<p class="ql-block">【续前】</p><p class="ql-block">绿色小屋</p><p class="ql-block">我掀开小屋的门帘，开始吓了一跳。</p> <p class="ql-block"><span style="font-size:20px;">绿色板块</span></p><p class="ql-block">绿色是自然界中最常见的颜色，它代表着植物的生长和生命力。象征着春天的到来和万物复苏，给人以生机勃勃的感觉。在困境中，绿色给人以希望，提醒人们无论环境多么艰难，总有重新开始的可能。 绿色还体现了自然界的和谐与平衡，能够让人联想到宁静的森林和清澈的湖泊，从而感受到内心的平静与安宁。绿色与植物的生长密切相关，常被用作健康的标志。在许多食品和药品包装上，绿色常表示产品的天然性和无害性。</p><p class="ql-block">这幅作品，如果不写作品名，我以为是水面的涟漪，但看了题目反而茫然了，题目叫《天然发酵（我知我食)》 作者克里斯托夫·维古鲁 什么东西发酵之后是绿色的呢？想不起来。网上找不到这张作品的解读，关于作者的介绍也很难找。只知道1962年生于法国。</p> <p class="ql-block">“我要过一辈子挥金如土的生活！”这是16岁的塔玛拉·德·蓝碧嘉在华沙庄园里立下誓言。这位1898年出生于富裕犹太家庭的艺术家，从小跟随祖母游历欧洲，在佛罗伦萨乌菲兹美术馆和罗马博尔盖塞美术馆接受了最早的艺术启蒙。在巴黎，她先后师从纳比派画家莫里斯·德尼与立体主义画家安德烈·洛特，将几何构图与古典形体完美融合，开创出独特的"装饰艺术"肖像风格。1920年代，蓝碧嘉迅速成为巴黎社交圈最受欢迎的肖像画家。1929年创作的《在绿色布加迪里的自画像》成为她的标志性作品，画中的她头戴时髦帽子，手握方向盘，眼神自信而冷静，完美诠释了新时代独立女性的形象。</p><p class="ql-block">这幅《绿衣少女》是她的代表作之一。我觉得这幅作品也是这个展馆最符合“正常”普通人审美的画作了。尽管画面上少女的肌肤呈现出金属质感，但这恰恰是塔玛拉的肖像风格之一。</p> <p class="ql-block">《绿色自画像》作者马克·夏加尔出生在俄国一个贫困的犹太家庭，后与妻子贝拉相爱结婚。他曾深受立体派、超现实主义等现代艺术实验与洗礼，并发展出独特个人风格，在现代绘画史上占有重要的地。他一生至少画过七幅自画像，这是其中一幅。他好像在画肖像时很喜欢用绿色。</p> <p class="ql-block">这幅《绿意恋人》是夏加尔在1916年创作的一幅油画，描绘了他与他的第一任妻子贝拉·罗森菲尔德的浪漫场景，他们是在1909年相遇并相爱的。这幅画是夏加尔对爱情和幸福的一种探索和表达，也是他对生命和存在的一种探索和表达。夏加尔用精致而灵动的笔触来表现恋人们的面部特征、服饰细节和背景元素，创造出一种奇幻而富有魅力的形象。他还用明亮而鲜艳的色彩来强调画面的氛围和情感，以及与周围环境的协调。这幅画是夏加尔对欧洲绘画史上对肖像的传统表现的一种挑战和颠覆，尤其是文艺复兴和巴洛克时期的大师，如拉斐尔、提香、彼得·保罗·鲁本斯等。夏加尔也受到了当代画家如毕加索和马蒂斯等的影响。然而，夏加尔并不仅仅是一个反叛者或破坏者，而是用自己独特的视角和风格来创造出一种新颖而有意义的视觉语言。这幅画是夏加尔对自己国家和文化的一种反思和评论，也是他对自己艺术才华的一种展示。画中大面积的绿色映照现他们春日般青涩而蓬勃的爱情。通过这幅画，我们可以看到夏加尔作为一个具有深刻历史意识和广阔文化视野的画家，他能够用自己富有个性和创造力的方式来表达不同主题和风格。这幅画一直珍藏在他家中，直到去世才被拿出来，可见在他心目中的地位。</p> <p class="ql-block">这幅《大宫女》作者马歇尔·雷斯，号称毕加索之后最会绘画的艺术家。雷斯的作品中也有接近古典主义的，但更多的是接近波普主义的新现代主义。</p><p class="ql-block">我刚看到这幅作品还以为是临摹安格尔的《大宫女》，安格尔的是一百多年前古典主义的，是写实的。而雷斯的则是现代风的，他画的皮肤是绿色的，而且几乎没有层次。他只画了一只眼睛，还闪着诡异的光。有人戏称“睁一只眼闭一只眼”。用的颜色也很大胆。翠绿的皮肤配上大红的背景，应了中国一句俗语“红配绿，赛狗屁”。不知道什么意思。大家都知道，尽管世界上人的肤色有很多，但没有人的皮肤是绿色的。雷斯用绿色画人，肯定有他的深意。只是我不了解。</p> <p class="ql-block">这是安格尔的《大宫女》，有人说这幅画的人比例失调，腰椎最起码多了两三块骨头。但是安格尔故意这么画。，所以显得人的腰很长。但也有人说，就是因为这样画就显得腰肢柔软。也有人说这幅画的精妙之处在于胳膊和腰身之间那个月牙形。如果腰椎不是长一点的话，就不会有这么完美的月牙形。</p> <p class="ql-block">虽然雷斯画的皮肤是绿色的，是抽象的，可是服饰却是写实的，而且画的很逼真，质感强烈。跟抽象的皮肤形成鲜明的对比。</p> <p class="ql-block">头巾上的饰物也是写实的。光泽栩栩如生。</p> <p class="ql-block">令人匪夷所思的是画上还“落”了一只苍蝇，之所以我用落这个词，因为这只苍蝇画的太逼真了。</p> <p class="ql-block">《风景中的梵高》作者弗朗西斯·培根 说实话，没看标题的时候，我还真没发现画面中有个人。现在看，这个人在艰难前行，表现出梵高当时的处境。</p><p class="ql-block">弗朗西斯·培根出生于爱尔兰的都柏林，成长于英国。他于1927年离家前往巴黎，参观美术馆，对绘画产生了浓厚的兴趣。也许像很多人喜欢梵高一样，培根很喜欢梵高，被他的热情，他的色彩，他的精神，他的痛苦吸引，其实更重要的是那种“本能”，那种人类本应该具备的天真。那个拙的感觉，那种无法定义绘画性。一种“现实”的猜测，同样是自学成才，而培根如此聪明，这个“热点”一定要有的。就像毕加索，莎士比亚，培根是一个天生的艺术家，很重要的点也来自于此。虽然梵高很难学，比卢西安还难学，不同维度的难，但梵高路人皆知啊。而且培根做到了。谁会说梵高不好呢？如果你不喜欢梵高，那你可能不了解艺术，更是一个无法被理解的人。陈丹青为什么那么推崇梵高？梵高成为了一座高峰，一面旗帜，书店里关于梵高的书最多了，为什么呢？梵高的色彩？梵高的笔触？还是每一个观者从梵高画中看到的自己？同样对颜色，颜料极度敏感的培根，此时吸取了梵高的用色，其实是对颜料的感受，而梵高这个人的魅力更吸引培根，甚至爱上了梵高。梵高的画透漏出来不是很多人所说的痛苦，完全相反，他非常开心，非常兴奋，他在色彩和笔触中寻找梵高。</p> <p class="ql-block">步入晚年田园时期的毕加索，创作显得更为自由与内省。这幅创作于1959年的《静物与珍妮夫人》便是一例。</p><p class="ql-block">静物不言而喻不需要解释，但“珍妮夫人”在哪里呢？原来，“珍妮夫人”并非某位女性，而是法语中对一种“细颈大肚玻璃瓶”的拟人化昵称。毕加索以轻松诙谐的笔触绘画日常静物，让画面中的瓶罐、水果仿佛拥有自己的生命与对话。整幅画作布局明快，色彩活泼。晚年的毕加索对陶艺产生浓厚兴趣，这种对日常器物的关注也反映在绘画中。这幅作品不再承载青春的激情或战争的沉重，更像是一首关于生活本身、关于物体永恒存在的静谧诗篇。它展示了毕加索在历经沧桑后，依然保有的那份对平凡事物的好奇心与创造力。</p> <p class="ql-block">《绿狗》 作者周春芽</p><p class="ql-block">1994年，一只德国牧羊犬，进入了时年39岁画家周春芽的生活。他给这条狗起名为“黑根”，这条狗在他的生活中，起到了很重要的作用：他开始试着以狗为题材，创作了一系列绘画作品。他的“狗”如此与众不同，也开创了他自己主题创作的新领域。在黑根陪伴画家的初期，他创作的“狗”作品内容丰富，充满质感，那时狗的底色还是比较正常的颜色。他创作了一系列形象的黑根，如《黑根一家》、《站立的黑根》等，这一系列作品，让艺术家找到了动物所散发出的天生的活力和狂野之美。1997年，周春芽首次无意识地将“黑根”画成绿色，他一口气创作了好几幅“绿狗”。“绿狗”暗示着什么含义呢？周春芽回忆：1998年，在画绿狗的同时……隐藏着我现实生活的背景，只强化了形态，压缩了生活的具体细节。他还说：绿狗是一个符号，一种象征，暗示了现代人的孤独！</p><p class="ql-block">1999年，“黑根”病死了，他极度痛苦，两年里，不再画狗。当2001年，再次拿起画笔画“绿狗”，熟悉他风格的人发现，绿狗又变化了：这时他创作的原型不再局限于黑根，多种狗竞相欢呼。观察者认为：周春芽这时画的狗，和前期的符号化样式不同，已经更多的包含了些人文情感！时光到了2017年岁末，周春芽的狗再次一鸣惊人——他于十年前创作的作品《三个tt》（tt,应当是狗的代名称），在拍卖会上，以2357.5万的天价成交！三条狗2000多万，每只狗均价接近786万，顶天了！</p> <p class="ql-block">补充几张红色系列</p><p class="ql-block">《红色大地》拉乌尔·乌巴克 法国超现实主义画家、雕塑家、摄影师。</p><p class="ql-block">他早期从事摄影，1945年方式摄影，回归绘画与雕塑。这幅画用树脂堆积雕刻，突出的纹理仿佛空中俯瞰起伏的大地。</p> <p class="ql-block">《大电椅》作者安迪·沃霍尔。他被誉为艺术界二十世纪最伟大的艺术家之一，是波普艺术的倡导者和领导者，也是对波普艺术影响最大的艺术家。他还是电影制片人，作家，摇滚乐作曲家，纽约社交界，艺术界大红大紫的明星人物。他大胆尝试凸版印刷、橡皮或木料拓印、金箔技术、照片投影等各种复制技法。把日常见到的物品进行简单的机械复制，以剥夺图像强劲的表现力，让它们变得平庸。沃霍尔通过这种方式模仿了一般情况下大众媒体中的照片是如何失去其意义的。正如他在1963年所说的："当你一遍又一遍地看到一个可怕的画面时，它并没有真正产生影响。" 当年，纽约州辛辛监狱执行了最后两次电椅死刑。于是，电椅的形象开始出现在安迪沃霍尔的作品中。在之后的十年里，他的作品反复围绕这个主题，反映了1960年代美国对死刑的政治争议。这张电椅本来是照片，但他采用丝网印刷技术，用各种颜色来表达它，甚至故意在套色时偏一点，降低清晰度。这里展出的是红色的，他还用蓝色绿色黄色黑色甚至粉色来表达同一个电椅。这些重复的图像，把这个将生命变为虚无的意像，被他进行了一种麻木的表达。空洞的死刑间中这把闲置的电椅变成了一种死亡的深刻的暗喻。沃霍尔的作品是一种批判，它不仅批判了抽象艺术的艺术风格隐含的价值观和信仰，而且还超出艺术界，批判了如下的社会价值观：将艺术看作高人一等的传播媒介，传达更崇高、重要的意义。他认为，当你反复观看同一个东西时，逐渐就会忘记这个东西本来的含义，变得麻木，从而无视它的存在。沃霍尔向我们呈现的艺术，反映了这样一个现实﹣﹣技术制造的图像已经遮蔽了真实图像。电椅的照片不再是传统意义上的象征符号。恰恰相反，它意味着"指示对象"的缺席﹣﹣在一个"表征"铺天盖地的世界中，意义缺失了。用符号学术语来形容，沃霍尔开始了一场纯"能指"的游戏，将"能指"解放出来，让它无须指示"特定意义（所指）"。因此，沃霍尔作品的核心特征是它可以将艺术体验转化为关于"虚无"的论述。《大电椅》唯一的要求就是你去读它。</p> <p class="ql-block">白色系列。正如我前面讲过的，白色其实不能算颜色，用大白话说，白色就是“没有”颜色。在这个展区有很多“作品”我没拍，就是因为我觉得太不像“作品”了，比如画板上涂满了白色的颜料，还有一堆白色的棉花。白色倒是不假，但想表达什么呢？不知道。</p><p class="ql-block">《一瓶白花》 娜塔莉娅·贡恰罗娃</p><p class="ql-block">作者是俄罗斯（准确说是乌克兰）女画家。</p><p class="ql-block">这幅画被归纳为“白色”系列。“中规中矩”的一幅画。我感觉构图似乎有点“满”。“花”几乎充满了画面，“瓶”差点儿都找不到了。</p> <p class="ql-block">这幅画我忘了拍摄标签了，网上也没查到作者。应该是一对夫妻，画面上夸张的巨大充满劳作感的手不知道作者想表达什么，是工人还是农民？背景似乎是大海。</p> <p class="ql-block">《白衣领的贝拉》这也是夏加尔的作品。画的他妻子，他深爱他的妻子，反复为她作画。他妻子是一位富有的俄罗斯珠宝商的女儿。这幅肖像是她最典型的形象，画面上她非常端庄典雅，围着一个白色的衣领非常醒目。目光低垂，原来在女主角的脚下下方还有两个很小的人。据推测，这是作品的作者和他们的女儿艾达。似乎是在暗示他妻子在这个家庭中的地位。</p> <p class="ql-block">黑色板块</p><p class="ql-block">黑色代表海盗和无政府主义者，也意味着“抹除”和“毁灭”。对艾萨克·牛顿来说，黑色不是某种颜色，而是对色彩的否定，是色彩综合的结果——光线的对立面。阿德·莱因哈特看中它的否定性，将它作为“探索虚空与虚无”的工具。从弗朗西斯科·戈雅的“黑色绘画”到萨尔瓦多·达利那些由黑暗与黑夜占主导地位的幻视空间，它一直被用于塑造幻兽与怪物的形象。</p><p class="ql-block">这幅黑色作品出于皮埃尔·苏拉热之手。苏拉热有很多作品作品不命名。有的只写绘画时间，就像这幅，只写了“绘画162x130cm，1956年6月29日”</p><p class="ql-block">苏拉热出生于1919年，是法国画家，雕刻家和雕塑家。苏拉热进行绘画创作已逾70年，如今虽已年近期颐，却从未停止对绘画艺术的新探索，其作品被全球上百家美术馆所收藏。2014年，被弗朗索瓦·奥朗德认为是“世界上最伟大的在世艺术家”。</p><p class="ql-block">苏拉热说：“我画的不是黑色，而是从黑色中反射出的光。”苏拉热的绘画主题从他的作品中不难看出——黑色与光。他自己曾经说过“黑色是一种颜色，同时也不是一种颜色，当光线照在黑色上，黑色就发生了变化，黑色的精神世界也就由此打开，把光线汇入黑色绘画中，光线从黑色中发射出来，黑色演变成一种发光的颜色。”</p><p class="ql-block">苏拉热对光线表面更多的是采用“雕刻”而非绘画的方式，巧妙地玩弄条纹、织纹或平滑、哑光、光亮区域之间的关系，乃至是清洗与覆盖之间的关系。他推进了艺术本体语言的演变，也标志了艺术从古典至现代至后现代再到当代的演进。</p><p class="ql-block">这幅画通过在平滑或带有条纹状肌理的表面，构建出光线交织的效果，无处不在的黑色间隙，透露出底层棕黄的颜色。</p><p class="ql-block">这里说说我个人的观点，从摄影的角度理解，跟绘画相比较，摄影是光的艺术，没有光就没有影，也谈不上摄影。太阳光是白色的，但它是七色光的总成，摄影红绿蓝三原色光的总成就是白色光。但绘画正好相反，绘画认为白色是“没有”颜色，那黑色则可以说是所有颜色的总成。我们平时总说“白纸黑字”，是说一件事板上钉钉不可否定，可见黑色的力量。而“一张白纸”就是说可以画任何图案在上面。尽管黑色表明存在，表示确定，但正像本文开头说的，在大多数情况下，黑色往往表示负面的情绪。比如黑着脸，一脸黑线。</p> <p class="ql-block">《随风》罗明君 女，1963年出生于湖南，1983年20岁毕业于湖南师大艺术学院而后留校任教四年。1987年罗明君跟随瑞士籍的丈夫移居瑞士，入瑞士籍。</p><p class="ql-block">她的作品细腻简淡，它们是她个人记忆的载体，是对逝去时代的回望和改写。罗明君是一位在中西文化交融中探索身份与记忆的艺术家，她的作品以“云”为主题，展现了独特的艺术风格和深刻的文化内涵。</p> <p class="ql-block">《杏色调的德奥特尔》 让·杜步菲</p><p class="ql-block">这张作品有点奇怪，展厅上给出的题目是《杏色调的德奥特尔》而我在网上查到同一幅作品的名称却是《局外人大总管》或者说叫《局外人的大弥勒》原文是Grand Maitre of the Outsider。那个maitre在法语里是主人，师傅或者导师的意思，所以翻译成总管或者弥勒也还算靠谱。但德奥特尔是啥意思我不知道，跟我一样有疑惑的一位网友猜想是模特儿的名字。如果是这样，勉强可以解释得过去。</p><p class="ql-block">让·杜布菲出生于1901年。他被人称为“业余艺术家”，其中一个原因可能是因为他不是真正科班出身。杜布菲出生于勒阿弗尔的一个葡萄酒批发商家庭，属于富裕的资产阶级。他儿时的朋友包括作家雷蒙德·格诺和乔治·林布尔。<span style="font-size:18px;">曾就读一家美术学校，</span> 1918 年，他移居巴黎，在朱利安学院学习绘画，与艺术家胡安·格里斯、安德烈·马森和费尔南·莱热成为亲密朋友。可是几个月后，他觉得学术培训令人厌恶，他离开了学院，开始独立学习。在此期间，杜布菲发展了许多其他兴趣，包括自由噪音音乐、诗歌以及古代和现代语言的研究。杜布菲还前往意大利和巴西旅行，1925 年返回勒阿弗尔后，他第一次结婚，并在巴黎创办了一家小型葡萄酒生意。 1934年，他再次开始绘画，创作了一系列强调艺术史上流行的肖像画。后来一度因绝望而打算放弃走艺术之路，在德国占领法国期间在贝尔西发展他的葡萄酒业务。直到40岁了才又开始画画。他说：要“如孩童般作画，如酒神般酣畅。”所以他的画确实有点像幼儿园小朋友的画。</p> <p class="ql-block">《向日葵》 刘丹</p><p class="ql-block">创作年代 2002年作。香港苏富比拍卖行成交价162.5万港元</p><p class="ql-block">刘丹的作品貌似精准清晰地表现事物的形象，但归根到底精致的笔法往往诠释了其艺术中的悖论，体现了对现象背后真理的追求。世间万物的结构性对刘丹来说有无穷魅力，使他在画中主动地将物件从他们的环境中脱离。通过解构物质形体，他舍弃了绘画的叙事性，而将作品提炼成纯粹的视觉体验。通过不去“讲故事”，刘丹使观者能够关注眼前和谐之美，直达内在的精神国度，去欣赏画家心手合一的境界。他的作品往往邀请观者与画交流，因其笔下展现的事物时常比肉眼所见更美，从而令观者不能再用同样的眼光去看待此物，而对日常生活中的细小物件刮目相看，将有形的物体转化为空灵幻象，神游其中。刘丹曾言，“艺术家的责任之一就是改变人们的视觉体验、看待事物的方式。艺术家的目标之一就是鼓励人们解放思想，超越身边的日常事物，去自由地思考。”这亦是刘丹喜于描绘视觉之美及愉悦的原因之一。</p> <p class="ql-block">《奴隶拍卖》 让·米歇尔·巴斯奎特</p><p class="ql-block">1960 二战后美国涂鸦艺术家</p><p class="ql-block">新艺术的代表人物之一</p><p class="ql-block">他先是以纽约涂鸦艺术家的身份获得大众认识，后来成为一位成功的80年代新表现主义艺术家。巴斯奎特的作品至今仍深深影响着当代的艺术家，而且价值不斐。</p><p class="ql-block">上世纪70年代开始，巴斯奎特和他的高中同学迪亚兹开始在纽约街头涂鸦，并以SAMO作为签名。从纽约的地铁站到曼哈顿的建筑，大街小巷都能看到他们的签名。但他真正在纽约艺术圈崭露头角是始于1981年的新浪潮展览，他从20多位展出的艺术家中脱颖而出，可谓初露锋芒。至此，巴斯奎特拥有了属于自己的一片艺术天空。</p><p class="ql-block">当时的纽约，由于政治和文化因素，一个黑人艺术家想要闯入主流艺术圈，可以说比登天还难，巴斯奎特的成功更要归咎于安迪·沃霍尔（就是那个《大电椅》的作者）的帮助。安迪·沃霍尔曾提携过很多后来成名的艺术家，但这其中影响力最大的当属巴斯奎特。</p><p class="ql-block">巴斯奎特的涂鸦作品经常把各种符号、文字放到画面上，看起来像即兴创作的作品，但是他作为生活在白人世界的黑人艺术家，在这些涂鸦绘画和文字的背后是他的冷静思考，表达了某种神秘性，好像在传达一种宗教感和无处不在的政治，但同时也缺少直接指向性，观众可以感受到他生活中的矛盾心理。要说巴斯奎特的作品充满愤怒，那是因为没有看见其背后的美学思想。作品常常使用简便、便宜的材料，丙烯油画棒的结合使用在其作品中非常常见。</p><p class="ql-block">他的其他一些作品由于受到他早年涂鸦生涯的影响，仅仅只用文字来填满整块画布。巴斯奎特用这种密集的表现形式以及文字的不断重复使用来阐述他所要表达的主题，从而达到一种混合的功能。他的作品包含各种不同的表现媒介，如绘画，素描，拼贴画以及印刷品。</p><p class="ql-block">在那些著名的艺术家如马蒂斯和毕加索所建立起来的传统中，巴斯奎特是最后几位仍然在此传统中进行创作的艺术家之一。这些艺术家从非传统的资源中寻求出路，如非洲艺术，儿童绘画，从未受过专业训练的人以及那些精神异常的人所创制的绘画，从而使他们自己的绘画具有更强的表现主义风格。</p><p class="ql-block">巴斯奎特28岁那年由于吸食过量海洛因而去世。</p> <p class="ql-block">《深处》 杰克逊·波罗克</p><p class="ql-block">首先从绘画角度,"滴撒"或"泼洒"的表现方式是他的首创，人称"行动绘画"，可谓开先河者，由于这种方式所导致的画面效果也是与众不同的，而在此前众多的抽象绘画者的努力也为这一画种的出现奠定了基础。</p><p class="ql-block">从欣赏角度来看，波洛克的绘画充满了迷茫的"不确定性"，在具象客观物体消失殆尽的空间中若隐若现呈现出某种无特定意义的构成要素，使得画面具有一定的观赏性和可读性。</p><p class="ql-block"> 1946年，波洛克开始用“滴洒法”（drip）创作，有点类似中国画中的泼墨，就是将油画颜色调稀或者直接用油漆，用笔或勺滴洒在画布上。波洛克的滴洒法绘画随意之间隐藏着戏剧性的偶然效果，激情四射而且充满了色彩的自由、张力和狂野，加上他不拘一格，绘画过程中“泥沙俱下”，沙砾、碎玻璃、杂物都敢入画，他作品技法的独创和视觉效果的另类给当年美国艺术带来极大的震动，被视为是摆脱欧洲影响的美国抽象艺术时代的开始，是美国自由精神的象征。《1948年第5号》是杰克逊·波洛克“滴画”中的精品，画布被钉在纤维板上，画布上的颜色有黄色、白色、栗色以及黑色，画面在看似随意的泼洒中，狂野而富有张力的色彩线条有着自身的逻辑，隐藏着戏剧性的偶然效果，画家也在移动中即兴而刻意地编排着视觉音乐的节律。这幅作品于2006年11月3日拍卖出全球绘画作品最高价，达1亿4千万美元。</p> <p class="ql-block">《黑色的鱼》 乔治·布拉克</p><p class="ql-block">布拉克于1882年出生于法国阿让特伊，1963年卒于法国巴黎。布拉克的童年在法国北部度过，他的父亲是一个油漆工人，受他的父亲的影响，乔治从小就对涂画有所兴趣，他于1907年与毕加索相遇，然后他们一起在法国南部作画。因天性安静，他的名声很大程度上被毕加索所掩盖了。</p><p class="ql-block">他与巴伯罗·毕加索在20世纪初所创立的立体主义运动，深深影响了后来美术史的发展，“立体主义”一词也由其艺术作品而来。</p><p class="ql-block">黑色的鱼是乔治·布拉克在1942年（59岁）时在法国创作的表现主义的艺术作品，属于现代艺术时期的静物题材的艺术作品。</p> <p class="ql-block">《黑色的潜水高手》 </p><p class="ql-block">费尔南·莱热（Fernand Leger.1881～1955）法国画家，1881年生于诺曼底的阿尔让登，早年就读于巴黎装饰艺术学校。他的创作题材多来自工业文明所制造的物件，受塞尚影响，他大大地简化其画中的形体，把物象都表现为桶状或管状物的组合，使之看起来有如拼装而成的机械。他把人的形象也引入机械世界，画面具有机械坚硬，僵直的感觉。他对客观物象的简化，比起塞尚来，可谓有过之而无不及。有人把他的立体派称为“机械立体派”。</p> <p class="ql-block">《夏日的台阶》勒内·玛格丽特</p><p class="ql-block">作为比利时超现实主义的领军人物，藏在谦逊与平凡外表下的勒内·马格里特无疑是一位具有颠覆意义的艺术家。他看到德·基里科的作品后深受触动，从而放弃了早期油画中的抽象风格，最终走上了挑战现实世界的道路，“肉眼可见的世界本身已足够丰富，更形成了充满神秘气息的诗意语言”。</p><p class="ql-block"> 马格里特的现实主义创作手法不断删繁就简，仅作为一种简单的技术手段来进行对于精神图像的探索。为了传情达意、描绘思想，他常常将目光放在熟悉而普通的日常用品上，将这些素材或重新组合，或加以并置，或进行陌生化处理……画面以奇怪的变形，让肢体本身打破外部世界和内心世界的边界，让现实与潜意识自在连接。驻足于此，不难感受到女性的身体一直萦绕在超现实主义的想象中。从无生命的石头微妙转变为有血肉之躯的人，再从有明显特征的女性形象转化为融于天空的蔚蓝风景。在夏日天空中、云朵层叠处，空气凝固为立方体。作品中，无生命与有生命、无机与有机、熟悉与陌生、作为主体的人与作为主体的万物水乳交融，艺术和生活就这般彼此精妙地互相作用着。这也并非最终之意，而是意在其间，在你随画面过渡、转换、游移之时，生息反复。</p> <p class="ql-block">方力钧，1963年生于河北邯郸，是中国当代艺术领域极具影响力的画家。1989年从中央美术学院版画系毕业后，以一系列“光头泼皮”形象作品成为后89新艺术潮流中 “玩世现实主义” 的重要代表，这些作品深刻反映20世纪80年代末至90年代上半期国人的无聊情绪与幽默生存状态。1993年，其作品《系列二之二》登上《纽约时报周刊》封面，还参加了威尼斯双年展，在国际艺术舞台声名鹊起。他创作多元，涵盖绘画、陶瓷等领域，出版超40本画册与图书，被20多所国内大学聘为客座教授，多次登上胡润中国艺术榜，2023年位居第7位</p> <p class="ql-block">人体。作者的名字忘了拍摄。</p><p class="ql-block">这是一个用铁丝弯出来的一个作品，挺有想法的，确实有点意思。据说可以在任何方向看，我围着转了两圈，发现有的方向看不出人来。</p> <p class="ql-block">《大笑》作者岳敏君</p><p class="ql-block">他的作品常以大量类似的面孔、统一的姿势、重复的表情构建出一种荒诞的视觉秩序。那些张扬大笑的形象，看似快乐、无忧，却在高度复制与夸张的构图中透露出一种异化与迷茫。这种“笑”，更像是一种无声的抗议，一种对现实中荒诞性的调侃，也是一种隐藏在嬉笑中的悲观主义。他借用了波普艺术的语言，但注入的是中国当代社会语境下的精神焦虑与身份焦灼。这种独特的艺术语言使他的作品在形式上引人发笑，在思想上令人深思。通过反复出现的自我形象，他不断地询问：“人在社会中到底扮演着怎样的角色？个体意识如何在集体符号中保有尊严？”</p> <p class="ql-block">《欢》岳敏君</p><p class="ql-block">这幅也是他的作品，可是这幅起名“欢”的作品并没有人的面孔，画面上都是一些重复的几何图形，明明没有人，但却起了个人的表情，想想前面那幅几乎一模一样的“大笑”人脸，是不是他把人的表情抽象化了？</p> <p class="ql-block">《数字5》是美国艺术家贾斯培·琼斯1960年创作的蜡画与纸张拼贴作品。该作品诞生于抽象表现主义盛行的20世纪中期，以符号化视觉语言突破当时主流艺术范式。画面以占据主体的巨型阿拉伯数字"5"为中心，黑白颜料与热蜡混合的笔触沿数字轮廓精确排列，消解了抽象表现主义的激情特质。中性符号的重复构建形成形式与语义的张力，触发观者对图像本质的思考。作品融合古希腊蜡画技法和报纸拼贴，热蜡凝固特性赋予创作过程可控性，嵌入的新闻片段隐喻时间沉淀与艺术更迭。这种媒材实验既延续传统绘画技法，又挑战了油画的主导地位。在《数字5》中，绘画的笔触随处可见，但是这些创作的痕迹与抽象表现主义作品中的颜料挥洒不同，琼斯用黑与白的颜料刻画了充满整幅画面的阿拉伯数字“5”，他的笔触是围绕着绘画主题进行的，而非抽象表现主义中随处可见的自发性与激情澎湃。而且他以黑色与白色呈现整件作品，更加深了冷静审慎的分析态度。数字“5”作为传统意义上的一个数量符号在画作中被细致刻画，观者不禁会思考它的意义何在？这个巨大的数字“5”，此时此刻作为文字的含义与它作为图像的再现之间形成了相互矛盾的复杂关系。画板表面呈现出的数字“5”只是它自身的图像形式，与这一数字的象征意义无关。也许贾斯培·琼斯是在试图用这一代表性符号发问：抽象表现主义的形式语言是不是更具有符号性？</p> <p class="ql-block">《在床上》菲利普·加斯顿</p><p class="ql-block">加斯顿1913年出生于蒙特利尔的一个俄罗斯犹太移民家庭，1919年与家人一起搬到了加州。1930年，加斯顿在洛杉矶的奥蒂斯艺术学院短暂学习过一段时期，除此之外便没有接受过正统的绘画训练。1935年，加斯顿离开洛杉矶抵达纽约，在纽约他得到了“公共事业振兴署”的支持，得以在“联邦艺术项目”下创作大型壁画。1930年代，受社会和政治大背景的影响，我们可以在他的绘画和壁画作品中看到如德·基里科、毕加索、墨西哥壁画以及意大利文艺复兴壁画等的影响。作为壁画家的经历让加斯顿在叙述性和大型绘画创作这两个方面打下了坚实的基础，也为晚期回到具象创作做好了准备和铺垫。在美国中西部教书几年后，加斯顿开始穿梭于伍德斯托克的工作室和纽约之间。1940年代，在进行了近十年的具象创作后，加斯顿开始转向抽象主义风格。他位于10街的工作室就在波洛克、德库宁、克莱尼以及罗斯科隔壁。1950年代早期，很多人说他们在加斯顿的抽象画作里看到了莫奈的影子。西德尼·亚尼斯画廊为加斯顿举办了一系列的展览。加斯顿的大型抽象表现主义绘画得到了艺术评论人的拥戴，在商业上也大获成功。这些作品以光鲜、超凡、动人的笔触和色彩而著名，加斯顿也因此成为了美国先锋派抽象表现主义绘画的领军人物。马克.罗斯科打趣加斯顿的抽象作品，称他为“最会讲故事的人”。然而，60年代晚期，他突破抽象风格，转向新具象绘画，以灰色调和卡通化形象表达社会批判，作品《To Fellini》曾以1.6亿元人民币成交（截至2018年）。晚期创作融入粉色元素及粗粝笔触，反映越战等政治议题，代表作《床头一对》《街道》衔接了波普艺术与新表现主义 。阴暗、不吉利的形状开始出现在加斯顿的绘画中。这些形状逐渐形成了一种新的类似具象绘画的艺术语言，而这个语言将在其之后十年的艺术创作中持续出现。他说道：“我不明白为什么对于我们这个时代而言，拒绝运用人们所熟悉的图像和符号会被视为是一种自由。这其实是我们的损失，它将折磨我们，然而正是这份遗憾鼓舞着现代绘画和诗歌创作不断革新。” 尽管他的风格转型曾引发艺评界争议，但最终被公认为20世纪最重要的艺术探索之一。</p> <p class="ql-block">顺便说一下，这个展览到4月15号，春节不休息。周二-周日10:00-18:00，周一闭馆。门票128，老人优惠票88。尽管门票不菲，参观这个画展的人还挺多，尤其以年轻人居多，还有不少孩子。</p> <p class="ql-block">馆里有志愿者在讲解，看孩子那专注的眼神儿，我问了其中一个孩子，你听得懂吗？她肯定的点了点头说听得懂。想起多年前学《新概念英语》时有一篇课文，作者说他画了一幅画，展示给小侄子看，小侄子看了之后说，唔，画的不错，但你是不是拿倒了？作者看了看说，嗯，你说的不错，确实拿倒了。当时是当笑话听的，现在看，许多孩子对现代艺术的理解还真的远超过成年人。</p> <p class="ql-block">北京民生美术馆是由民生银行捐资，基于北京松下显像管厂旧址厂房改造的民营专业美术馆，它以开放性、多元性、灵活性，对今天美术馆的封闭性、单一性及固定性提出了挑战，为中国当代艺术的最大的公共平台，整个美术馆建筑面积3.5万平方米，由国际著名建筑师朱锫设计，美术馆设计顾问由美国古根海姆博基金会前主席托马斯·凯伦斯担任。</p>