视觉音乐中看思想的静默 ‍——我大舅吴玉炯油画赏析

老笑

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2025年底，我们家三姐弟每人都收到了我大舅寄来的两本画册。

这是一位老者用六十载光阴沉淀的热爱，用画笔奏响的生命回响，更是思想在色彩与光影中沉淀的静默独白。

大舅的艺术之路，始于幼年那份纯粹的涂鸦之趣。彼时的他，用稚嫩的笔触描摹眼中的世界，那份对美的本能感知，成为日后漫长岁月里最温暖的精神慰藉。

他从未磨灭那份对绘画的执念。退休的大舅，哪怕只有片刻闲暇，他也会拾起画笔临摹名画，又能以画会友、馈赠亲友，更能在笔墨挥洒间消解身心的疲惫。这份在琐碎生活中坚守的热爱 。

大舅这次寄来的画册，一本是《吴玉炯油画丙烯作品》，另一本是《吴玉炯速写素材作品》。

其中油画集锦作品共69幅，速写素材作品共37幅。

当指尖拂过这本厚重的画册，油墨的清香与画布的肌理感交织而来，一幅幅油画风景如同流动的视觉乐章，在眼前缓缓铺展。这不是普通的风景复刻，更是思想在色彩与光影中沉淀的静默独白。

我特地学习了油画作品的欣赏方法，尝试从以下三个方面学习和浅析：

一：从笔触与肌理 力量感：动感

二：色彩美学：色调，暗部处理

三：意境构图：构图，情感共鸣

《一：奔腾吧  黄河》

这幅《奔腾吧 黄河》是一件极具视觉冲击力的油画作品。它不仅捕捉了母亲河的“形”，更通过极其豪放的笔触，表现出了那种刻在中国人骨子里的“魂”。

一：笔触与肌理：指尖上的“惊涛骇浪”

这幅画最引人注目的就是其厚堆法应用。

● 力量感： 艺术家没有用细腻的线条去勾勒水流，而是用宽大的笔刷或画刀，将厚重的油彩直接“堆”在画布上。这种凹凸不平的肌理，完美地模拟了黄河水裹挟沙石、咆哮而下的物理质感。

● 动感： 画面右侧的水流呈放射状喷涌，笔触的方向性极强，仿佛能让人听到壶口瀑布那般震耳欲聋的轰鸣声。

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二：色彩美学：大地的交响乐

作品的配色非常纯粹且典型，充满了泥土的芬芳与生命的韧性。

● 色调： 以暖赭、土黄、深褐为主基调，这正是黄河标志性的“肤色”。

● 光影对比： 画面中穿插的大量白色和亮黄色点缀，不仅表现了浪花飞溅的瞬间，更像是在浑浊的河水中注入了光亮，使画面在厚重中透出一种透气感和生命力。

● 暗部处理： 画面左侧深褐色的礁石坚硬、沉稳，与翻腾的白浪形成鲜明对比，衬托出水流的湍急。

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三：意境构图：不屈的精神图腾

● 构图： 画面采用了近景截取式的构图，省略了远山和天空，将所有焦点都聚集在“激流”这一矛盾冲突最剧烈的地方。这种处理方式让观众仿佛置身于岸边，感受到那种“黄河之水天上来”的压迫感

一句话总结：

这是一幅“自带音效”的作品。它用粗犷的笔触打破了静止，让凝固的油彩在视觉上产生了一种永恒的爆发力。● 情感共鸣： 作品不仅仅是在画水，更是在画一种民族精神。那种即便面对坚硬礁石也绝不回头、咆哮向前的气势，是对“奔腾”二字最直观的诠释。

《二：巅峰》

这幅名为《巅峰》的油画作品，展现出一种极具张力与意境的艺术风格。它并不追求写实的细节，而是通过色彩的碰撞和笔触的力度，捕捉了山岳在光影流转间那种雄浑而神秘的瞬间。

一：色彩与光影的交响

● 深邃的色调： 画作大胆地使用了大面积的紫色、深褐与靛青。紫色通常象征着高贵、神秘，甚至带有一丝孤傲，这与“巅峰”的主题非常契合——登顶者往往是孤独的。

● 点睛之光： 在暗色调的岩石缝隙中，零星点缀的金黄色与浅赭色犹如破晓后的第一缕曙光，或者是夕阳残照。这种强烈的明暗对比，不仅赋予了画面体积感，更像是在沉闷的石壁中注入了生命力。

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二：笔触与肌理的力度

● 爆发式的笔法： 画家运用了大量干擦和厚涂的技法。山脊的线条并非平滑的勾勒，而是由短促、有力的笔触堆叠而成。这种带有“毛刺感”的线条，生动地传达了岩石的坚硬、粗犷以及地壳运动留下的沧桑感。

● 虚实结合： 与山体坚实笔触形成鲜明对比的，是画面中部的留白与雾化处理。淡蓝灰色的烟云在山间缭绕，弱化了部分形体，使得整座山峰仿佛从虚无中升腾而出，增强了空间的纵深感。

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三：意境与情感表达

● “巅峰”的隐喻： 画面左侧高耸入云的主峰占据了绝对的视觉中心。它不仅仅是自然界的山峰，更像是一种精神的象征——象征着目标、理想以及在攀登过程中必须面对的险峻与迷雾。

● 动感与静谧： 虽然描绘的是静止的山，但那种倾斜的构图和交错的笔法给人一种动态的视感，仿佛能听到风在山谷间呼啸，感受到云气在岩石间流转。

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综合评述：

《巅峰》是一幅典型的表现主义风格作品。它不在乎画得“像不像”某座具体的山，而在乎传达出那种“会当凌绝顶”的壮志与敬畏之心。

观感总结： 整体画面浑厚、苍劲，色彩运用极其大胆。暗部的深邃与亮部的璀璨相互成就，成功塑造了一个宏大且富有哲思的艺术空间。

《三：秦岭中的小屋》

这幅名为《秦岭山中小屋》的油画作品（24×30cm，2017年7月），展现了一种质朴而深邃的田园意境。与之前展示的那幅《巅峰》相比，这幅画从宏大的精神写照转为了对生活原色的细腻捕捉。

一：色调与光感的营造

● 暖阳与阴凉的对比： 画面中心的小屋被明亮的赭石和土黄色覆盖，表现出阳光直射在土墙上的质感。而背景的深绿色山林与屋檐下的阴影形成了鲜明对比，营造出一种夏日山间特有的清凉感与静谧感。

● 色彩层次： 画家运用了丰富的绿色系——从远山淡淡的青绿到近处草丛浓郁的深绿，展现了秦岭植被的茂密。

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二：笔触与材质的运用

● 纸板油画的独特肌理： 在纸板上作画通常会保留一种颗粒感。画中小屋的墙面笔触厚实，甚至能感觉到泥土的粗糙；而前景的乱石与草丛则采用了写意、细碎的笔法，增加了画面的灵动性。

● 结构的力量感： 房屋的梁柱和轮廓线笔力稳健，勾勒出关中民居那种扎实、耐风雨的建筑结构，透着一种稳重的生活气息。

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三： 构图与空间感

● 纵深布局： 画作采用了经典的近、中、远三段式构图。近景是乱石与溪流（或小路），中景是核心主体小屋，远景则是若隐若现的山峦。这种布局引导观众的视线从小径走向小屋，仿佛在进行一次实地的寻访。

● 人与自然的共生： 屋后的大树几乎与山色融为一体，这种“屋在林中，林掩小屋”的视觉处理，精准地捕捉了秦岭深处人家那种天人合一的生存状态。

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四：艺术情感与评价

● 乡愁的寄托： 这幅画创作于2017年夏季，它捕捉到的不仅是风景，更像是一种慢生活的缩影。在现代都市的快节奏下，这种对深山古朴生活的描绘，很容易激发观者内心深处的乡愁。

● 写实与印象的交融： 整体风格介于写实与印象派之间，不纠结于一砖一瓦的精雕细刻，而是通过色彩的堆叠去传达那个瞬间的光影印象和山野气息。

总结：

如果说《巅峰》表现的是一种向上的力量，那么这幅《秦岭山中小屋》表现的就是向下的扎根。它非常成功地将秦岭这种雄浑背景下温柔、生活化的一面呈现了出来。

《四：早春二月》

这幅由我大舅吴玉炯老师创作的油画《早春二月》（2022年作），如果说《黄河》是“大地的咆哮”，那么这一幅则是“季节的低语”。

它捕捉了冬末春初交替时，自然界那种极其微妙、带有凉意却孕育着生机的瞬间。

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一：色彩的“冷暖博弈”

画面最精彩的地方在于其色彩关系的处理，它精准地传达了“早春”的体感：

● 冷色的基调： 天空和未消融的冰面使用了大面积的灰蓝色、紫罗兰色。这种冷色调不仅表现了二月料峭的寒意，也赋予了画面一种清透、静谧的质感。

● 暖色的苏醒： 画面中景处那一片红褐色的土地，是整幅画的“暖意源泉”。它代表着积雪融化后露出的湿润泥土，暗示着地气开始回升，大地正在悄悄“回暖”。

● 树干的亮色： 三棵白桦树（或类似的白皮树木）的树干，使用了高亮度的白色，并混入了一些粉紫色调。它们像闪电一样划破了深色的背景，成为了视觉中心。

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二：构图与节奏：向上的生命力

● 垂直构图： 三棵姿态各异的树木纵向贯穿画面。它们向上延伸的枝条虽然还未长出绿叶，但其舒展的姿态展现了植物内在的生长动力。

● 三位一体： 画面中心的三棵树错落有致，形成了稳定的三角形结构，但其倾斜的角度又为静谧的风景增添了一丝律动感，避免了呆板。

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三：笔触与质感：凝固的空气

我大舅～吴玉炯老师处理不同材质时，笔法的变化非常丰富：

● 树干： 笔触坚实且富有厚度，体现了树皮的粗糙感和光影的质感。

● 远景与天空： 笔触更加松散、朦胧，营造出一种薄雾笼罩的空气感，让观众仿佛能呼吸到二月清晨那股冰凉而湿润的空气。

● 水面/冰面： 蓝白相间的横向笔触，利落地表现了冰层断裂与水面反光的交织，

四：意境：寒冷中的希望

这幅画有一种典型的文人情怀。它没有选择繁花似锦的盛春，而是选择了“最难捕捉”的早春。

这种美是不张扬的，它需要观察者静下心来，去感受那种冰层下涌动的生机，以及那份“润物细无声”的平和。

总结与对比：

相比于《奔腾吧 黄河》那种极具动能的、发泄式的厚堆涂抹，这幅《早春二月》在用笔上更加克制而精准。如果《黄河》是交响乐，那么《早春二月》就是一首优雅的室内弦乐小夜曲。

这两幅画中，一幅展现了“势”，一幅表现了“境”。

你是个更偏爱这种静谧深邃的自然景观，还是更喜欢那种充满爆发力的抽象风格？

《五：薰衣草花开了》

这幅由吴玉炯老师创作的《薰衣草花开了》（2017年作），展现了与《早春二月》完全不同的生命状态。

如果说《早春二月》是“静待苏醒”，那么这幅画就是“热烈的绽放”。

这件作品在纸板上用油彩勾勒出了一幅生机勃勃的夏日图景。

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一： 色彩的交响：紫色与绿色的视觉碰撞。这幅画最成功的在于其高饱和度色彩的运用，形成了一种极强的视觉张力：

● 梦幻的紫调： 画面下半部分被大面积的紫色占据。画家并非使用了单一的紫，而是融合了深紫、丁香紫、甚至带有暖意的暗红。这种色彩的堆叠让薰衣草田看起来深邃且富有层次感。

● 生机之绿： 中景的树木使用了浓郁的橄榄绿和翠绿。紫色与绿色在色相环上接近对比色，这种组合让花田显得更加鲜艳，树木显得更加繁茂，营造出一种盛夏正酣的氛围。

● 透亮的天空： 背景的蓝天辅以翻滚的白云，笔触写意，不仅拉开了画面的空间深度，也为厚重的花田注入了透明感。

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二： 笔触的节奏：跳动的生命脉搏

与《黄河》那种狂野的奔涌不同，这幅画的笔触呈现出一种有节奏的律动：

● 向上生长的线条： 在表现薰衣草时，画家采用了短促、有力的纵向笔触。这些笔触像是在画布上“跳跃”，精准地捕捉了花穗随风摇曳的动感。

● 厚涂（Impasto）的质感： 画布（纸板）上的油彩有一定的厚度，尤其是在花田和云朵的部分。这种肌理感使得阳光照射在画面上时，会产生微小的投影，增强了画面的立体感和临场感。

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三：构图与光影：秩序中的自由

● 三段式构图： 画面由下至上分为“花田—树木—天空”三个层次，结构稳健。

● 光感的营造： 尽管没有明确的光源点，但通过树木一侧的亮色处理和花田中闪烁的浅紫色点缀，观者能感受到一种明亮的自然光洒满了整片田野。

总结：时间的跨度与情感的表达

对比与你分享的两幅作品：

● 《薰衣草花开了》（2017年）： 处于创作的“热烈期”，风格更偏向印象派，强调色彩带来的感官刺激，传达的是一种直观的、外放的喜悦。

● 《早春二月》（2022年）： 创作于五年后，风格变得更加内敛、深沉，更注重意境的营造和空气感的刻画。

这种从“绚烂”到“平淡（归于自然）”的转变，往往是一位艺术家心境成熟的体现。

感谢你的阅读和支持