，重建了帝国秩序。他下令建造的罗马斗兽场（弗拉维圆形剧场），正是背景文字中提到的“以税赋铸就盛世，罗马斗兽场”的主角。

这件半身像完美体现了韦帕芗时代的“写实主义”风格：没有像奥古斯都那样被美化成理想化的青年，而是真实刻画了他秃顶、面部皱纹、松弛的皮肤和微胖的脸型，展现出一位务实、坚韧的军人皇帝形象。这种朴素写实的风格，正是为了和暴君尼禄的奢华浮夸形成鲜明对比，彰显他“恢复共和美德”的政治理念。

韦帕芗的统治开启了罗马帝国的稳定期，他建造的斗兽场不仅是娱乐场所，更是他巩固民心、彰显国力的政治工程。这件半身像也因此成为罗马帝国从混乱走向复兴的时代象征。

这是罗马帝国“五贤帝”之一——图拉真（Trajan）的大理石半身像。

图拉真（公元98-117年在位）是罗马帝国的第二位五贤帝，也是罗马版图扩张至巅峰时期的统治者。他通过军事征服，将帝国疆域扩展至横跨欧亚非的最大范围，因此被元老院授予“最佳元首（Optimus Princeps）”的称号。

肖像胸甲上的美杜莎头像，和奥古斯都的雕像一样，美杜莎的形象象征着图拉真作为帝国守护者的力量，能震慑敌人、带来胜利。

肩甲上的神话人物浮雕，强化了他的神性与权威，暗示他的统治受到神明护佑。

他的发型是当时罗马贵族流行的样式，面部刻画沉稳坚毅，体现了他作为军事统帅的威严气质。

图拉真的统治时期被视为罗马帝国的黄金时代之一，他不仅武功赫赫，也推行了一系列仁政，深受民众爱戴。这件半身像正是他作为“理想君主”的形象塑造，也是罗马帝国鼎盛时期的见证。

这是罗马帝国“五贤帝”之一——哈德良（Hadrian）的大理石半身像。

哈德良（公元117-138年在位）是罗马帝国第三位五贤帝，也是一位极具远见的统治者。他放弃了图拉真征服的部分东方领土，转而致力于巩固帝国边界、推动文化建设，著名的英国“哈德良长城”和罗马万神殿都出自他的时代。

他是罗马帝国第一位蓄起希腊式络腮胡的皇帝，这既是他个人风格的体现，也象征着他对希腊文化的推崇，从此影响了后世近百年的罗马皇帝肖像风格。

额前整齐的卷发、沉稳的面部线条，是哈德良官方肖像的经典样式，展现了他兼具威严与儒雅的气质。

肩上披的罗马托加袍，以流畅的衣褶表现出古典雕塑的工艺水平，同时也体现了他作为罗马公民与皇帝的双重身份。

哈德良统治时期是罗马帝国的“黄金时代”，他不仅是军事统帅，更是一位热爱建筑、文学与哲学的君主。这件半身像正是他“希腊化皇帝”形象的写照，也反映了罗马帝国在文化上对希腊传统的继承与融合。

这是罗马帝国“五贤帝”最后一位——马可·奥勒留（Marcus Aurelius）的大理石半身像，也就是《沉思录》的作者。

马可·奥勒留（公元161-180年在位）是罗马帝国最后一位五贤帝，也是西方历史上最著名的“哲学家皇帝”。他常年在边境征战，却在军营中写下了影响深远的斯多葛派哲学著作《沉思录》，背景文字“披紫袍，却在深夜的羊皮纸上征服了整个哲学世界”正是对他的写照。

他继承了哈德良以来罗马皇帝的希腊化肖像传统，浓密的卷发与胡须是当时罗马贵族推崇的古典形象。

雕像刻画了他略带忧郁、沉思的眼神，精准传递出他作为皇帝与哲学家的双重身份——既有帝国统治者的威严，也有哲学家对生命与责任的深刻思考。

肩上的罗马托加袍衣褶层次丰富，展现了古典雕塑的精湛工艺，也象征着他作为罗马公民与皇帝的身份。

马可·奥勒留的统治标志着罗马“黄金时代”的尾声，他去世后帝国迅速陷入动荡。他的半身像不仅是一位皇帝的肖像，更成为了“权力与智慧”结合的象征，也让《沉思录》的哲学思想得以与他的形象一同流传后世。

这是罗马帝国皇帝康茂德（Commodus）的大理石头像。

康茂德是“五贤帝”最后一位马可·奥勒留的儿子，他的统治（公元180-192年）标志着罗马帝国黄金时代的终结。他以荒淫、残暴和偏执闻名，是《角斗士》电影中反派皇帝的原型，最终被刺杀身亡。

他继承了哈德良以来罗马皇帝的希腊化肖像传统，浓密卷曲的头发是当时贵族与皇室的典型风格。

这件头像有明显的修复痕迹，面部的裂痕和缺失部分，正是它历经岁月与战乱的见证。

雕像的眼神略带阴郁，与他多疑、偏执的性格高度吻合，展现了他与父亲马可·奥勒留截然不同的气质。

康茂德的统治是罗马帝国由盛转衰的关键节点，他的死亡也引发了帝国长达数十年的内战。这件头像不仅是一位皇帝的肖像，更成为了罗马帝国走向衰落的象征。

这是罗马帝国塞维鲁王朝的开创者——塞普蒂米乌斯·塞维鲁（Septimius Severus）的大理石半身像，也就是“北非军阀”。

塞维鲁是罗马帝国历史上第一位出身北非的皇帝（来自今利比亚的大莱普提斯），他在康茂德死后的内战中崛起，最终于公元193年登上皇位，开启了塞维鲁王朝，结束了帝国的动荡局面。背景文字“一位北非军阀的奋斗，终得紫袍加身”正是对他一生的写照。

他继承了哈德良以来罗马皇帝的希腊化肖像传统，浓密的卷发与胡须，既符合当时的审美，也展现了他的威严与坚毅。

肩上的罗马托加袍衣褶厚重而富有层次，展现了古典雕塑的精湛工艺，也象征着他作为罗马公民与皇帝的双重身份。

雕像的眼神锐利、表情坚毅，传递出他作为军事统帅的强势气质，也暗示了他“铁腕治国”的统治风格。

塞维鲁的统治是罗马帝国从“五贤帝”黄金时代向危机时代过渡的关键节点。他通过军事独裁巩固了皇权，却也埋下了军队干政的隐患。他的半身像不仅是一位皇帝的肖像，更是罗马帝国多元文化与权力更迭的见证。

这是罗马帝国首位皇后——莉薇娅·德鲁西拉（Livia Drusilla）的大理石头像。

莉薇娅是罗马帝国开国皇帝奥古斯都（屋大维）的第三任妻子，也是罗马帝国早期最具权势的女性。她凭借政治智慧，将与前夫所生的儿子提比略推上皇位，深刻影响了罗马帝国的权力传承。

额前整齐的“钳形”发绺是莉薇娅肖像的典型特征，也是奥古斯都时代贵族女性的时尚标杆，象征着她的高贵身份与端庄气质。

雕像以柔和的线条与宁静的神情，塑造了一位兼具智慧与威严的皇后形象，既体现了古典雕塑的写实主义，也传递了她作为帝国“第一夫人”的端庄与内敛。

莉薇娅的一生横跨罗马从共和到帝国的关键时期，她不仅是奥古斯都的政治伴侣，更是罗马帝国早期权力结构中的重要人物。这件头像是奥古斯都时代女性肖像的代表，也见证了罗马帝国初创期的权力与秩序。

这是一尊公元2世纪早期古罗马双色大理石大福斯蒂娜皇后雕像。

大福斯蒂娜皇后是罗马“五贤帝”之一安东尼·庇护皇帝的妻子，该皇帝在位时间为公元138年至161年。

这件雕像最特别的地方在于它使用了两种大理石：头部、颈部和脚部为白色大理石，象征纯洁与神圣；衣袍则为深色大理石（玄武岩/黑大理石），通过厚重的垂褶表现出织物的质感，同时强化了人物的庄重感。这种材质对比在古罗马雕塑中非常少见，是为了突出人物的神圣身份而设计的。

雕像的头部与身躯原属不同作品，其现存状态应为18世纪时修复拼合所致。雕像身躯仿效希腊化时期风格，头部则呈现罗马式风格，其厚重的服饰间接反映了她在当时权势显赫。

这是大福斯蒂娜皇后（Faustina the Elder）的大理石头像。

大福斯蒂娜是罗马“五贤帝”之一安东尼·庇护皇帝的妻子，也是马可·奥勒留的岳母。她以美貌与贤德著称，在罗马帝国拥有极高声望，去世后被元老院追封为女神，成为罗马帝国历史上少数被神化的皇后之一。

她的发型是哈德良时期罗马贵族女性的经典样式，前额的波浪卷发与头顶盘成的编织发髻，是当时皇室女性的时尚标杆，也象征着她的高贵身份。

雕像以柔和的线条与端庄的神情，塑造了一位兼具优雅与威严的皇后形象，体现了2世纪罗马肖像雕塑的写实主义风格。

安东尼·庇护与大福斯蒂娜的婚姻被视为罗马帝国“黄金时代”的象征之一，他们的形象常被用来宣扬和谐、稳定的统治秩序。这尊头像是当时皇室女性肖像的代表，也见证了罗马帝国鼎盛时期的文化与审美。

这是小福斯蒂娜皇后（Faustina the Younger）的大理石半身像。

小福斯蒂娜是罗马“五贤帝”中马可·奥勒留的妻子，也是安东尼·庇护与大福斯蒂娜的女儿，是罗马帝国黄金时代的重要女性。她以美貌与政治影响力著称，去世后被追封为女神。

前额中分的波浪卷发、两侧覆盖耳朵、盘于脑后的发髻，是公元2世纪中期罗马贵族女性的典型时尚，也是小福斯蒂娜肖像的识别特征。

雕像线条柔和，神情端庄，衣褶表现细腻，体现了安敦尼王朝肖像雕塑的写实主义风格，也反映了她作为皇后的高贵气质。

小福斯蒂娜的一生与罗马帝国的黄金时代紧密相连，她的形象常被用来宣扬皇室的稳定与和谐。这尊半身像不仅是她个人的写照，也见证了2世纪罗马帝国的审美与政治文化。

这是公元2世纪弗里吉亚母神（西布莉/库柏勒）的大理石雕像，是古罗马时期对东方母神崇拜的典型见证。

她的原型是弗里吉亚母神库柏勒（Cybele，也译西布莉），是古代小亚细亚（今土耳其一带）弗里吉亚人信仰的自然、大地与丰饶女神，被视为“万物之母”。

罗马人征服小亚细亚后，将她纳入自身万神殿，尊称为“Magna Mater（伟大的母亲）”，她的崇拜在罗马帝国时期极为盛行，尤其是在东部行省与罗马军中。

她头顶的城墙状头冠，是库柏勒最核心的识别符号，象征她作为城市与土地保护者的身份，也代表弗里吉亚地区的拟人化形象。

她身旁的手鼓（通常是 tambourine 式的钹鼓），是库柏勒崇拜仪式中重要的法器，象征着她的神圣力量与自然的律动。

雕像主体为公元2世纪的大理石原作，现存状态是16世纪与18世纪多次修复拼合的结果，是古罗马-文艺复兴时期艺术传承的缩影。

库柏勒崇拜是罗马帝国文化多元性的体现：罗马人将外来神祇纳入本土信仰，既满足了被征服地区的文化认同，也通过“伟大的母亲”形象强化了帝国的凝聚力。

她的雕像常出现在帝国公共建筑、神庙与私人收藏中，既是宗教信仰的载体，也象征着罗马对东方文化的吸收与改造，是理解罗马帝国文化融合的重要物证。

这是一尊弗里吉亚母神库柏勒（Cybele，西布莉）的坐像残件，和之前的那尊立像同属罗马帝国时期对这位“伟大的母亲”的崇拜造像。

库柏勒是古代小亚细亚（弗里吉亚）的自然与大地女神，罗马人征服她的故乡后，将她纳入万神殿，尊为“Magna Mater（伟大的母亲）”，她的崇拜在罗马帝国时期极为盛行。

她的城垛冠是核心识别符号，象征她作为城市与土地保护者的身份，代表着弗里吉亚地区的拟人化形象。

坐像姿态是她的经典造型之一，她通常坐在宝座上，身旁或膝上伴有狮子（象征她对自然力量的掌控），这尊残件也保留了宝座与部分动物形象的痕迹。

这尊大理石雕像因年代久远已严重残损，头部、手臂和宝座的部分结构都有缺失，仅保留了核心的坐像躯干与城垛冠。这种残件状态，恰恰是古代文物历经岁月、战争与自然侵蚀的见证。

库柏勒的崇拜是罗马帝国文化多元性的体现：罗马人将外来神祇纳入本土信仰，既满足了被征服地区的文化认同，也通过“伟大的母亲”形象强化了帝国的凝聚力。这尊残件和之前的立像一起，完整呈现了罗马帝国时期对这位东方母神的崇拜风貌。

这尊雕像是罗马帝国时期的宙斯·阿蒙（Zeus Ammon，也译朱庇特·阿蒙）大理石头像。

宙斯·阿蒙是古希腊罗马神话中，希腊主神宙斯（罗马称朱庇特）与埃及利比亚地区的公羊头神阿蒙融合而成的神祇。这种融合始于亚历山大大帝征服埃及后，在罗马帝国时期成为流行的“泛希腊-埃及”神祇形象，象征着东西方文化的交汇。

公羊角是阿蒙神最核心的识别符号，象征着力量、丰饶与神性，也是他与普通宙斯雕像最直观的区别。

雕像的面部、卷发与络腮胡，是典型的希腊化-罗马时期宙斯肖像风格，塑造出威严而宁静的主神气质。

宙斯·阿蒙的形象，既是罗马帝国对东方文化的吸收与改造，也代表着帝国对“万神之王”权威的强化，常被用于彰显统治者的神性与统治合法性。

这种融合神祇的形象，是罗马帝国多元文化的缩影。它既满足了被征服地区（如埃及）的文化认同，也通过“统一的主神”形象，强化了帝国的凝聚力。这尊头像是罗马帝国时期宗教文化融合的重要物证。

这是一尊罗马帝国时期表现“君主与异族俘虏”的大理石雕像。

雕像表现了一位身着罗马军装的胜利者，正将手按在跪地的异族俘虏头上，象征罗马帝国的军事征服与对被征服者的绝对权威。这种“胜利者与俘虏”的题材，是罗马帝国时期极为流行的艺术母题，常用来宣扬皇帝或军队的赫赫战功。

站立者身着罗马军官的盔甲，胸甲上雕刻着神祇头像（可能是保护神或皇帝的象征），头戴发带，手持剑柄，姿态威严。他的形象很可能是一位罗马皇帝或高级将领，代表着帝国的力量。

跪地者留着蛮族式的胡须，衣着简陋，神情沮丧，是被征服的异族俘虏的典型形象。他的姿态象征着被罗马帝国彻底征服、臣服的命运。

这种题材在罗马帝国的凯旋门、纪念柱和雕塑中极为常见，是帝国宣传体系的重要组成部分。它不仅记录了战争的胜利，更通过艺术的方式塑造了罗马“世界征服者”的形象，强化了帝国统治的合法性。

为罗马帝国开疆拓土的战争，使大量战俘沦为奴隶，成为罗马社会的重要组成部分。这件雕像正是这一历史背景的直观体现，见证了罗马帝国的扩张与多元文化的碰撞。

这是一尊塞拉皮斯（Serapis，也译作宙斯-塞拉皮斯）的大理石头像。

塞拉皮斯是托勒密王朝时期，为了融合希腊与埃及信仰而创造的“复合神祇”：他的希腊形象来自宙斯（罗马的朱庇特），因此拥有宙斯式的卷发、络腮胡与威严面容。他的埃及身份则结合了奥西里斯与阿匹斯神牛的元素，被视为冥界、丰饶与王权的保护神，也是亚历山大城的守护神。

头顶的“莫迪乌斯（Modius）”冠像圆柱形的容器，是埃及丰饶女神伊西斯崇拜中常见的谷物量器，象征着丰收与繁荣，也是塞拉皮斯最核心的识别符号。

金属尖刺是现代修复或展陈添加的元素，并非古代原作所有，用来象征太阳光芒或神性的力量。

雕像的面部、卷发与胡须，是典型的希腊化-罗马时期宙斯肖像风格，塑造出宁静而威严的主神气质。

塞拉皮斯崇拜是“文化融合”的典范：它既满足了希腊移民的信仰需求，也尊重了埃及本土的宗教传统，成为托勒密王朝和罗马帝国统治埃及时期的重要官方信仰。

这尊头像是罗马帝国时期宗教多元性的见证，体现了罗马人如何吸收并改造东方神祇，为帝国的统治与文化认同服务。

这是塞拉皮斯和三头犬雕像。

这尊雕像表现的是塞拉皮斯神坐在宝座上，头戴象征丰饶的莫迪乌斯冠（谷物计量容器造型），足旁伴有三头犬刻耳柏洛斯。

在罗马帝国时期，他被广泛崇拜，其形象常与哈迪斯的冥界属性结合，成为“普世的冥界之主”。

他端坐于宝座上，左手高举权杖，象征着冥界的至高权威，是主神形象的典型表现。

他的右手轻按在三头犬刻耳柏洛斯的头上，这只地狱看门犬是冥界的标志，也是区分塞拉皮斯与宙斯的关键特征之一。

他头顶的圆柱形谷物量器，是塞拉皮斯的核心识别符号，象征着埃及信仰中的丰收与繁荣，也呼应了他与冥界、重生的关联。

这尊坐像完整呈现了塞拉皮斯的经典形象，是理解罗马帝国如何吸收并改造东方神祇、构建跨文化信仰体系的重要物证。

这是一尊罗马帝国时期的伊西斯女神（Isis）大理石雕像。

伊西斯是古埃及的核心女神，掌管母性、魔法、治愈与重生，被视为“万物之母”。罗马帝国时期，她的崇拜被引入并广泛传播，成为跨文化信仰的象征。

她的形象被改造为希腊-罗马式的优雅女神，同时保留了埃及宗教的核心元素，是帝国多元文化的体现。

右手的叉铃（Sistrum）：这种带金属环的乐器，是伊西斯崇拜仪式中使用的神圣法器，象征着她的力量与神性，也是区分她与其他女神的关键符号。

左手的水罐（Situla）：用来盛装尼罗河圣水，象征丰饶、净化与重生，呼应了伊西斯作为生命与自然女神的属性。

她身着罗马式长袍，胸前的“伊西斯之结”（Isis knot）是她的专属标志，象征着保护与神圣；发式与头饰则融合了罗马贵族女性的优雅与埃及宗教的神圣感。

伊西斯崇拜在罗马帝国时期的盛行，反映了罗马对东方文化的吸收与改造。她的雕像不仅是宗教信仰的载体，也体现了罗马帝国如何通过融合外来神祇，构建跨地域的文化认同，是理解罗马帝国多元文化的重要物证。

第三展区——生活的盛宴

罗马神庙的雄伟与军团的强大世人皆知，但罗马文明的真正力量并不在此。

西方谚语有云：“到了罗马，就要像罗马人那样行事。”

罗马的影响力恰恰在于其“罗马化”的生活方式：罗马人无论走到哪里，都会修建标准化的浴室、剧场和竞技场；推行统一的度量衡、货币和法律条文；在各个行省建设带有广场、神庙和排水系统的城市。

这些设施不仅实用，也潜移默化传递着罗马的秩序与文化。

在这套生活模式的影响下，罗马的各个行省逐渐接受了罗马人的生活方式。

从非洲到西班牙，从东欧到小亚细亚，本地精英纷纷效仿罗马人的穿着、语言和居住方式。

人们不仅使用罗马的法律解决纠纷，也习惯在圆形剧场观看表演，在公共浴场社交议事，城市生活处处以罗马为范本。

即便后来帝国政权瓦解，罗马奠定的语言、法律、建筑与城市理念，仍然深刻影响着整个西方社会。

这是上海世博会博物馆「罗马：城市与帝国」特展中的两件古罗马大理石雕像，分别代表了当时的男性与女性形象。

这两件雕像并列展出，正是呼应了墙上那句西方谚语：“到了罗马，就要像罗马人一样行事”，直观地展示了罗马帝国的服饰文化与“罗马化”的社会生活方式。

这尊是古罗马时期的大理石女性雕像。

公元210-238年（罗马帝国塞维鲁王朝时期）的，18世纪进行过修复。

身着古希腊式的希顿（Chiton）长袍，这是古希腊女性的经典服饰，罗马贵族女性也常穿着改良款，衣褶雕刻自然流畅，展现了古罗马雕塑对古希腊审美文化的继承。

左手的球体和右手的小物件是18世纪修复时添加的，目的是让雕像更接近天文女神乌拉尼亚（Urania，掌管天文学的缪斯女神）的形象，因此也被称为“修复为乌拉尼亚的女性雕像”。

希顿长袍是古希腊女性的标志性服饰，罗马帝国时期，贵族女性穿着改良款希顿，既体现了对希腊文化的推崇，也展现了罗马的服饰文化融合。

18世纪的修复并非简单“修补”，而是当时流行的“文物重塑”方式——通过添加象征物（球体代表天文/宇宙），将无明确身份的古罗马女性雕像，赋予神话女神的身份，让作品更具收藏与展示价值。

雕像的发型是罗马帝国时期贵族女性的流行样式，面部与衣褶的雕刻也体现了罗马帝国后期的写实主义风格。

这尊是身着托加长袍的古罗马男性雕像。

公元10-20年（罗马帝国奥古斯都时期）。

他身穿罗马公民的标志性服饰托加（Toga），只有自由男性公民才有资格穿着，是罗马公民权与社会地位的象征。

左手持有的卷轴，暗示他是一位高级官员或演说家；雕像脚下的圆柱是存放卷轴的容器，进一步印证了他的公职身份。

16世纪初，这件雕像被安置在罗马的马泰别墅花园中，作为景观展示，是当时重要的古典收藏之一。

面部刻画极具写实感，秃顶、皱纹的细节都还原了人物的真实样貌，是古罗马“肖像写实主义”的典型体现。

托加的布料褶皱雕刻层次丰富，通过深浅变化模拟出布料的重量与垂坠感，展现了罗马雕塑高超的技艺。

托加的穿着方式、褶皱走向都有严格规范，不同样式对应不同的社会阶层，这件雕像的托加样式，正是罗马上层公民的典型代表。

这两件古罗马大理石儿童胸像，来自英国利物浦国家博物馆收藏。

男孩大理石半身像（左侧）

公元100-125年（罗马帝国时期）

这是一位罗马贵族男孩的肖像，留着当时流行的齐刘海短发，面部刻画写实，带有典型的罗马肖像风格。

这类儿童肖像在罗马帝国时期很常见，用来纪念贵族家庭的孩子，同时也反映了当时社会对家庭与子嗣的重视。

戴兜帽的男孩大理石头像（右侧）

公元2世纪

他头戴的尖顶兜帽（Phrygian cap，弗里吉亚帽），是罗马帝国时期东方文化传入后的产物，通常与东方神祇（如弗里吉亚母神）或“自由民”身份相关联。

这种帽子也常被用来表现来自东方的奴隶或获得自由的儿童，同时也带有一定的宗教象征意义，暗示了罗马帝国文化的多元融合。

这是古罗马大理石女性胸像，来自英国利物浦国家博物馆收藏。

胸像部分为18世纪修复拼接，头部是公元2世纪（罗马帝国时期）的原作。

这类胸像常见的两种可能：

1. 理想化的贵族女性肖像：发型与服饰是罗马帝国时期贵族女性的典型样式，披裹的长袍展现了当时女性的端庄气质，面部特征柔和，带有希腊化雕塑的理想化审美风格。

2. 女神形象（维纳斯/阿芙洛狄忒）：也有学者认为它是古罗马时期对希腊爱与美之神阿芙洛狄忒（即罗马的维纳斯）的复制或变体，柔和的面部与发型是女神像的常见特征。

中分卷发搭配盘发，是罗马帝国时期贵族女性的流行样式；披裹的长袍褶皱雕刻细腻，展现了古罗马雕塑对布料垂坠感的高超表现能力。

胸像部分与头部并非同一时期作品，是18世纪时拼接而成的，这也是当时西方古典文物收藏中常见的“重塑”方式。

这类女性胸像既体现了古罗马贵族对肖像艺术的重视，也反映了罗马文化对古希腊美学的继承与融合。

这是两尊古罗马大理石胸像。

左侧是罗马帝国“五贤帝”之一的哈德良皇帝（Hadrian），公元117-138年在位。

他是第一位留胡子的罗马皇帝，雕像上浓密的卷发和络腮胡，是哈德良标志性的形象特征。

这种形象既模仿了古希腊哲学家的造型，也体现了他对希腊文化的推崇（他修建了罗马万神殿、哈德良长城等著名建筑）。

面部刻画刚毅而富有理想主义色彩，是罗马帝国中期帝王肖像的典型代表。

右侧是一位罗马共和国晚期/帝国早期的贵族或政治家，并非皇帝。

秃顶、布满皱纹的面部，是古罗马写实主义肖像的巅峰体现——罗马贵族肖像从不美化，而是真实还原人物的衰老与特征，以此彰显家族传承的荣誉。

这种“不加修饰”的写实风格，源自罗马共和国时期祖先崇拜的传统，贵族家庭会保存祖先的真实肖像，以彰显家族历史。

这是古罗马大理石运动员胸像，来自英国利物浦国家博物馆的收藏。

公元2世纪（罗马帝国时期），是古罗马对古希腊风格的复刻作品。

它被称为《运动员胸像》（Bust of an Athlete），原型很可能是古希腊时期的运动员雕像，也可能是神话中的美少年（如那喀索斯、阿多尼斯）。

短而整齐的卷发、柔和的面部线条，是古希腊“理想化男性美”的典型特征，罗马人复刻这类雕像，是为了致敬古希腊的竞技精神与审美。

这类运动员雕像常被用来装饰罗马的浴场、体育馆或贵族花园，既体现了罗马人对希腊文化的推崇，也反映了当时社会对健康体魄的崇尚。

这件作品曾被18世纪的英国收藏家亨利·布伦德尔收藏，后入藏利物浦国家博物馆，是古典雕塑收藏史上的重要作品。

这是一组古罗马大理石女性胸像，全部来自英国利物浦国家博物馆收藏，每一尊都代表了不同时期的罗马贵族女性形象与审美风格。

左侧胸像：罗马共和国晚期贵族女性胸像（公元前1世纪-公元1世纪）

典型的罗马写实主义肖像，面部没有任何美化，深刻的皱纹、紧绷的嘴角都被真实还原，这种风格源自罗马贵族的“祖先崇拜”传统，肖像的真实性比美更重要。

她的发型是当时贵族女性的高发髻样式，这种复杂的盘发是罗马女性身份与财富的象征。

中间胸像：罗马帝国中期贵族女性胸像（公元2世纪）

融合了希腊化的理想化审美，面部线条柔和，眼神带有一种沉静的气质，是罗马帝国时期贵族女性肖像的典型风格。

她披裹的长袍褶皱雕刻细腻，布料的垂坠感和层次感被表现得淋漓尽致，展现了罗马雕塑高超的技艺。

中分的盘发是当时的流行样式，常见于贵族女性甚至皇后（比如福斯蒂娜皇后）的肖像中。

右侧胸像：戴发带的年轻女性胸像（公元1-2世纪）

带有明显的希腊化影响，面部柔和、眼神温柔，发带（头环）是古希腊女神或贵族少女的常见装饰，体现了罗马帝国时期对希腊文化的继承。

这组胸像合在一起，就是一部浓缩的古罗马女性肖像风格演变史：从共和国时期的“写实至上”，到帝国时期融合希腊审美的“理想化贵族形象”，每一尊都记录了当时的社会风尚与审美变化。

这是古罗马双面大理石胸像（双头赫尔墨斯像/Janiform Herm），来自英国利物浦国家博物馆收藏，是一件非常特殊的古罗马雕塑。

公元70-110年（罗马帝国弗拉维王朝至图拉真时期）

它是一尊背对背双面胸像，两面各刻有一位古罗马男性的肖像，这种形式被称为“Janiform（雅努斯式）”，源自罗马双面神雅努斯（Janus）的形象。

面向我们的这一面，是一位古罗马贵族男性的写实肖像，面部布满皱纹、表情严肃，是罗马共和国晚期到帝国早期肖像“不加美化、还原真实”的典型风格。

“双面”的含义：这种双头胸像有几种可能的含义：作为罗马门神雅努斯的象征，代表“过去与未来”“开端与终结”的双重性；可能是两位关系密切的贵族（如父子、兄弟）的肖像组合；也可能是后世修复时，将两件不同的古代肖像拼接而成的“二次创作”。

根据馆藏记录，这件作品并非“原生”的双面像，而是后世修复时，将一件男性肖像和一件女性肖像拼接而成的“二次创作”，也被称为“被修复成双面赫尔墨斯柱的男性肖像”。

这类胸像常被用作园林、公共建筑的装饰，或是贵族家族的纪念性雕塑，展现了古罗马雕塑高超的写实技艺和独特的文化符号。

这尊是古罗马时期的大理石群雕《萨蒂尔和赫马佛洛狄忒斯》，来自英国利物浦国家博物馆收藏。

公元2世纪（罗马帝国时期），是对古希腊原作的复刻版本

搏斗的双方是萨蒂尔（Satyr，半人半羊的森林之神，代表酒神狄俄尼索斯的狂欢与欲望）与赫马佛洛狄忒斯（Hermaphroditus，爱神阿芙洛狄忒与赫尔墨斯的双性孩子，兼具两性特征）。

这个充满张力的搏斗场景，在古罗马非常受欢迎，常被用来装饰别墅、花园或剧院，象征着酒神文化的狂欢与生命的张力。

雕像的肢体纠缠、肌肉线条的张力都被刻画得淋漓尽致，展现了古罗马雕塑对人体动态与情感的高超表现力。

这件作品在后世有过修复，基座是18世纪添加的，而雕像的核心部分是公元2世纪的原作。

这类神话主题雕塑，既体现了罗马人对希腊神话的继承，也反映了当时贵族对享乐主义与自然之美的推崇。

这尊是古罗马风格的萨蒂尔（Satyr）大理石胸像，来自英国利物浦国家博物馆的收藏。

头部为古罗马时期原作（公元2世纪左右），胸像部分是18世纪修复时添加的

神话中的萨蒂尔（羊人/森林之神），酒神狄俄尼索斯的随从，象征着狂欢、自然与生命力。

夸张的笑容、张开的嘴和活泼的眼神，是萨蒂尔的典型形象，体现了酒神文化的狂欢气质。

卷发中原本有小角（部分已修复/缺失），耳朵也带有萨蒂尔特有的尖耳特征，这些细节都在暗示他的神话身份。

这件作品在18世纪被修复，将古代的萨蒂尔头部与新的大理石胸像拼接在一起，是当时西方古典文物收藏中常见的“重塑”方式。

萨蒂尔是古罗马艺术中非常受欢迎的主题，这类雕像常被用来装饰贵族的别墅、花园，象征着享乐主义与自然之美，也是对古希腊酒神文化的继承与演绎。

这是古罗马时期的大理石西勒诺斯（Silenus）胸像，自英国利物浦国家博物馆收藏。

公元2世纪（罗马帝国时期）

西勒诺斯，希腊罗马神话中酒神狄俄尼索斯（罗马称巴克斯）的养父与老师，也是酒神狂欢的象征。

头顶的葡萄串是他最直接的身份标识，葡萄、酒壶、驴等都是他的经典象征物，与酒神文化紧密相关。

他大张着嘴，仿佛在歌唱或呼喊，浓密卷曲的胡须和满脸皱纹，塑造出一位醉态可掬、充满生命力的老者形象，这是西勒诺斯的经典表现形式。

西勒诺斯的形象在古罗马非常流行，这类雕像常被用来装饰贵族别墅、花园或浴场，象征着酒神的狂欢、自然的生命力与享乐主义精神。

这尊雕像是公元2世纪古罗马时期的大理石《宁芙头像》（Head of a Nymph）。

宁芙（Nymph）：是希腊罗马神话中居住在森林、河流、山脉等自然环境里的年轻仙女/精灵，是自然生命力的化身，常作为酒神狄俄尼索斯的随从，出现在狂欢、狩猎等场景中。

这尊头像可能源自雕塑作品《邀舞》（Invitation to the Dance），原作描绘了一位演奏铙钹的萨蒂尔，与一位回眸微笑的宁芙互动的场景，这尊头像就是那位宁芙的部分。

脸上的“古风式微笑”是宁芙雕像的典型特征，柔和的面部线条与愉悦的神态，完美体现了神话中自然精灵的灵动与温柔气质。

卷曲的短发是古罗马时期表现宁芙的常见样式，象征着她们与自然的亲近关系。

这件作品的胸像部分为后世修复拼接，头部是公元2世纪的古罗马原作。

这是阿斯克勒庇俄斯（Asclepius，也译作埃斯库拉庇乌斯）的大理石雕像，他是古希腊罗马神话中的医神。

这是一件古罗马时期的大理石雕像（约公元1-2世纪），属于典型的“神明立像”范式。

他的标志性形象是蓄着胡须的成熟男子，袒露上半身，下半身披裹长袍，手持缠绕着蛇的权杖——这根蛇杖正是医学的象征（也就是现代医学标志的原型）。

阿斯克勒庇俄斯在神话中是太阳神阿波罗之子，掌管医疗、治愈与健康，因此他的形象通常被塑造得庄重而充满力量，象征着治愈与生命的力量。

阿斯克勒庇俄斯的蛇杖，和赫尔墨斯的双蛇杖（商神杖） 经常被混淆。真正的医学标志是单蛇缠绕的阿斯克勒庇俄斯之杖，而双蛇杖更多和商业、信使相关。

这是沉睡的维纳斯（也译作《沉睡的阿佛洛狄忒》） 大理石雕像，是古罗马时期复刻古希腊风格的经典作品。

她是古希腊神话中的阿佛洛狄忒（罗马称维纳斯），爱与美之神，也是生命与繁衍的象征。背景的诗句正是古罗马哲学家卢克莱修对她的赞颂，呼应了她“生命的给予者”的神性。

雕像以躺卧的姿态呈现女神沉睡的状态，身体线条柔和舒展，肌肤质感被大理石完美还原，下半身的布料褶皱自然垂落，展现了古罗马雕塑对人体美与动态的高超表现力。

这种“沉睡的维纳斯”题材，是古希腊晚期就流行的经典母题，强调女神的柔美与静谧之美。

这件作品是“绝美之境”等古罗马特展中的重要展品，和庞贝、赫库兰尼姆出土的文物一同展出，展现了古罗马人对神话与美的崇拜。

“沉睡的维纳斯”是西方艺术史上的经典题材，除了雕塑，后来文艺复兴时期的画家乔尔乔内、提香也创作了同名油画，延续了这种柔美、静谧的女神形象，成为西方艺术中“理想女性美”的经典符号。

这是阿芙洛狄忒（维纳斯）躯干像，属于古罗马时期复刻古希腊风格的大理石残件。

这件残件表现的是爱与美之神阿芙洛狄忒（罗马称维纳斯）的下半身躯干，属于典型的“全裸女神”题材。古希腊罗马雕塑中，维纳斯的躯干常以柔美的曲线、饱满的腹部与臀部来展现女性的丰腴之美，这件作品完美还原了这种质感，连肚脐周围的肌肉起伏都刻画得细腻入微。

它是古罗马时期（约公元1-2世纪）的大理石作品，复刻了古希腊晚期的雕塑范式，这类躯干像通常是大型雕像的一部分，后来因年代久远损毁，仅保留了躯干部分。

这种“躯干残件”在西方古典雕塑中非常常见，古罗马人复刻了大量古希腊雕塑，许多作品因地震、战争等损毁，仅留下躯干部分。这些残件反而让后世更聚焦于人体本身的线条与结构美，成为一种独特的审美对象。

《年轻运动员雕像》

公元1-2世纪，大理石材质，属于古罗马时期的作品。

形象的多重可能性：

1. 真实的运动员：古希腊时期，这类完美的裸体青年形象，最初是用来纪念奥林匹克竞技会的胜利者。古罗马时期复刻这类作品，既表达了对古希腊竞技精神的推崇，也作为公共装饰。

2. 神话人物：也可能是神话中的美少年：

那喀索斯：因爱上自己水中倒影而化作水仙花的美少年，常被塑造成体态俊美的形象。

阿多尼斯：春季植物之神，以绝美的容貌著称，也是古典雕塑中常见的美男子题材。

这类雕像在古罗马被大量复制，不再局限于纪念竞技胜利者，而是被广泛用于装饰浴场、体育馆、贵族花园等场所，象征着力量、美与健康。

这是一尊古罗马时期（公元1-2世纪）的大理石女性头像。

她有着典型的古希腊罗马女神/贵族女性的理想化容貌：杏仁形的眼睛、柔和的唇线、对称的面部比例。最具辨识度的是她的发型：前额的卷发呈整齐的圆环状排列，两侧的长发垂至胸前，这是古希腊爱与美之神阿佛洛狄忒（罗马称维纳斯）的经典发型范式，也可能是模仿当时贵族女性的流行发式。

这尊头像是古罗马对古希腊雕塑传统的继承，这类作品常被用来表现女神（如维纳斯、赫拉）或理想化的女性形象，体现了古罗马人对古希腊美学的推崇。

这种“前额环状卷发+两侧垂发”的发型，被称为“阿佛洛狄忒式发型”，是古希腊罗马艺术中女性美的标志之一。它不仅出现在雕塑中，也常见于庞贝出土的壁画和贵族女性的肖像里，代表着当时最主流的审美。

这是一尊古罗马时期（公元1-2世纪）的大理石女性胸像。

她的面部线条柔和，五官比例遵循古希腊“理想化女性美”的范式，是典型的古罗马时期女性肖像风格。最具辨识度的是她的发型：额前是层叠的波浪卷发，脑后的长发束起，这是公元1-2世纪罗马贵族女性（尤其是皇室成员）非常流行的发式，也常被用来表现维纳斯、朱诺等女神。

这类胸像的身份通常有两种可能：

- 贵族女性肖像：可能是罗马帝国时期的皇室女性（如皇后、公主），或是富有的贵族女性，展现了当时上层阶级的审美与身份地位。

- 女神像：也可能是维纳斯（阿佛洛狄忒）、赫拉（朱诺）等女神的形象，是古罗马对古希腊女神雕塑的复刻与演绎。

古罗马的女性胸像，不仅是艺术品，也是当时社会地位与身份的象征。贵族女性的发型、服饰，都会被雕塑精准还原，甚至可以通过发型的细节，大致推断出她所处的时代。比如这种层叠的波浪卷发，就是公元1-2世纪罗马帝国中期最主流的“宫廷风”发式。

这是一尊古罗马帝国时期（公元1世纪末-2世纪初）的大理石女性贵族胸像。

这种层层堆叠、呈蜂窝/爆炸状的卷发，是公元1世纪末到2世纪初罗马贵族女性最流行的宫廷发式。当时的罗马女性会用金属发针、假发片打造这种复杂造型，用来彰显身份与时尚品味，也被称为“蜂巢发型”。

她大概率是罗马皇室或上层贵族女性的肖像，这类胸像会精准还原人物的面部特征与当时的流行发式，是古罗马肖像雕塑的典型代表。

也有学者推测，这类发型的女性胸像有时会被用来表现维纳斯、朱诺等女神，或是贵族女性被神化后的形象。

这种“爆炸头”发型在当时造价不菲，需要大量假发和手工打造，只有贵族女性才能负担得起。考古学家甚至可以通过这种发型的细节，精准推断出雕像制作的年代，是研究古罗马时尚史的重要依据。

这是一尊古罗马时期（公元1-2世纪）复刻古希腊风格的大理石男性躯干残像。

它是典型的古希腊罗马理想化男性躯干，复刻了古希腊古典时期的人体美学范式。这类躯干像通常是大型裸体男性雕像的一部分，原型可能是运动员、神祇（如阿波罗、赫拉克勒斯）或理想化的青年形象。

古罗马人会大量复刻古希腊雕塑，用于装饰浴场、体育馆或贵族花园，象征力量、健康与美。

躯干的肌肉塑造极为细腻：胸部、腹部的肌肉线条柔和又充满张力，肚脐周围的起伏、腹部的脂肪与肌肉过渡都刻画得自然真实，体现了古希腊雕塑对人体解剖的精准理解。

虽然雕像已残缺，但仅存的躯干依然展现出古典雕塑的“对立平衡”（Contrapposto）姿态的痕迹，重心偏移带来的微妙扭转，让静态的大理石充满了生命力。

在文艺复兴时期，这类古希腊罗马躯干残件曾深深影响了米开朗基罗等大师，他们从这些残缺的躯体中汲取灵感，创作了《大卫》等传世名作。残缺的躯干反而让后世艺术家更聚焦于人体本身的结构与美，成为西方艺术史上的“灵感缪斯”。

这是一件古希腊古风时期（Archaic Period，约公元前6世纪末至前5世纪初）的大理石浮雕，刻画了一位坐姿男性形象，属于典型的古风艺术风格作品。

约公元前6世纪末-前5世纪初（古风晚期），白色大理石雕刻，这类作品常见于古希腊的墓碑（stele）或神庙献纳浮雕。

人物采用侧面坐姿，是古风时期表现神、贵族或死者的常见范式；保留了古风时期典型的“古风式微笑”（Archaic smile），是这一时期雕塑的标志性特征；顶部的孔洞是用于悬挂或固定在建筑/纪念碑上的结构，也说明它原本是一件独立的装饰性浮雕板。

这种坐姿男性形象，通常可能是：一位被纪念的贵族/死者（墓碑浮雕）；或是一位神祇（如宙斯、波塞冬等奥林匹斯主神，常以坐姿表现其权威）。

古风时期的希腊雕塑，正处于从“东方化风格”向古典时期过渡的阶段，人物姿态仍带有程式化特征，但人体比例和动态已开始向自然写实发展。这件浮雕简洁的造型、流畅的衣纹和理想化的面部特征，都完美体现了这一时期的艺术特点。

这是一块公元1世纪的古罗马壁画板（Wall painting panel），描绘的是酒神狄俄尼索斯的随从——萨蒂尔（Satyrs，半人半羊的精灵）与一名女子相拥的场景，这类爱情与狂欢主题，是当时罗马别墅墙壁装饰的常见题材。

萨蒂尔是酒神狄俄尼索斯的标志性随从，他们半人半羊、嗜酒纵欲，代表着原始的欲望与自然活力。在罗马艺术中，他们常与宁芙（自然女神）或凡人女子一同出现，展现酒神狂欢中不受约束的爱情与享乐场景。

公元1世纪的罗马帝国，贵族别墅的墙壁装饰极为盛行这类酒神主题壁画：它们不只是装饰，更象征着主人对田园生活、自由享乐的向往；庞贝、赫库兰尼姆古城出土的大量同类壁画，也证明了这类题材在当时的普及度。

这类作品通常绘制在石膏或石灰泥墙面的预制板上，可直接嵌入别墅墙壁，兼具装饰性与实用性，是罗马第二或第三风格壁画的典型形式之一。

这是一块古罗马时期的卵石马赛克地板残件，是早期马赛克艺术的典型代表。

它由天然鹅卵石（河卵石）直接拼贴而成，没有经过精细切割，保留了石子的天然形状与质感，是马赛克艺术最原始的形式之一。

工匠仅利用石子本身的深浅色泽（深灰、浅褐、米白）来勾勒图案，通过色彩对比形成清晰的轮廓与层次。

图案中心是典型的涡卷/卷草纹（Guilloche），这种对称的几何卷草纹是古希腊罗马装饰中极为常见的母题，象征着秩序、永恒与繁荣。

图案的对称性和重复韵律感，也符合当时建筑装饰对和谐与秩序的审美追求。

这类卵石马赛克流行于古希腊晚期至古罗马早期（公元前4世纪至公元1世纪），常用于别墅、公共建筑的地面铺装，兼具实用性（耐磨防滑）与装饰性。

它是后来“切割石片马赛克（tessellated mosaic）”的前身，后者通过切割小方块石片实现了更复杂的叙事性图案（如庞贝的《亚历山大马赛克》）。

卵石马赛克（Pebble mosaic）最早起源于古希腊，工匠们利用河床上随处可见的石子，在泥灰地面上拼出图案，成本低且效果耐用。

随着技术发展，古罗马人发明了切割石片（tesserae）的工艺，让马赛克可以表现出更丰富的色彩、光影和叙事场景，最终发展成罗马帝国最具代表性的艺术形式之一。

这是罗马帝国戴克里先浴场（Thermae Diocletiani）的复原剖面图，它生动还原了这座古罗马规模最大的公共浴场的内部盛况与建筑细节。

戴克里先浴场建于公元298–306年，由马克西米安皇帝下令修建，以共治皇帝戴克里先命名，是罗马帝国规模最大的公共浴场，可同时容纳约3000–3600人洗浴。

浴场功能远超单纯洗浴，是集社交、运动、休闲、文化活动于一体的城市公共中心，直到公元6世纪因供水设施被破坏而逐渐废弃。

主体建筑长约240米、宽148米，占地超13公顷。剖面图中可见的巨大拱顶与柱廊，正是古罗马建筑技术的巅峰体现——十字拱、筒拱结构实现了无柱大跨度空间，为浴场营造出宏伟开阔的内部环境。

浴场严格遵循罗马浴场的经典布局，剖面图中清晰呈现了：左侧的冷水池（Natatio）：露天大型泳池，供人进行冷水浴与游泳活动；中间的温水浴室（Tepidarium）与热水浴室（Caldarium）：通过火炕式供暖系统（Hypocaust）加热，内部装饰着大理石墙面、马赛克地面与壁画；周围的庭院、健身房与社交空间：图中可见大量人群活动，还原了浴场作为社交中心的热闹场景。

墙面的彩色大理石镶嵌、穹顶的精美马赛克壁画、柱廊间的雕像，都体现了古罗马贵族对公共建筑奢华装饰的极致追求。

浴场的部分建筑在文艺复兴时期被改造，米开朗基罗利用其温水浴室的主体结构，设计了圣天使与殉道者圣母大教堂（Santa Maria degli Angeli e dei Martiri），保留了原浴场的拱顶与部分墙体。

戴克里先浴场的供暖系统（Hypocaust）是古罗马工程的一大创举：地下设置火炕，通过热空气循环加热地板与墙面，再通过烟道将热量输送到各个浴室，让整个浴场在寒冷季节也能保持温暖，这一技术在当时领先了世界数百年。

如今，浴场遗址成为罗马国家博物馆的一部分，是了解古罗马公共生活与建筑技术的重要窗口。

这是一幅描绘罗马帝国时代贵族宴会场景的复原插画，生动还原了古罗马贵族生活的典型样貌。

画中展现的是古罗马贵族典型的户外宴会场景，这种宴会不只是吃饭，更是贵族阶层社交、政治、文化交流的核心场合。

画中的贵族们斜躺在卧榻（lectus）上用餐，这是古罗马贵族的标志性习俗，只有奴隶、平民或女性才会坐着吃饭，卧姿被视为身份与特权的象征。

画面左侧的乐师正在演奏乐器（类似里拉琴与双管笛），宴会中通常会搭配音乐、舞蹈甚至诗歌朗诵，烘托氛围。

场景设置在带有葡萄藤架、喷泉和花园装饰的别墅露台，背景的红色墙面、壁画和雕像，都体现了古罗马贵族对精致生活与奢华装饰的追求。

古罗马贵族宴会远不止饮食本身：

贵族们通过宴会巩固同盟、洽谈事务，甚至决定政治走向。

宴会中会邀请诗人、哲学家进行演讲，或是进行文学辩论，是当时重要的文化交流平台。

宴会的规模、菜肴的丰盛度、宾客的身份，都是贵族展示财富与地位的方式。

画中服务的仆人穿着朴素的短衣，与贵族宽松的长袍（toga）形成鲜明对比，体现了古罗马严格的社会等级。

喷泉与花园的布置，反映了古罗马别墅（Villa）中“户外用餐区”（triclinium）的设计，贵族常选择在庭院、露台中用餐，享受自然与精致景观。

古罗马贵族宴会的菜肴极为奢华，常见的包括孔雀、鸵鸟、睡鼠等珍奇食材，甚至会搭配昂贵的香料与调味酱（如著名的鱼露garum）。而普通平民的饮食则以面包、豆类、蔬菜为主，这种饮食上的巨大差异，正是罗马帝国阶层分化的缩影。

这是一组古罗马玻璃器，它们是罗马帝国玻璃工艺的实物见证。

这些器物主要来自公元1-5世纪，覆盖了罗马帝国的鼎盛时期。当时玻璃器不仅用于日常饮食，也会作为随葬品出现在贵族墓葬中，象征着死者生前的财富与生活方式。

这组玻璃器包含多种器型，功能各有不同：带棱纹的水瓶、双颈瓶，用于储存或饮用酒水、油类；透明烧杯、玻璃杯，日常餐饮器具；玻璃盘，盛放食物或作为装饰；中央的小型圆牌，可能是带有金箔装饰的玻璃饰件，这类工艺在罗马贵族中非常流行。

公元前1世纪左右，罗马工匠发明了玻璃吹制技术，取代了此前的铸造法，让玻璃器的生产效率大幅提升，造型也变得丰富多样。

这些玻璃器多采用钠钙玻璃制作，经过吹制、打磨、装饰等多道工序，呈现出半透明的质感与柔和的色泽，部分器物带有棱纹、刻线或金箔装饰，是当时贵族阶层的奢侈品。

玻璃器在罗马帝国时期从稀有工艺品变成了普及的生活用品，既反映了罗马的工艺水平，也体现了帝国贸易与文化交流的繁荣（玻璃原料与技术多来自叙利亚、埃及等地）。

古罗马玻璃工艺的影响延续至今，现代玻璃吹制技术的基础就源于罗马工匠的发明，而当时的金箔玻璃、浮雕玻璃等装饰工艺，也成为后世玻璃艺术的灵感来源。

这是一件古罗马帝国时期的青铜带座油灯，也是当时贵族家庭的典型照明器具。

它由灯盏和灯座两部分组成：灯盏带有天鹅/鸟首造型的弯曲把手，主体为储油槽，前端是灯芯口，造型是古罗马油灯的经典样式。灯座带三足（狮爪形）底座，柱身有分段式装饰，中间还有一个接油盘，设计兼具稳定性与实用性，可防止油滴洒落。

灯座的狮爪足是古罗马家具与器物的常见装饰元素，象征力量与权威。

灯盏把手的鸟形设计，既方便握持，也带有一定的装饰性，体现了古罗马人对动物题材的偏爱。

这是古罗马家庭的主要照明工具，以橄榄油为燃料，灯芯为麻线或棉线。

青铜材质和精致的工艺，说明它属于贵族阶层使用的器物，这类油灯不仅是实用工具，也常作为社交场合的陈设品。

类似的油灯大量出土于庞贝、赫库兰尼姆等古罗马遗址，是研究古罗马日常生活的重要实物。

这是一件古罗马时期的陶土油灯，是当时平民家庭广泛使用的照明器具，也是古罗马日常生活与宗教文化的缩影。

它由陶土烧制而成，主体呈经典的“鱼形/水滴形”轮廓：前端的小孔是灯芯口，中间的圆孔是注油口，上方的把手方便握持或悬挂。

这类油灯以橄榄油为燃料，点燃后能持续照明数小时，是古罗马最普及的照明工具，从平民住宅到公共浴场、神庙都能见到。

灯盘中央的浮雕是这件油灯的核心亮点：图案刻画了一位身着长袍的人物形象，大概率是古罗马神话中的神祇（如酒神狄俄尼索斯、爱神维纳斯，或是家庭保护神）。

边缘的几何纹饰与植物纹，是罗马陶灯常见的装饰手法。这类带有宗教题材的油灯，常被用作日常祈福，或是随葬品，寄托了对死者来世的祝福。

古罗马陶油灯的设计非常实用，扁平的造型和把手设计让它可以稳定放置在桌面上，也可以挂在墙上，适配当时不同的居住环境。

陶土油灯是古罗马最“接地气”的文物之一，它造价低廉、易于量产，反映了罗马帝国时期照明工具的普及化。

这类油灯的浮雕图案也是研究古罗马民间信仰的重要资料，不同地区、不同时期的油灯，会流行不同的神祇或世俗场景，是当时社会文化的直观体现。

在庞贝古城遗址中，考古学家曾在许多平民住宅的角落、神庙的祭坛边，都发现了大量类似的陶油灯。

这是一件古希腊红绘双柄陶制勒坎尼斯陶盘（Lekanis），约公元前4世纪制作。

勒坎尼斯（Lekanis）是古希腊特有的带盖浅陶盘，带两个把手，是贵族女性用于存放化妆品、珠宝或香膏的器具，也常作为婚礼嫁妆或随葬品，是当时女性生活的重要器物。

它采用古希腊晚期的红绘技法：以黑色釉为底，保留陶土的天然红色绘制人物，细节处用白色、黄色颜料点缀，与你之前了解的黑绘技法形成鲜明对比。

这种技法在公元前5-4世纪的南意大利（阿普利亚地区）尤为流行，这件陶盘正是典型的阿普利亚红绘陶器。

陶盘盖上的图案描绘了古希腊神话场景：中央是带翅膀的小爱神厄洛斯（Eros），他手持礼物，正飞向两侧的女性形象；画面中的女性围坐在水盆旁，是古希腊女性日常梳妆、沐浴的场景；这类题材反映了古希腊人对爱与美、女性生活的描绘，也是当时贵族审美与文化的体现。

勒坎尼斯陶盘不仅是实用器，也是古希腊陶器工艺的“展示窗口”，工匠们会在盖子上绘制神话故事或世俗场景，让器物兼具实用性与艺术性。这类陶器后来通过贸易流入罗马，也影响了罗马本土的陶瓷审美。

这两件是古罗马帝国时期的玻璃双筒瓶（也被称为“油醋瓶”或香水瓶），是罗马玻璃工艺的代表性器物，也是当时女性生活的重要用品。

这类瓶子被称为“Dilecythos”或双体瓶，瓶身由两个相连的筒状腔体组成，分别用来盛放两种不同的液体，常见用途是装香水、香油，或是化妆品原料，也被俗称为“油醋瓶”（用来装橄榄油和醋）。

左侧的无柄款和右侧的带提手款，是当时两种主流的双筒瓶样式，右侧的提手设计方便携带，常被用于外出或沐浴时使用。

采用罗马帝国时期成熟的玻璃吹制技术制作，瓶身由两个独立吹制的玻璃管拼接而成，边缘的波浪纹和线圈装饰，是当时流行的玻璃“缠丝”工艺。

瓶身呈现的淡绿色是天然玻璃原料的颜色，表面的斑驳痕迹和虹彩光泽，是埋藏千年形成的风化层，也叫“玻璃锈”。

这类玻璃器主要流行于公元2-4世纪，制作中心多在叙利亚、埃及等东地中海地区，再通过贸易流入罗马本土。

它们是古罗马贵族女性的必备用品，用来盛放昂贵的香水、香膏，或是眼部化妆品原料，也常作为随葬品，象征死者生前的精致生活。

古罗马人对香水和香膏的痴迷程度很高，甚至会在公共浴场、宴会中使用，这类小巧便携的双筒瓶，正是为了满足他们随时使用香氛的需求而设计的。

这两件是古罗马帝国时期的长颈玻璃香水瓶（也叫“泪瓶”或“细颈瓶”），是罗马玻璃工艺的经典器型。

这类细颈瓶的设计，是为了储存昂贵的香水、香油或香膏，细长的瓶颈可以减少液体挥发，让香气留存更久。

它们也常被称为“泪瓶”，传说古罗马人会用这类瓶子收集亲人的眼泪，作为情感的寄托，随死者一同下葬，不过这一说法更多是后世浪漫化的解读，主流观点仍认为其主要用途是盛装香氛与化妆品。

瓶身采用古罗马成熟的玻璃吹制技术一次成型，细长的瓶颈与圆润的瓶身，体现了当时工匠高超的吹制与塑形技巧。

瓶身呈现的淡绿色调，是古罗马玻璃常见的天然颜色，由原料中的铁元素杂质形成；表面的斑驳痕迹，是埋藏千年形成的风化层（“玻璃锈”），反而赋予了器物独特的质感。

这类玻璃器流行于公元1-4世纪，制作中心多在东地中海的叙利亚、埃及地区，再通过贸易传入罗马本土，是贵族阶层的奢侈品。

它们不仅是日常用品，也是罗马玻璃工艺的代表，吹制技术的普及让玻璃器从稀有工艺品变成了贵族生活中不可或缺的一部分。

这是上海世博会博物馆举办的《罗马 罗马：从奥林匹斯到卡皮托利》古罗马艺术大展的出口装置。

中心的白色结构是罗马斗兽场的简化模型，标志性的拱券造型直接点明了古罗马建筑的核心元素，也是整个展览的视觉符号。

两侧的红色奔马雕塑，灵感源自古罗马神话与建筑装饰，呼应了罗马文明的艺术语言，也为展览增添了现代艺术氛围，是热门的打卡点。

从《罗马 罗马》展馆出来，旁边临时馆正在举办《美美与共：集——第60届威尼斯国际艺术双年展中国国家馆作品展（上海站）》，我们顺道去看了一下。

威尼斯国际艺术双年展被誉为“艺术界的奥林匹克”，第60届中国国家馆的主题是“美美与共：集”，上海站是国内巡展的收官之站，由世博会博物馆与浙江大学共同主办。

“集”板块：通过“中国历代绘画大系”项目，以数字化形式呈现散落海外的中国古代绘画珍品，展现文化的数字回归。

“传”板块：邀请7位当代艺术家创作装置、影像、雕塑等作品，回应传统、探索文化的多元表达，还原威尼斯现场的核心展项。

它让上海观众足不出户就能体验顶级国际艺术盛事，同时以“文化汇聚与对话”为核心，呈现中国文化的国际表达与古今传承。

这是元代赵孟頫、赵雍、赵麟祖孙三代合作的《赵氏三世人马图卷》，现收藏于美国大都会艺术博物馆，也是中国书画史上极为罕见的家族传承合璧之作。

这是一卷纸本设色长卷，纵30.2厘米，横178.1厘米，由赵孟頫、其子赵雍、其孙赵麟三人分别绘制的人马图拼接而成，每段画作都有各自的题识与钤印。

赵孟頫绘：淡墨白描牵马图，线条圆转温润，尽显“书画同源”的文人意趣，题款为“元贞二年正月十日作人马图，以奉飞卿廉访清玩。吴兴赵孟頫题”。

赵雍绘：设色斑点马与牵马人，笔力刚劲，造型俊朗，体现了元代中后期鞍马画的新变。

赵麟绘：白描胡人牵马，线条秀逸，神态温婉，延续了家族的绘画传统，也带有元代晚期的审美特征。

这卷画不仅是鞍马画的精品，更记录了赵氏三代的艺术传承：从赵孟頫的复古文人画，到赵雍的刚健俊朗，再到赵麟的秀逸温婉，三代人的笔意与审美在同一卷中清晰呈现，是元代家族艺术传承的缩影。

鞍马画是赵孟頫的代表题材之一，他以“古意”革新了宋代院体鞍马画，将文人笔墨与写实造型结合，影响了后世数百年的鞍马画创作。

这卷画曾是圆明园旧藏，后流失海外，最终由收藏家John M. Crawford Jr.捐赠给大都会艺术博物馆，成为研究元代绘画与家族传承的重要实物。

这是清代画家王翚的《仿古山水图（十开）》册页，现收藏于美国大都会艺术博物馆，也是清初“四王”画派仿古山水的代表作之一。

王翚（1632—1717），号石谷，是清初“四王”之一，被誉为“清初画圣”。他以“集大成”的仿古山水闻名，这套册页正是他早年精研宋元名家的经典之作，创作于1674-1677年间。

这套册页共十开，纸本水墨/设色，每开尺寸约22×33.8厘米，分别仿宋元名家的山水笔意，包括董源、巨然、黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇等，展现了王翚对传统山水技法的全面掌握。

画面风格多样：有的以淡墨渲染表现平远山水，有的用浓墨重彩勾勒峰峦，还有的以留白和枯笔营造寒林雪景，体现了“仿古”并非简单模仿，而是对古人笔墨语言的再创造。

王翚在这套册页中，将宋元诸家的笔墨精髓融会贯通，形成了自己“以元人笔墨，运宋人丘壑，而泽以唐人气韵”的风格，是清代仿古山水画的典范。

作为大都会艺术博物馆的重要藏品，它也是海外研究清初山水画的重要实物，见证了中国传统山水画在清代的传承与发展。

这套册页还有两开是王翚的恩师王时敏所绘，师徒二人的作品合为十二开，既是仿古山水的教科书，也是清初画派传承的珍贵见证。

这是艺术家邱振中的雕塑作品《状态》系列，也是第60届威尼斯国际艺术双年展中国国家馆“美美与共：集”展的核心作品之一。

这件作品以“造园”为题眼，将中国书法的线条与抽象性进行三维立体化呈现，是对传统绘画中山水、假山、奇松意象的当代转译。它的线条像从书法墨迹里生长出来的藤蔓，在空间中交织缠绕，构建出一个可以被“穿行”的新型“园林”。

作品用黑色金属材料打造，线条的扭转、开合、流动，既像狂草书法的笔势，又像假山石的嶙峋与松枝的虬曲。光影在交错的线条间投射出变化的阴影，让静态的雕塑充满动态的韵律感，呼应了“状态”这个主题——捕捉线条在运动中瞬间凝固的张力。

这件作品原本是威尼斯双年展中国馆的户外装置，在上海站被移入室内展出，和同系列的另一件雕塑一起，构成了展览中以“书法-造园”为线索的重要板块，体现了中国传统艺术语言在当代语境下的创新表达。

这是艺术家焦兴涛的《魂·韵》系列雕塑作品，也是第60届威尼斯国际艺术双年展中国国家馆的参展作品。

这组作品以中国传统雕塑、绘画中的经典形象为原型，包括武将、文人、观音、反弹琵琶等我们熟悉的古典意象。

艺术家没有采用传统的石雕或木雕，而是用工业废铜、铁皮边角料直接焊接成型，让冰冷的金属碎片，在焊接与敲打中，重新“生长”出古典造像的气韵与姿态。

这些雕塑由不规则的金属片、铜条拼接而成，没有传统造像的光滑表面，反而带着金属的粗糙质感与焊接痕迹。

但正是这些碎片，精准地捕捉了人物的动态与神韵——武将的威严、文人的儒雅、观音的慈悲，在破碎的金属语言中依然清晰可辨，实现了“形散而神不散”的东方美学表达。

作品创作始于1999年，新版于2024年完成，这次是它在威尼斯双年展的首次亮相，上海站是国内巡展的收官。

生锈的金属材料，既是工业化进程的物质遗存，也象征着传统美学在现代语境下的“重生”，呼应了展览“美美与共”的主题，实现了东方传统与当代雕塑语言的对话。

这组作品在威尼斯双年展现场，是缓慢旋转展出的，观众可以从360度感受金属光影在碎片间流动的效果，尽显东方艺术的“气韵生动”。

一次驻足，便是一场跨越千年的相遇。走进《罗马 罗马》特展，仿佛踏入时光长廊，与遥远的古罗马文明静静相逢。百余件文物在灯光下沉默伫立，以大理石的纹理、玻璃的光泽、陶器的纹路，缓缓诉说着一段辉煌而厚重的岁月。

走出展厅，内心依旧沉静而充实。这场与古老文明的对话，既是一次视觉的游历，也是一场心灵的洗礼。它让人们在回望历史中学会敬畏，在感受美好中保持热忱，以更开阔的心境面对当下，奔赴未来。

回家时在地铁13号线入口看到标志性打卡墙，展示了历届世博会的中国相关吉祥物，它们从左到右分别是：

1. “智立方”（2019年北京世园会吉祥物）：橙色的机器人形象，象征科技与未来，呼应了世园会的创新主题。

2. “鹿鸣”（2010年上海世博会安徽馆吉祥物）：以梅花鹿为原型，传递出东方自然与人文的和谐之美。

3. “海宝”（2010年上海世博会吉祥物）：以汉字“人”为创意核心，蓝色造型像一滴水，寓意上善若水，是中国最广为人知的世博会吉祥物。

4. “阳光精灵”（2019年北京世园会国际竹藤组织馆吉祥物）：由水果和植物组成，象征自然、丰收与生态，呼应了“绿色生活”的理念。

墙上的霓虹灯图案，也勾勒出了历届世博会的标志性建筑轮廓，比如中国馆、东方明珠等，整体氛围活泼又充满纪念意义。