清华大学艺术博物馆之玻璃应力：现代艺术演变在威尼斯

恬静安逸

玻璃作为兼具物质性与精神性的媒介，在中意两国文明的发展进程中均占据着独特而重要的位置。中国古代玻璃体现出东方文明在材料运用、工艺体系与审美观念上的连续性；意大利威尼斯玻璃则以其卓越的技艺传统与世界声誉，成为西方玻璃艺术体系中最具影响力的源泉之一。自19世纪末以来，伴随现代主义的兴起，艺术逐渐摆脱了以再现现实为核心的传统范式，转而成为对感知、媒介与艺术本体的持续反思。玻璃作为艺术媒介，构成了一种独特的“物质语法”。这种语法不仅影响作品的物理形态，更深度参与意义的生成，使玻璃成为观念形成过程中的关键要素。20世纪中叶，玻璃在国际艺术语境中经历了由传统工艺向当代艺术媒介的重要转型。在此过程中，威尼斯穆拉诺玻璃成为推动这一转变的重要力量之一。进入20世纪末，贝伦戈工作室延续并发展了这种跨界合作传统，并主动回应全球化背景下的观念革新与媒介融合。“玻璃应力”作为物理概念指玻璃从熔融态向固态转变过程中，其无定形结构被“冻结”，从而在材料内部保留的应力状态。一方面，它塑造了玻璃独特的制作工艺；另一方面，也构成了玻璃所特有的脆弱性、紧张感与潜在危险性的物质基础。在艺术作品中，这种介于稳定与碎裂之间的“临界状态”，往往被转化为富有审美张力与精神隐喻的资源。此次 “玻璃应力：现代艺术演变在威尼斯”展览分为“物质的语言”“陌生的日常”“身份的叙述”“过往的新生”四个单元展开叙述，为观众勾勒出贯穿艺术创作的玻璃路径，呈现其作为一种物质媒介，深入参与艺术观念建构。展览汇聚来自中国、英国、法国、德国、瑞典、俄罗斯、意大利、美国、墨西哥、澳大利亚、巴西、尼日利亚、埃及、伊拉克、黎巴嫩等二十多个国家的56位艺术家的作品。艺术家在威尼斯这一特殊玻璃文化语境中，回应传统工艺在当代语境中的转化命题，探索玻璃在全球化与多元文化背景下的艺术性新表达和新可能。 20世纪中叶，玻璃在国际艺术语境中经历了由传统工艺向当代艺术媒介的重要转型。在此过程中，威尼斯穆拉诺玻璃成为推动这一转变的亞要力量之一。1959至1968年间，在收藏家佩吉•古根海姆的支持下，巴勃罗•毕加索、让•阿尔普、马克斯•恩斯特、让•科克托等现代主义艺术巨匠先后来到穆拉诺岛，在埃吉迪奥•科斯坦蒂尼创立的“天使之炉”工作室中，与当地吹制大师合作完成玻璃作品。进入20世纪末，贝伦戈工作室延续并发展了这种跨界合作传统，并主动回应全球化背景下的观念革新与媒介融合，其发起的“玻璃应力”展览项目，自2009年起成为威尼斯双年展平行展的重要组成部分。“玻璃应力”作为物理概念指玻璃从熔融态向固态转变过程中，其无定形结构被“冻结”，从而在材料内部保留应力状态。一方面，它催生了玻璃独特的制作工艺；另一方面，也构成了玻璃所特有的脆弱性、紧张感与潜在危险性的物质基础。在艺术作品中，这种介于稳定与碎裂之间的“临界状态”，往往被转化为富有审美张力与精神隐喻的资源。不同学科背景下的艺术家和设计师对玻璃的持续探索，体规了21世纪玻瑞在艺术谱系与文化语义中的新位置，也推动其从传统工艺体泵向当代艺术体系的结构性转型。 物质的语言 材料如何直观表达倘若物质能开口，会说什么？在传统艺术体系中，材料往往被视为服务于再现与形式的技术手段：颜料用于描绘图像，石材用于塑造形体。然而自20世纪以来，无论是立体主义对拼贴材料的引入，还是极简主义与后极简主义对物质属性的强调，艺术家逐渐意识到材料本身所蕴含的独特语言与感知力量。材料不应是听凭摆布的被动仆从，而是各有禀赋、特征乃至个性的创作伙伴。艺术家不再引导观者去追问“艺术品描绘了什么？”，受众需要切身感受：“艺术品在‘做’什么？它们在空间中如何‘存在’？光影如何与之共舞？”在吹制过程中，熔化的玻璃料闪着炽光，可塑的时机转瞬即逝。此时，材料不再只是媒介，而是成为意义诞生的原点。究竟谁在主宰？是人在驯服材料，还是玻璃在阐释自己的主张？基于玻璃的艺术创作更像是一场永不停歇的博弈，在这场对话里，材料始终保有着自己的话语权。它让我们重拾那份直接、未经修饰的感官体验，与物质本真进行真实邂逅。欣赏这些作品无需理论铺垫，玻璃用自身独特的语言，透过光线、形态与色彩直接与你对话。 脊绿玻璃51 × 27 × 30 cm2021托尼·克拉格英国艺术家托尼•克拉格，1988年透纳奖得主，被视为当代雕塑领域的代表人物之一。他以对当代艺术中形态和材料的创新探索而著称，其作品常呈现出一种静止却充满运动感的状态，仿佛是在生长、旋转或堆积的过程中被定格，创造出介于自然形态与工业秩序之间的雕塑形态。展览作品《脊绿》以堆叠的形态呈现，主体为带有金色紋理的绿色材质，造型似由不同形态的“石块”堆叠而成，富有韵律与动感。作品体现了他对材料与形态的独特探索，打破常规雕塑的边界，在色彩与结构的碰撞中，展现出强烈的视觉张力与艺术实验性。 感官装置玻璃 Glass51×27×30cm2021托尼•克拉格英国艺术家托尼•克拉格，1988年透纳奖得主，被视为当代雕塑领域的代表人物之一。他以对当代艺术中形态和材料的创新探索而著称，其作品常呈现出一种静止却充满运动感的状态，仿佛是在生长、旋转或堆积的过程中被定格，创造出介于自然形态与工业秩序之间的雕塑形态。展览作品《感官装置》以玻璃为核心媒介，将透明与半透明的玻璃构件进行层叠、拼接与塑形。作品摒弃了传统雕塑的规整形态，以流动的曲线、交错的切面构建出充满韵律的立体结构—光线穿透玻璃时，折射出斑斓的光影，在空间中形成虚实交织的视觉层次；而玻璃本身的冷冽质感与形态的柔和弧度形成巧妙反差，既保留了材质的纯粹性，又赋予作品灵动的生命力。 威尼斯堆叠玻璃225*100*100cm2019肖恩•斯库利美国艺术家肖恩•斯库利是当代最具影响力的抽象画家之一。他以用横向、纵向的色带嵌合的色块和渐变色彩的几何图像构成的大型抽象画而闻名，用几何形式承载人的情感、记忆与精神图景。展览作录《威尼斯堆叠》呈现出色彩斑斓的堆叠柱体。红、黄、蓝、绿等彩色玻璃块有序叠放，玻璃的通透质感与丰富色彩交织，既具建筑般的结构感，又在光影下折射出灵动的视觉改果。作品延续了他对色彩与几何形式的探索，将抽象艺术语言融入玻璃媒介，在空间中构建出充满张力的色彩纪念碑，展现出对形式、色彩与材质的深刻艺术表达。 作品特点• 色彩：红、黄、蓝、绿等高饱和彩色玻璃有序叠加。• 形态：垂直柱状，建筑般的结构感，如色彩纪念碑。• 光影：玻璃通透，光线穿透后色彩交错折射，灵动多变。• 风格：延续斯库利标志性的抽象色块语言，从画布走向三维空间。 创作背景• 源于威尼斯双年展平行展项目“玻璃应力”，灵感关联威尼斯穆拉诺岛的玻璃工艺传统。• 探索玻璃从熔融到固态的应力与凝固之美，材料本身成为表达核心。 2012年3月20日玻璃、木材50× 50 x 20cm2012约瑟法．加施-穆赫德国艺术家约瑟法•加施-穆赫以独特而富有表现力的玻璃雕塑而闻名。她将包豪斯的形式语法与材料思维延伸至当代玻璃艺术领域，通过将成干上万片工业玻璃碎片排列成几何形态，展现出玻璃在光影中的视觉张力。展览作品《2012年3月20日》中，无数玻璃碎片如星芒般向外发散，中心与黑色背景形成强烈对比，在光影下折射出璀璨光泽。作品通过材质的碰撞与形态的营造，探索了玻璃的质感与空间的张力，既具雕塑的立体层次，又似视觉艺术的光影实验，展现出对材料与形式的独特艺术表达。 婴猴玻璃85 × 88 × 50 cm2015玛尔塔．克洛诺夫斯卡波兰艺术家玛尔塔，克洛诺夫斯卡是一位使用玻璃作为主要媒介的当代雕塑家，以玻璃碎片拼贴而成的动物雕塑而闻名。她的创作主体形象多源于古典绘画中位于边缘位置的动物，通过碎玻璃脆弱而锋利、闪耀又危险的物质特性重塑动物形态。展览作品《婴猴》延续了艺术家标志性的彩色碎玻璃创作语言，将这一在艺术作品中极少作为主角的小动物转化为兼具视觉张力与思辨性的雕塑。展现了材质的矛盾之美，更颠覆了传统动物形象的艺术表达，是她“用玻璃动物打开新现实”理念的生动诠释。 独石玻璃、钢184×71 ×28 cm2015米慕·帕拉迪诺意大利艺术家米慕·帕拉迪诺是“超前卫运动”的代表人物之一。他的作品融合神话意象、古典图像等原始符号以及人物、动植物等自然形态，连接历史与当代视觉表达，推动了从极简主义、观念艺术向象征叙事和情感表达的回归。展览作品《独石》呈现为一个金展框架包裹的玻璃装置，内部以玻璃塑造出融合人形、植物枝蔓与几何元素的复杂结构：人形轮廊清晰，周身延伸出如珊瑚、树枝般的玻璃纹理，还穿插着金色几何构图与线条。这件作品通过玻璃的通透与雕刻工艺，将人体与自然、几何的意象交织，既展观了玻璃材质对细腻纹理的表现力，又以“独石”的形式隐喻着生命、自然与理性的融合，体现了他在雕理艺术中对材质张力与观念叙事的深度探索。 如果你想变得美丽，就必须忍受痛苦吹制及彩色玻璃 尺寸可变 2011泰德•诺顿荷兰艺术家泰德•诺顿是一位先锋珠宝设计师，以前卫、观念性的创作拓宽传统珠宝设计的边界。他的作品外观精致奢华，常通过用透明材料封存具有象征意义物件的形式，表现出强烈的视觉吸引和观念感染力。展览作品《如果你想变得美丽，就必须忍受痛苦》以极具张力的互动设计，将“美丽与痛苦”的经典命题转化为可感知的体验，是艺术家打破固有定义、批判社会审美规训的标志性创作。 山池（二联）玻璃、大漆、亚麻布、丙烯160 × 124 × 8 cm each2026顾黎明中国艺术家顾黎明主张用现代艺术思维解构传统文化符号，是中国抽象艺术的重要代表人物之一。他的作品常运用拓印、拼贴、矿物肌理、炭笔皴擦等技法，在绘画与材料媒介中建立具有东方意境的当代表达。展览作品《山池》的画面以黑、灰为基调，左侧绿斑似池中山石，右侧紫块如点缀的景致。通过玻璃与绘画的材质碰撞，在抽象构图中融合传统山水意境与当代艺术语言，以色块的堆叠与质感的差异，营造出“山池”的矇眬诗意，是对东方山水美学的现代性探素。 重叠宇宙玻璃 54 × 33 × 15 cm2025张雷中国设计师张雷将工业设计思维与艺术创作融会结合，推动功能与审美的协同发展，其设计作品强调材料质感带来的审美感受以及工业精度体现出的秩序之美。展览作品《重叠宇宙》以多层彩色玻璃构建出充满几何韵律的抽象结构：玻璃层相互交织，形成环形、球形的重复图案，仿佛多个宇宙维度在此重叠。玻璃的半透明质感与渐变色彩，让不同层次的几何元素既独立又交融，营造出一种奇幻的空间纵深感。作品的“宇宙”科幻意象被转化为可触摸的物质形态，既展现了玻璃材质对色彩与光影的表现力，又在视觉上引发观者对维度、时空的哲学思考。 看不见的西西弗斯玻璃，拼贴、丙烯41 × 41 x 21 cm2017达斯汀•耶林美国艺术家达斯汀•耶林的创作涉及雕塑装置、拼贴绘画、混合媒材等多个领域，尤其以多层玻璃叠加构成复杂图像的作品最为知名，通过透明但层叠的结构建造叙事性的三维视觉空间。展览作品《看不见的西西弗斯》以其标志性的“冻结影院”创作手法，将古希腊神话的哲学意涵与玻璃的通透特质相融合。用层层叠叠的视觉叙事重构了“西西弗斯”这一经典符号，让“看不见”的荒诞与抗争成为作品最动人的核心。 幽灵玻璃23 × 25 × 22 cm2021托马斯•舒特德国艺术家托马斯•舒特是一位在当代艺术领域中极具个人风格和批判观念的大师，曾在2005年获得威尼斯双年展金狮奖。他的作品常通过塑造扭曲的超现实人物形态传达出幽默、讽刺和沉思意味。展览作品《幽灵》呈现出一个形态抽象的黑色玻璃雕塑。整体轮廓似是而非，既有头部的意象，又通过扭曲、凹凸的结构消解了具体的身份特征。玻璃表面的哑光质感与孔洞的设计，赋予其神秘且略带诡异的“幽灵”气质。舒特擅长以雕塑探索人性、存在的抽象表达，这件作品通过玻璃的冷硬材质与“幽灵”的虚幻意象形成反差，在极简的形态中引发观者对灵魂、虚无与物质性的思考，体现了他在观念雕塑与材质实验中的深度探索。 思想容器（鲁特利德）玻璃 72 x 45 x 20 cm2022马西摩•陆纳顿意大利艺术家马西摩•陆纳顿是一位玻璃创作者，他将玻璃传统工艺与现代设计语言结合，常用高硼硅玻璃创造出富于想象力的玻璃形体。展览作品《思想的容器（鲁特利德）》由透明玻璃与彩色玻璃构件组合而成，塑造出一个充满奇幻感的超现实人形生物，“Rutelide”一词源自于科学拉丁语分类“Rutelidae”指丽金龟科的甲虫。作品通过将“思想”具象化为一个融合动植物、昆虫的玻璃生命体，隐喻思想的复杂性与多元性一一如同容器般收纳着自然与生命的种种符号。玻璃的通透特性让内部结构清晰可见，既展现了工艺的精致，又在视觉上营造出一场微观世界的奇幻盛宴，体现了艺术家在玻璃艺术中对生物隐喻与形式实验的独特探索。 瓷上软语玻璃、陶瓷23 × 25 × 22 cm2025白明中国艺术家白明长期关注当代艺术中传统材质与现代语言的创新融合，被视为中国当代陶瓷艺术的代表人物之一。他以“材料本质”的觉醒为艺术理念，作品强调材料肌理和工艺痕迹，呈现出空灵而富有哲思的风格气质。展览作品《瓷上软语》融合了玻璃的通透与陶瓷的质朴：透明玻璃呈现出流畅的曲线形态，与肌理粗糙的陶瓷形成质感反差。白明的创作常探索材质间的对话与东方美学的当代表达，这件作品通过玻璃的“软”与陶瓷的“硬”碰撞，既展现了两种材质的工艺特性，又在视觉与触觉的对比中，传递出东方艺术中“刚柔并济”的审美哲思，体现东方气韵与当代思维的有机结合。 陌生的日常 物件如何重新观看如果房屋会像血肉一样生长，如果日常之物被用玻璃重新吹制成型，一切将会怎样？从杜尚提出“现成品”开始，普通物件被直接引入艺术空间，艺术的关注点由“再现物”转向“呈现物”。艺术家开始重新思考物件的功能、语境与感知方式：一个物件既可以是日常工具，也可以成为观念的触发装置。1917年，维克多•什克洛夫斯基提出“陌生化”理论，主张艺术的使命在于打破感知的自动化，迫使人们以崭新的目光审视习焉不察的现实。然而，现实世界已呈现某种“超现实”状态。奇诡的事与物不再属于幻像或艺术，而是存在于电子屏幕、新闻叙事与日常经验之中。随着吹制工艺的发明，玻璃广泛进入目常生活，并逐渐与功能性器物绑定，固化为“实用品” 的代名词。当艺术家有意打破这一既定策略，以玻璃重塑抱枕、鼓、围栏、脚手架、电线、地球仪等日常物件时，材料的物理属性与对象的功能预期之间产生强烈错位，陌生化由此被重新激活。正如马克•费舍所指出，“未来正在缓慢消解”。持续轮转的震惊性新闻既刺激感官，也不断消磨感知的锐度。在这一背景下，艺术中的陌生化不再只是形式策略，而成为一种对抗感知扁平化的认知装置，邀请观众重新审视那些被视为理所当然的事物与观念。 母亲（红色）玻璃 39 × 11 × 18 cm2014欧文•沃姆奥地利艺术家欧文•沃姆是当代最具启发性和辨识度的艺术家之一。他以极具标志性的“一分钟雕塑”系列创作和对日常物品进行拟人、夸张、变形处理的艺术手法，探讨了消费文化、身体焦虑等社会议题，同时也将雕塑从物质实体拓展为时间、行为和关系。展览作品《母亲（红色）》以玻璃塑造出一个兼具“热水袋”形态与“人形双腿”的奇幻结构：透明玻璃呈现出热水袋的经典轮廓与纹理，底部却连接着一双逼真的玻璃鞋子，仿佛赋予了这个日常物件“行走”的生命感。沃姆以“变形艺术”和对日常物的超现实重构著称，这件作品将“热水袋”（常与温暖、关怀相关，暗含“母亲”的隐喻）与“鞋子”（移动、存在的符号）结合，通过玻璃的冷硬通透与日常物的柔软功能形成反差，既像是对“母亲”身份的物质化解构，又在荒诞的形态中引发观者对生命、功能与情感符号的思考。 冰屋（紫水晶）玻璃 20 × 40 x 25 cm2022欧文·沃姆展览作品《冰屋（紫水晶）》以玻璃塑造出一座形态“臃肿”的房屋：深紫色玻璃呈现出房屋的基本结构，但整体轮廓被夸张地“眼胀”变形，表面布满起伏的褶皱，仿佛被无形的力量挤压或充盈。沃姆以“变形”和对日常符号的超现实重构为创作核心，这件作品将“房屋”（家的象征、稳定的符号）转化为“肥胖”的形态，通过玻璃的冷硬通透与“胖”的柔软视觉形成反差，既像是对居住空间、物质形态的戏谑解构，又在荒诞的造型中引发观者对身份、空间与感知的思考。 冰敞篷车玻璃 55 x 27 × 15 cm2022欧文．沃姆展览作品《冰敞篷车》以玻璃塑造出一辆“臃肿”变形的敞篷车：通透的绿色玻璃呈现出汽车的基本结构，但整体形态被夸张地“膨胀”扭曲，表面布满起伏的褶皱，仿佛被无形的力量挤压变形。沃姆延续了“变形艺术”的创作风格，将“敞篷车”（速度、自由的符号）转化为“肥胖”的形态，通过玻璃的冷硬通透与“胖”的视觉柔软感形成强烈反差，既像是对消费社会中物质形态的戏谑解构，又在荒诞的造型中引发观者对身份、功能与感知的思考。 论非连贯的憩息玻璃、钢丝 340 × 100 × 150 cm2013洛里斯，切基尼意大利艺术家洛里斯，切基尼的创作涉及雕塑、装置、绘画、摄影等综合领域，其独特的艺术语言被视为连接生物学、建筑学与当代美学的杰出范例。他的作品借助科技手段和多种媒材模拟自然形态及其生长过程，通过模块化结构与重复单元形成大型装置。展览作品《论非连贯的憩息》以钢丝作为支撑，玻璃塑造出吊床胆网状结构。玻璃的坚硬、易碎与吊床“供人休憩”的柔软、包容属性形成强烈反差，在展览空间中呈现出一种矛盾的视觉与功能张力。日常的休憩物件被赋予非常规材质，在环境中既显脆弱又具诗意，引发观者对身体感知、物件功能与空间叙事的思考，体现了切基尼在观念表达上对日常符号重构的探索。 机械头颅玻璃 55 x 52 x 43 cm (each)2011詹姆•海昂西班牙设计师詹姆•海昂被广泛地认为是新世纪设计美学的关键引领者之一，其创作跨越设计与当代艺术领域。他的作品以丰富的叙事性、奇幻的想象力和精湛的工艺而闻名，通过拟人化与戏剧性的造型语言塑造鮮明的风格。展览作品《机械头顾），将“机械”的理性结构与玻璃的感性特质完美融合，是艺术家标志性“趣味严肃”风格的生动诠释。 巢/皇冠玻璃尺寸可变 2023法里巴．福尔杜西伊朗裔艺术家法里巴•福尔杜西长期围绕文化与身份议题进行创作，融合自然意象与文化符号构成隐喻。展览作品《巢/皇冠》以大量白色玻璃荆棘组成环形结构，环绕成类似鸟巢或皇冠的形态，在租糙的空间中形成纯净的视觉焦点。这件作品通过荆辣的环形布局，既隐喻着鸟巢的庇护性和局限性；皇冠的极威性与伤害性，又以玻璃的通透质感赋予其轻盈与脆弱的双重特质，引发观者对家园、权力与存在的思考，体观了她在玻璃装置艺术中对自然与人文意象的诗意融合。 蝴蝶的崛起玻璃、不锈钢 尺寸可变 2021玛丽亚 •马格达菜娜•坎波斯-庞斯美国艺术家玛丽亚•马格达莱娜•坎波斯-庞斯是一位古巴裔跨学科艺术家，曾在2023年获麦克阿瑟天才奖。她基于个人经历，将殖民历史、宗教传统与女性经验作为艺术主题与当代艺术深度连接。她的作品常使用靛蓝染料、甘蔗、朗姆酒、旧照片、镜子、织物等具有文化内涵的象征物构建记忆场域。展览作品《蝴蝶的崛起》，以手工吹制玻璃为核心媒介，将蝴蝶的象征意象与艺术家对记忆、身份的深层探索融为一体，是一件兼具视觉灵动性与精神厚度的作品。 作品2玻璃 340 × 180 × 120 cm / 2013菲奧娜 •班纳英国艺术家菲奥娜 •班纳凭借对既定艺术语言和认知体系的挑战与拓展而对当代艺术产生重要影响。她的作品常选择战机、武器等物品进行重构，通过改变尺度和材料使原本象征力量与速度的对象失去权威，体现力量符号背后的脆弱与不稳定。展览作品《作品2》以玻璃为材质复刻建筑脚手架形态，透明的脚手架结构既保留建筑工具的功能性轮廓，又因玻璃的通透质感消解了沉重感，形成虚实交织的视觉悖论。作品探索了日常工业符号与艺术媒介的碰撞，借玻璃的脆弱与脚手架的实用属性，引发对物件本身、空间叙事及功能与美学边界的思考，是一件兼具观念性与视觉冲击力的装置艺术。 扩展访问镀银高硼硅玻璃 尺寸可变 2011迈克尔·朱美国艺术家迈克尔·朱长期活跃于国际当代艺术领域，他的创作以探索人类认知的边界为方向，融合了装置、影像和绘画等多种媒介，将自然科学研究引入艺术创作中，在作品中体现艺术与科学的交织共存。展览作品《扩展访问》以玻璃为媒介复刻金属隔离栏形态。作品玻璃材质的隔离桩与绳索在展览空间里，既保留了功能设施的视觉特征，又因玻璃的通透与光泽，消解了其原本的阻隔属性，形成功能的认知悖论通过对日常公共符号的艺术转译，作品探索了空间权力、视觉感知与物件本身的关系，在精致的形式中暗含对边界与规训的思辨，是一件兼具视觉精致感与观念深度的装置艺术。 压缩玻璃37 × 23 × 24 cm1992塞萨尔·巴尔达奇尼法国艺术家塞萨尔是二战后法国最重要的雕塑家之一，也是法国新现实主义的核心代表。他通过将汽车、工业材料、现成品等物品压缩成致密块体，使人们熟悉的日常物件在扭曲、堆积与坍缩中表现出极具视觉张力和力量感的艺术形态。展览作品《压缩》以玻璃为材质，将多只带有可口可乐标识的玻璃瓶压缩堆叠，形成极具视觉张力的立体形态。作品通过对日常消费符号的解构与重构，展现“压缩”系列的艺术语言，既探讨了消费文化的物质性，又在玻璃的透明质感与扭曲造型中，呈现出工业文明与艺术创作的碰撞，具有强烈的视觉冲击与社会思辨性。 玻璃地球仪玻璃、金属 38 × 38 × 65 cm2023埃米利奥•伊斯格罗意大利艺术家埃米利奥•伊斯格罗是“文字艺术”领域最具国际声望和开创性的代表人物之一，以“抹除”的艺术语言闻名于世。他的作品通常是用墨水或颜料等介质对印刷文本进行选择性的抹除、遮盖、删除，在页面上留下斑块、线条或留白，让缺失的部分反而重新成为了更强大的表达，引发观众参与解读和思考。展览作品《玻璃地球仪》以其标志性的“抹除”创作语言，将玻璃球体转化为探讨认知、历史与真相的思辨载体。作品融合玻璃的通透特质与观念艺术的深度，打破了环球作为“世界全貌”的固有符号，构建出充满留白与想象的视觉叙事。 向您致意玻璃12 × 29 × 26 cm2013波莉•阿普费尔鲍姆美国艺术家波莉•阿普费尔鲍姆被视为后极简主义的重要人物之一。她的作品将传统概念中的装饰性、女性化的色彩语言、材料与工艺转化为当代艺术形式，在创作中将愉悦感和严谨的艺术观念有机结合。展览作品《向您致意》将日常的礼帽符号通过玻璃媒介进行重构，色彩的晕染与材质的坚硬形成反差，既像是对礼仪文化的一种物质化致敬，又通过打破了人们对“帽”的功能与材质认知，在精致的工艺与日常物件的碰撞中，引发对身份、礼仪与物质性的思考。 138 × 47 × 10玻璃 尺寸可变2013米罗斯瓦夫•巴瓦卡波兰艺术家米罗斯瓦夫•巴瓦卡曾代表波兰参加1993年威尼斯双年展，是波兰当代艺术的代表人物之一。他的艺术核心在于探索记忆与遗忘、创伤与治愈等思辨主题，作品给人凛冽萧瑟的感受，在空间中呈现出沉默的压迫感。展览作品《138×47× 10》由四块玻璃构件组成，每块玻璃都呈现出类似建筑构件的形态，表面保留着制作过程中的纹理与结构细节。巴瓦卡一贯擅长以日常或工业元素为载体，探讨存在、记忆与空间的关系，此处用玻璃的通透与坚硬，将生活中寻常的建筑物件转化为具有观念性的雕塑语言。 伤痛地带玻璃、钢 190 × 62 × 62 cm2015彭妮•伯恩澳大利亚艺术家彭妮•伯恩是一位将传统技艺与当代艺术观念有机结合的杰出实践者，她通过古董陶瓷人偶的修复与再创作表达对暴力与战争的讽刺。她的作品在形式上保持古典的优雅精致，但通过引入当代日常生活中的常见元素符号创造出一种时代错位感和艺术张力。展览作品《伤痛地带》以中世纪骑士盔甲为原型，通过玻璃与钢丝的组合重构了这一符号。无数深色玻璃构件被钢丝网格串联，形成完整的盔甲形态，玻璃的通透与冷硬质感，赋予盔甲既精致又易碎的视觉张力。艺术家将“盔甲”这一权力与防御的象征，以易碎的玻璃材质呈现，既暗合“伤痛地带”的标题——看似坚固的防御实则脆弱，又通过对历史符号的当代重构，探讨权力、暴力与脆弱性的关系。 无题（第九站 #1）玻璃、综合材料165 × 108 × 79 cm2017查尔斯•艾弗星英国艺术家查尔斯•艾弗里从2004年开始以“岛民”计划持续构建一个在不断生长中的幻想世界，通过一系列天马行空的绘画、文本、物件、建筑构想等描摹出这个虚构岛屿的世界体系。展览作品《无题（第九站 #1）》呈现出一个类似“标本收纳台”的装置，金属框架支撑着木质台面，上面摆放着多个白色塑料容器，内部收纳着形态各异的玻璃制品。下方的透明容器与地面的玻璃罐、黄色水桶，进一步丰富了材料层次。此作品通过玻璃的塑形、密器的收纳逻辑，构建出一种介于“自然标本”与“人造物”之间的视觉暧昧，仿佛是他虚构世界中某种“物种”或“器物”的归档系统，在现实与幻想的边界中，引发观者对分类、存在与叙事的思考。 硬连接玻璃 风寸可变 2019劳拉·普罗沃斯特法国艺术家劳拉·普罗沃斯特曾在2013年获得透纳奖。她的作品通过沉浸式的混合媒介环境，将影像、声音、雕塑、现成品、文字和表演交织融合，为观者构建出迷宫般引人入胜的多重感受。展览作品《硬连接》以玻璃塑造出杂乱缠绕的黑白电线形态，精准模拟了日常电子线缆的缠绕质感与视觉特征。玻璃的冷硬、通透材质与“电线”这一柔软、功能性的日常符号形成强烈反差，既像是对数字时代线缆“杂乱却必需”的视觉定格，又通过材质的转换，将实用的工业物件升华为观念载体。此件作品中玻璃的“坚硬”呼应标题“硬连接”，既暗喻数字时代人与人、物与物之间连接的“硬性”与复杂性，又通过视觉的逼真与材质的违和，引发观者对技术依赖、视觉认知的反思。 诱饵玻璃、金属72 × 36 × 71 cm2013科妮莉亚．帕克英国艺术家科妮莉亚•帕克是英國最具影响力的观念雕塑家之一。她的作品以大型装置为主，致力于对日常物品进行转化与悬置，通过爆炸和粉碎等极具视觉冲击力的场景重新诠释物品，採索蕴含在平常之物中的能量与张力。展览作品《诱饵》以逼真的鼓形呈现，黑色的“鼓身”实则由玻璃打造，表面的纹理与金属配件的质感形成巧妙呼应，搭配置于“鼓面”上的鼓锤，从视觉上完全摸拟出一足真实的鼓。艺术家颠覆了人们对“鼓”这一乐器（或物件）的认知—将本应坚硬且具声学功能的金属、木材替换为玻璃，制造出视觉上的“真实”与材质上的“虚假”之间的矛盾，如同“诱饵”一般，在吸引观者视觉关注的同时，引发对物的本质、感知与认知的反思，体现了帕克一贯的物的转化与观念重构创作逻辑。 梦游材质：玻璃 69 × 64 × 15 cm2013哈维尔·佩雷斯西班牙艺术家哈维尔·佩雷斯是西班牙当代玻璃艺术的代表人物之一。他的创作常用存在的痕迹呈现出生命的脆弱与内在的力量，作品给人兼具精致华美与不安恐惧的双重感受。展览作品《梦游》以玻璃塑造出枕头的形态，表面的褶皱、质感逼真地模拟了织物的柔软，而内部嵌入的脚印印记，打破了“枕头”的日常属性。玻璃的冷硬与通透，与枕头的柔软敦实、鲜活的生命痕迹形成强烈反差，既像是凝固了一段梦游的瞬间——一双脚在枕头上留下的印迹被永久定格，又通过材质的转换，将日常之物升华为观念载体，引发观者对梦境、身体感知等物质本质的思考，体现了佩雷斯在玻璃创作中对日常符号的解构与诗意重构。 身份的叙述主体如何自我映射叙事由材料展开，艺术家主体如何在其中得以表达和显现？在漫长的艺术史中，叙事通常与宏大的外在故事相连—宗教寓言、神话谱系或历史事件构成了意义的源头。在现代艺术语境中，艺术家逐渐从传统叙事的转译者转变为意义生成的主体，创作不再仅仅是对既定故事的表达。艺术家并未完全放弃历史与文化的叙事资源，同时转向自身经验与材料实践，重新思考叙事如何生成，以及自我如何在材料之中被书写。在工作室中，玻璃始终讲着“方言”：这是一种由工艺体系、身体操作与历史传统共同塑造的物质语言。艺术家在与玻璃语言的协商中，使个体逐步显形。本单元的作品在视觉语言与形式策略上呈现出显著差异，却在方法论层面形成内在共识：艺术家的自我经验、文化身份、历史记忆与性别意识，并未作为外在主题被直接陈述，而是通过创作实践本身进入作品结构之中——以更为隐蔽且深刻的方式参与叙事的生成。在本单元中，叙事不再由外部情节所主导，艺术家主体亦不再是被动的叙述者，而是在与物质的反复互动中不断映射、调整并重塑自身。身份，正是在这种持续协商、位移与回返之中，获得其当代形态 凡俗之躯玻璃92 × 52 × 25 cm2022朱迪·芝加哥美国艺术家朱迪·芝加哥是当代女性主义艺术运动最重要的奠基人和开拓者之一。她通过艺术重建被忽视的女性历史与经验，系统性地将女性劳动、身体、情感、生命等作为宏大严肃的主题引入主流艺术领域。代表作《晚宴》被视为第一件史诗级女性主义艺术作品并被永久收藏于布鲁克林博物馆。展览作品《凡俗之躯》，以玻璃为媒介塑造出极具诗意的生命意象。粉色玻璃中呈现人形轮廓，双手捧持的粉色花朵细腻逼真。玻璃的通透与朦胧质感，既勾勒出生命的凡俗形态，又借花卉元素隐喻生命的脆弱与绚烂，在对“凡俗”与“生命”的艺术表达中，探讨生死议题与人性本真，是一件融合材质美感与哲学思辨的玻璃雕塑。 形式与意象解析1. 材质语言：玻璃的矛盾性艺术家选择玻璃作为核心媒介，本身就充满隐喻：◦ 通透与朦胧：半透明的粉色玻璃，既让观者窥见人形轮廓的柔和形态，又以模糊的边界暗示生命的不确定性与脆弱性。◦ 坚硬与易碎：玻璃看似坚固，实则极易破碎，完美呼应了“凡俗之躯”的主题——生命既是具象的存在，又是转瞬即逝的脆弱载体。2. 核心意象：人形与花朵◦ 人形轮廓：以艺术家本人的形象为蓝本，呈现出温柔而平静的半身轮廓，弱化了攻击性，回归生命最本真的凡俗状态。◦ 手中的花：双手捧持的粉色花朵，是朱迪·芝加哥标志性的符号语言——既象征女性的生命力与创造力，也隐喻生命的绚烂与短暂，在盛放的美好中暗含凋零的必然。 主题与思想内核1. 生死议题的温柔叩问这件作品延续了朱迪·芝加哥晚年对“死亡与存在”的持续探索，将宏大的生死命题转化为玻璃与花朵的诗意对话：“凡俗之躯”指向肉身的有限性，而花朵与玻璃的意象，则赋予了生命脆弱之外的韧性与美感。2. 女性视角的生命叙事作为女性主义艺术的里程碑式人物，朱迪·芝加哥始终将女性经验纳入严肃的艺术叙事中。这件作品没有刻意强调性别对抗，而是以一种更内敛的方式，探讨女性视角下对生命、衰老与死亡的思考——温柔却坚定，脆弱却充满力量。3. 材质与哲学的融合玻璃的物理特性与作品的哲学表达完全统一：通透的质感让“人性本真”得以呈现，朦胧的边界则暗示着生命与死亡之间的模糊地带；花朵的细腻逼真，又为冰冷的材质注入了温度，实现了材质美感与哲学思辨的完美平衡。 神兽在路上頭璃、钢 285 ×285 × 235 cm2015邱志杰中国艺术家邱志杰的艺术实践植根于传统文化与社会现实研究，是中国当代实验艺术的代表人物之一。他的创作涵盖水墨、书法、装置和行为表演等领域，强调艺术与科技、历史、社会现实的深度对话。展览作品《神兽在路上》以金属架为结构，分层陈列着多件玻璃神兽，通过灯光投射在墙面形成巨大的影子，与实体作品形成虚实呼应的视觉效果。此作品既展现了玻璃工艺的精致，又通过“影子”的延伸，营造出神兽仿佛在空间中“行走”的动态感。作品标题“神兽在路上”暗含对传统文化符号当代传播与延续的隐喻，玻璃的透明与影子的朦胧结合，进一步强化了现实与幻想、传统与当代的对话，体现了他在装置艺术中对文化意象与空间叙事的独特探索。 形式与视觉语言解析1. 结构与材质：虚实双重叙事◦ 实体部分：以金属架为骨架，分层陈列多件玻璃神兽。玻璃的透明材质自带轻盈、易碎的质感，弱化了传统神兽的威严感，赋予其当代艺术的精致与空灵。◦ 光影部分：通过灯光投射，神兽在墙面形成巨大、朦胧的影子，与实体玻璃神兽形成强烈的虚实对比。这种“实体-影子”的互动，打破了静态装置的边界，让作品拥有了动态的延伸感。2. 核心意象：行走的神兽◦ 影子的投射效果，让神兽仿佛在空间中“行走”，呼应了标题“神兽在路上”。这种动态并非物理移动，而是通过光影的延伸实现的视觉错觉，既保留了传统神兽的符号性，又赋予其当代语境下的流动性。◦ 玻璃的通透与影子的朦胧，构成了“清晰-模糊”的双重质感，隐喻传统文化在当代传播中的状态：既保留着本源的轮廓，又在新语境中发生着变形与再生。 主题与思想内核1. 传统文化符号的当代转译作品标题“神兽在路上”，暗含着邱志杰对传统文化符号当代传播与延续的思考。神兽作为中国传统文化中的经典符号，被从神话语境中剥离，以玻璃装置的形式进入当代空间，象征着传统文化在当代社会中的“流动”与“新生”。2. 现实与幻想、传统与当代的对话玻璃的实体对应“现实”，而投射的影子则对应“幻想”；神兽的原型源自传统神话，而装置形式、光影手法则是当代艺术的语言。作品通过这种双重对话，探讨了传统符号如何在当代语境中被重新解读、赋予新的意义。3. 装置艺术中的空间叙事邱志杰以分层陈列的金属架、墙面的投影，构建了一个完整的空间叙事场域。观众在空间中移动时，会看到神兽影子的变化，仿佛参与到“神兽行走”的过程中，实现了作品与观众、空间的互动，打破了传统艺术“单向观看”的模式。 艺术家创作脉络中的定位邱志杰的创作始终围绕“传统与当代的对话”展开：• 他的水墨、书法作品，以当代观念重构传统笔墨语言；• 装置作品则更侧重空间、媒介的实验，将传统文化符号转化为可被感知的当代艺术体验；• 《神兽在路上》正是这一脉络的延伸，他没有直接复刻传统神兽，而是通过玻璃、光影、空间的结合，让传统文化符号在当代语境中“活”了过来，成为流动的、可被对话的存在。 斜倚的夜曲玻璃 147 × 88.5 × 53 cm 2018凯伦·拉蒙特美国艺术家凯伦·拉蒙特凭借用铸造玻璃、陶瓷、青铜制成的大型而精美的女性礼服雕塑著称，也是现代玻璃艺术的代表艺术家之一。她的作品由坚硬厚重的材料构成却表现出丝绸般柔软的褶皱与垂坠质感，在形成强烈反差的同时，表达身体的缺席、存在的痕迹与物质对历史记忆的承载等艺术理念。展览作品《斜倚的夜曲》塑造出极具韵律的人体雕塑。灰蓝色玻璃呈现出衣袍的褶皱流动感，斜倚的姿态既具古典雕塑的优雅，又因玻璃的通透与朦胧质感，营造出空灵的诗意。拉蒙特通过对织物与人体的艺术化融合，探索身体与服饰的空间关系，在玻璃媒介的独特表现力中，诠释出“夜曲”般的静谧与抒情，是一件兼具工艺精度与观念深度的玻璃雕塑杰作。 形式与视觉语言解析1. 材质的极致反差这件作品以灰蓝色玻璃铸造而成，材质本身坚硬、厚重、透明，却被艺术家赋予了丝绸般柔软的垂坠感与褶皱细节：衣袍的每一处纹路、褶皱的起伏、布料随身体姿态形成的张力，都被精准复刻。这种“硬材质做软效果”的反差，正是拉蒙特作品最标志性的语言——玻璃的冰冷坚硬，与衣袍的柔软温暖形成强烈对冲，让材质本身成为叙事的一部分。2. 姿态与古典的呼应作品采用斜倚的姿态，直接致敬西方古典雕塑中“斜倚的维纳斯”式经典范式：松弛的身体线条、衣袍的自然垂落，自带古典雕塑的优雅韵律。但拉蒙特没有塑造完整的人体，而是以衣袍为载体，用玻璃的通透与朦胧，让轮廓在虚实之间流动，消解了古典雕塑的实体感，赋予其空灵、诗意的当代气质。3. “缺席的身体”与存在的痕迹作品的核心并非衣袍本身，而是衣袍所包裹的“缺席的身体”：衣袍的褶皱、垂坠、张力，都暗示着曾有一个真实的身体存在过，这些痕迹是身体留下的“记忆”。拉蒙特用玻璃将这些瞬间凝固，让“缺席”成为更强烈的“在场”——我们看不见人，却能通过衣袍的形态，感受到身体的重量、姿态与温度。 主题与思想内核1. “夜曲”的诗意诠释标题《斜倚的夜曲》，直接点明了作品的抒情性与静谧感。玻璃的灰蓝色调、半透明的朦胧质感，如同夜晚的光影，衣袍的流动感则像音乐的韵律，共同营造出夜曲般的温柔、沉静与诗意。拉蒙特将音乐的抒情性转化为视觉语言，让静态的雕塑拥有了流动的韵律与情绪。2. 身体与服饰的空间对话作品探索了身体与服饰的关系：衣袍不是单纯的遮蔽物，而是身体的延伸、存在的容器。拉蒙特通过铸造工艺，将布料与身体接触的瞬间永久定格，让衣袍成为记录身体姿态、情绪与温度的载体，探讨了服饰如何塑造身体、又如何承载存在的痕迹。3. 历史记忆与物质的永恒拉蒙特始终关注“物质对历史记忆的承载”：衣袍是短暂的、易逝的，而玻璃是坚硬的、可长久留存的。她用永恒的材质，定格了短暂的瞬间，让衣袍的褶皱成为一种“物质化的记忆”，既致敬了古典雕塑的永恒性，也暗含着对女性身体、存在与时间的思考。 艺术家创作脉络中的定位凯伦·拉蒙特的创作始终围绕“无身衣袍”展开，从早期的陶瓷、青铜，到后期的玻璃，材质的变化让她的表达更丰富：• 玻璃的透明与朦胧，让衣袍的轮廓既清晰又模糊，既真实又虚幻，完美契合了她对“缺席与在场”的探讨；• 这件《斜倚的夜曲》是她成熟时期的代表作，工艺精度达到了顶峰，褶皱的细节、玻璃的质感都无可挑剔，同时也将她的哲学思考推向了更深的层次；• 她的作品打破了玻璃艺术“只重工艺”的刻板印象，让玻璃成为承载观念、情绪与历史记忆的媒介，推动了当代玻璃艺术的边界。 M*ORB·玻璃、铝板、显示器137 × 96 × 8.5 cm2017托尼·奥斯勒美国艺术家托尼·奥斯勒是当代新媒体与装置艺术先驱，他开创性地将影像投影与雕塑、玩偶、表演结合从而成为具有在场感的空间实体。其作品风格怪诞而直接，常以面孔、眼睛、嘴巴构成作品核心，直指信息过载的时代下人类的孤独、脆弱和对连接的渴望。展览作品《M*ORB·》呈现出一个融合了星象图、人脸器官的装置：黑色玻璃基底上，彩色玻璃构件组成几何星图，中间嵌入真实的眼睛与嘴唇影像，形成超现实的“面孔”。奥斯勒以新媒体与装置艺术探索感知、身份的边界，这件作品将玻璃的物质性与视频的动态性结合，既像是对神秘学星象符号的当代演绎，又通过“面孔”的破碎重组，引发观者对视觉认知、虚拟与现实边界的思考，体现了艺术家在跨媒介艺术中对感官体验的先锋探索。 黑镜玻璃、不锈钢、监控镜、液晶屏幕、硬盒17h × 106 × 26 cm2013马特·科里肖英国艺术家马特·科里肖是“青年英国艺术家（YBAs）”组织的创始成员之一，他的创作在视觉上呈现出精致华丽的迷人效果，融合古典艺术语言与当代科技手段，营造出幻觉般的观看体验。展览作品《黑镜》以极具装饰性的巴洛克风格黑色玻璃画框为载体，中间镶嵌着一面双向镜，镜面背后的电子屏幕上呈现的是乔治·德·拉·图尔的画作《忏悔的抹大拉》的动态影像。观众在观看时，既能从镜中看到自身及周围环境的反射，也能看见镜后浮现的人物形象和闪烁的烛光。现实空间、观者身影与画中时空由此交叠在同一视觉场域中，形成幽灵般若即若离的视觉体验。作品借助玻璃、镜面与电子屏幕，将观众的观看行为及其自身形象化为作品的一部分，通过戏剧性的神秘氛围表现出一种既复古华丽又充满不安的视觉与观念张力。 尘埃 120玻璃 236 × 152 × 8.5 cm2017哈利姆•阿尔-卡里姆伊拉克艺术家哈利姆•阿尔-卡里姆的创作深刻反映了个人经历与宏大历史的交织，对中东当代摄影和观念艺术产生了重要影响。早年的战争创伤使他的视力受损也因此形成了他“隐匿视觉”和“朦胧的不可见性”的独特美学。他的作品常通过影像处理技术或用丝绸、薄纱等材料覆盖，将人物肖像变得模糊不清，呈现出梦境般的脆弱与迷离。展览作品《尘埃12C》，延续了艺术家标志性的模糊视觉语言与深层隐喻表达。画面以柔和的虚化质感呈现，仿佛蒙着一层轻薄的尘埃或丝质面纱，弱化了具象细节，却强化了情绪的沉没感。 九头虎镀银玻璃130 x 100 x 25 cm2017邬建安中国艺术家邬建安是中国当代艺术中对传统文化进行现代性转化的代表人物。他的创作深受中国民间技艺和古代神话文本影响，将上古图腾、哲学思辨与当代视觉融会贯通，构建出充满原始神秘感的视觉剧场。展览作品《九头虎》融合了神话意象与当代材质：主体是一只蓝白纹理的玻璃虎，虎身连接着带有九个不同面部的玻璃构件，这些面部色彩斑斓、神态各异，部分还嵌入了花朵等装饰元素。此件作品将“九头虎”的奇幻形象以镜面玻璃重构，既展现了玻璃的精致与镜面的反射特性，又通过多头的形态隐喻神话中生物的神秘力量与多元特质，体现了他在当代艺术中对传统神话符号的创新演绎。 伊阿古之镜玻璃114 × 114×14 cm2009弗雷德，威尔逊美国艺术家弗雷德•威尔逊是当代最具影响力的观念艺术家之一，曾在1999年获得麦克阿瑟天才奖。他的创作通过选择、重构博物馆中现有的历史文物、艺术品等陈列物，改变它们原有的语境和叙事逻辑以揭示被主流历史忽视和扭曲的部分，使作品在优雅华丽的外表下隐喻对历史与现实的质疑和思考。展览作品《伊阿古之镜》呈现出巴洛克风格的华丽镜饰。黑色玻璃上饰有繁复的花纹与立体装饰，既延续了威尼斯玻璃工艺的精致，又借《奥赛罗》中“伊阿古”这一文学形象，在古典形制中注入对身份、欺骗与表象的思辨。 永恒的移民玻璃51 × 35 × 20 cm2013伊利亚与艾米莉亚•卡巴科夫夫妇乌克兰艺术家伊利亚与艾米莉亚•卡巴科夫夫妇是国际当代艺术领域最具影响力的艺术家组合之一。他们的创作常围绕“移民”“记忆”“乌托邦”等主题，通过建造出完整的、沉浸式的整体场景，配合文字、声音、物品等元素来讲述其中“居民”的故事。展览作品《永恒的移民》以透明玻璃塑造出一个人形的抽象结构，仿佛一个人被“凝固”在玻璃块中，身体呈现出挣扎或悬浮的姿态，表面带有细腻的纹理与光影变化。此作品通过玻璃的通透与冷硬质感，将“移民”的状态具象化为一种被时间与物质禁锢的永恒感——玻璃既清晰呈现了人形的轮廓，又形成了无法穿透的屏障，隐喻着身份与空间中的疏离与困境，体现了他们在观念艺术中对人文主题与材质表达的深度结合。 融合体的演进玻璃、纸本200 × 200 × 60 cm2025昆•范梅赫伦比利时艺术家昆 •范梅赫伦的创作是一个融合了雕塑、装置、生物实验、科学研究等多元表现形式的长期且宏大的生态艺术项目。他从1999年启动“世界鸡计划”，将来自不同国家或地区的纯种鸡进行杂交，以此探索生命和文明的起源与进化，并围绕此计划衍生出丰富的艺术作品。展览作品《融合体的演进》通过系列手稿与玻璃雕塑的组合呈现。手稿中是形态各异的混合生物素描，搭配的玻璃雕塑将奇幻生物具象化，探索生命融合与演进的艺术命题，玻璃的通透质感与生物形态的张力交织，展现出对物种杂交与进化的独特艺术思辨。 世界化石I大理石、玻璃 89 × 43 × 28 cm2021昆、范梅赫伦展览作品《世界化石I》呈现出一个孩童怀抱奇幻爬行动物的雕塑：孩童的姿态带有古典雕塑的写实感，而所抱的生物则是融合了蜥蜴、独角兽的超现实存在，整体以深色大理石与玻璃的结合呈现，表面带有细腻的纹理与质感。此作品通过将孩童与奇幻生物的组合，隐喻人类与自然、本土与外来物种的共生关系；“化石”的标题则暗合对时间、进化与文明遗产的思考，大理石的厚重与玻璃的通透在材质上形成对话，进一步强化了历史与当代、现实与幻想的叙事张力，体现了他在雕塑艺术中对生物隐喻与文化交流的深度探索。 非礼勿视，非礼勿听，非礼勿言玻璃尺寸司变2018豪梅•普兰萨西班牙艺术家豪梅•普兰萨是国际知名的公共艺术大师，以大型人像雕塑和公共装置而享誉全球，作品在全世界超过100个城市永久陈列，其中《皇冠喷泉》被视为当代公共艺术经典代表作之一。他的作品常以巨大的、闭目沉思的人像，或由字母、文字、金属网构成的大型装置为主要形式，探索身体、语言与思想的关系，以其标志性的跨文化视角，将哲学思考融入视觉艺术，引导观者反思现代社会中自我约束与感知的边界。展览作品《非礼勿视，非礼勿听，非礼勿言》中，玻璃的细腻和脆弱赋予雕塑轻盈而精神化的气质，同时巨大体量带来庄醒的纪念感。艺术家将东方传统智感“三不猿”的经典主题转化为当代视觉语言，引导观者思考感知、信息与沉默之间的关系，呈现出静谧而内省的艺术体验。 奥克普奥科玻璃Glass40 × 28 × 20 cm2024奧萨鲁•奥巴塞基尼日利亚艺术家奥萨鲁•奥巴塞基是当代艺术领域新兴的声音之一，以富有情感与精神性的混合媒介创作而受到关注。她的创作综合了绘画、拼贴和材料实验，擅长将多种材料交织，构建出如地质层理般的画面或质感。展览作品《奥克普奥科》以玻璃为材质塑造出极具风格的人像雕塑，“okp’okhuo” 在当地语言中意为“女性长辈”。灰黑色玻璃呈现出粗犷的面部与装饰性造型，既融合非洲传统艺术的符号语言，又借玻璃的现代质感，探索身份、记忆与文化传承的议题，是对非洲本土美学的当代艺术诠释。 二次撞击玻璃金属 尺寸可变 2019吉米•达勒姆美国艺术家吉米•达勒姆是当代艺术领域中的重要人物，曾在2019年获得威尼斯双年展终身成就金狮奖。吉米出生于美国南部，曾在20世纪60-70年代深度参与美国非裔与原住民的民权运动。他的创作涉及雕塑、装置、行为表演、摄影等领域，青睐于将天然与人造材料混合重构，在材料的“碰撞”中探讨殖民历史、原住民身份和文化权力的深刻议题。展览作品《二次撞击》以八件手工吹制的美洲狮玻璃头颅为核心，将玻璃的脆弱性与雕塑的力量感融为一体，是艺术家解构文化符号、探索材料特性的典型创作。 第一幕：孩子们玻璃 尺寸可变 2021玛雅·卡宗黎巴嫩艺术家玛雅·卡宗是一位历经战争、迁徙和多重文化背景的跨界艺术家。她的创作常以神话象征与空间装置结合，她探讨生态危机与人类未来的议题。她擅长使用织物、绳索、金属等日常或工业材料通过编织、缠绕等技法塑造出极具精神性和情感张力的作品。展览作品《第一幕：孩子们》以传统仪式为灵感，用玻璃的独特质感编织出生态议题的深刻叙事。作品核心围绕“新生与危机”展开，将穆拉诺玻璃工艺与当代关切完美融合。 共生体玻璃、金属165 × 100 × 90 cm / 2025阿恩·昆兹比利时艺术家阿恩·昆兹以创作充满动态感的巨型公共雕塑与装罩而闻名。他的创作主题国绕“社会互动“与“城市中的自然”，常使用大量细长木条组装成庞大、色彩鲜艳且富有韵律感的有机形态，将其置于城市空间以挑战城市的秩序与冷漠。展览作品《共生体》是对自然复杂结构及其往往带有残酷性的平衡机制的持续研究。通过将金属与玻璃相结合，构建了一个不断自我调节的动态系统，在其中，平衡被持续地重建，从而揭示出自然内部竞争与和谐并存的本质关系。 十只鸽子玻璃 尺寸可变 2024安娜•杰莫拉耶娃俄罗斯艺术家安娜•杰莫拉耶娃的艺术实践根植于对日常生活、物质文化与社会转型的研究，擅长将来自不同语境的意象物并置，创造出具有叙事张力和沉思性的视觉场景。展览作品《十只鸽子》呈现为十只形态各异的玻璃鸽子，它们或展翅、或伫立、或休憩，每只鸽子的色彩与纹理都极具细节，在展台上形成生动的群像。这件作品通过玻璃材质的通透与工艺的精细，将鸽子的动态与神态精准捕捉，既展现了玻璃艺术对生物形态的表现力，又以“十只鸽子”的集群布局，引发观者对自由、群聚与生命状态的思者。 十字军酒馆：卡尔巴拉之谜玻璃、织物、珐琅、线50 * 30 * 15 cm2014瓦尔•肖基埃及艺术家瓦尔•肖基的创作以深刻的历史关怀和文化溯源而闻名，是理解阿拉伯世界历史与当代艺术的关键入物之一。他的作品常使用木偶、面具等元素制造出寓言性和距离感，在虚实融合中质疑历史真实井探索宗教历史、身份争议等当代议题。展览作品《十字军酒馆：卡尔巴拉之谜》呈现为一个玻璃材质的提线木偶，带有夸张的面部特征，身体则穿着带有毛皮饰边、纹样装饰的华丽服饰。此作品中的玻璃木偶既保留了传统木偶的戏剧感，又通过玻璃材质的冷硬通透，賦予角色超现实的疏离感。玻璃的工艺精致度与服饰的织物质感形成对比，既像是对历史人物的戏谑演绎，又在视觉上构建了历史与当代、东方与西方的对话。 过往的新生 历史如何续写篇章 当辉煌的历史重新置入当代语境，它将以何种方式继续书写自身？20世纪后半叶，当代艺术曾一度对“简化”抱有近乎信念式的执着。“少即是多”也成为主导性的美学原则，博物馆与画廊中的“白立方”空间亦被视为理性、纯净、去历史化的精神之域。然而进入21世纪，信息爆炸，屏幕增殖，图像以前所未有的速度蔓延。我们的日常体验被淹没在过載的视觉洪流之中。现实本身已经呈现出“巴洛克化”的状态：过剩、层叠、冗余，拒绝被一眼洞穿。艺术家转而拥抱繁复，这并非单纯的怀旧复兴，而是一种更为深刻的认知—当代经验需要与我们栖居的世界同样复杂的形式。从历史维度看，繁复的形式和细节构成艺术的重要美学维度。玻璃亦不例外：镜子、高脚杯、枝型吊灯、装饰摆件，以其奢华与精致成为权力、财富与品位的象征。而在当代语境下，此类历史母题被艺术家频繁引用、拆解与转化，成为一种重要的形式资源。此类作品往往保留传统的外在形态，却在材料选用、构造逻辑以及美学取向上展现出极大的自由度与批判性。本单元的作品并不要求观众进入冥想式的静默，也不以空无与克制为目标。相反，它们邀请观者直面繁复的视觉经验，在层叠、重复与差异之中寻找秩序，或感受混沌本身。此处的繁复并非以过剩为目的，而是一种将历史的复杂性转化为当代经验的方式——历史正是在这样的重构中，继续书写自身。 巴比伦玻璃、手工羊毛编织、聚酿装饰物100 × 100 × 420 cm2013琼娜•瓦斯康丝勒葡萄牙艺术家琼娜•瓦斯康丝勒以生机盎然的巨型装置而闻名国际，是首位在凡尔赛宫举办个展的女性艺术家。她擅长以日常材料与夸张形式解构传统审美，作品常使用纺织品、塑料器皿、厨房用具等生活化物品，通过繁复的编制、组合而塑造出色彩明艳绚烂、结构复杂的建造尺度装置。展览作品.《巴比伦》以传统形态吊灯为载体，将通透的红色玻璃构件与色彩斑斓的手工羊毛钩织元素交织融合，形成繁复华丽的立体结构。玻璃的冷硬通透与羊毛织物的柔软温暖形成强烈材质反差，红、橙、黄、黑等丰富色彩与多样纹理的碰撞，既展现出“巴比伦”式的视觉狂欢，又暗含对装饰艺术、性别手工与物质奢华的多重思考。这件作品在空间中如视觉瀑布般铺展，既是对“巴比伦”繁华意象的当代演绎，又通过材料的混搭与尺度的放大，挑战着观者对装饰、工艺与艺术边界的认知。 小丑皇冠玻璃 52x 48x 55cm /2025李静中国艺术家李静以传统玻璃吹制与热塑工艺为基础，在当代艺术的的语境下探索玻璃媒材的多形式表达。其创作井非单单建立具有辨识度的玻璃工艺手法，而更加希望在传达有力的思想和意图的同时，给予观者全新的审美体验，并为作品的多重解读提供自由的空间。展览作品《小丑皇冠》将传统弄臣的头饰置于透明玻璃皇冠上，皇冠上用穆拉诺玻璃极具代表性的干花工艺添加装饰图案，在荒涎与童真间深思小丑身份与皇冠型头饰之间的反差。 吊灯玻璃 70 × 60 × 60 cm2024玛丽-路易斯•埃克曼瑞典艺术家玛丽-路易斯•埃克曼是北欧当代艺术的重要代表人物，曾获瑞典金甲虫奖和欧根亲王勋章。她的创作涉及电影与戏剧导演、绘画、装置等领域，作品在视觉上融合漫画般的鲜明色彩、戏剧化的人物形象和电影质感的场景，用诙谐的表象表达对现实议题的思索。展览作品《吊灯》将身着红裙的女性玻璃雕塑置于吊灯灯臂之上，打破了传统吊灯的装饰逻辑，既展现了埃克曼对性别、社会规范的思考，也通过玻璃艺术的独特语言，营造出一种既日常又荒诞的视觉张力，挑战着观众对“常规”的认知，体现了艺术家在材料运用与观念表达上的先锋性。 塔罗幼儿园玻璃镜子240 x 240 × 1.9 cm2019佩德罗•弗里德伯格墨西哥艺术家佩德罗•弗里德伯格是一位超现实主义设计师与视觉艺术家，他设计的手椅成为设计史中的经典符号。他的创作融合超现实主义、欧普艺术和巴洛克式装饰，呈现出繁复迷幻的强烈效果。展览作品《塔罗幼儿园》是以玻璃为媒介的超现实主义风格的塔罗牌套组。作品由精美的手工银镜制成，并以矿物颜料印制出明亮而饱和的色彩，包括金色、玫瑰金、钻蓝与铜色等，展现了艺术家标志性的超现实幽默与戏谑，以其独特的视觉语言，对历史悠久的塔罗占卜中最核心的原型形象进行了个人化的诠释，如“愚者”“魔术师”“皇帝”等。 凝固的虚空玻璃 145 x 95× 95 cm 2015汉斯 •欧普•德•贝克比利时艺术家汉斯•欧普•德•贝克是当代沉浸式装置与影像叙事领域的重要代表之一。他擅长构建介于现实与虚构之间的完整场景或微缩世界，作品往往以灰白或单色调为主，营造出静谧、沉思的感官氛围。展览作品《凝固的虚空》，以17世纪“虚空派”静物绘画为灵感，用玻璃塑造出一桌充满象征意味的静物：骷髅、蜡烛、水果、书籍、日常器皿等元素被凝固在通透的玻璃材质中，呈现出一种冷冽的“冰封”质感。玻璃的透明与雾面效果，既保留了物体的形态细节，又赋予其超现实的疏离感。艺术家通过玻璃的“凝固”特性，将虚空派对生命短暂、物质虚无的哲学思考，转化为视觉上的永恒定格。 作品构成一张圆形餐桌，摆满巴洛克风格的现代与古典物件，核心元素包括：• 骷髅（死亡象征）• 熄灭的蜡烛（时光流逝）• 水果（易腐的物质享乐）• 翻开的书籍（知识与虚荣）• 日常器皿与玻璃容器视觉与意境• 材质语言：通体喷砂无色玻璃，表面呈雾面冰封感，通透又疏离，似被瞬间冻结的“冰雕”。• 应力呼应：借用玻璃“熔融—冷却—冻结应力”的物理特性，将“易碎的永恒”这一矛盾感视觉化，契合“玻璃应力”展览主题。• 时空隐喻：把虚空派的“生命虚无”思考，定格为永恒的静止瞬间，冷冽、静谧又引人沉思。核心思想以当代玻璃语言重构古典虚空派，用玻璃的透明/脆弱/永恒三重特质，探讨存在与消逝、物质与虚无的永恒命题。这个是展览中我最喜欢的作品 个体玻璃 尺寸可变 2017维克·穆尼斯巴西艺术家维克•穆尼斯是一位连接高雅艺术与流行通俗文化的当代视觉艺术家，他的纪录片作品曾入围奥斯卡奖。他的创作以巧克力酱、玩具、灰尘等日常物来精心复刻艺术史中的经典作品或知名图像，并以摄影作为最终呈现。展览作品《个体》由巨型的传统威尼斯样式高脚杯组成，每一件都有独特的色彩与造型：黑色的厚重、金色的华贵、透明的纯粹、黄色的明亮、蓝色的清透。穆尼斯通过放大日常玻璃器具的尺度，将其转化为具有纪念碑性的雕塑。“个体”的标题呼应了每件作品的独特性—色彩、形态、工艺的差异，如同个体的身份与特质；同时，它们又共同构成一个系列，暗示个体在群体中的共存关系。典型的威尼斯样式高脚杯强化了艺术与日常、个体与环境的对话，体现了穆尼斯对视觉符号、材质尺度与观念表达的精妙结合。 鸟玻璃 尺寸可变2014劳拉•普罗沃斯特法国艺术家劳拉•普罗沃斯特曾在2013年获得透纳奖。她的作品通过沉漫式的混合媒介环境，将影像、声音、雕塑、现成品、文字和表演交织融合，为观者构建出迷宫般引人入胜的多重感受。展览作品《鸟》为多只基于穆拉诺工艺传统，又充满奇幻感的鸟类形象，身体融合蓝、绿、粉等柔和色调，表面的斑驳点状纹理如自然肌理与幻想色彩的交织；颈部呈现出夸张的卷曲造型，与纤细的金属质感双腿形成强烈视觉反差，打破了鸟类的常规形态，却在玻璃的细腻呈现中营造出梦幻与真实并存的质感。此件作品通过对传统 “乌”的超现实重构，既是对自然生命的奇幻演绎，又暗含着对生态、存在的隐喻思考。 尘归尘吹制玻璃圣杯、纸灰尺寸可变 2009安东尼奥·列洛意大利艺术家安东尼奥•列洛是一位跨媒介观念实践者，其将游戏等电子虚拟形式纳入艺术表达的早期实践，为当代数字艺术的发展提供了参照。他擅长将不同物品或材料进行错置、拼接、改造，让作品在轻松诙谐中暗含反讽与沉思。展览作品《尘归尘》呈现一系列古典的玻璃高脚杯，杯身透明纯净，内部填充封存着文学经典书籍的“灰烬”，象征作品的物质化遗存与时间的消解，构建了文学、物质与时间的对话。玻璃的通透与灰烬的混沌形成视觉与观念的反差，既像是对文学遗产的物质性纪念，又以“尘归尘”的意象隐喻作品在时间中的消逝与永存，体现了他在玻璃艺术中对文化符号与物质哲学的深度探索。 因受围栏限制，无法清晰地拍出每个物体的特写照片，因而无法看清楚高脚杯里放着的纸灰，从网上找了几张放在这里作为参考。 弄瓶伎人玻璃 尺寸可变 2019罗伯特·威尔逊美国艺术家罗伯特•威尔逊身兼戏剧与歌剧导演、舞台与灯光设计师、建筑师等多重身份，被誉为“实验戏剧的灯塔式人物”，曾在1993年获得威尼斯双年展金狮奖。他的创作彻底改变了当代剧场美学，通过对光影、空间、时间的设计将舞台塑造成动态中的艺术装置。展览作品《弄瓶伎人》由多对中国古化“弄瓶”伎人组成，以肘或以肩背各自稳稳承托一瓶。这些倾斜的体态和难以捕捉的稳定隐藏着一种惊心动魄的平衡，动态的张力试图冲破雕塑的静止。威尔逊创作的灵感源于中国国家博物馆所藏东汉《观伎画像砖》，他从中国传统非遗杂技场景中，敏锐地捕捉到了“冲突即戏剧本身”的内核：矛盾不是对立的终点，而是关系的起点；平衡不是静止的结果，而是角力的过程。遂在流动的玻璃媒介中，展示这一动态的角力。 扶住坠落的你玻璃、金属 210× 65 × 65 cm / 2024莫妮卡•邦维奇尼意大利艺术家莫妮卡·邦维奇尼是当代批判性艺术实践的关键人物之一，曾在1999年获得威尼斯双年展金狮奖。她的作品将钢筋、玻璃、链条、皮革、霓虹灯等建筑材料和工业元素解构重组，探讨了空间如何被设计以塑造和控制人的行为和关系，尤其关注其中隐合的暴力、欲望与张力。展览作品《扶住坠落的你》，以玻璃为核心材质，将黑色皮制构件与金属链交织成垂吊装置。在展览空间中，皮与玻璃的质感碰撞，既具工业冷峻感，又借“扶住坠落”的意象，探过权力、束缚与空间的张力，是其对身体、建筑与规训议题的当代艺术演绎。 似同实异玻璃、金属1108.58s 58.cm 2024希拉•库玛丽•辛格•布尔曼英国艺术家希拉·库玛丽·辛格·布尔曼以融合印度神话、宝莱坞元素与流行文化的创作而广受关注。她的作品围绕印度裔身份和女性经验，通过纷繁绚丽的视觉语言探讨文化记忆、身份历史等议题。展览作品《似同实异》以玻璃吊灯为載体，融合了丰富的印度视觉符号：色彩斑斓的玻璃鸟、花朵、人物形象，搭配自行车轮等元素，通过玻璃的通透与色彩晕染，呈现出充满活力的立体结构。布尔曼的创作常融入印度文化符号与英国本土元表，这件作品也延续了这种文化杂帮的风格—玻璃构件的装饰性与叙事性交织，既像是一场视觉的狂欢，又暗含对身份、文化差异与共性的思考。“似同实异”的标题恰如其分，玻璃的统一材质下，每个元素都有独特的形态与色彩，如同文化身份的多元性，在“相似”的表象下藏着“差异”的内核，体现了艺术家对文化融合与个体独特性的探索。 以玻璃为媒，融艺术、工艺与哲思于一体。冰冷玻璃被赋予温度与情绪，通透肌理间藏着力与光的碰撞；每件作品都打破常规，把脆弱与坚韧、虚空与具象、消逝与永恒相融。既见手工匠人的精湛技艺，也读懂艺术家对生命、文明、时间的深层思考，静谧又震撼，余味悠长。展品中有四件着重介绍，因为它们是这次展览中的“重器”