澳新之旅（7）——‍漫步悉尼：海港、艺术与人间烟火

晨光

有人说，悉尼的浪漫，藏在歌剧院的贝壳穹顶里，藏在海港大桥的钢铁弧度中，也藏在那些不那么起眼的日常角落。

这一次来悉尼，我没有只追着网红打卡点跑。一头扎进新南威尔士州美术馆，在画作与雕塑里，读懂这座城市的艺术脉络；

清晨的鱼市场，带着咸湿海风的叫卖声此起彼伏，新鲜的生蚝与果汁，是独属于悉尼的鲜活开场白；

再找个午后坐在悉尼港边，看着歌剧院与海港大桥同框，才懂为什么这里会成为无数人魂牵梦绕的地方。

在上一集澳新之旅（6）‍『悉尼歌剧院 』——‍世界遗产的建筑之美中，我们一同领略了歌剧院的白帆与隔海相望的海港大桥。这一站，让我们继续跟着镜头，慢慢解锁悉尼的更多精华地标。

结束歌剧院的参观，我们沿着植物园的步道慢慢散步，把节奏还给脚步，把心情还给自然。

脚下是柔软的草坪，头顶是撑开的浓荫，阳光从叶缝里漏下来，在草地上织成流动的光斑。

远处的石柱静静立着，像是城市里被遗忘的旧时光，和这片绿意温柔相拥。

原来悉尼的浪漫，不止在歌剧院的穹顶下，也藏在这风里、草里、树影里，藏在这一段不慌不忙的慢时光里。

皇家植物园的麦考利夫人角，是悉尼最经典的观景台之一。

在这里，歌剧院的贝壳屋顶与海港大桥的钢拱同框入镜，天然的树枝形成了温柔的画框，框住了悉尼港最美的一帧。

找一张长椅坐下，吹着海风，看云卷云舒，连时间都慢了下来。

这是位于麦考利夫人角，悉尼著名的麦考利夫人座椅（Mrs Macquarie's Chair）。它不仅是皇家植物园里的地标，更是一段悉尼早期历史的见证。

历史由来

这不是一把普通的椅子，而是1810年由囚犯手工在砂岩上凿刻而成的天然座椅，为当时新南威尔士总督麦考利的夫人伊丽莎白打造。传说总督常需回英国述职，往返要两年多，伊丽莎白便常坐在这里，眺望海面等待丈夫归来，也被称作“望夫椅”。

悉尼的浪漫，是港边的风、远处的帆，还有此刻放空的自己。看歌剧院的贝壳屋顶在云下发光，看大桥横跨在水天之间，连发呆都成了风景。或许，这便是“偷得浮生半日闲”的真实写照吧。

当目光从歌剧院的穹顶移开，转身180°，悉尼港的另一面便在眼前展开。

花园岛海军基地的钢铁巨舰静静泊在水面，带着澳大利亚皇家海军的百年荣光，与海港的温柔风景撞了个满怀。

一边是艺术的浪漫，一边是力量的肃穆，这大概就是悉尼独有的，刚柔并济的浪漫吧。

风里带着咸湿的海味，我在城市的喧嚣与军舰的沉默之间，找到了旅行最迷人的注脚。

民以食为天，旅行的快乐，有一半都藏在当地的菜市场里。

来到悉尼，怎么能错过大名鼎鼎的悉尼鱼市场？顺着地图上的坐标，一头扎进这满是海味的热闹里，鲜活的鱼虾、刚出炉的炸鱼薯条，还有带着咸湿海风的烟火气，都是属于悉尼的味道记忆。

这里是南半球最大的海鲜市场，也是全球第三大海鲜交易市场（仅次于东京丰洲鱼市场），也是我在悉尼，最接地气的一站。它位于悉尼Pyrmont区的布莱克沃特尔湾，毗邻达令港。

它集批发、零售、餐饮于一体，每年交易量超1.35万吨，每日供应上百种海鲜，包括澳龙、皇帝蟹、生蚝、三文鱼等。已经成为了悉尼的热门打卡地。

每到中午，整个鱼市大厅里人声鼎沸，店家的吆喝声、顾客的交谈声此起彼伏，混着海产特有的咸鲜气息，热闹得让人一下子就融入了当地的烟火气里。

穿行在熙熙攘攘的人流中，看当地人熟络地和摊主讨价还价，挑拣最新鲜的渔获，这种热热闹闹的市井日常，大概就是旅行里最动人的风景吧。

两侧的海鲜档口一字排开，水箱里的龙虾、螃蟹张着大螯，冰台上各色海鱼排列得整整齐齐，带着刚上岸的鲜活劲儿。

汇率按1:4.9换算，图中的水产品价格如下：

• 珊瑚鳟：64.99× 4.9= 318.45元/公斤

• 蓝花蟹：34.99× 4.9= 171.45元/公斤

• Wrase:27.99 × 4.9 = 137.15元/公斤

• 多利鱼：26.99× 4.9= 132.25元/公斤

• 新西兰真鲷：22.99 x 4.9= 112.65元/公斤

感觉价格还可以哈😂😂😂

• 帝王鲑：40.99 × 4.9= 200.85元/公斤

• 黄尾狮鱼：39.99 × 4.9= 195.95元/公斤

• 大西洋三文鱼：29.99 × 4.9= 146.95元/公斤

• 尖吻鲈：20.99x 4.9 = 102.85元/公斤

•鱿鱼：39.99 x 4.9 = 195.95元/公斤

•墨瑞鳕：32.99x 4.9 = 161.65元/公斤

•鲷鱼：24.99 × 4.9= 122.45元/公斤

• 澳洲鲷：23.99× 4.9= 117.55元/公斤

•红spot白鱼：17.99× 4.9=88.15元/公斤

• 蛤蜊：15.99 × 4.9= 78.35元/公斤

蓝鳍金枪鱼刺身 （Bluefin Tuna Sashimi）：

澳元単价：$149.99/kg

换算人民币：149.99× 4.9=734.95元/公斤

这是目前所有海鲜里最贵的一款，蓝鳍金枪鱼尤其是刺身级的，价格本来就很高，这个换算结果也能看出来它的高端定位。

•太平洋生蚝：28.00x 4.9= 137.20元/打

• 悉尼岩蚝：39.90 × 4.9= 195.51元/打

•AAA级悉尼岩蚝是澳洲高端生蚝品种，口感鲜甜，所以单价比太平洋生蚝贵不少。

上图：叫“鯕鳅”，俗称“鬼头刀”，是一种热带大洋性鱼类。其身体呈艳丽的绿黄色，头部轮廓有点像鱼头刀，肉质洁白紧实，适合煎、烤或做刺身。

下图： 前排深色大鱼叫“澳洲盲曹鱼”或“尖吻鲈”，是澳洲非常受欢迎的食用鱼。其肉质细嫩、刺少，适合清蒸、香煎，是澳洲海鲜市场的常客。

中间那条银灰色大鱼，是黄尾狮鱼/章红鱼（Kingfish），体型修长、银灰色，肉质油脂丰富，是刺身、寿司的热门选择。

市场里的海鲜档口，冰鲜的渔获码得整整齐齐，橙红的蟹肉、肥美的大鱼，每一处都透着南澳的鲜活与热闹。

悉尼鱼市场里，除了鲜活的海鲜，还有一片被鲜花和水果簇拥的小天地。橙黄的柑橘、清甜的西瓜，和盛放的鲜花相映成趣，逛累了在这里走走，连空气里都裹着果香与花香，格外治愈。

悉尼鱼市场的一角，不止有海鲜。烘焙坊的香气、鲜榨果汁的清爽，还有水果摊的缤纷色彩，把市井的烟火气揉进了每一处细节里。

谁能想到，鱼市场里竟藏着这样温柔的就餐区。油纸伞撑开一片宁静，原木的质感带着暖意，在这里吃一顿海鲜，都多了几分雅致的仪式感。

悉尼鱼市场的快乐，是海鲜的N种打开方式。刚挑好的鲜活海产可以现买现做，档口前更摆满了琳琅满目的熟食海鲜：芝士焗龙虾、香煎鱼排、椒盐大虾、烤扇贝⋯•热乎的香气裹着烟火气，随便挑几样，就是最地道的澳洲海鲜大餐。

悉尼鱼市场的惊喜，不止在里面。外面的露天就餐区，把海鲜的鲜和悉尼港的美，一起装进了时光里。吹着海风，看着海港与天际线，一口海鲜一口风景，这才是悉尼最惬意的打开方式。

悉尼鱼市场外的午后，阳光、海风，还有不怕人的朱鹮和海鸥，人和自然就这样慢悠悠地融在了一起。

告别了鱼市场的烟火喧嚣，我们走进了新南威尔士美术馆，把脚步放慢，把心也沉下来。

新南威尔士州美术馆（Art Gallery of New SouthWales，简称AGNSW），是澳大利亚最重要的公共美术馆之一，也是悉尼的文化地标。

创立于1872年，1874年举办首次公开展览，至今已有超过150年历史。旧馆的新古典主义建筑风格典雅庄重，是悉尼极具代表性的历史建筑。

馆内藏品约3万件，涵盖了从古代到当代的各类艺术作品，是澳洲三大国家级美术馆之一。

这里的收藏，藏着多元的故事：澳洲本土、欧洲经典、东方美学，一步一景，皆是跨越时空的艺术对话。

新南威尔士州美术馆并不高，地上一层，是仿古典的建筑，另外4层则在地下。

外立面贯通上下柱间的是狭长的方窗，窗框与窗楣处都是典型的文艺复兴时期雕刻做法。

美术馆外墙全部由浅桔黄色石材装饰，入口处有个突出的柱廊，颇具古罗马神庙的遗韵。

入口内是一处玄关式的小展室，中间穹隆圆顶，两旁半圆形，通过这个展室进入美术馆的正厅。

这件“门神”般的雕塑，叫『多臂双头像』。材质为青铜雕塑，结合镀金、彩绘等多种表面处理工艺。

这件作品打破了传统雕塑的二元对立，用“多臂双头”的形象，探讨身份的多元性与文化的杂糅，也是对美术馆这种“精英机构”的一次有趣的“入侵”。

它被安置在老馆入口的壁龛里，像一位“守门人”，用强烈的视觉冲击力迎接每一位观众，也是馆内最受欢迎的打卡点之一，很多人都会和它合影留念。

逛新南威尔士美术馆，刚进门就被入口的两尊雕塑吸引住了。

左边的小天使是《蘑菇上的迫克》，霍斯默把莎士比亚笔下的精灵雕得活灵活现，仿佛下一秒就要蹦起来搞恶作剧；右边菜顿的《与蟒蛇搏斗的运动员》，肌肉的线条和对抗的张力看得人屏住呼吸。

一柔一刚，两种极致的美，成了这次逛馆最难忘的开场。

进入美术馆，首先参观的展厅是G层的「大法庭/大展厅（Grand Courts）」，它是馆里最核心、最经典的展区。

它是连接欧洲古典展区、澳洲本土展区和原住民展区的核心长廊。也是馆里最标志性的打卡点，玻璃穹顶、对称拱廊和百年木地板，氛围感拉满，几乎所有游客都会在这里拍一张全景照。

大法庭里陈列的是美术馆的核心馆藏，从15世纪欧洲文艺复兴名画，到19世纪澳洲本土风景画、雕塑，再到原住民当代艺术装置，都在这里展出，是整个馆历史脉络最完整的区域。

在欧洲古典绘画展厅与原住民艺术展区连通的核心中庭，有一组澳大利亚🇦🇺原住民（土著）艺术品。它是澳洲北部提维群岛 （Tiwilslands）原住民传统丧葬图腾柱 Pukamani 葬礼柱（也叫 Larrakitj空心原木纪念柱），是澳洲原住民传承千年的神圣木雕艺术，用来承载祖先故事、祭祀缅怀逝者，是原住民文化最核心的艺术符号之一。

这里是澳大利亚本土艺术展区（大法庭浅蓝墙面）。主要馆藏🈶：

• 海德堡画派澳洲风景油画（汤姆•罗伯茨、亚瑟•斯特里顿等大师作品）

• 19世纪青铜雕塑

• 东方古董瓷器与金银首饰展柜（中、日外销瓷与茶道器具）等。

《罗克渡口的防御战》

—— 法国画家阿尔方斯•德•纽维尔

布面油画，1880年，镇馆之宝级藏品。

背景解读

1. 历史事件：这幅画描绘的是1879年 Anglo-ZuluWar（盎格鲁-祖鲁战争）中著名的罗克渡口战役：约100名英军士兵在传教站抵御了数千名祖鲁战士的围攻，最终守住阵地，成为维多利亚时代英军“以少胜多”的传奇战例。

2. 艺术价值：这是画家德•纽维尔最著名的战争题材作品，以高度写实的细节、紧张的动态和戏剧化的光影，还原了战场的残酷与混乱。画中清晰刻画了英军士兵、伤员、传教士（乔治•史密斯牧师）和战地医院的场景，是研究19 世纪战争艺术的重要作品。

19世纪新古典主义大理石雕塑 ——

《沐浴少女（浴女 La Baigneuse）》

题材对应罗马神话里的月亮与狩猎女神狄安娜（Diana），描绘女神沐浴后、温柔整理身上织物浴巾的瞬间，是欧洲古典雕塑最经典的唯美题材。

欧洲古典绘画长廊＋跨文化交融陈列区：

玻璃展柜是东亚古董器物专区（以中国明清青花瓷、日本茶道瓷器、金银首饰、文房珍玩为主）。

美术馆特意把东方古老瓷器，和欧洲百年名画放在同一空间，展现东西方艺术千年交流、殖民贸易里的文化碰撞。这样的布展，真的是用心良苦！

这些展品是18-19世纪欧洲瓷塑摆件，主要是德国梅森（Meissen）、英国皇家道尔顿等欧洲名窑生产的装饰性瓷偶与瓷塑，也是馆内欧洲装饰艺术收藏的一部分。

这些瓷塑大多是硬质瓷，采用手绘彩釉、描金等工艺，题材多为田园人物、动物（鹦鹉、仙鹤等）、神话场景，是欧洲洛可可、新古典主义时期的典型装饰瓷。

其中梅森瓷是欧洲最早的硬质瓷品牌，以细腻的釉色、生动的造型著称，这类瓷偶也是当时欧洲贵族客厅的流行摆件。

这类瓷塑大多诞生于18世纪，是欧洲在仿制中国瓷器成功后，发展出的本土瓷艺风格，融合了欧洲的审美与工艺，展现了当时贵族的生活趣味与工艺水平。

在大法庭展厅中，欧洲古典艺术展区（大法庭红墙区域）绝对是该美术馆的重要展区。这里馆藏🈶多件世界级油画珍品 —— 重量级大师的真迹。

如： 尤金•德拉克洛瓦、梵高、莫奈、.福特•马多克斯•布朗、•彼得 •保罗•鲁本斯、布龙齐诺、 里贝拉、 卡纳莱托、 康斯太勃尔、塞尚等。

在该展区，布展者特意摆放了几个黑色大球，它们既是地球仪，也是顶级原住民当代艺术装置。

作品名：《思想之墓 Tombs of Thought》

球面黑白条纹纹路，不是普通世界地图，它源自澳洲原住民千年传承的木雕、盾牌古老图腾纹样，把原住民古老宇宙观，画在了整个地球之上。

作品具有深层艺术寓意，艺术家故意把这件原住民当代装置，放在满墙欧洲古典名画的百年殿堂里：

• 反转欧洲殖民视角的世界历史

•诉说澳洲原住民被遗忘、被掩埋的大地记忆

•用原住民视角重新定义“世界版图”，反思殖民历史与土地主权。

新南威尔士美术馆（旧馆/Grand Courts）的欧洲古典艺术展区，收藏了从文艺复兴到19世纪印象派的数百件欧洲艺术品，其中大部分为油画。限于篇幅，这里仅分享部分具有代表性的大师们的作品。

《马恩河畔》

—— 保罗•塞尚（法国，1839-1906）

布面油画，约1888年

背景解读

塞尚被称为“现代艺术之父”，这幅《马恩河畔》是他中期的风景画代表作。画中摒弃了印象派对瞬间光影的追逐，转而用坚实的结构、稳定的构图和均衡的色彩，探索自然的永恒秩序，对后来的立体主义产生了深远影响，被称为“现代绘画的基石”。

这是澳洲公立美术馆中最昂贵的馆藏之一，也是该美术馆的镇馆之宝。

《贝勒岛的古尔法港》——

克劳德•莫奈（Claude Monet，法国，1840-1926)

创作年份：1887年，材质：布面油画

创作背景

1886年秋天，莫奈来到法国布列塔尼海岸的贝勒岛（Belle-ile）写生，在这里待了两个月，专门描绘岛屿崎岖的海岸和变幻的天气。他在给好友的信里形容这片景色：“这里的风景壮丽又狂野，堆积着可怕的岩石，大海的色彩美得不可思议。”

作品艺术亮点

•打破常规的构图：没有传统海景画的地平线，用前景两侧的悬崖形成“框景”，让画面充满压迫感，像站在悬崖边直面汹涌的大海。

•极致的光影捕捉：用细碎的彩色笔触描绘海浪，把不同光线、不同天气下的海水质感表现得淋漓尽致，是印象派“捕捉瞬间光影”的教科书级作品，是馆内人气最高的作品之一，也是馆内的镇馆之宝。

《布鲁日集市》

—— Flora MacDonald Reid

（英格兰/苏格兰，1872-1938）

布面油画，1893年

背景解读：

这是苏格兰女画家 Flora MacDonald Reid的作品，她以描绘欧洲市井生活见长。布鲁日是比利时的历史名城，也是她反复描绘的题材之一。这幅画展现了当地集市的日常景象，笔触柔和，色调偏冷，带有19世纪欧洲风俗画的典型特征。

《农民头像》—— 文森特•梵高

Vincent van Gogh（荷兰，1853-1890）

布面油画，1884年

作品介绍

1884年末，梵高进入了绘画的高产期，创作了约40幅农民半身肖像。这一系列“头像习作”鲜明地体现了他对农业工人与乡村贫民的同情。这些观察最终催生了他早期荷兰时期的代表作《吃土豆的人》（1885，现藏梵高博物馆）。这幅画正是《吃土豆的人》中一位人物的习作，画中人物被认为是画中家庭的大家长安东尼斯•凡•鲁伊。

这幅肖像以粗犷的笔触与沉郁的色调为特征。梵高的目标是追求真实、坦诚与直接，不做美化，也不煽情。农民红润饱经风霜的脸庞几乎隐没在黑暗中，只有油灯的微光勾勒出皮肤与衣料的轮廓。

这是1990年由基金会收购的一幅镇馆之宝。

《埃拉尼的农舍》

—— Camille Pissarro（法国，1830-1903）

布面油画，1887年

背景解读：

毕沙罗是印象派的核心人物之一，以描绘乡村风景与农民生活闻名。埃拉尼是他晚年定居的地方，也是他反复描绘的题材。这幅画以细碎的笔触、柔和的色调，展现了法国乡村农舍的宁静景象，体现了印象派对光影与自然氛围的捕捉。

《在莫雷卢安河畔的西斯莱夫人》

—— John Russell（澳大利亚/法国，1858-

1930)

布面油画，1887年

背景解读

约翰•罗素是澳大利亚印象派画家，长期旅居法国，也是梵高的好友。这幅画描绘的是印象派画家阿尔弗雷德•西斯菜的妻子，在法国莫雷的卢安河畔的场景。罗素深受印象派影响，尤其擅长捕捉户外光线，这幅画也体现了他对光影与自然氛围的细腻表现。

《西蒙与伊菲革涅亚》

—— 弗雷德里克•莱顿（英国维多利亚时代）

布面油画，创作于1884年，镇馆之宝之一。

作品背景与解读

1. 创作与收藏信息

。创作于1884年，首次亮相于英国皇家艺术学院，1976年被新南威尔士美术馆从伦敦拍卖会上购得，至今仍是馆内最受瞩目的欧洲古典名画。

。画框是菜顿亲自设计的新古典主义风格，立柱与檐部的雕刻细节，让整幅作品宛如一座微型神殿。

2. 画面故事来源

作品取材于薄伽丘《十日谈》中的经典故事：粗鄙无知的少年西蒙，在森林中偶遇熟睡的美女伊菲革涅亚，被她的美貌震撼，从此脱胎换骨，成为有教养的贵族。莱顿用这幅画表现了“美对人性的净化与救赎”这一主题。

3. 艺术特点

。极致的古典美学：莱顿以近乎完美的技法，将伊菲革涅亚的身体与衣褶刻画得如大理石般温润柔和，黄昏的光线从地平线漫入，为画面蒙上一层朦胧的金色柔光，营造出如梦似幻的氛围。

。维多利亚时代的审美巅峰：这幅画代表了当时英国学院派艺术的最高水准，被视为“唯美主义”与“新古典主义”结合的典范，也是莱顿最富盛名的作品之一。

这是巴洛克大师 彼得•保罗•鲁本斯的作品——《圣殿献主》（The Presentationin the Temple），它现陈列在老馆的欧洲古典艺术展庁之中，是馆内巴洛克艺术的代表作品。

作品解析：

1.创作背景

这件作品创作于约1632-1633年，是鲁本斯晚年的重要宗教题材作品，描绘了《圣经》中圣母玛利亚与约瑟将婴儿耶稣带到圣殿献祭的场景，中心抱着圣婴的老者就是预言家西缅。

2. 艺术特点

。采用棕褐色调的单色技法（grisaille），类似素描底稿，是鲁本斯为大型祭坛画创作的预备稿，也兼具独立的艺术价值。

。画面中的人物动态、衣褶和建筑透视，都体现了鲁本斯标志性的巴洛克风格：强烈的戏剧张力、饱满的人物动态和精准的光影塑造。

这是陈列在欧洲古典艺术展厅中的，巴洛克大师 彼得•保罗•鲁本斯的作品《君士坦提乌斯任命君士坦丁为继》，它创作于1622年。

作品解析：

1.创作背景

这幅画是鲁本斯为法国王室制作的君士坦丁大帝生平系列挂毯而创作的预备油画稿（Modello），描绘了罗马皇帝君士坦提乌斯•克洛鲁斯，将象征帝国权力的金球交给儿子君士坦丁（即后来的君士坦丁大帝）的场景。

2.画面解读

。画面中心，年迈的皇帝（君士坦提乌斯）正将象征权力的球体递给年轻的君士坦丁；上方的天使手持桂冠，象征神权对这一任命的认可。

。下方的老人形象是拟人化的“台伯河”，代表罗马帝国的土地见证这一历史时刻。

3. 艺术特点

作为鲁本斯标志性的“油画稿”，这幅画保留了他巴洛克风格的精髓：动态的人物构图、强烈的光影对比、充满张力的戏剧性氛围，是鲁本斯从草图到成品的完整创作过程的珍贵见证。

这是法国野兽派创始人 亨利•马蒂斯的作品《站立的裸女》（Nu debout/Standing Nude），创作于1907年，现收藏于新南威尔士州美术馆，陈列在国际现代艺术展厅，是馆内现代艺术板块的核心馆藏之—。

作品解析：

1. 艺术风格

这是典型的野兽派（Fauvism）作品，也是马蒂斯早期的代表作之一。

。用色大胆奔放，摒弃了写实光影，以高饱和度的红绿、黄蓝撞色构建画面；

。粗犷的厚涂笔触、夸张的人体轮廓，打破了传统学院派的写实范式，传递出强烈的情绪张力。

2．创作背景

这幅画创作于马蒂斯艺术生涯的关键时期，是他探索色彩表现力的重要实验。画面中的模特以双臂抱胸的姿态伫立，马蒂斯通过夸张的色块和变形，将人体转化为纯粹的色彩与形式，体现了野兽派“用色彩解放视觉”的核心理念。

除了上述介绍的世界名画外，还有许多各国各时期、流派的优秀作品，这里就不一一介绍了。有兴趣的读者，可以前往新南威尔士州美术馆的官网观赏。

这尊雕塑是西班牙巴洛克时期的彩绘木雕，表现的是天主教重要圣人 圣方济各（St. Francis of Assisi)。

圣方济各是方济各会的创始人，以简朴、虔诚和对万物的爱著称。

在美术馆Level 2的亚洲艺术厅，陈列着很多中国瓷器，从唐代陶俑、宋瓷，到明清的青花瓷、粉彩瓷都有收藏，尤其是明清外销瓷，是馆内的一大亮点。

照片里的青花碗、粉彩盖碗、杯碟套装，也都是典型的中国清代外销瓷样式，当年这些瓷器就是专门为欧洲市场生产，通过海上丝绸之路出口到西方的。

图中的这个特别的柱子装置，是喀麦隆艺术家 Pascale Marthine Tayou 的装置作品《Colonne Pascale》（帕斯卡尔之柱）。

作品由艺术家收集的陶瓷器皿堆叠而成，这些带有不同花纹、色彩（以黄、白、蓝主）的陶罐被垂直叠放，形成高耸的柱形雕塑。它既有着现代主义雕塑的简洁线条，又在近距离观看时展现出每一件器皿独特的手工质感与生活痕迹。

作品的核心是探讨全球化与文化身份：这些陶罐来自不同地区，象征着多元文化的碰撞与融合。垂直的“柱子”意象也暗喻着文化的传承、流动与连接，同时带有对殖民历史、现代社会秩序的反思。

《摇椅上的裸女》（也译作《坐在藤椅上的女人》），是巴勃罗•毕加索 （Pablo Picasso）的作品。它是美术馆重要的馆藏品之一，现展存于美术馆的国际艺术常设展厅。

作品背景与解读：

1. 创作背景

这是毕加索晚期立体主义阶段的作品，以他的第二任妻子杰奎琳 •罗克（Jacqueline Roque）为模特创作，也是他晚年极具代表性的肖像作品之—。

2.艺术风格

画面延续了毕加索标志性的立体主义解构手法：人物的身体被拆解为几何块面，打破了传统的人体比例与透视；同时保留了强烈的色彩对比（红、黄、绿、黑），线条充满张力，传递出既私密又充满力量感的情绪。

画面左侧的棕榈树，也是毕加索晚期作品中常见的元素，呼应了他晚年生活的法国南部的阳光与地中海风情。

这是法国野兽派代表画家 莫里斯•德•弗拉芒克（Maurice de Vlaminck）的作品《查图的帆船》（Sailing boats at Chatow），其创作于1906年。现收藏于美术馆的国际艺术常设展厅。

作品解析：

1. 创作背景

这幅画描绘了巴黎近郊查图（Chatou） 塞纳河上的帆船场景，这里也是弗拉芒克等野兽派艺术家常来写生的地方。

2. 艺术风格（野兽派）

。色彩：以强烈、不和谐的色块为主，河水用奔放的蓝色笔触表现，放弃了传统写实的光影逻辑。

。笔触：粗犷有力的厚涂技法，让画面充满动感，这也是弗拉芒克标志性的“暴力笔触”。

。影响：作为野兽派的核心成员，他的创作直接影响了后来的表现主义。

这是南非视觉艺术家赞内勒•穆霍利的《Somnyama Ngonyama》（祖鲁语，意为“向黑暗母狮致敬”）系列自画像作品，也是新南威尔士美术馆旧馆里极具冲击力的一件当代摄影作品。

作品为五联彩色自肖像摄影，艺术家本人出镜。

艺术家以自己的身体为画布，用黄色头巾、蓝色颜料、鲜花等元素进行改造，通过夸张的色彩和符号，挑战西方对黑人女性的刻板凝视，探讨种族、性别与身份的政治表达。

蓝色皮肤的处理、复古头巾与鲜花的搭配，也呼应了西方古典肖像画的构图，用“戏仿”的方式重构黑人女性的主体性。

作品位于Level 1的当代艺术常设区，是馆内国际当代艺术收藏的代表作品之一。

在澳大利亚本土当代艺术常设展厅中，二幅天使双联画《欲望之翼 Wings of Desire 1&2》格外引人注意。

它的作者是珍妮• 沃森 Jenny Watson—澳大利亚国宝级当代女性艺术家，澳洲首位代表国家参加威尼斯双年展的女性画家。

作品灵感来源于经典文艺电影《柏林苍穹下》，用破碎温柔的天使意象，讲述欲望、伤痛与灵魂救赎。

《Mosquito（蚊子）》

是James Angus（詹姆斯•安格斯），澳大利亚当代顶尖雕塑家的作品。

创作特点：

用多边形几何切割的实木，按真实比例放大了数百倍的蚊子雕塑，把日常里不起眼、甚至有点讨厌的小生物，变成了充满冲击力的大型装置。

作品的核心趣味，就是用极简的几何体，还原蚊子的解剖结构，同时放大尺寸，让你重新审视这个既熟悉又陌生的生物。

这幅位于澳大利亚当代艺术常设展区的，名为《Self-portrait with guardian spirits（带守护灵的自画像）》作品，是由Kate Beynon（凯特•贝农），澳大利亚华裔混血艺术家创作的。

作品以艺术家本人为原型，把东方神话元素（中国龙、石狮/舞狮）和西方肖像画传统结合，画里的龙和狮子，既是她的文化身份符号，也是象征守护与力量的“灵物”。

她用鲜艳的平涂色彩、类似日式浮世绘的线条，表达自己作为混血女性的身份认同，和对东方文化的致敬。

这是一幅澳大利亚原住民（土著）点彩画（Dot Painting），属于澳洲沙漠原住民艺术的经典形式。

画面里密密麻麻的彩色圆点，是原住民艺术家用来描绘祖先故事、大地景观和“梦幻时光”（Dreamtime） 的符号语言。

暖棕、赭石、土黄的色调，还原了澳洲内陆红土大地的质感，画中的色块和圆点，既是对地貌的抽象描绘，也承载着原住民的文化与信仰。

这是法国立体主义画家亨利•海登（Henri

Hayden）的作品—《吉他手（The Guitarist）》，创作于1919年。

作品解读

• 风格与技法：这幅画属于合成立体主义（Synthetic Cubism）风格。画家打破了传统的透视与造型，用几何色块、拼贴式的线条重构了吉他手的形象，同时保留了乐器、人物轮廓等可识别元素。

•创作背景：亨利•海登本人就是一位吉他手，这幅作品也被认为带有强烈的自传色彩。他将乐谱、乐器、人物姿态拆解重组，用色彩与形状构建出充满韵律感的画面。

它是新南威尔士美术馆现代艺术展区的重要藏品，也是立体主义艺术的典型代表。

布面油画《画室内部》，出自澳英双籍艺术家 罗伊 •德•梅斯特 （Roy de Maistre,1894-1968）之手，他是澳大利亚抽象与立体主义艺术的先驱人物。

作品欣赏：

1.风格解析：典型的立体主义创作，画面中的人物与空间被拆解为几何色块，地面的棋盘格、背景的建筑线条，都在打破传统透视，构建出一种平面化、多视角的视觉效果。

2. 主题与细节：描绘的是艺术家的画室场景，画中的人物形象经过抽象处理，蓝色、红色的块面暗示了人体轮廓，却又消解了具象特征，是德•梅斯特后期“室内题材”的代表之一。

这与上一幅，同属于罗伊 •德•梅斯特《画室内部》布面油画系列。

作品欣赏：

1. 创作脉络：作品延续了他标志性的立体主义语言：几何线条分割画面，色彩冷静克制，通过梯子、窗框、画架等元素，构建出一个抽象的工作室空间。

2. 艺术背景：德•梅斯特早年曾研究“色彩-音乐”理论，是澳大利亚最早的纯抽象艺术家之一；迁居伦敦后，受毕加索影响转向立体主义风格，这批画室题材作品正是他探索这一风格的重要实践。

补充背景：艺术家的多元身份

• 他不仅是画家，还曾学习音乐，早年的色彩理论实验，也影响了他后期的抽象与立体主义创作。

• 他的作品被泰特美术馆、威斯敏斯特大教堂等机构收藏，是20世纪澳大利亚艺术走向国际的重要代表人物。

《中国小雕像》作品，出自澳大利亚立体主义先驱艺术家多里特•布莱克（Dorrit Black）。

作品赏析：

1. 创作背景：这是布菜克1930年代的立体主义静物代表作，画面中的陶罐、红苹果与中式小雕像，被拆解为几何块面，用暖调的色彩构建出沉稳的秩序感。

2. 艺术特点：她摒弃了传统静物的写实光影，用分割的色块和硬朗轮廓，探索物体在空间中的多视角呈现，是澳大利亚少早期现代主义的标志性实践。

3. 馆藏信息：这件作品是新南威尔士州美术馆的永久馆藏，也是她最知名的静物作品之一。

《米尔芒德风景》同样出自多里特•布莱克（Dorrit Black）之手。

作品赏析：

1. 创作背景：描绘的是法国南部米尔芒德的山城景观，创作于布莱克旅居欧洲期间，是她立体主义风景的代表作品。

2. 艺术特点：将山城、丘陵与建筑拆解为几何色块，简化了自然景观的细节，用平面化的构图表现出风景的结构与韵律，是她从欧洲立体主义汲取灵感的重要成果。

3. 历史意义：布莱克是澳大利亚第一个立体主义艺术团体“现代中心”的创始人之一，这批作品也奠定了她作为澳大利亚现代主义先驱的地位。

Del Kathryn Barton 是澳洲最具代表性的当代女性艺术家之一，这件《come of things》（万物之来）作品是她在馆内最知名的代表作。

作品以迷幻繁复的色彩、半裸的女性形象、动物与自然元素交织而成，探讨女性身体、生命、母性与自然的联结，是她极具代表性的“奇幻女性叙事”风格。

作品位于20世纪及当代澳洲艺术常设展厅中，是馆内本土当代艺术的核心藏品之一。

这是澳大利亚艺术家 埃里克 •威尔逊（Eric Wilson） 在1943年创作的作品《Abstract -thekitchen stove（抽象—厨房炉灶）》。它的馆藏编号是17044，是馆内澳大利亚现代主义与立体主义展区的重要作品之一。

作品核心信息：

1. 创作媒介：木板油画拼贴（Oil, collage onplywood），不只是纯油画，还加入了拼贴元素（如印有文字的纸张），是典型的立体主义混合媒介创作。

2. 艺术风格：立体主义/抽象主义。画面将厨房里的炉灶、水壶、墙面等日常元素拆解、重构为几何块面，用硬朗的线条和明快的色彩，打破了传统静物的写实视角。

3. 创作背景：

。创作于二战期间，威尔逊当时作为反战者在悉尼的医院工作，这件作品是他对日常物品的抽象探索，也是澳大利亚早期现代主义的重要代表。

。画面中能看到拼贴的文字残片（如“DON'T”“MET”），还有模仿砖墙、木纹的肌理，是对立体主义“拼贴”技法的本土化实践。

这是俄罗斯裔立体主义艺术家玛丽亚·沃罗比耶 娃－斯捷别尔斯卡（笔名 Marevna，1892-1984）的作品 —《两个坐着的人/亲密》，创作于1915-1917年间。

作品解析：

1. 创作背景

这是艺术家立体主义阶段的代表作，描绘了她与一战期间法国士兵爱人的亲密瞬间。画中留着标志性长发的女性形象，正是艺术家本人的自画像。

2. 艺术风格

典型的分析立体主义风格：人物与场景被拆解几何块面，打破了传统的透视与轮廓，用分割的色块和线条重构画面，同时保留了柔和的色调与私密的情感氛围。

3. 艺术家简介

Marevna 是巴黎蒙帕纳斯艺术圈的重要成员，也是立体主义运动中少有的女性艺术家之一。她早年受毕加索影响，后来发展出带有个人抒情色彩的立体主义风格，作品被多家国际美术馆收藏。

这是澳大利亚原住民艺术家 温古•廷吉马（Wingu Tingima）的作品 《Minyma Tjuta Tjukurpa》，创作于2007年，现收藏于「伊里巴纳展厅（Yiribana Gallery）」，这是馆内专门展示原住民与托雷斯海峡岛民艺术的常设展厅，也是澳大利亚最重要的原住民艺术展区之一。

作品解析：

1. 创作媒介：这是典型的原住民点画丙烯画（Acrylic on linen），也是澳大利亚原住民艺术的标志性形式。艺术家以密集的点状笔触构建画面，用赭石红、土黄、米白等大地色系，还原出她故乡南澳荒漠的色彩质感。

2. 主题含义：标题“Minyma Tjuta Tjukurpa”是原住民语言，意为“多位女性的创世故事”。画中的螺旋、弧线和色块，并非抽象图案，而是记录了原住民的“梦创时代（Dreaming）”传说一描绘了女性祖先在荒漠中旅行、留下痕迹并塑造地貌的神圣故事。

3. 艺术特点：

。画面里的弧形和同心圆，对应着荒漠中的沙丘、水潭和祖先停留的营地。

。这种“点画”技法，既是对土地的记录，也是原住民传递文化与信仰的方式，每一个图案都承载着特定的故事与仪式。

4. 艺术家背景：温古•廷吉马是澳大利亚最受尊敬的原住民艺术家之一，她的作品聚焦于女性祖先的创世故事，用温柔而充满力量的笔触，传递原住民对土地与文化的深刻联结。

位于美术馆澳大利亚现代艺术展区的这幅布面油画《Untitled 94U39》，由澳大利亚艺术家 蒂姆•马奎尔（Tim Maguire）创作于1994年。

作品解析：

1.创作媒介：布面油画（双联画，Oil oncanvas），以荷兰黄金时代的花卉静物画为灵感，却用当代的摄影式特写与超写实技法，重构了传统静物的表现力。

2. 艺术特点：

。画面聚焦于花卉与枯叶的局部，用暗调背景突出花瓣的柔粉、叶片的金黄，光影层次细腻到近乎摄影，同时保留了油画颜料的厚重质感。

。这种“放大”的花卉静物，致敬了17世纪荷兰静物画中“生命易逝”的寓意，同时用当代视角赋予传统题材新的视觉冲击。

3. 艺术家背景：蒂姆•马奎尔是澳大利亚当代重要的写实主义艺术家，他的花卉系列作品以细腻的光影和强烈的色彩对比闻名，被多家国际美术馆收藏。

这是意大利文艺复兴时期的重要马约里卡（Maiolica，锡釉彩陶）作品，由艺术家 弗朗西斯科 •桑托 • 阿韦利（Francesco Xanto Avelli） 创作于1530年，名为《罗马之劫的寓言》（An allegoryon the sack of Rome），陈列在欧洲艺术常设展厅。

作品背景与细节：

1. 创作背景

这件作品是艺术家对1527年“罗马之劫”事件的回应。神圣罗马帝国军队洗劫罗马的事件，是文艺复兴史上的重大转折，阿韦利用古典神话的寓言形式，隐晦地描绘了这场灾难。

2.画面解读

盘子中心的沐浴女神形象，被解读被洗劫的罗马城；周围混乱的人群，象征着入侵的军队与受难的市民；画面上方的云朵与神祇，则隐喻了事件背后的宗教与政治动荡。

3. 艺术价值

这是意大利乌尔比诺（Urbino）马约里卡陶器的巅峰之作，也是文艺复兴时期少数直接记录当代重大事件的陶瓷作品。盘子背面还带有艺术家的签名与创作日期，是极为罕见的完整存世品。

这是澳大利亚殖民时期最重要的风景画家 约翰•格洛弗（John Glover）的代表作《范迪门地乌斯河上的原住民》（Natives on the Ouse River, VanDiemen's Land），创作于1838年，现收藏于新南威尔士州美术馆的澳大利亚🇦🇺殖民艺术展厅。

作品背景与解读

1.创作背景

这幅画描绘了19世纪30年代塔斯马尼亚（当时称“范迪门地”）乌斯河畔的原住民场景，是格洛弗晚年的重要作品，也是澳大利亚殖民时期艺术中少有的、以平和视角呈现原住民生活的风景画。

2. 艺术特点

。画面以澳大利亚特有的桉树林为主体，用细腻的光影和透视，还原了殖民前塔斯马尼亚的原始地貌，打破了欧洲风景画的传统范式。

。河畔的原住民正在进行狩猎活动，画面中没有冲突或戏剧化的描绘，而是以一种宁静的方式，记录了原住民与土地的共生关系。

《The legend of the Queen of the South 》(女王的传说），是埃塞俄比亚艺术家 Belachew Yimer 的作品。作品展陈在亚洲艺术展厅（非洲宗教与民间艺术品也收藏于此）。

作品背景解析：

1. 主题与形式

这幅作品是典型的埃塞俄比亚宗教叙事画，以连环画式的分镜，讲述了《圣经》与埃塞俄比亚传说中示巴女王拜访所罗门王的故事。4行11列的小画格，完整呈现了女王的旅程、与国王的会面，以及后续的传说情节。

2. 艺术风格

采用了埃塞俄比亚传统宗教绘画的鲜明特征：平面化的构图、高饱和度的红/黄/蓝配色，以及程式化的人物造型，带有强烈的非洲民间艺术色彩。底部的吉兹语（Ge'ez）文字，是传统宗教画的常见元素，标注了故事的关键情节。

夕阳为海港大桥镀上金边时，我们站在麦考利夫人座椅回望。歌剧院的白帆与军港的舰影在波光里重叠，新鱼市的喧嚣与老美术馆的静谧在记忆里交融。这座城市的魅力，或许正在于它能将百年砂岩的厚重与崭新市场的鲜活，将自然的壮阔与人文的细腻，都揉进同一片海风里。当暮色漫过植物园的树梢，才懂得旅行的意义，从来不是打卡多少地标，而是让某个瞬间的风景，成为往后岁月里想起便会微笑的理由。