进入现代：来自波士顿美术馆的印象派

都市山居翁

新加坡国家美术馆，近期正展出美国波士顿美术博物馆收藏的法国印象派绘画作品。据说这些藏品，远远超出了印象派艺术发源地法国本土的规模和影响力。2026年2月6日，前往国家美术馆，一睹这场难得的艺术盛宴一次性的欣赏到100多幅印象派原作，是极为罕见的机会。即使在印象派绘画发源地法国巴黎，在艺术品浩如烟海的卢浮宫，也很难有如此集中的画作呈现在自己专注的眼神之中。因此把这次观赏并拍摄的作品，特地以美篇的形式记录下来。 新加坡国家美术馆 美术馆大厦入口。古典的罗马穹顶与现代主义装饰的大堂，巧妙地融合在一起 来自波士顿的印象派绘画收藏，作为一个特展，可能是国家美术馆最重要的年度展览之一。美术馆大厦内外，到处是这个展览的广告，甚至电梯门上都装饰着这个以莫奈的作品为底色的图案 本次展览中的艺术品来自波士顿美术博物馆。这些收藏是由于波士顿收藏家和慈善家早期对印象派的热情而发展起来的，其中许多人是女性。尤其是印象派代表性画家莫奈的朋友 Lilla Cabot Perry等人的捐赠和收购，以及其他收藏家在19世纪90年代直接从莫奈的艺术品经销商那里购买的作品，丰富了这些在波士顿的艺术遗产。他们的赞助，帮助塑造了世界领先的印象派收藏之一，展示了这些作品的吸引力如何远远超出法国，并在创作后的几十年里在国际上传播。尤其值得一提的是，展出的每一幅作品，不仅有作者及其籍贯、生卒年的标注、作品介绍，而且每一幅画的来历，包括捐赠者或购买者的名字，均一一罗列，大多是一百多年前的捐赠。这是对私有财产和知识产权的尊重。 本次展览《进入现代：波士顿美术博物馆的印象派》展出了100多件作品，通过七个部分追溯了印象派的创新，将艺术与现代世界交織在一起。19世纪的中叶。印象派作品以激进的方式描绘日常生活环境，见证了城市化、工业化以及劳动、土地和社会关系转变的新体验。通过它们，我们可以瞥见我们仍然生活在的现代性的开始。进入现代：波士顿美术博物馆的印象派展示了法国印象派的关键艺术家和关注点。展览分为七个部分：寻找露天、露天印象、水上劳动和休闲、共同的野心、现代邂逅、重新想象平凡和莫奈的时刻和记忆。纵观整个过程，可以体验到印象派的视觉创新与这些艺术家目睹和代表的现代性的交织融合。 进入第一个展馆，迎面是一堵光线昏暗的墙，聚光灯下挂着的是印象派画风开创者克劳德．莫奈作于1886年的《纪梵尼的草地》，揭开这次展览的序幕 莫奈这幅作品，画面中这个美丽的场景没有明显的焦点：没有任何人物、结构或自然特征吸引观众的注意力。唯一打破水平模式的元素是背景中的树。这棵树是孤立的，反映了观众看着这片荒凉、色彩斑斓的草地的位置。这幅画相对于莫奈的早期作品，明亮色调和对充满活力的笔触的运用，使它成为一种对新方法的追求表现，最重要的是关注颜色和图案的品质。代表了莫奈创作艺术的演变。 “印象派”一词最初是为了描述那些松散、粗略的笔触和日常主题的选择使他们的作品与当时的其他艺术有很大不同的艺术家。从1874年在巴黎开始，这些艺术家—包括克劳德•莫奈、皮埃尔-奥古斯特•雷诺阿、埃德加•德加、贝尔特•莫里索、保罗•塞尚、卡米尔•皮萨罗、阿尔弗雷德•西斯利等人——开始组织自己的独立团体展览。他们中的许多人画的是 en plein air（法语的意思是“在露天”），他们流畅的笔触和明亮的调色板专注于光线在风景中的影响。随着时间的推移，印象派艺术家的风景如画的作品已经成为标志性作品。然而，印象派所传达的不仅仅是视觉美，而且是一种与传统全然不同的对自然的观察方法。 第一部分：寻求露天在19世纪中叶的法国，在枫丹白露森林附近的巴比松村周围出现了一场新的风景画运动。艺术家们寻求乡村风景的宁静之美，在户外绘画，创造出细微的、自然主义的描绘。他们的方法为一代人之后印象派的空中绘画铺平了道路。 让-巴蒂斯特-卡米尔•科罗《傍晩》1845-1860第一幅就是极富盛名的画家科罗的作品科罗是我最喜欢的风景画画家，他画的森林，总能让人一眼就认出。科罗早在1822年就开始在枫丹白露的户外作画。这幅画描绘的是暮光之境。当两个年轻女子在林中空地上采摘水果时，它的光线和阴影的微妙平衡，捕捉到了暮光的精确大气效果。黑暗的剪影树木勾勒出湖泊或池塘表面的最后一缕阳光。 让-弗朗索瓦•米利《Millet 在 Gruchy的家庭之屋》1854Millet 是在枫丹白露地区活跃的画家团体的一员。Millet于1854年开始画这幅画，当时他的母亲去世后，他回到了诺曼底海岸格鲁西的童年家园。这幅画表现的是他的家园环境。 让-弗朗索瓦•米利《格鲁西小村庄的尽头》1856在19世纪50年代，米利以对农村、工人的有力描绘而闻名。但他的画作的持久影响说明了这些底层的人群的艰辛。Millet与他的家乡Gruchy，特别是与这个景色保持着深厚的情感联系。 特洛伊《风景中的羊和牧羊人》1854Troyon既是风景画家，也是动物画家。这个风景结合了艺术家的兴趣，在一个明亮的乡村环境中，一个农村工人骑着驴子，放牧羊群。Troyon尝试了灯光效果，多云的天空在景观的中部投下了戏剧性的阴影。各种各样的笔触和一系列绿色植物使郁郁葱葱的环境生动。年轻的克劳德•莫奈在1859年的巴黎沙龙上第一次遇到特洛伊的作品时，对特洛伊的作品印象深刻，他向这位年长的艺术家寻求建议。最终，莫奈没有听从特洛伊恩的建议，即让他参加生活绘画课程，专注于人物研究。 让-巴蒂斯特-卡米尔•科罗《Brunoy c的草地记忆》1855-1865 正如标题所示，科罗的画作是一幅怀旧的。在19世纪50年代和19世纪60年代，科罗开始在他的画作标题中使用“纪念品”（法语中的“记忆”）一词，这表明它们不能被解读为观察自然的直接转录。艺术家的轻触、羽毛般的顫抖和天空的银色色调增强了景观的大气、令人回味的品质。用颜料创作的花朵和聚集植物或沿着林木小径漫步的人物，以及一只温顺地凝视着观众的牛，为这个宁静的田园场景增添了视觉多样性。 西奥多•卢梭《森林中的池塘》19世紀50年代初卢梭Rousseau 的风景画，被19世纪中叶的法国沙龙评价为“无可比拟的先驱”。也是最早的呼吁保护自然的艺术家。他喜欢完全沉浸在森林树冠下或附近。這讓他的外圍視野限制自然地構建了選定的環境，並讓他研究森林邊緣耕地和未被馴服的自然之間不安的休戰。他深深地致力于森林的自然瑰宝，并对商业伐木的不利影响感到沮丧。1852年，他直接呼吁拿破仑三世皇帝试图保存“这些老树，对艺术家来说，这些老树是他们灵感、快乐和未来的源泉，也是所有游客过去时代的可受人的纪念品。” Narcisse Virgile Díaz de la Peña 迪亚兹年轻时的Diaz 迪亚兹经常在巴比松遇到只比他年岁略长的卢梭，他悄悄地跟随卢梭进入枫丹白露的树林，远远地看着这位年轻的景观画家在野外作画。渐渐地，两人之间建立了友谊，卢梭与迪亚兹分享了他调色板的秘密，特别是他使用翡翠绿和那不勒斯黄色颜料。 Narcisse Virgile Díaz de la Peña《穿过枫丹白露附近的森林的路径》1875-1876迪亚兹Diaz使用密集而厚实的颜料来创造喜怒无常的森林景色。他喜欢暴风雨和阴暗的环境，森林山毛榉和桦树的浅色树干几乎像被闪电照亮一样照耀着。评论家朱尔斯．克拉蒂在1873年写道：“谁比Diaz更知道如何偷走阳光，以便欢快地穿过深邃的森林，在长满青苔的小路上，穿过银色的桦树干，在橡树茂盛的树叶上行走？”迪亚兹对森林中斑驳的光线的关注，对克劳德．莫奈和雷诺阿产生了深远的影响。 约翰•巴特霍尔德•琼金德《荷兰的港口场景》1868 埃德加•德加《在乡村的比赛中》1869这幅画出现在印象派的第一次联合展览中，该展览于1874年在巴黎卡普西大道35号举行。与其他一些印象派艺术家不同，德加保持了更完美、更现实主义的绘画风格。他不太注重在空地制作的富有表現力的筆觸，而更注重捕捉現代城市生活的主題。这幅画既是风景，是日常生活的场景，也是现代家庭肖像。马车的司机是德加的朋友保罗•瓦尔平松，他坐在他的妻子旁边，他们的乳母（她裸露的乳房）和护士的腿上—这对夫妇的婴儿儿子亨利。德加喜欢在诺曼底的瓦尔平松的房产中研究马匹的运动。尽管有赛马的背景，但只是一个背对着马背的远景，画面却是一个平静的场景。 皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿（Pierre-Auguste Renoir）《Woman with a parasol and small child on a sunlit hillside》（《阳光下山坡上撑阳伞的女人与小孩》）创作于约1874–1876年。雷诺阿是印象派的代表人物之一，以描绘充满光感和生活气息的人物、风景著称，这幅画也体现了他对光影和色彩的细腻捕捉。 克劳德•莫奈《杨树草甸》1875这幅画是19世纪70年代印象派高点的典型例子。莫奈的明亮的调色板和可见的颜料触感使传统的风景生动起来，树木在左边的边缘，宽阔的草地向右扫向遥远的地平线。远处的谷物堆、高而稀的杨树和前景中的红橙色，烘托了了罂粟花的图案。 真迹难得，不舍移步 克劳德•莫奈《卡米尔•莫奈和阿根特伊艺术家花园里的一个孩子》1875 正是在 Argenteuil生活期间，莫奈第一次对园艺产生了兴趣，并开始将他作为园丁和画家的努力结合起来。这幅画面中，纷乱的色彩衬托了莫奈的妻子卡米尔缝纫的场景，一个小孩子在她的脚下玩耍。莫奈用各种生动的笔触描绘了卡米尔夏装的条纹、她下面的草叶和她身后的花瓣背景，在每个区域都同样引人注目，使花园不仅成为人物的背景，而且成为它本身的主题。 保罗•塞尚《池塘》池塘 1877-1879画布上的油画汤普金斯系列塞尚Cezanne 参加了八个印象派展览中的两个，包括1874年4月15日至5月15日在巴黎举行的第一个展览。這幅水邊人物的畫既沒有描繪一個特定的、可識別的地方，也沒有描繪人物之間的可理解的相互作用。颜色和形式的构成优先于唤起地点或叙事。池塘有节奏的、均匀的笔触，在山坡和右边的树上特别明显，营造出一种坚实的感觉，而不是深度或运动的感觉。 并非休息日，观众仍很多。其中不少是外国游客 第二部分：露天印象派1874年4月，现在被称为印象派的艺术家们首次一起展出，展示了由露天绘画明亮的调色板和对光线和氛围的关注所定义的作品。此后十多年，他们举办了八场与官方沙龙不同的展览，拒绝其对历史和神话主题的关注。相反，他們用未經抛光的、自發的筆觸描繪了日常的現代生活。他们非常规的风格产生了分歧——有些人认为这些作品没有完成，而其他人则赞扬了他们的新视野。自此，标志着一种新的观察方式的印象派绘画产生了。 克劳德•莫奈《冬季，阿根特伊的圣但尼大道》1875 這個雪景提供了莫奈在19世紀70年代居住的阿根特伊的異常原始（而且有些不可愛）的一瞥。当时，该镇正在从一个小村庄转变为巴黎的通勤郊区。一个铁路堤坝在左边若隐若现，由一个即兴的栅栏与新拓宽的林荫大道隔开，行人在那里向车站走去，雨伞逆风倾斜。右边是莫奈自己的房子，有顶棚和双阳台，俯瞰着白雪皑皑的街道和火车轨道。1876年，莫奈将阿让特伊描述为一个“他”能够过上谦虚生活和工作得很好的地方。 克劳德•莫奈《Argenteuil 的雪》1874 可能受到日本木版画的启发，这个位于 Argenteuil村莫奈家附近的道路场景因其试图捕捉实际降雪而不同寻常。它显示了飘落的雪花和暴风雪的黄昏气氛。身着黑色衣服的身影蜷缩在雨伞下，以保护自己免受飘落的雪。这个主题显然吸引了莫奈捕捉光线和天气短暂影响的愿望。他可能在户外开始构图，用浅灰色（在天空中较暗的笔触之间仍然可见）为画布打底色，然后用更重的刷子铺上白雪皑皑的屋顶和光秃秃的树木。 卡米尔•皮萨罗《蓬图瓦兹，冬天通往吉索斯之路》1873 皮萨罗是唯一参加所有八场印象派团体展览的艺术家，他致力于追求他的创新绘画愿景，经常反复展示他最喜欢的主题，以展示大气效果的微小变化。这幅画描绘了巴黎西北约30公里的乡村小镇蓬图瓦兹，近20年来，它一直是皮萨罗的主要基地。从19世纪60年代到19世纪80年代初，他画了大约300幅镇中心的景色，以及他最喜欢的人口较少的郊区角落。在19世纪70年代初，法国经历了异常严酷的冬天和大雪。这个街景显示，居民们在天空下扫起一尘薄薄的雪，这预示着其他地方雪更多。小镇的乡村建筑和低矮的天空被短而宽广的并列、未混合的颜色唤起。 阿尔弗雷德•西斯《Marly 的水厂》1876虽然西斯利不如他的一些同事（如克劳德•莫奈）出名，但他在他的职业生涯中一直保持着深刻的印象派感性。Marly 的Waterworks 体现了Sisley 将他的“感觉”转化为画布的持久努力。从涟漪的水到焦橙和赭石的沙沙作响的树叶，西斯利点燃了感官，否则可能只是一个相当不起眼的主题——一个为凡尔赛宫喷泉供水的现代泵站。 　　虽然自然世界长期以来一直为艺术家提供灵感，但在1世纪中叶的法国，出现了一场新的风景画运动。这些艺术家以枫丹白露森林附近的巴比松村为中心，寻求乡村美景和宁静的崇敬。风景成为他们工作的主要主题。 他们喜欢在户外绘画，对森林和农田进行细致入微的、大气的、自然主义的描绘。这为一代人后印象派的空中绘画铺平了道路。 此时，农村和森林景观也在发生巨大变化。允许艺术家轻松前往这些地区的铁路和道路改变了它们未受破坏的美丽，伐木和工业化也是如此。艺术家们感叹这些变化。巴比松画家派的领袖西奥多•卢梭也是保护的早期支持者。他请求政府将枫丹白露森林指定为国家保护区。其他艺术家，如在海岸工作的Eugene Boudin和Johan Jongkind，同样培养了对他们所选主题的深深的奉献精神，以无穷无尽的变化创造了港口和水道的景色。 　　我听到树木的声音。它们动作的惊喜，它们的形态多样性，甚至它们对光的吸引力的奇特性，突然向我揭示了森林的语言。——西奥多•卢梭，1872年 西奥多•卢梭《森林边缘》（枫丹白露附近的巴比松平原）1850-1860 “只要我有眼睛看，我永远不会变老。”——卢梭卢梭被枫丹白露的森林迷住了，受到启发，直接观察了那里的树木，并清理了他作品的核心，从而锻造了一种新的风景画方式。卢梭于1836年至1837年冬天首次在枫丹白露附近定居，进行了持续的绘画活动，随后在附近的巴比松村度过了接下来的三个秋天和冬天。当大多数其他艺术家和游客都离开时，他享受着这些季节，他可以独自一人在附近的森林里。他对秋季主题的偏好促成了他作为调色师的名望，以及他对大量绿色、红褐色和棕色调色板的掌握。他呈现自然体验的方法将影响下一代印象派画家。 克劳德•莫奈《森林边缘的伐木工人》1863 这部早期作品反映了莫奈对上一代风景画家的钦佩。他们的工作以枫丹白露森林边缘的巴比松村为中心，正是他们对直接观察的承诺和在平凡的场景中寻找美的能力为印象派树立了先例。莫奈在1863年画了这幅画，当时他前往枫丹白露寻找新的图案。莫奈对主题和深色调色板的选择呼应了农村工人和米利和卢梭的宁静景色。这就意味着，露天（“露天”或“户外”）绘画的指挥棒传给了新一代画家，在枫丹白露的林地中培养。 约翰•巴特霍尔德•琼金德。《荷兰的港口场景》1868 虽然Jongkind 是荷兰人，但从19世纪40年代中期开始在法国学习和绘画。在19世纪60年代在诺曼底的多次逗留期间，他还会见了莫奈、欧仁•布丹和其他艺术家。当Jongkind 于1860年永久移居法国时，在这十年中，他定期返回荷兰访问，这幅画是在他最后一次访问期间创作的。这幅作品强调了 Jongkind在画作中生动的触感：水面上闪烁的光线和阴影的复杂排列，小点画在整个繁华的港口营造出一种显而易見的运动感和能量感。 约翰•巴特霍尔德•琼金德《月光下的港口》1871 在19世纪70年代，Eugene Boudin和Monet 都访问了荷兰，不仅是为了研究17世纪荷兰画家的成就，还亲身欣赏他们在Jongkind 作品中看到的水景。儘管Jongkind 在1869年后没有回到他的荷兰祖国，但某些讓人想起它的元素仍然出现在他的作品中。在这里，风车的加入表明这是荷兰的环境。然而，这幅画的主要主题是透过云层和水面窥视的微光月光。 这三幅黑白图片，是在巴黎，印象派的艺术家于1874年4月首次一起展出作品时的场景再现。虽然每个艺术家都发展了自己的风格方法，但一个统一标志是他们强调外空（法语“露天”）绘画。这告知了他们明亮的调色板、粗略的笔触以及对光线和大气效果的关注。该团体最终举办了八次展览，最后一次是在1886年。這些不同於政府赞助的年度沙龙展览。巴黎沙龙传统上是新兴艺术家和职业生涯中有成就的人最重要的展览。宗教、神话和历史主题在沙龙中具有首要意义。然而，印象派人士擁護對日常生活的不理想化描述。一些参观印象派1874年首次展览的公众嘲笑这些画作仿佛是未完成的作品，而其他人则对现代世界的这些新愿景感到热情。评论家 Jules-Antoine Castagnary评论道：他们是印象派，从这个意义上说，他们渲染的不是风景，而是风景产生的感觉。印象派需要更长的时间才能在巴黎艺术界留下持久的印记。尽管媒体报道丰富，但只有大约3500人参观了他们的1874年展览，而那年春天参观沙龙的有40万人。 第三部分：水上劳动和休闲19世纪，工业、制造业、港口和铁路和蒸汽船等新交通系统的发展改变了法国的景观，这些系统扩大了艺术家和旅行者的通道。印象派反映了这些变化：西斯利悄悄地将技术融入到乡村景观中，而雷诺阿则沿着塞纳河描绘了休闲场景。从诺曼底充满活力的海岸到地中海明亮的海岸，水成为一个反复出现的话题。被誉为“天空之王”的Eugene Boudin 在描绘大海和港口方面同样精湛。无论是描绘繁华的港口还是安静的河边，他精致的作品都揭示了被光线和大气激发的普通地方如何变成风景如画的景象。 尤金•布丹。《海滩上的时尚人物》1865 John J.先生和夫人的捐赠。威尔逊，1974年 “我会做其他事情，但我将永远是海滩的画家。”Boudin,1865年19世纪50年代火车旅行的出现使中产阶级的巴黎人可以享受海边度假，他们涌向诺曼底海岸的新度假小镇。1862年，Boudin 开始绘制时尚城市海滩游客的场景，并为像这样的明亮、轻松的画作找到了稳定的市场。他敏锐的观察力传达了女性时尚最新趋势的细节，还捕捉到了光线和天气的微妙而鲜明的品质。 克劳德•莫奈《特鲁维尔的海岸》1881 约翰•皮克林 • 莱曼收藏—Theodora Lyman 小姐的捐赠，1919年 19.1314这个版本的沿海景观中，莫奈摆脱了西方既定的透视和阴影惯例，探索了日本的构图技术，以强调画布的二维表面。他用一棵富有表现力的鞠躬的树和突出色彩鲜艳的带子挡住了预期的消失点。地平线被奶油蓝色笔触的雾霾所掩盖，阻碍了远处的任何衰退感。该构图与浮世绘大师歌川广重（1797-1858）的著名版画非常相似，他的作品在莫奈的日本版画收藏中非常相似，后来在他位于吉维尼的家中展出。 尤金布丹《海滩上的人物》1893 威廉•A的遗赠。柯立芝，1993年暴风雨迫在眉睫。地平线上的对角线表示风和雨。然而，在這裡描繪的諾曼底海灘上，游泳者在退潮時涉水，似乎不受即將到來的天氣的困擾。Boudin用一些巧妙的颜料点唤出他们的遮阳伞和挂裙。他对转瞬即逝的光线和天气效果的处理，以及他绘画的大胆自发性，体现了他为印象派画家，尤其对克劳德．莫奈所发挥的影响力。1869年，评论家 Jules-Antoine Castagnary 敏锐地写下了 Boudin的作品：这是海洋，你几乎能闻到咸味的香味。 尤金布丹《退潮时的多维尔》1897 Mary H.的遗赠。J 帕克，1981年在这部晚期的作品中，当蓝天从有纹理的云层中探出头时，细小的画笔巧妙地表示了沿着内岸线和水边的人物。Boudin 强调了广阔的沙丘和向远处退去的海滨。小帆船点点在右边的海洋碎片上，在一片波浪形的云层下，上面染上了精致的紫色阴影。 尤金布丹左：《勒阿弗尔港》1886 伊麗莎白•霍華德•巴托爾小姐的遺贈，1927年 Boudin在描绘特殊光线、天气和大气条件的精确性在勒阿弗尔繁华的港口的这个视图中显而易见，勒阿弗尔是英吉利海峡上一个著名的港口城市，布丹和克劳德•莫奈都是在那里长大的。一艘三桅帆船占据了前景，法国国旗在微风中自豪地飘扬，小划艇载着乘客往返停泊在更深水域的大船。右：《勒阿弗尔发货》1887 面板上的油画Amelia Peabody小姐的捐赠，1937年Boudin感兴趣是港口和它的船只。描绘船舶桅杆和索具的微妙笔触似乎在柔和的云彩中振动。小人物占据了划艇和码头沿线，与高耸的船只和天空相比显得微不足道。 尤金布丹《贝克湾（加来海峽）》1882 Stephen S.夫人的透贈。菲茨杰拉德，1964年Boudin 的许多画作描绘了从19世纪50年代开始涌向诺曼底的时尚巴黎游客。这个捕鱼和度假小镇的景色中，他关注的却是探索了海岸本身，周围是简单的房屋，散落著栅栏柱和海草丛。 尤金•布丹《威尼斯，来自圣乔治的圣玛丽亚德拉礼节》1895 Juliana Cheney Edwards 收藏，1925年68岁时，Boudin 第一次前往威尼斯，1894年夏天和1895年再次返回，并画了至少两个其他版本的场景。在船和人形的摆放上，他只从一幅画到另一幅画略有变化。作品之间的真正区别，以及他最感兴趣的，是天空中的云层、光线和大气层。他在同一主题上捕捉到了光线和季节的不同效果。 皮埃尔-奥古斯特•雷诺阿《岸边的孩子们，根西岛》1883 约翰•T．斯保罗的遗赠，1948年1883年夏天，雷诺阿花了几周时间在英吉利海峡的根西岛上素描，当时是巴黎人的时尚度假胜地。这幅画的主题是雷诺阿最喜欢的作品之一，一群红着红脸颊的孩子在阳光明媚的海滩上，游泳者在明亮的水中嬉玩。艺术家的长而流畅的笔触和右侧和上部边缘未完成的画布部分反映了场景中固有的放松和非正式感。然而，这幅作品不是在户外画的，而是在雷诺阿的巴黎工作室里画的，并且是基于他在根西岛逗留期间所做的研究。 阿尔弗雷德•西斯利《La Croix-Blanche庄园》1884 朱莉安娜•切尼•爱德华茲收藏，1939年这幅画以右侧显示的17*世纪宏伟的庄园LaCroix-Blanche 命名，描绘了西斯利在风景的所有元素中巧妙地融合了光和颜色。“天空必须是媒介，”他写道，“天空不能是一个背景。”在这里，明亮的天空从左上角的微妙的蓝色到中央的近乎白色的光芒—而随着河流的接近，水的遥远、苍白的色调加深到海水的色调。虽然西斯利的愿景可能从天空开始，但水面也在完成的作品中巧妙地连接了陆地、水和天空。 阿尔弗雷德西斯利《Saint-Mammes 小镇》1882 威廉•A的遗赠。柯立芝，1993年在1880年至1885年间，西斯利描绘了位于巴黎外60公里的河畔小镇圣玛姆的近300个场景。Sisley 特别依恋Loing河，Loing河是塞纳河的支流，在Saint-Mammes汇合，并写道：“Loing河的水是如此美丽，如此半透明，如此多变。”值得注意的是，这是西斯利所谓的“同一画面中表面的变化”，他觉得这对“渲染灯光效果”至关重要。然而，这一幕也暗示了1世纪法国不断变化的河流景观：远处出现了一条拱形的铁路高架桥，而在前景中，左岸边的驳船提醒人们河流在货物运输中的现代作用。 查尔斯•弗朗索瓦•多比尼《女人在河边洗衣服》1860-1870 Louisa W.小姐和 Marian R.小姐的捐赠。1920年到19世纪60年代末，巴比松画派画家Daubigny 已经成为年轻一代的拥护者，包括Paul Cezanne、Claude Monet, Camille Pissarro #D Pierre-Auguste Renoir.Monet热情地写信给Eugene Boudin，谈论Daubigny：“这里有一个做得很好的人，他了解大自然！”在这幅画中，Daubigny 捕捉到了在晴朗的日子里，颜色看起来异常明亮的方式。平静的水几乎从边缘蔓延到边缘，其效果是将观众放在河的中间。Daubigny通过创造性地使用一艘重新用作浮动工作室的船，实现了这种身临其境的构图，莫奈后来在19世纪70年代提出了这个想法。前景中小规模的洗衣店数字巧妙地表明，这条河也可以成为工人阶级妇女的劳动场所。 尤金•布丹《靠近一座橋的洗衣妇女》1883 David P.的遗赠。Kimball纪念他的妻子克拉拉•伯特拉姆金博尔，1923年与 Boudin的大多数画作一样，非常注重云彩斑斓的天空和水涟漪的表面的纹理和颜色，以及两者之间的相互作用。与他可识别的海景和海滩游客不同，这里的重点是在水边劳动的妇女，干净的衣物在她们身后的篮子堆上闪闪发光。Boudin 画了大约一百幅这样的女性在日常生活背景下洗衣服的描绘。在他们上方，休闲的人们和马车穿过桥，他们粗略的渲染有助于移动感。 克劳德•莫奈《从高原上看到的昂蒂布巴黎圣母院》1888 朱莉安娜•切尼•爱德华兹收藏，1939年在1888年初的冬季，莫奈在昂蒂布作画，昂蒂布是法国南部地中海沿岸的热门旅游目的地。他写信给他的朋友，雕塑家奥古斯特•罗丹（1840-1917）：“我与太阳搏斗。这里有多么阳光啊！”莫奈访问时苍白而精致的画作以粉红色和浅蓝色以及柔和的光线为主，他利用了这些光线的统一特性。品蒂布镇的旧堡是莫奈在此期间最喜欢的主题，但在这部作品中，他将结构及其周围的建筑简化为黄色和蓝色油漆的厚实、有节奏的触感，选择专注于阳光和阴影的戏剧，而不是小镇的建筑。 皮埃尔-奥古斯特•雷诺阿 《靠近芒通的海岸景观》 1883 约翰•T•斯保罗的遗赠，1948年“一个艺术家在被遗忘的痛苦下，必须对自己有信心，只听他真正的主人：自然。” -雷诺尔面对自然的辉煌，雷诺阿经常被他感知到的艺术缺陷所困扰。1883年12月，他与克劳德•莫奈沿着地中海沿岸从马赛到热那亚旅行。被法国里维埃拉美丽的风景所压倒，他写信给他的赞助人Paul Berard：“唉，我们可怜的调色板无法与之匹配。”尽管如此，他还是开始用他特有的感性笔触和明亮的色彩来捕捉风景，在意大利边境附近的芒通俯瞰大海的懸崖上创造了一个被风吹拂的树林的愿景。 皮埃尔-奥古斯特雷诺阿《查图的塞纳河》1881 画布上的油画Arthur Brewster Emmons的馈赠，1919年这幅画是用雷诺阿标志性的飘动的笔触画的，表达了他的印象派风格。巴黎郊区的划船地点Chatou的春天景色，在丰富的色彩和光线中顫抖。精致的绿色和黄色的一縚暗示着草丛中的微风，一群白色和粉红色的斑点，一棵开花的树。雷诺阿描绘了一个年轻女孩，她以同样无忧无虑的方式收集鲜花，就像他收集她郁郁葱葱的环境一样。这里互补的黄绿色和丁香色的主导地位可能反映了米歇尔•欧仁• 谢夫勒尔（Michel EugeneChevreul）从19世纪50年代开始的色彩理论—即相邻的颜色相互影响着彼此的外观。 第四部分：共用的野心印象派团结一致，他们的目标是描绘现代世界，并展示沙龙无法控制的展览。Pissarro 皮萨罗是唯一参加所有八场团体展览的艺术家，在接受新方法的同时，成为其他人的导师。在19世纪80年代，他尝试了点画——一种由Georges Seurat和 Paul Signac开创的技术——并通过版画探索新效果。共同的艺术理想往往与政治理想相交。皮萨罗对农村劳动的详细描述反映了他的平等主义信仰，而西纳克的激进风格反映了他对无政府主义的同情。他们的作品共同表达了艺术创新和社会信念如何在印象派圈子里交织在一起。 卡米尔•皮萨罗《春天的牧场》1889 由马萨诸塞州劳伦斯的白色基金受托人存入波士顿美术博物馆必须解决的伟大问题是，将图片中的一切，甚全是最小的细节，与整体和谐联系起来。-皮萨罗1885年10月，皮萨罗的艺术进入了一个全新的阶段，当时他遇到了年轻的画家乔治•苏拉和保罗•西纳克。他们正在探索色彩和光学的科学理论，这些作品后来被称为新印象主义（也称为点画，以法语“点”一词命名）。这幅画用无数微小的、令人心悸的笔触绘制，反映了皮萨罗对新印象派的实验。根据皮萨罗的说法，将颜色的点点并排放置“比颜料的混合物更能激起更强烈的亮度”。皮萨罗对工作的整体和谐和均匀处理的关注反映了他的平等主义观点，而对颜料的细致使用表明他希望以关怀和关注的方式呈现农村工人阶级。 印象派围绕类似的目标团结在一起—描绘他们所经历的现代世界，并独立于沙龙的控制评审团，公开展示他们的作品。Camille Pissarro 是唯一参加所有八个印象派展览的成员。Pissarro比他的同事略大，他自然而然地成为小组中许多人的导师—在不同时期与 Paul Cezanne和 Paul Gauguin一起工作—但仍然对新方法持开放态度。一位倾向于实验的艺术家，在19世纪80年代末，他采用了点画，这是由年轻艺术家Paul Signac和 Georges Seurat开创的。在这项技术中，将纯色的小点或“点”并列在一起，以光学方式混合在一起。皮萨罗还利用版画的潜力来创造倍数来探索原创效果。这些共同的艺术愿望可以延伸到共同的政治同情。皮萨罗从年轻时起就接受了无政府主义政治哲学。在1gtr 世纪的背景下，“无政府主义”指的是社会正义和个人自由。在皮萨罗的案例中，他的农村生活或农民工作的场景传达了他关于劳动和社会组织的理想。Signac也是无政府主义的支持者，他优先考虑他的绘画技巧的激进方法，而不是主题。 卡米尔•皮萨罗《草地上的两个农妇》1893 由马萨诸塞州劳伦斯的白色基金受托人存入波士顿美术博物馆“如何将点的纯洁和简单与印象派艺术所假设的感觉的饱满、柔软、自由、自发和新鲜感相结合？”一皮萨罗皮萨罗主要住在农村的小村庄，认同农村工人的困境和艰辛，认为自己是一个一生都需要养活大家庭的工人。他对农业场景的描述暗示了他的无政府主义政治观；他重视农村工人和社区的集体目标和共同目标，以对抗政府和社会等级制度。在这种看似简单的农民妇女交谈和奶牛放牧的描述中，皮萨罗处理了复杂的技术问题。他使用各种笔触使构图生动起来，并暗示了草、织物和树叶的不同纹理，以及微风的移动。 讓-巴蒂斯特•卡米爾•科羅《拐弯的道路》1868-1870 Robert Jordan 的捐赠，来自 Eben D.的收藏。1924年皮萨罗在19世纪50年代未是科罗工作室的常客，在首次向巴黎沙龙展览提交作品时，他宣布自己是“科罗的学生”在这里，高大、瘦小的树木、斑驳的树叶和银色、凉爽的调色板是科罗晚期作品的典型，这些作品往往更多地源于艺术家的想象力，沉浸在多年的景观研究中，而不是来自户外的实际视图。填充这个安静的林地场景的人物都是科罗在许多不同的构图中重复使用的角色。 保罗高更《奥斯尼村的入口》画布上的油画约翰•T•斯保罗的遗赠 1848年高更是一位年轻的股票经纪人、前商人、海军陆战队和法国海军军官，他于1873年开始画画，几乎没有正式指导。1879年，他首次与印象派一起展出，同年，他第一次拜访了蓬图瓦兹的卡米尔•皮萨罗，与他一起在户外作画。1882年，当他还在做股票经纪人时，高更经常在周日前往蓬图瓦斯参观皮萨罗的作品，并描绘他自己对该镇的看法。这幅作品是对距离蓬图瓦兹步行约50分钟的小村庄的复杂描绘，可能是在这些周末的一次访问中画的。 保罗•塞尚《拐弯的道路》1881 约翰•T•斯保罗的遗赠，1948年“皮萨罗是我的父亲。他是一位睿智的顾问，就像全能的上帝一样。” -塞尚关于风景画中表现准确性的重要性与为了构图兴趣而改变的辩论，让Camille Pissarro和Cezanne都着迷。1861年，塞尚第一次见到皮萨罗时，他还是一名年轻的艺术学生。从1872年底到1874年中期，塞尚住在瓦兹河畔奥弗斯，距离蓬图瓦兹只有不到90分钟的步行路程，以便与他的年长朋友和导师更紧密地合作。Cezanne 从1881年5月到10月住在蓬图瓦兹，次年夏天回来，与皮萨罗一起在户外作画。这幅作品是在两位艺术家直接对话期间绘制的。 让-弗朗索瓦•拉斐尔。《卖大蒜的人》1880 Henry C.和 Martha B.Angell 系列，1919年埃德加•德加渴望让更多的具象艺术家参与印象派展览，该展览以风景画为主。他努力倡导将拉斐尔纳入其中，拉斐尔已经获得了好评，并在沙龙上展示了他的作品。拉法埃利参加了两次印象派展览，包括1881年这幅画的特色。一位评论家观察到：“在我们看来，拉法利似乎与被称为印象派的艺术家有明显的不同，他以极其细致的绘画再现他的观察。”巴黎及其郊区的题材在这些艺术家画作中很常见。在这里，Raffaelli 吸引了人们对这座城市一位卑微的工人的关注。 卡米尔•皮萨罗《拿着干草叉的农民妇女》1889 蚀刻和水彩 卡米尔•皮萨罗《女人在扔干草》1890 蚀刻和水彩 卡米尔•皮萨罗《奶牛》1885 蚀刻和水彩皮萨罗在1880年左右第一次从埃德加•德加那里了解到水色，当时他们开始了密切合作。在这幅画里，他在田野里安静地描绘了一头牛时使用了这种技术，利用这个过程创造了前景中草的斑驳纹理和牛皮上的深色斑驳图案。一个农民妇女弯着腰，在牛后面采摘农产品或鲜花。 卡米尔•皮萨罗《清空手推车的女人》1880 蝕刻，干點和水彩李•M。弗里德曼基金，1975年在这种印刷品的后期状态中，皮萨罗引入了水彩的使用，它创造了色调的补丁，而不是像干点那样的锐利线条。由此产生的大量斑驳和郁郁葱葱的纹理将这种构图变成了春天的场景，树上的树叶或花蕾取代了附近早期状态的线条。皮萨罗的探索深度令人钦佩。 卡米尔•皮萨罗《雪上的早晨阳光，埃普特河畔埃拉尼》1895 约翰•皮克林 •莱曼系列-西奧多拉•莱曼小姐的捐赠，1919年1884年4月，皮萨罗搬到了埃普特河畔拉尼，在那里他主要居住，直到1903年去世。在这幅画中，一个农民妇女艰难地穿过雪地，背对着观众，双臂因两个水桶的重量而收緊。在这里，皮萨罗将他对农村工人的同情与对冬季风景的兴趣结合起来。几十年来，皮萨罗一直致力于描绘简陋的乡村场景，并使用闪烁的笔触。他的触摸从更广泛的印象派笔触到更有条理的新印象派点，然后又回来了。从19世纪80年代末开始，皮萨罗患有眼部疾病，因此很难在户外长时间工作。他可能从他工作室的窗户上画了这一幕，工作室是埃拉格尼的一个改建的谷仓。 保罗•西纳克《在Herblay的塞纳河的景色》1889 查尔斯•萨姆纳•伯德夫人的礼物（朱莉娅•阿普尔顿•伯德），1980年Signac的各种笔触——点、点和破折号——有助于暗示不同的纹理，也赋予了这里的构图一种视觉能量，一种光学抖动。底漆画布的淡灰色在笔触之间很明显，特别是在水和天空中，营造出银色的中色调和作品正在迅速完成的感觉。在水边和山顶上画的线条，以及在色轮上相互对立的颜色的深思熟虑使用（如树叶反射中的橙色和蓝色），揭示了艺术家的精心规划。 保罗•西纳克《圣卡斯特港》1890 威廉•A的捐赠。柯立芝，1991年Signac是Camille Pisarro的朋友，也是无政府主义思想的狂热支持者。他对社会的乌托邦愿景同样反映在他对自然的和谐观中。在这里，他通过精心涂抹鲜艳的色彩和光线的油漆，实现了谨慎的平衡。Signac是一位狂热的水手，被吸引到法国海岸，在那里他应用了新印象派技术来捕捉令人震惊的彩虹色水域。Saint-Cast港是 Signac沿着布列塔尼海岸绘制的一系列四幅海景之一。他对颜色和触感的微妙关注唤起了沙子的颗粒状纹理和水向岸边波纹时波光粼粼的表面。 第五部分：现代人的遭遇巴黎在19世纪50年代和18世纪60年代，在奥斯曼男爵的大规模翻新下进行了重塑，用林荫大道、公园和新剧院取代了狭窄的街道。这改变了社会生活和私人家庭的同时，为公共休闲提供了空间。印象派捕捉到了繁华的咖啡馆和舞厅，以及家人和朋友的亲密场景。女艺术家的机会仍然有限，但许多人女性画家也努力寻求参加展出，她们的贡献帮助拓宽了印象派的圈子，并挑战了女性在艺术界面临的障碍。 巴黎的变化这里的四幅照片，展现的是在19世纪中叶，巴黎的城市景观发生的巨大变化。在负责重大翻新项目的官员豪斯曼男爵的监督下，这座城市狭窄的中世纪街道群变成了今天看到的宽阔、辐射的大道网络。在这个过程中，许多工人阶级社区被夷为平地，其居民被剥夺了。这些歌剧院大道周围的地区的照片显示了破坏和变化的程度，导致开放的街道和广场两侧是统一优雅的多层公寓楼。对于巴黎人来说，这些变化带来了一种新的公共空间感。诗人CharlesBaudelaire 在1863年的一本关于flGneur的文本中捕捉到了这种感觉，这个人物拥抱了在城市街道上匿名流浪的经历。印象派也经常描绘新巴黎及其街景中的不同居民。 今天的巴黎之所以出现，要归功于19世纪50年代和1860年代的主要城市振兴项目。由负责官员 Georges-Eugene Haussmann 男爵监督的大幅翻新，包括拆除较贫穷的社区，以建造现在定义市中心的广阔林荫大道和宏伟的公寓楼。新的娱乐场所，从咖啡馆和剧院到公园和赛马场，促进了社会互动。巴黎变得更加开放和互联，使小而孤立的地区成为过去。街道上有一种匿名感，公共空间和私人空间之间的对比具有新的意义。随着这些变化塑造了巴黎人的社会生活，艺术家们捕捉到了他们在城市街道上遇到的人，以及在家中隐私中的家人和朋友。女艺术家的机会仍然有限，但许多人寻求在艺术界占有一席之地的方法。他们在受人尊敬的工作室学习，在卢浮宫博物馆复制作品，并向沙龙提交参赛作品。Victorine Meurent就是这种情况，这位画家在19世纪60年代首次作为 Edouard Manet 最喜欢的模特而受到关注。其他人，包括Berthe Morisot 和MaryCassatt，多次在印象派展览中展出。 爱德华马内《音乐课》1870 纪念查尔斯•迪林的匿名百年纪念礼物，1969年在追求更真实的现代生活愿景时，马内明显地看看出是以迭戈•韦拉斯克斯的历史榜样。迭戈•韦拉斯奎斯是17世纪伟大的西班牙绘画大师，他的影响在这里可以看到。马内对西班牙绘画的兴趣本身反映了法国社会对西班牙事物的当代趋势。在這幅畫中，一對夫婦坐在黑暗的室內，腳下有一塊圖案豐富的摩爾人地毯。吉他老师由诗人、画家和著名的西班牙爱好者ZacharieAstruc （1833-1907）为模特，而这位身份不明的女人的黑色蕾丝长袍和发饰让人联想到传统的西班牙服装。 爱德华•马奈《街头歌手》1862 Sarah Choate Sears与她的丈夫JoshuaMontgomery Sears Tot赠，1966年虽然马奈从未参加过1874年至1886年间举行的所谓印象派展览，但他是埃德加•德加、克劳德．莫奈和其他印象派艺术家的朋友和导师。这幅画的主题是街头歌手，以19世纪60年代巴黎街头的一个熟悉人物为基础。下午在巴黎西北边缘的巴蒂尼诺尔地区的工作室附近散步时，马奈和他的朋友安东尼•普鲁斯特（1832-1905）遇到了一个拿着吉他的女人，她离开了一个“呆子歌舞表演”。被她的外表所震撼，Manet招募了他最喜欢的模特Victorine Meurent（她的肖像和自画像在附近展示）来重现这一幕。这位歌手在酒吧或咖啡馆入口处的画布上徘徊，抓着一把吉他和一些用黄纸卷的樱桃。 皮埃尔-奥古斯特•雷诺阿《在布吉瓦尔跳舞》1883 雷诺阿以他关于当代生活的大型绘画而闻名，就像这个例子一样。巴黎郊外塞纳河上的布吉瓦尔小镇的露天咖啡馆是包括印象派在内的城市居民的热门休闲场所。在这里，在一家这样的咖啡馆里，地板上散落着香烟和鲜花，一个戴着草帽的业余船侠用华尔兹扫过他的时尚伙伴。他们不加手套的手的触摸和女孩脸颊的红晕暗示了这个郊区场景的多情潜台词。 埃德加．德加《埃德蒙多和特蕾莎•莫比利》1865 Robert Treat Paine 的捐赠，1931年这是德加为他妹妹 Therese 画的一系列肖像之一，1863年他在那不勒斯与表妹 EdmondoMorbilli结婚前后。这幅特殊的肖像具有阴郁的品质，Therese的表情有些心烦意乱，这可能是据报道这对夫妇不幸流产的结果。正如他在早期作品中经常做的那样，德加将传统元素与现代元素相结合——16世纪意大利宫廷肖像的庄严正面和绿色窗帘，以及达格雷奥型照片的亲密、重叠的姿势。结果是一种异常的感知相似。 皮埃尔-奥古斯特•雷诺阿 《女孩们在草地上摘花》1890 朱莉安娜•切尼•爱德华兹收藏，1939年雷诺阿在印象派画家 Berthe Morisot 和她的丈夫Eugene Manet（Edouard Manet的兄弟）的乡间别墅度过了1890年的夏天。Renoir 请他们的女儿Julie 和她的金发表妹Jeanne Gobillard一起为他摆姿势。雷诺阿在洛可可田园场景中给女孩们带来了牧羊人的幻想气息，有精心装饰的荷叶边和丝带的帽子。他从18*世纪艺术家弗朗索瓦•布歇（FrangoisBoucher）的通风、虚作的场景中取了线索。左边是开花的苗，这幅画也是萌芽成熟的寓言。雷诺阿的同时代人以喜忧参半的热情接待了如此美丽的作品。 第六部分：重新想象平凡长期以来，静物被认为是一种次要流派，在19世纪变得突出，并成为印象派的实验领域。艺术家从叙事中解放出来，通过水果、花卉和物品的安排来探索色彩、手势和构图。Cezanne对空间和视角的大胆扭曲将该类型重塑为激进的声明，而Morisot流畅的笔触为她的静物注入了即时性。事实证明，静物在商业上也很成功，收藏家们渴望装饰作品。Henri Fantin-Latour 在郁郁葱葱的插花方面创造了独特的专业化。通过如此多样化的方法，印象派将日常物品重新想象为艺术创新的场所。 在欧洲艺术史上，静物画长期以来一直被视內次要流派。它不如历史或古典神话的戏剧性场景声望。这在1世纪开始改变，当时静物在沙龙展览中更频繁地出现，并成为印象派艺术家的常见主题。静物画的常规性和基于工作室的性质使其中一些画家能够通过形式、手势标记或大胆使用颜色来做出强烈的实验性声明。保罗•塞尚（Paul Cezanne）生动的苹果、橙子和柠檬，以及扭曲透视和深度的复杂构图，成为他前卫方法的标志。與此同時，Berthe Morisot用静物画展示了她笔触的快速、松散的流畅性。艺术家也经常通过静物获得商业上的成功，因为他们通常在私人收藏家中很受欢迎。古斯塔夫•库尔贝（GustaveCourbet）曾说过一句名言：“我正在用鲜花来赚钱”，因为他的静物画提供了稳定的收入，而其他流派的作品可能更具挑战性。一些藝術家，如 Henri Fantin-Latour，成為專家，在鮮花和水果的繁茂而精緻展示方面建立了聲譽。 伯特•莫里索《碗里的白花》1885 约翰•T•斯保罗的遗赠，1948年1869年，莫里索被爱德华•马内介绍给印象派圈子，爱德华•马内是她的密友、导师和最终的姐夫。她很快成为该团体的核心成员，并参加了八个印象派展览中除一个外的所有展览。作为一名中上层阶级女性，莫里索特没有受到经济困难的阻碍。与克劳德•莫奈和皮埃尔-奥古斯特•雷诺阿不同，她的生计并不取决于出售她的画作。因此，她能够制作出极具实验性的作品。这种静物画体现了莫里索对绘画的直接和直接方法，其宽阔的笔触以最少的松散、流畅的线条和形式捕捉主题。 保罗塞尚《桌子上的水果和水壶》1890-1894 约翰•T•斯保罗的遗赠，1948年“我想用一个苹果让巴黎大吃一吃。”——-塞尚Cezanne被当时的艺术评论家描述为“静物大，和Edouard Manet 一样，他大约五分之一的作品都致力于这种类型。虽然他的实践受到印象派目标的影响，但他的愿景与他们截然不同。Cezanne 的主要目标不是寻求捕捉短暂的印象，而是调查形式、结构和颜色，以及这些构图元素之间的关系。静物是他进行研究的中心主题。他对静物画的奉献产生了复杂、精心雕刻的构图，其中装有无生命的物体。 皮埃尔-奥古斯特•雷诺阿《陶罐里的混合花》1869约翰•T•斯保罗的遗赠，1948年一些印象派艺术家努力为他们的静物画带来高度自然主义和“活生生”的效果，用特立独行的笔触和明亮的调色板来表现自然界中发现的纹理、颜色和活力。这反映在雷诺阿的画作中，它既捕捉到了主题——石器锅中的大丽花、紫苑和向日葵与精选的苹果和梨子的排列——以及周围的氛围。这幅画标志着雷诺阿与克劳德•莫奈最亲密的合作。年轻的艺术家们并排坐着画了同一个主题。 亨利•范廷-拉图尔《桌子上的花和水果》1865 约翰•T•斯保罗的遗赠，1948年Fantin-Latour 在卢浮宫遇到了 Edouard Manet和Edgar Degas，他们在那里复制了19世纪50年代末和19世纪60年代初的老大师画作。Fantin-Latour 很快就喜欢上了他们的前卫圈子，但拒绝参加19世纪70年代印象派的集体展览，而是选择继续在官方沙龙展示他的作品。他制作了静物画，通常有像这样非常随意的构图，并曾经声称“在随机物体的排列上投入了大量思考”，以便“看起来完全缺乏艺术性”。 阿尔弗雷德•西斯利《桌子上的葡萄和核桃》1876 约翰•T•斯保罗的遗赠，1948年Sisley 只画了九幅静物画，在他的职业生涯中一直致力于风景画。这幅作品被认为是在他的朋友克劳德•莫奈的鼓励下绘制的。就像他的印象派同伴的静物一样，西斯利的画作既捕捉到了展出的物品—盘子里的精选水果、核桃、一把刀和胡桃夹子——以及不断变化的大气条件。物品在清脆的白色桌布上的随意排列类似于自然景观中发现的形式，西斯利和他的许多印象派同伴更愿意接受这一主题。 第七部分：莫奈——时刻和记忆这部分是莫奈专题展。作为印象派开创性大师，克劳德.莫奈Claude Monet的持久吸引力在於他捕捉景观中活力和氛围的能力。他的作品呈现出非凡的色彩、构图和光线，共享独特的感性，使它们立即被识别。莫奈的系列画作——无论是谷仓、田地还是睡莲——都反映了他对描绘地点的持续关注，因为他注重表现不同季节和一天中的时间的主题。这些作品建立在丰富的颜料层中，在保留其记忆的同时，体现了瞬间的转瞬即逝的感觉。对于过去和现在的观众来说，莫奈的艺术，继续定义着印象派的精髓。 奥斯卡·克劳德·莫奈（Oscar-Claude Monet，1840.11.14—1926.12.5）莫奈生于巴黎，成长于勒阿弗尔；早年画漫画，受欧仁·布丹引导转向户外写生。1862年入格莱尔画室，结识雷诺阿、西斯莱等人，共同推动户外写生与光影捕捉的新画法。1874年首届“无名画家协会”展，其《日出·印象》遭评论家嘲讽并被贴上“印象派”标签，这一贬称后来成为流派正式名称；莫奈也被公认为印象派的领导者与核心创始人。晚年定居吉维尼，打造水上花园，专注睡莲系列，虽受白内障影响仍坚持创作，最终在吉维尼离世。 《睡莲》系列之一《日本桥》（1900s-1920s）莫奈晚年定居在吉维尼花园，园中的睡莲和拱桥（日本桥）成为他经常的主题。绘制的睡莲系列约250幅，从单幅池塘到巴黎橘园美术馆的椭圆形巨幅《睡莲》全景，模糊水面与天空界限，营造出沉浸式氛围；他眼疾白内障时期，色彩更主观、笔触更厚重 《干草堆》：系列组画巅峰（1890s）莫奈作干草堆组画约30幅。为了描绘同一草垛在不同季节、时辰的光影变化，莫奈甚至同时架设多幅画布，轮流创作。这幅画是克劳德·莫奈创作于1885年的作品：• 英文：Meadow with Haystacks near Giverny• 中文：《吉维尼附近有干草堆的草地》（也译作《吉维尼的草垛草地》）它描绘了法国吉维尼村附近的一片草地，画面中散落着几个干草堆，背景是茂密的树林，是莫奈定居吉维尼后创作的典型印象派风景作品 这幅画是克劳德·莫奈《干草堆》系列中的一幅，正式名称为：• 中文：《冬季早晨时的干草堆》（也译作《麦垛，雪的效果，早晨》《早晨雪后的稻草堆》）• 英文：Wheatstacks, Snow Effect, Morning（或 Grainstacks in the Morning, Snow它创作于1891年，是莫奈为了捕捉不同光线和季节下干草堆的色彩变化而创作的系列作品之一 这幅画是克劳德·莫奈在1882年创作的《普维尔的小径》（Chemin de la Cavée, Pourville / The Path at La Cavée, Pourville），也常被称为《普鲁维尔的洼路》或《普维尔勒·卡内小路》。它描绘了法国诺曼底海岸普维尔小镇的一条山间小径，是莫奈在1882年创作的一系列诺曼底海岸风景之一 这幅画是克劳德·莫奈（Claude Monet）创作于1885年的作品，正式名称为：英文：Poppy Field in a Hollow near Giverny中文：《吉维尼洼地的罂粟田》（也译作《吉维尼附近山谷中的罂粟花田》）它描绘了法国吉维尼村附近山谷中一片盛开的罂粟花田，是莫奈定居吉维尼后创作的典型印象派风景作品。 克劳德·莫奈创作于1882年的作品：• 中文名称：《瓦朗日维尔悬崖上的渔夫小屋》（也译作《瓦朗日维尔的渔夫小屋》）• 英文名称：Fisherman's Cottage on the Cliffs at Varengeville• 法文名称：La maison du pêcheur à Varengeville它描绘了法国诺曼底瓦朗日维尔海边悬崖上的小屋，是莫奈在诺曼底海岸创作的典型印象派作品 这幅画是克劳德·莫奈创作于1884年的作品：• 中文名称：《芒通附近的马丁岬》（也译作《马蒂安山，位于芒通附近》）• 英文名称：Cap Martin, near Menton• 法文名称：Cap Martin, près de Menton它是莫奈在法国里维埃拉旅行时创作的，描绘了从马丁岬眺望地中海和阿尔卑斯山脉的景色 克劳德·莫奈在1888年创作的作品：• 中文名称：《昂蒂布的城堡》（也译作《昂蒂布堡垒》《安提布旧堡垒》）• 英文名称：The Fort of Antibes（或 The Castle in Antibes）• 法文名称：Le Fort d'Antibes它描绘了法国蔚蓝海岸昂蒂布的古老城堡，背景是白雪覆盖的阿尔卑斯山 克劳德·莫奈在1888年创作的作品：• 中文名称：《从昂蒂布角看阿尔卑斯山》）• 英文名称：Cap d'Antibes, Mistral（或 The Alps Seen from Cap d'Antibes）• 法文名称：Cap d'Antibes, Mistral它描绘了法国南部昂蒂布角的海岸风光，前景是在密史脱拉风（地中海沿岸的干冷强风）中摇曳的树木，中景是蔚蓝的地中海，背景则是被霞光染成粉紫色的阿尔卑斯雪山。 展室大屏幕上不间断播放莫奈晚年在吉维尼花园，面对睡莲、垂柳进行创作的电影纪录片 《吉维尼花园的日本桥》克劳德·莫奈在1900年创作的这幅作品，悬挂在整堵墙正中。它描绘了莫奈在吉维尼花园中亲手设计的日本桥和睡莲池，是他“日本桥”系列中的重要作品之一 克劳德莫奈《日出·印象》（1872）这个美篇编辑到最后，意犹未尽。特意附上本次展览并没有出现的莫奈这幅早期探索之作、也是印象派的开山之作。作品描绘的是勒阿弗尔港口清晨的朦胧光线，笔触松散、色彩明快。在1874年巴黎首届“无名画家协会”展出时，莫奈的《日出·印象》遭评论家嘲讽并被贴上“印象派”标签，这一贬称后来竟成为流派正式名称，这幅画也成为所有欧洲美术史著作中最重要的作品之一。克劳德·莫奈的《日出·印象》（Impression, Sunrise），它的永久收藏地是法国巴黎的玛摩丹-莫奈博物馆（Musée Marmottan Monet）。该馆是全球收藏莫奈作品最多的博物馆，这幅画也是其镇馆之宝之一。