<p class="ql-block">第二章先锋园艺</p><p class="ql-block">《引言》</p><p class="ql-block">当静物画体裁在19世纪中叶的欧洲日益流行之时，正是园艺在中上层阶级中日渐兴起之际。曾被王公贵族专享的花卉园艺栽培，成为欧洲人的一种时髦消遣。18世纪晚期到19世纪由于工业化在欧洲的快速发展，城市中心也随之发展起来，越来越多的欧洲人在新的工业体系下通过工作换取更高的工资，当他们有了更多可自由支配的收入后，就可以把这些钱花在休闲消遣上。在考虑如何消遣时，许多欧洲人把目光投向了曾经是皇室专属的园艺活动。并且，随着园艺这一爱好越来越普及，很多艺术家也为了支撑自己的艺术实践而痴迷于园艺，尤其是为他们的静物画创作找到了用之不竭的新鲜素材。园艺已然不仅仅是一种消遣；艺术家们把种植的花卉作为他们的绘画主题，并使园艺成为他们艺术实践的重要组成部分。</p> <p class="ql-block">“异花授粉”的第二部分，西方艺术家及留洋中国艺术家的作品并置展厅之中。庄重典雅的红色展墙上，中外艺术大师的真迹画作，一同讨论了在“花卉”这一意象之下，欧洲艺术家如何在花卉的创作中探索印象主义和后印象主义，以及留洋的中国艺术先驱如何将东方文化基因与法国深厚艺术传统进行交融与创新……</p> <p class="ql-block">第二章节“先锋园艺”，选取了代表新生的绿色作为背景墙的颜色，保罗·塞尚、欧仁·布丹、卡米耶·毕沙罗、皮特·蒙德里安、卢西安·弗洛伊德、周碧初、方君璧、吕斯百、贺慕群等艺术家的花卉作品错落其中，将展厅装点的如同一座勃勃生机的花园，让人流连其中，仿佛与这些传奇大师面对面交流。值得一提的是，此章节呈现的多位中国现代艺术先驱笔下的花卉静物，同时借鉴了西方艺术的写生技法与中国园林的审美精神，以自然有机的方式将中国与西方文化、传统与现代风格的碰撞转化为具有旺盛生命力艺术语言，借助不同花卉中寓意的品格象征，抒发强烈的寻求自身风格与自我精神独立的现代主体意识。</p> <p class="ql-block">欧仁．布丹（法国画家）1824年-1898年</p><p class="ql-block">花束（对画），约1860年-1865年创作的布面油画</p><p class="ql-block">被称为"天空之王"的风景画家欧仁·布丹作为莫奈的启蒙老师，是法国最早推行"外光画法"的艺术家之一，他将这种绘画方法介绍给了18岁的莫奈。《花束（对画）》是艺术家花卉主题探索晚期的重要代表作，受到荷兰静物画传统的影响，又融入了外光画法的技巧，使画中花卉兼具严谨的细节和生动的形象。这组对画，一幅呈冷蓝色调、隽永含蓄，一幅呈明黄色调、斑斓热烈，体现出高超的色彩驾驭力与精致的笔触。作品亦见证了艺术与时代的共振：人工合成颜料的发展、便携颜料管的发明，以及铁路的普及，为艺术家的"外光写生"带来前所未有的便利，成为印象主义萌生的时代契机。</p><p class="ql-block"> </p> <p class="ql-block">克劳德·莫奈（法国画家），1840-1926年《台阶》，1878年创作的布面油画</p><p class="ql-block"> 在欧仁·布丹的影响下，外光派画法长久而深远地启发了莫奈未来的印象主义创作。187年，莫奈满怀喜悦与热情地搬至维特伊小村居住，他不再描绘巴黎的当代都市生活休闲场景，而是关键性地转向了捕捉自然中的瞬间景象，在这里他经历了对个人生活和艺术生涯重新评估的决定性时刻，也是在这里创作了《台阶》。在这幅画中，莫奈以丰富明亮的色彩定格了宁静安详的秋日里维特伊古老农场庭院一隅的自然瞬间，细腻精致地再现了光线在墙面与植被上的斑驳变化。</p><p class="ql-block"> </p> <p class="ql-block">古斯塔夫．卡耶博特（法国画家），1848年-1894 年</p><p class="ql-block">《小热讷维耶花园中的太阳花，》1885年布面油画</p><p class="ql-block">古斯塔夫·卡耶博特是印象主义的核心人物与重要收藏家。他与挚友莫奈同样热爱园艺且交流密切。《小热讷维耶花园中的太阳花》绘于其亲自营造的花园中，是其晚期创作主题和风格转变的重要作品。画面以蓝绿色调捕捉林间光影与姿态生动的向日葵，笔触迅疾而松驰；构图则借鉴当时新兴摄影的裁切视角，带来富于现代感的视觉冲击。作为推动印象主义进入公众视野的关键人物，卡耶博特将其珍藏捐赠法国政府，不仅促成该流派最终获得官方认可，更将这批作品由私人收藏引入公共视域，极具里程碑的意义。</p> <p class="ql-block">古斯塔夫．卡耶博特《小热讷维耶花园里的向日葵》,1885年，布面油画，奥赛博物馆藏。</p><p class="ql-block">1885年，卡耶博特以突破常规的方式创作了两幅向日葵作品，即本次展出作品与巴黎奥赛博物馆藏《小热讷维耶花园里的向日葵》。后者采用垂直构图，空间紧凑，可见摄影技术影响；物象边缘的裁切处理，亦暗示画外空间的延续，强化了视觉张力。作为印象主义的重要收藏家与赞助人，卡耶博特曾资助莫奈、毕沙罗等友人，并为印象主义展览提供管理技能。1894年逝世之际，他立嘱将所藏68件印象派作品捐赠法国政府，包括马奈《在阳台上》与雷诺阿《煎饼磨坊的舞会》等名作。法国政府接受了其中38件，成为奥赛博物馆建馆的重要基础。</p> <p class="ql-block">埃米尔．贝尔纳：法国画家1868年-1941年</p><p class="ql-block"> 《静物》，1889年创作布面油画</p><p class="ql-block">法国后印象主义艺术家埃米尔，贝尔纳是19世纪末"分隔主义"和"综合主义"的代表人物。他逐步从印象主义的破碎笔触，转向以深色轮廓勾勒的平面化风格，对现代艺术的发展影响深远。贝尔纳与高更、梵高交往密切，自1886年相识后，共同探索新的绘画语言。作于1889年的《静物》展现了其分隔主义的成熟面貌。绿色藤蔓衬托瓶花，倾斜的视角和厚重的颜料透露出朋友塞尚对他的影响；大胆的深色轮廓与简化的色彩形式，构成其作品的两大标志。这些风格特征也对高更的创作产生过重要启发。</p> <p class="ql-block">乔治·布拉克：法国画家，1882年-1963年</p><p class="ql-block">《鲜花篮》，1925年创作的布面油画、沙子</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">乔治·布拉克与毕加索共同发起立体主义运动，"立体主义"这一名称便源于对其作品的评论。静物题材在其创作中占据核心地位，成为探索立体主义语言的直接媒介。20世纪20年代，布拉克逐渐摆脱早期立体主义的严谨结构，转向色彩更鲜明、表面纹理更丰富的个人风格。创作于这一时期的《鲜花篮》，采用油彩混合沙子的独特技法，突出了画面的颗粒感与厚度，正契合布拉克"触觉质感定义空间"的艺术理念。画中桌面上朴素而繁茂的金盏菊，伴着一旁翻开的乐谱，亦映照出布拉克对音乐的热爱。</p> <p class="ql-block">亨利．马蒂斯：法国画家1869年-1954年</p><p class="ql-block"> 《布列塔尼的卡巴莱入口》1896年创作的布面油画</p><p class="ql-block">1896年，尚未成长为野兽派领袖的亨利·马蒂斯还是一位以传统佛兰德斯风格著称的画家，为远离巴黎都市喧嚣，他来到布列塔尼的海边，结识约翰·皮特·罗素，并受他的色彩理论指导，接触了印象主义和当时还未成名的梵高的作品，自此开始了一系列关键性的绘画实践与转折。《布列塔尼的卡巴莱入口》正是创作于这一时期，画面描绘了一处海边花园，明媚斑斓的色块铺涂出一片花圃。画面色彩不再注重写实，而是进入了想象和情感的领域，标志着马蒂斯向野兽派转变的重大进展。</p><p class="ql-block"> </p> <p class="ql-block">安德烈·德朗：法国画家1880年-1954年</p><p class="ql-block"> 《瓶花》，1910年布面油画</p><p class="ql-block">野兽主义是20世纪初在法国兴起的先锋艺术运动，主张以纯粹浓烈的色彩与简练概括的形态表达强烈的主观情感。安德烈·德朗作为"野兽主义三杰"之一，早期的创作以色彩鲜明为特征，后在与毕加索的交往中相互启发。自1910年起，德朗逐渐意识到当代绘画与古典传统之间的深刻联系，通过对古代大师及塞尚作品的研究，其风格趋于简朴与深沉。《瓶花》正创作于这一过渡阶段，棕红、灰蓝色调的暗沉背景衬托白色花朵，造型概括而构图凝练，富于内在张力。</p> <p class="ql-block">莫里斯·德·弗拉曼克：法国画家，1876年-1958年</p><p class="ql-block"> 《灰色瓶花静物》布面油画</p><p class="ql-block">莫里斯·德·弗拉曼克同亨利·马蒂斯、安德烈·德朗并称为"野兽主义三杰"，以强烈的表现性用色与自觉的反学院姿态著称。其艺术历经转变：早期受梵高影响，色彩炽烈；约自1908年起，塞尚的启示使其色调转向深沉浓郁，风格也逐渐由纯粹的情感宣泄，转向兼顾结构理性与视觉张力的新阶段。这幅《灰色瓶花静物》体现了他风格转向后的探索。画面以幽暗背景衬托蓝粉相间的花朵，花瓣部分颜料厚重、肌理鲜明，微妙的晕染与色块间的冷暖对比，在理性构图中仍饱含表现力。</p><p class="ql-block"> </p> <p class="ql-block">拉乌尔·杜菲：（法国画家）1877年-1953年</p><p class="ql-block">《花》1908年布面油画</p><p class="ql-block">拉乌尔．杜菲作为野兽主义代表，1905年受马蒂斯《奢华、平静与快乐》启迪，确立以鲜明色彩与概括轮廓为核心的野兽主义风格。《花》创作于1908年，此时杜菲已受到塞尚作品中几何结构与对比色彩的影响。画面以厚实的平涂笔触描绘暗红色花瓣，层次丰富，与大面积钴蓝背景构成强烈对比。花与背景之间构成向外延展的抽象节奏，呈现出装饰性基调。杜菲从不受既定绘画形式与理论的束缚，发展出独具个人特色的"速记"风格。</p> <p class="ql-block">基斯．梵．邓肯：荷兰画家，1877年-1968年</p><p class="ql-block">《山茶花》，1920年布面油画</p><p class="ql-block">基斯·梵·邓肯是野兽主义与表现主义双栖大师，他的艺术风格既融合了野兽主义鲜明强烈的用色，又汲取了德国表现主义充满精神张力的表现语言。邓肯尤擅描绘上流社会中的优雅女性，同时也创作了大量花卉题材。《山茶花》延续了他描绘女性时厚重的笔法，以浓郁的色彩塑造出山茶花的丰腴形态，深色背景与明艳花朵形成强烈对比，既延续了荷兰静物画的传统，又赋予其现代的情感张力。此作不仅反映出艺术家个人的审美追求，亦折射出20世纪初巴黎的社会氛围与美学趋向。</p><p class="ql-block"> </p> <p class="ql-block">埃米尔·诺尔德：德国画家，1867年-1956年</p><p class="ql-block">《鸢尾花和三色堇》，1929年木板油画</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">埃米尔·诺尔德是德国表现主义艺术的重要先驱。对他而言花卉象征意义非凡，在他的一生中花卉主题总是无处不在。1927年，他和妻子艾达搬到了希必尔小镇，设计了他们姓名首字母和 A 形状的花坛。在这里，他创作了《鸢尾花和三色堇》，以丰富浓重的笔法和深重饱和的色调，传达强烈的梦幻氛围，赋予作品充沛的情感表现力。他曾说：我爱花盛开之色与色之纯净，我也爱花的命运：向上生长，缤纷而令人愉悦，而后倾倒枯萎，最后零落入尘。人生却并不总如此美好。"</p><p class="ql-block"> </p> <p class="ql-block">爱德华·蒙克（挪威画家），1863年-1944年</p><p class="ql-block">《峡湾风景》，约1918年创作的布面油画</p><p class="ql-block"> </p><p class="ql-block">挪威艺术大师蒙克是象征主义与表现主义的先驱。他1908年因精神崩溃入院疗养，出院后在奥斯陆峡湾畔购置带花园的奈德勒·拉梅别墅度过康复期，《峡湾风景》正是这一转折时期的见证。峡湾意象贯穿蒙克一生的创作：曾是代表作《呐喊》人物背后的焦灼风景，在此作中成为花园眺望的宁静幽远之景，被他称作"生命永恒变幻的轨迹"。近景花树泛起金色光辉，仿佛象征大地苏醒，曾经笼罩其作品的焦虑与痛苦，逐渐化为明朗生机。蒙克笔下的花与风景不仅是自然景象，更是心灵的折射，他也因此被视为最早将自然转化为"心理景观"的艺术家之一。</p><p class="ql-block"> </p> <p class="ql-block">爱德华·蒙克．挪威画家，1863年-1944年</p><p class="ql-block">《峡湾风景》，约1918年创作的布面油画</p><p class="ql-block"> 挪威艺术大师蒙克是象征主义与表现主义的先驱。他1908年因精神崩溃入院疗养，出院后在奥斯陆峡湾畔购置带花园的奈德勒·拉梅别墅度过康复期，《峡湾风景》正是这一转折时期的见证。峡湾意象贯穿蒙克一生的创作：曾是代表作《呐喊》人物背后的焦灼风景，在此作中成为花园眺望的宁静幽远之景，被他称作"生命永恒变幻的轨迹"。近景花树泛起金色光辉，仿佛象征大地苏醒，曾经笼罩其作品的焦虑与痛苦，逐渐化为明朗生机。蒙克笔下的花与风景不仅是自然景象，更是心灵的折射，他也因此被视为最早将自然转化为"心理景观"的艺术家之一。</p><p class="ql-block"> </p> <p class="ql-block">亨利·方丹﹣拉图尔：法国画家1836年-1904年</p><p class="ql-block">《白水仙、风信子和郁金香》，1864年创作的布面油画</p><p class="ql-block">亨利·方丹﹣拉图尔是19世纪花卉静物和肖像画大师，尽管与印象主义画家交往密切，却一生独立于任何艺术运动与流派，以承袭古代大师的技艺精湛著称。本作以深灰背景衬托自然花姿，隐约可见浪漫主义的诗意与印象主义的光色的影响，透亮的玻璃瓶尽显其高超的写实功力。瓶中白水仙、风信子与郁金香分别呼应希腊、罗马神话中的自我凝视、永生之悲与纯洁意象。方丹-拉图尔性格内省而忧郁，其创作常在市场需求与自我表达之间徘徊。这些富含神话意象的花卉，好似他精神世界的隐喻，隐含对生命与艺术的深沉思考。</p><p class="ql-block"> </p> <p class="ql-block">保罗．塞尚：法国画家，1839年-1906年</p><p class="ql-block">《瓶中花》，1872年-1873年创作的布面油画</p><p class="ql-block">保罗·塞尚被誉为"现代艺术之父"，其艺术观念深刻影响了20世纪的艺术进程。本作出自其"印象主义时期"，在塞尚风格演进中具有承前启后的意义。此时他逐渐摒弃早期作品的沉郁色调、粗重轮廓与浓厚肌理，转向更为轻松细腻的笔法，并借助色彩明度变化塑造物象结构。画面以红、绿色系形成互补，白花在黑色背景映衬下构成鲜明对比。对玻璃花瓶反射与扭曲光影的精细描绘，既反映出印象主义对光色复杂性的敏锐捕捉，亦透露出塞尚对结构与内在秩序的早期探索，预示了其在1878年后逐渐形成的成熟风格。</p><p class="ql-block"> </p> <p class="ql-block">皮特·蒙德里安：荷兰，1872-1944年</p><p class="ql-block">《有镜子、柜子、银扇草和水果的静物》1905年创作的布面油画</p><p class="ql-block"> 皮特·蒙德里安是20世纪抽象艺术先驱和荷兰"风格派"运动领袖，在其生涯的早期深受荷兰17世纪黄金时代艺术传统的熏陶。作品中瓶罐表面的高光与其镜中映像形成微妙对比，体现着艺术家深厚的写实功底与细致入微的观察。一束在欧洲被认为能带来繁荣与财富的银扇草在瓶中如银元般熠熠闪光，折射出荷兰黄金时代的文化精神在蒙德里安创作中的回响，其中对笔触和光影的探索则隐约流露出印象主义影响的端倪。</p> <p class="ql-block">皮特．蒙德里安：荷兰画家，1872年-1944年</p><p class="ql-block">《菊花》，1909年布面油画</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">荷兰"风格派"运动领袖皮特·蒙德里安以其个性鲜明的几何抽象绘画闻名于世。花卉在蒙德里安对抽象形式与结构的探索中充当了重要角色，他一生中绘制了数百幅单枝花卉作品，其中100余件是以菊花为主题。这幅《菊花》以简练构图突显画面主体，并使用薄涂的笔触探索花卉本身的精妙结构，脱离现实的花卉色彩是蒙德里安表达深邃的神智学理念的手段，这些探索共同预示着他后来标志性的几何抽象作品。</p> <p class="ql-block">《中国园林的审美精神》</p><p class="ql-block">中国园林是由建筑、山水与花木共同构成的综合艺术形式。中国拥有悠久的造园传统，随着古代文人士大夫阶层的兴起，造园活动由皇室宫苑逐渐普及至民间。文人不仅参与园林的布局与营造，更以此寄托志向与情怀，使园林成为体现人生观与世界观的精神载体。</p><p class="ql-block">园林之中蕴含着"天人合一"的理想之道，人在园中与季节、植物、天地的内在节奏相契合，得以体悟自然的恒动与环镜的流转。</p><p class="ql-block">花卉既是园中造景的素材，也是雅集与观赏的主题。通过瓶花的形式，自然景致更被引入室内，使四时气息常在。在审花亦寄寓着品性、德行与情感的象征，成为人与自然、情与理之间的媒介。</p><p class="ql-block">此处所呈现的中国现代艺术先驱下花卉主题作品，融汇园林的审美精神与西方现代艺术的写生技法，将中西传统与现代格的碰转化为富有生命力的艺术语言，亦借助不同花卉中寓意的品格象征，抒发寻求自身风格与自我精神独立的现代主体意识。</p><p class="ql-block"> </p> <p class="ql-block">苏天赐．中国画家，1922年-2006年</p><p class="ql-block">《水仙》，2004年创作的布面油画，</p><p class="ql-block">苏天赐晚年长住于南京汤山，醉心于江南自然风光，常在家中花园侍弄花草。苏天赐的一生中不止一次地以水仙为题绘画。这幅《水仙》创作于苏天赐艺术生涯晚期，画中以轻柔灵巧的笔触和浓重的碧绿色，勾勒出水仙枝叶柔韧的质感和纤薄柔软的白色花瓣。而朦胧空灵如江南烟雨的背景，使一盆水仙如飘浮在空气中那样轻盈，文人情怀和诗意也流动于画面当中。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">倪贻德：中国画家，1901年-1970年</p><p class="ql-block">《桃花灼灼》，1960年代创作布面油画</p><p class="ql-block"> </p><p class="ql-block">倪贻德是中国首个现代艺术团体"决澜社"的创始人，1928年留日归国后投身美术教育，并深入钻研美术理论与绘画技法。《桃花灼灼》是他的晚期作品，亦是其主张的艺术纯粹性与油画民族化的生动结合。画中建筑物以洗练的大块面色彩和粗犷线条构成，前景灼灼盛放的桃花与中远景的木形成鲜明对比，又与建筑虚实相映，既展现出对塞尚及立体主义、野兽主义风格的借鉴，又透出中国传统界画般的空间意趣。倪贻德以桃花为喻，叠合园林意象，营造出一个既具形式美感又富含精神理想的"桃花源"。</p><p class="ql-block"> </p> <p class="ql-block">胡善馀：中国画家，1909-1993年</p><p class="ql-block">《三潭印月睡莲》，1970年代布面油画</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">中国第一代留法艺术家胡善馀，以其融汇印象主义光色语言与中国民间艺术审美的风格著称。1946年，胡善馀随国立杭州艺自重庆迁回杭州后，便定居在西湖之畔。西湖不仅是他极为重要的创作主题，也是其寄寓情感的精神家园，作于20世纪70年代的《三潭印月睡莲》正是这一联结的生动体现。画面既带有印象主义的生动光影，又融入中国传统绘画的写意情韵，前景睡莲浓郁，中景水色盎鲜，远景堤岸与树影朦胧，营造出中式园林般"可游、可弱。可观"的诗意境界。</p> <p class="ql-block">艾中信：中国画家，1915年-2003年</p><p class="ql-block"> 《庭院一角》，1980年创作的木板油画</p><p class="ql-block">第二代中国油画家的代表艾中信，师承徐悲鸿、吕斯百、吴作人，致力于探索"写实中写意"的美学路径。20世纪70年代末，他的艺术创作转向对个人心境与日常景致的幽微体察。在此作中，艺术家在精准造型的基础上融入写意笔韵，描绘家中庭院一隅生机盎然的春日光景，梨花、龙舌兰、仙人掌盆栽高低错落、疏密有致，既是对自然物象的忠实刻画，也是对心中园林的意象提炼，映照出艺术家历经岁月沉淀后，恬淡澄明的精神境界。</p> <p class="ql-block">贺慕群：中国画家，1924年-2012年</p><p class="ql-block">《花木系列》，2000年创作的布面油画</p><p class="ql-block">贺慕群是中国第二代留法艺术家中重要的女性画家。生于上海，20多岁便旅居海外，足迹遍及巴西、西班牙与法国，2002年回到上海定居直至去世。漫长而广阔的跨文化经历，使她的艺术语言在中西之间自由流动，既吸收后印象主义的色彩感与装饰性构图，又融汇中国艺术的精神气韵。她的花卉创作始于20世纪70年代，以浓烈的色彩与质朴的形象为特征。这幅《花木系列》绘制于她回上海定居前两年，挺立的绿色茎叶与橙红花瓣形成强烈对比，平涂的单色背景消解了纵深感，强化了画面的平面性与装饰性的韵律。超常尺寸赋予花木原始的神性，以稚拙而真挚的笔触呈现生命的原初力量，凝聚了她在全球旅居中对自然、生命与文化身份的思索。</p><p class="ql-block"> </p> <p class="ql-block">黄永玉：中国画家，1924年-2023年</p><p class="ql-block">《繁花似锦》，1973年创作的布面油画</p><p class="ql-block">中国国家画院院士黄永玉，以广泛的创作媒介与自由率真、诙谐洒脱的风格著称，是一位颇具传奇色彩的艺术家。《繁花似锦》是黄永玉现存年代最早的油画作品之一，以布面油画呈现国画的白描墨线，赋色染绘结合，结构精雅有度。画面主体沿袭"清供图"的绘画传统，将牡丹、百合、菊、蓟置于锈迹斑驳的古器中，以流畅的线条搭配诗意清丽的色彩，展现了对大自然深沉的凝视和对生命的颖悟。</p> <p class="ql-block">王济远：中国画家，1893年-1975年</p><p class="ql-block">《幽香》，1941年布面油画</p><p class="ql-block"> </p><p class="ql-block">王济远是中国首个现代艺术团体"决澜社"的创始成员。兼擅油画、水彩与水墨，致力于跨文化与跨媒介的艺术探索。《幽香》创作于艺术家初抵美国之年，画面延续后印象主义形与色的主观处理，花瓣以简笔勾勒，橙黄与粉白堆叠出立体层次；花茎与叶片则以富于书法韵味的墨线与深浅有致的色彩描绘，形成"色以线造型，线附于色"的独特韵律。雾蓝与深紫色的背景分割，巧妙融合了中国传统文人画的淡雅与西方油画的幽邃，也流露出他旅居海外的文化处境与疏离感。</p> <p class="ql-block">林达川：中国画家，1912年-1985年</p><p class="ql-block">《怒放的生命》，1975年创作的布面油画</p><p class="ql-block">林达川是蜚声中日艺坛的油画先驱与中国现代油画的重要奠基者。他于1932年赴日留学，师从著名西画家藤岛武二，深研印象主义色彩技法，并将其与中国书画的笔墨意趣相融合。《怒放的生命》为其艺术成熟期之作，画面中朴拙的笔触、简练的形态与明朗的色彩相映成趣，流露出率真生机。作品以"对景写生、即兴完成"的方式，延续中国文人画"状物寄情"的传统。画中花卉与颜料管、调色盘并置，使"被描绘的自然"与"描绘的行为"互为映照，揭示出自然生命与艺术生命的相互生发。</p><p class="ql-block"> </p> <p class="ql-block">周碧初：中国画家，1903年-1995年</p><p class="ql-block">《芳华》布面油画</p><p class="ql-block">在中国留法油画先驱中，周碧初以其对光色的高度敏感与对点彩画法的深入研究著称，始终坚持将中国画及民间美术趣味与西方光学理论实践融合。花卉是他最钟爱的题材。这幅《芳华》以青花瓷瓶中寓意"十全十美"的十朵菊花为主体，用靛蓝点彩铺陈背景，衬托出色彩缤纷、姿态摇曳的花朵和生命力旺盛的绿叶。画中清晰的色彩层次与结构，表现出画面主体的质感与厚度，营造出悠远的怀古气氛。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">庞薰琹．中国画家，1906年-1985年</p><p class="ql-block">《玉带红绒》，1973年-1974年创作的布面油画</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">作为中国首个现代艺术团体"决澜社"的创始人，庞薰聚以其在绘画和工艺美术领域的先驱探索，和对中国少数民族艺术及传统艺术的研究著称。他曾提出中国艺术的创造逻辑是"心﹣眼一心"，强调其对于内心世界与精神的注重。《玉带红绒》创作于其艺术生涯的晚期，艺术家此时常以花卉寄情明志，在构图和技法上表现出极强的实验性。画面上方，金黄、牙白与玫红菊花簇拥成团，衬以浓郁绿叶，形成饱满的视觉张力；下方玻璃瓶与倒影镜像构建出虚实交织的空间关系，黄绿点染的背景赋予画面流动气韵。艺术家以精微线条勾勒叠球型、松针型等不同类型菊花的风姿，向观者传递出静谧而蓬勃的生命能量。</p> <p class="ql-block">廖新学：中国画家，1900年-1958年</p><p class="ql-block">《菊香》布面油画</p><p class="ql-block">廖新学是云南现代美术的开拓者与美术教育事业的奠基人，在雕塑、油画、色粉画等多个领域成就卓著。其作品曾九度入选法国春季与秋季沙龙大展，并屡获金、银、铜奖，被誉为当时"欧洲最有影响的中国画家之一"。《菊香》创作于他留法初期，画面融汇印象主义光色技法，花色缤纷、花形饱满。背景的律动笔触，使菊花的质朴与蓬勃生命力更显鲜活。此作不仅是廖新学自云南山村走出，以"不畏艰难，凌霜自行"的非凡毅力在艺术道路上奋进的精神映照，亦承载着他对故土风物的深沉眷恋。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">卫天霖：中国画家，1898年-1977年</p><p class="ql-block">《芍药与康乃馨》，1934年创作的木板油画，双面画</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">卫天霖早年留日，是中国现代艺术的先驱之一，他的作品受印象主义影响颇深，又具有现代的、民族的独特面貌。在卫天霖20世纪30年代的作品中，花卉题材较为少见，而这件《芍药与康乃馨》是卫天霖目前仅见的一幅木板双面画（本展做单面展出）。此时的卫天霖师从日本著名西画家藤岛武二后回国已六载，在充分融合印象派的光色感的基础上，自然地流露出东方学养。画面注重环境色和光源色对花束的影响，暗部以色彩表现出轻盈的光晕感，把握住光与色的瞬间，是卫天霖早期典型印象主义风格的力作。</p><p class="ql-block"> </p> <p class="ql-block">关良：中国画家，1900年-1986年</p><p class="ql-block">《鸢尾花》，1980年创作的布面油画</p><p class="ql-block">中国留日艺术先驱关良，是最早将西方现代主义绘画理念引入传统水墨的画家之一。这幅《鸢尾花》是他晚年成熟风格的典型代表。印象主义的启发以及数十年的水墨实践，令他以表现主义的色彩和功力精湛的笔法描绘花瓶中摇曳的鸢尾，在暗色背景中跃然而出，或盛放，或含苞，每朵花姿态不尽相同，在看似生拙的造型笔墨中，没有矫饰，一切都指向了"真"，将写意精神蕴于油画语言中，透出关良对生命、生活的内省。正如郭沫若所言，关良的作品"以西画作躯壳，国画作灵魂"。</p><p class="ql-block"> </p> <p class="ql-block">方君璧：中国画家，1898年-1986年</p><p class="ql-block">《白色康乃馨》，1955年创作的布面油画</p><p class="ql-block">方君璧作为20世纪初最为杰出的中国女性画家之一，在二次赴法居留期间绘制了这幅《白色康乃馨》，延续了她将中国画传统与西画融合的艺术风格。作品在透视和造型上采用西画框架，但在色调、明暗渲染和画面氛围处理上则见国画之温婉抒情。白色的康乃馨和竹编花篮以工笔画般的方式勾勒，左下方缀一枚钤印更增添国画意味。眼前这遗世独立、静默绽放的白色康乃馨，树立了超然脱俗的东方美学风范。</p><p class="ql-block"> </p> <p class="ql-block">吕斯百：中国画家，1905年-1973年</p><p class="ql-block">《盆菊》，1948年创作布面油画</p><p class="ql-block"> </p><p class="ql-block">吕斯百是中国"油画民族化"的开拓者与杰出美术教育家。他早年留学法国，与常书鸿等人共同创立"中国留法艺术学会"，成为推动中国现代艺术发展的先驱力量。在20世纪50年代"油画民族化"成为中国艺术界广泛探讨的议题之前，创作于1948年的《盆菊》已展现出他在这一方向上的早期探索。作品以窗前花卉为题，以温润朴实的色调表现光影对比下的盆花。艺术家通过简化的形态与抒情的表达，将物象观察提升为诗意的营造，是将油画从技法到精神层面进行本土转化的重要尝试。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">李超士：中国画家，1893年-1971年</p><p class="ql-block">《吊钟海棠》，1962年创作的纸本色粉</p><p class="ql-block"> </p><p class="ql-block">"中国色粉画第一人"李超士，是中国最早赴欧洲学习西洋画的先驱之一。他于1931年考入巴黎国立美术学院，后跟随名师学习舞台布景画，又跟随印象主义大师德加学习色粉画，德加注重于捕捉人物动态，李超士则偏爱静物与风景。他归国后曾先后执教于上海美专、国立北平艺专、杭州艺专及山东师范学院等院校，晚年专注于花卉主题创作，在朴素物象中持续锤炼色彩与造型语言。《吊钟海棠》以凝练的笔触、清雅的色彩，将花木鲜活的一瞬定格于纸面。叶片间的点点白光展现出印象主义的光色对画家的影响，流畅的线条与大量留白则具有中国传统绘画的特点。</p><p class="ql-block"> </p> <p class="ql-block">李瑞年：中国画家，1910-1985年</p><p class="ql-block">《芍药花开》，1982年布面油画</p><p class="ql-block">李瑞年是中国油画先驱与杰出的美术教育家，被徐悲鸿誉为"中国油画风景第一人"，其作品兼具自然主义的写实精神和抒情的诗意格调。李瑞年早年曾赴比利时和法国留学，归国后与吕斯百、黄显之等人一道，成为徐悲鸿领导的中央大学艺术系教育队伍的核心成员，培养了大批油画人才。建国后，他在教学与创作中持续探索"油画民族化"的实践路径。《芍药花开》是其生命最后几年中的代表作，这一时期他游历全国写生，艺术视野与思想积淀汇于一体。画中花朵与绿叶笔触细腻、光影结构严谨，红色花瓶与布满祥瑞图案的桌布相得益彰，展现出他晚年以油画语言融汇中国审美精神的圆熟境界。</p><p class="ql-block"> </p> <p class="ql-block">黄显之：中国画家，1907年-1991年</p><p class="ql-block">《玻璃瓶花》，1964年创作的布面油画</p><p class="ql-block">新中国美术教育先驱黄显之，早年留学法国巴黎高等美术学院，1941年起相继任教于国立中央大学、南京大学、南京师范大学等院校。1961年，黄显之一家迁居南京赤壁路12号，将家中一间居室改作画室，亲手在庭院种植月季、玫瑰等花卉用于创作，《玻璃瓶花》诞生于此后不久。作品在西方写实的精准造型中，融入中国画的笔墨意趣﹣﹣瓶、花、茎、叶轮廓清晰且富有节奏；背景虚化为气韵流动的浅淡空间，留白处若有呼吸起伏。色彩层次精妙并富于装饰性，在静谧中暗藏生长的动势，展现出艺术家对造型与意蕴的精准把控，也是对当时全国热烈探讨的"油画民族化"议题的自觉探索。</p> <p class="ql-block">涂克：中国画家，1916年-2012年</p><p class="ql-block">《静物》，1958年布面油画</p><p class="ql-block">"亚热带色彩画派"创始人涂克，以风景画著称，极少作静物画，在各类画集中迄今所见仅5幅左右。1958年赴桂林写生期间，他将对南方自然风光的敏锐观察与热烈感受融入创作。同年完成的《静物》表现瓶中的马蹄莲与菊花，将后印象主义与中国传装饰艺术的表现手法熔于一炉，既流露出艺术家对故乡物象的深情与卓越的色彩概括力，也展现出他在广西多民族文化语境中，对"油画民族化"的生动实践与独特回应。</p><p class="ql-block"> </p> <p class="ql-block">余本：中国画家，1905年-1995年</p><p class="ql-block">《向日葵》布面油画</p><p class="ql-block">余本作为中国岭南地区第一代留洋艺术家的代表和香港西画艺术的先驱，其作品富有强烈的生活气息。20世纪50年代，余本回到内地定居，艺术实践也进入了新的阶段，他通过尝试墨画了解民族绘画传统，为油画民族化发展作出卓越贡献。创作于这一时期的《向日葵》以热烈的色彩和豪放的笔触描绘了瓶中盛放的向日葵花束，兼具西方古典油画和现代艺术的特征，背景大面积的红绿对比模糊了花卉所处的真实场景，赋予了画面强烈的视觉冲击力。</p><p class="ql-block"> </p> <p class="ql-block">刘抗：中国画家，1911年-2004年</p><p class="ql-block">《瓶花》，1983年布面油画</p><p class="ql-block"> </p><p class="ql-block">刘抗早年在上海、巴黎学习绘画，1942年定居新加坡，常年往返于马来亚写生创作，形成了独特的"南洋风格"-﹣由20世纪40至60年代的移民华人艺术家在新加坡发展的艺术运动，以热带风光为题材，融合巴黎艺坛诸风格与中国水墨传统，光影明丽，色彩热烈，《瓶花》正是这一风格的典型之作。画中粉百合和松果菊相映成趣，旁侧的水果同样以明快的色彩、稳健的笔触描绘。受蜡染技法启发，他以晕染与留白处理花卉与静物的外轮廓，使画面富有装饰性。刘抗主张绘画是平面艺术，而非对自然的临摹，因此从不刻意赋予画面立体感。</p><p class="ql-block"> </p> <p class="ql-block">黎谱：越南画家，1907年-2001年</p><p class="ql-block">《静物》，1956年绢面油画</p><p class="ql-block"> 作为越南现代艺术的先驱，黎谱以花卉和女性题材绘画见长，融汇中国与越南传统美学及西方绘画技法，形成富于诗意与浪漫气息的独特语汇。本作属于其"罗曼奈特时期"作品，色彩更趋鲜明，叙事性与情感深度显著增强，映照出第二次世界大战与越南独立运动后动荡的社会现实，以及他移居法国后的复杂心境。画面中，窗外的暗夜火光与室内静谧绽放的盆景形成强烈对比；散点透视的运用营造出超现实的梦幻氛围，亦折射出时代与个体心灵的双重裂变。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">越南现代艺术先驱黎谱的花卉静物作品，则结合了中国和越南传统绘画与欧洲印象主义、超现实主义的风格，将文化的交融与共通推向更广阔的时空维度。</p> <p class="ql-block">黎谱：越南画家，1907年-2001年</p><p class="ql-block">《牡丹和鸢尾花》，1958年绢面油画</p><p class="ql-block">越南现代艺术先驱黎谱的创作融汇中国与越南的传统美学与西方绘画技法，以细腻的美感和深厚的文化底蕴而著称。本作与《静物》同属其"罗曼奈特时期"作品。画面质感较前作更为厚重，既汲取了印象主义明快的用色与活泼的笔触，又在枝叶末端以颤动的线条与灵动的色块勾勒出生动气韵。艺术家早年研习中国古典艺术，特以青花瓷瓶与牡丹入画，传递中越文化传统所蕴含的诗意精神。自1937年定居法国后，黎谱再未归国，他借笔下万千花卉，寄托了对故土的深切眷恋与文化乡愁。</p> <p class="ql-block">关良：中国画家，1900-1986年</p><p class="ql-block"> 《瓶花》布面油画</p><p class="ql-block"> 关良是融合中西的现代艺术先驱。自20世纪70年代起，瓶花成为他创作的重要主题之一。此幅《瓶花》以菊花入画，笔墨灵动而细腻，干湿浓淡之间透出写意精神，又在画布上超越了水墨的传统范式。构图留白巧妙，造型简拙，于方寸间显露出率真天成的生命气息。关良以油画追寻"小中见大"的审美理想，使一瓶一花皆能寄情写意，在有限的画幅中映照天地、融通物我，呈现出独具文人气韵的现代精神。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">祝大年.中国画家，1916年-1995年</p><p class="ql-block">《花团锦簇》，1973年创作木板油画</p><p class="ql-block"> </p><p class="ql-block">祝大年是中国现代工笔重彩的开拓者、清华大学美术学院（原中央工艺美术学院）的创始人之一。《花团锦簇》以1972年的钢笔稿《大理菊》为底稿，吸收了传统工笔重彩的特点，通过对花瓣的精心刻画，画面深沉浑厚、体积感强，花朵全无媚态，淋漓尽致地彰显了祝大年所追求的"既要有深度又要是平面的"的美学原则。</p><p class="ql-block"> </p> <p class="ql-block">克劳德．莫奈：法国画家，1840年-1926年</p><p class="ql-block">《双花门》，1883年创作的布面油画</p><p class="ql-block">《双花门》是莫奈为保罗·杜朗﹣鲁埃尔公寓客厅创作的一组装饰门板之一。杜朗-鲁埃尔是最早支持印象主义的传奇画商，以独立于官方沙龙体制的展览和跨国画廊实践，开启了艺术市场的现代化格局。在与其合作带来的经济支持下，莫奈在1883年移居吉维尼，在此专注于绘画和园艺，步入以《睡莲》系列为代表的创作巅峰期。《双花门》诞生于这一转折之年，也是莫奈首次为空间量身定制的装饰性作品，以微妙的光影和色彩描绘两株取自吉维尼花园的花卉的生命瞬息，突破装饰艺术的图案化和寓意化。修长的尺幅亦打破常规构图，并在一定程度上预示了他晚年为橘园美术馆创作的巨幅《睡莲》组画。</p><p class="ql-block"> </p> <p class="ql-block">保罗·杜朗﹣鲁埃尔位于巴黎罗马街35号的公寓客厅，不仅陈列着他委托莫奈创作的《双花门》等装饰门板，还有雷诺阿1883年创作的《城市之舞》等著名画作。</p><p class="ql-block">1882年，保罗·杜朗-鲁埃尔委托莫奈为其在巴黎罗马街35号的公寓创作36块以"花卉与果实"为主题的装饰板，用于装饰六扇双开门。此项目历时三年，于1885年方告完成。自1898年起，杜朗﹣鲁埃尔将这间客厅向公众开放并收取参观费用，使其不仅成为印象派作品的展示空间，也成为吸引潜在藏家、推动艺术市场的重要场所。</p><p class="ql-block">莫奈曾称，没有杜朗﹣鲁埃尔，就没有印象派。作为印象派发展过程中的关键推手，杜朗﹣鲁埃尔不仅为莫奈、雷诺阿等印象派画家提供了有力的经济支持，更不遗余力地推广他们的作品，极大提升了印象派的知名度与认可度。</p> <p class="ql-block">卡米耶·毕沙罗：法国画家，1830年-1903年</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">《丁香花束》，1876年创作的布面油画</p><p class="ql-block">卡米耶·毕沙罗是唯一一位参加了全部8场印象主义画展的艺术家，堪称印象主义团体的"中流砥柱"，亦曾启发了高更、塞尚等后印象主义艺术家的创作。《丁香花束》是其罕见的花卉主题作品，虽绘于室内，却借助如爬山虎般的叶纹墙纸，巧妙营造出室外庭园的错觉，折射出工业时代人们对自然的深切向往。他以娴熟笔触塑造出浓郁肌理，表现出花在自然光影下的绚烂奔放、生动多姿，彰显出平凡生活中的丰饶诗意。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">保罗．高更：法国画家，1848-1903年</p><p class="ql-block">《乐谱上的牡丹花束》，1876年布面油画</p><p class="ql-block"> </p><p class="ql-block">保罗·高更是后印象主义三大巨匠之一，亦是毛姆小说《月亮与六便士》中的人物原型。《乐谱上的牡丹花束》创作于高更与印象主义画家卡米耶·毕沙罗密切交往时期，是其早期艺术实践的重要代表。画面中柔和的光影处理与笔触运用，均反映出印象主义的鲜明影响。然而对形式与象征的追求已初现端倪﹣﹣色彩运用带有主观倾向，构图趋于装饰性，沐浴于理想光晕中的牡丹更隐含诗意的联想与精神的指涉。乐谱与花束的并置，预示了高更后来提出的"通感"观念。</p><p class="ql-block"> </p> <p class="ql-block">保罗·高更，《毕沙罗的花园，蓬图瓦兹》,1881年，布面油画。这件作品是高更向毕沙罗致敬的温馨作品。19世纪70到80年代，初出茅庐的高更结识了印象主义灵魂人物卡米耶·毕沙罗，并时常造访他的花园，与毕沙罗交流艺术、共同创作。《乐谱上的牡丹花束》绘就的同年，毕沙罗也创作了两幅牡丹主题作品，它们很有可能都是创作于毕沙罗的花园之中。在毕沙罗的指导与鼓励下，高更全心投入绘画事业之中，并探索独树一帜的富有装饰感的创作方式，成为继印象主义之后在法国画坛上产生重要影响的艺术革新者。</p> <p class="ql-block">爱德华·马奈．法国画家，1832年-1883年，</p><p class="ql-block">《漫步者》，1879年布面油画</p><p class="ql-block">爱德华．马奈是印象主义的奠基人，以极具革新精神的艺术主张和对现代巴黎生活的犀利描绘著称。《漫步者》描绘了一个在都市生活中保持疏离姿态的中产阶级形象，正如马奈好友、诗人波德莱尔笔下的都市"漫游者"。画面采用偏离中轴线的构图，赋予人物行进的动势。晚期马奈的技法更趋凝练，寥寥数笔即勾勒出礼服的轮廓与质感。窗台点缀的橘红与鹅黄花朵，既点亮雪后街景，亦映射出"花都"巴黎的现代生活情态。玻璃中隐约映出的人物镜像，在拓展空间层次的同时，也体现了马奈对现代性视觉经验的重要探索。</p><p class="ql-block"> </p> <p class="ql-block">爱德华·马奈，《女神游乐厅的吧台》,1882年，布面油画，伦敦考陶尔德美术馆藏。</p><p class="ql-block">在马奈的艺术中，镜子既是现实的映照，也被视为绘画自身的隐喻。其1882年创作的《女神游乐厅的吧台》中，一位酒吧女招待凝视着画框外，身后镜面映出朦胧的男身影与繁华的娱乐场景。镜中空间的扭曲不仅质疑了艺术应如何再现"真实"的传统观念，也挑战了古典绘画中线性透视法的权威。《漫步者》中对镜像的处理，可视为《女神游乐厅的吧台》中颠覆性空间表达的先声，暗示出都市个体的疏离状态和现代生活的多重视角，并映照出马奈生命晚期对表象与真实关系的深刻思考。</p> <p class="ql-block">弗雷德里克·巴齐耶：法国画家，1841年-1870年</p><p class="ql-block">《花》，约1870年创作的布面油画</p><p class="ql-block">弗雷德里克·巴齐耶是一位早逝的印象主义天才，以描绘19世纪巴黎生活的多样性见长。在其不足百幅的遗作中，纯粹的花卉作品尤为罕见，更显此作之珍贵。这幅约创作于1870年的《花》，是艺术家生命最后的作品之一。画面以月季、唐菖蒲等时令花卉为对象，敏锐捕捉了巴黎当时方兴未艾的鲜切花贸易这一都市新风尚。花束承袭了现实主义的坚实造型，亦融入印象主义的光色实验。繁花盛放之姿是对自然生机的赞颂，亦宛若巴齐耶短暂而炽烈艺术生命的写照。</p> <p class="ql-block">“不必停留采摘，只管向前，沿途，花🌷自盛开。”</p><p class="ql-block">——拉宾德拉纳特.泰戈尔</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">这句话出自泰戈尔（19-20世纪印度诗人、文学家、社会活动家、哲学家）《飞鸟集》第102首。核心寓意：别执着于留住眼前美好而停下脚步，坚定前行，未来路上会有更多美好自然涌现。</p>