<p class="ql-block">跨时空展览，博古达今，横贯东西；多元化艺术，精彩纷呈，引人入胜；泛业态文化，商机盎然，活力四射……位于江苏省南京市市中心新街口德基广场的德基艺术博物馆2017年对外开放以来，融合艺术、商业、科技等元素，持之以恒打造城市人文地标。尤其在内外部发展环境复杂多变的当下，文化艺术赋能经济增长效果显现……</p> <p class="ql-block">德基艺术博物馆</p><p class="ql-block">德基艺术博物馆立足中国南京，融汇中国古代、金陵在地性、中国及国际现当代三大方向，构建丰富多元的馆藏、研究与展览体系。基于自身特性，博物馆力图跨越文化与时代的边界，介入不同时期的历史图景，回应全球艺术进程的变化发展，将南京置身于世界艺术交流的前沿现场，推动中国、亚洲和国际之间的来往与联结，为公众呈现独特的艺术文化体验。</p> <p class="ql-block">2026年1月22日下午巡礼《动静无尽一一德基艺术博物馆馆藏花卉主题艺术杰作展》</p> <p class="ql-block">“动静无尽：馆藏花卉主题艺术杰作展”：</p><p class="ql-block">自2025年10月24日焕新启幕，是“花花世界”现当代艺术典藏常设大展。展览呈现了莫奈、毕加索、常玉等109位中西方大师以花卉为主题的140件传世典藏真迹作品。</p><p class="ql-block">展览以19世纪后半叶至今的全球现当代艺术发展历程为主轴，甄选自印象派以来近一百位中外艺术巨匠创作的一百余件以“花卉”为主题的经典之作。透过“静”与“动”的辩证关系回溯花卉静物对于中西方艺术史的特殊意义，并探索其中启发当下感知与想象的生命活力。</p> <p class="ql-block">“动静无尽：花卉静物三百年”展览以德基艺术博物馆近十年的中国及国际现当代艺术典藏为基础，以其中的花卉静物作品为主体，携手国际知名策展人乔金·毕沙罗博士，以“动静无尽”为题，首创性地对花卉静物体裁的定义进行深度重新评估。同时，展览也以跨文化、跨学科的崭新视野挑战人们看待花卉静物的传统视角，透过跨度近三百年的中西方时间轴，考察了花卉静物与特定历史情境与时代精神的复杂关联。</p> <p class="ql-block">展览集全球40多家顶尖艺术机构之力，展出莫奈、毕加索、赵无极等百余位艺术巨匠的花卉主题真迹，讲述跨越300年的东西方艺术史。</p><p class="ql-block">本次展览受"运动中的植物"启发，汇集了来自欧洲和亚洲数十位杰出艺术家所创作的花卉静物画·包括克劳德·莫奈（ Claude Monet )、巴勃罗·毕加索（ Pablo Picasso )·安迪·沃霍尔（ Andy Warhol )·基斯·梵·邓肯（ Kees van Dongen )．吴大羽、常玉．潘玉良和草间弥生（ Yayoi Kusama ）等人的作品·伴随着花卉的运动与迁移，艺术风格也随之发生流变，本次展览将通过追溯这一流变过程来重新定义绝非静止的形态缺失，但德基艺术博物馆独特的收藏志趣﹣﹣花卉静物﹣﹣提供了一种前所未有的机遇，让我们得以重新思考、探索……</p><p class="ql-block">:</p> <p class="ql-block">德基艺术博物馆此艺术杰作展中所展出作品体量与品质上，也显示出其非凡的抱负与追求。近百位参展艺术家中涵括莫奈、毕沙罗、塞尚、高更、毕加索、蒙德里安、莫兰迪、马格里特、乔治娅·欧姬芙等西方现代艺术各流派的里程碑式人物；常玉、潘玉良、吴大羽、吴冠中、赵无极、朱德群等中国第一、二代留洋艺术先驱，黎谱等亚洲其他国家的现代艺术开拓者；以及安迪·沃霍尔、草间弥生、大卫·霍克尼、杰夫·昆斯、奈良美智、村上隆、达明安·赫斯特等全球顶尖当代艺术家的百余件珍罕佳作。在全球范围内也极少见到数量如此众多、品质如此卓越、创作者如此杰出、文化背景如此多元的花卉静物作品在同一展览中呈现！</p> <p class="ql-block">随着全球艺术史研究的兴起，艺术史学家们已开始着手研究欧亚之间长期以来的艺术和文化交流。回溯历史，中国康熙皇帝（1654-1722）与法国国王路易十四(1638-1715）之间的交往或许就是此类交流的最好例证。这两位统治者有诸多共同之处：他们都是幼年继位并成为拥有至高权力的帝王，也都对哲学、艺术与文学感兴趣。17世纪，在来往于中法间的传教士特使的帮助下，两位统治者通过书信往来，经常把本国文献的译本带给对方，并频繁以艺术品的形式交换礼物。纵然相隔万里，但两人情谊深厚并彼此尊重。他们之间的友谊成为中法两国艺术与文化亲密交流的基础。</p><p class="ql-block">"中国风（ Chinoiserie )"于18世纪在欧洲的兴起或许是两国之间跨文化交流最广为人知的典范．事实上，公元1500年至1800年间，伴随着中国商品不断涌入欧洲．欧洲人很快开始对中国母题产生了浓厚的兴趣，并逐渐将其运用到欧洲的艺术．家具甚至建筑中．例如，法国著名画家弗朗索瓦·布歇（ Francois Boucher )之所以成为路易十五（继其曾祖父路易十四之后）时代受人尊敬的宫廷画家·就得益于对中国母题的兴趣·布歇将中国母题与法国洛可可风格融合，创作了以中国人物与母题为特色的绘画，甚至还制作过一套相关的版画。</p><p class="ql-block">或许是因为"中国风"中的"异国情调"意涵，及其与洛可可繁复风格之间的联系．自18世纪开始，"中国风"迅速被改编为适宜皇室和贵族园林规划或建筑设计的风格［图8]。于是，"中国风"迅速掀起了一股热潮，欧洲君主们开始在皇家领地上建造起源于中国母题的时髦花园建筑·例如，路易十四在凡尔赛宫建造了模仿青花瓷效果的特列安农瓷宫（ Trianon de Porcelaine )；腓特烈大帝无忧宫（ Sanssouci ）的中国茶室中，则装饰着中国人物形象演奏乐器的雕塑；英国威尔士亲王弗雷德里克的妻子奥古斯塔公主设计的中国宝塔（ Great Pagoda )，是英国皇家植物园（ Kew Gardens ，也称为"邱园"）里最重要的景观……</p> <p class="ql-block">《前言》</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">"动静无尽”：馆藏花卉主题艺术杰作"是德基艺术博物馆的核心常设大展，集中呈现"花花世界"现当代艺术典藏中的精华藏品。"花花世界"现当代艺术典藏聚焦中外现当代艺术史上的花卉主题杰作，依托德基艺术博物馆在这一领域逾十年的研究与收藏实践，致力于构建全球最具系统性与典范性的花卉主题艺术收藏。博物馆以跨文化、跨学科的视角重新审视花卉及花卉主题艺术创作，强调它们在艺术史发展中的独特意义，并揭示其如何作为跨越时空与文化边界的交流媒介，见证更广阔的历史图景与文明互鉴。</p><p class="ql-block">展览通过"异花授粉""先锋园艺""花卉之外""突围绽放"四个章节，展开深入花卉主题作品中"静"与"动"之辩证关系的四个全新维度：在时空维度，数百年来花卉品种的全球流通与艺术的跨文化交流相伴；在物种维度，人类与花卉培育关系的变迁同艺术创作的演进交织；在象征维度，艺术中的花蕴藉着超越现实经验和自然法则的精神世界；在变革维度，花作为跨越学科、媒介与感知界限的语言，在不断革新的表现形式中延展和再生。</p><p class="ql-block">展览汇聚自印象主义至今的全球109位中外艺术巨匠的140件花卉主题传世真迹，既有莫奈、雷诺阿、马奈、塞尚、蒙克、毕加索、马蒂斯等耳熟能详的现代艺术巨擘，亦有沃霍尔、草间弥生、霍克尼、基弗、昆斯、奈良美智等享誉全球的当代艺术大师；既呈现常玉、潘玉良、吴大羽、吴冠中、赵无极、朱德群等中国留洋艺术先驱，又纳入陈逸飞、张晓刚等蜚声国际的中国当代艺术名家。展览囊括印象主义、后印象主义、立体主义、野兽主义、表现主义、达达主义、超现实主义、抽象艺术、波普艺术、观念艺术等50余个重要流派与群体，勾勒出其间艺术风格与思潮的演变和交融，汇成跨越近两个世纪的宏阔艺术交响。</p><p class="ql-block">展览开创"故事链"式的叙事体验，通过强化作品间的内在联结，使相邻的每两三件作品共同讲述一段动人的故事，共构意味深长的艺术现场；同时聚焦"转化"之力，揭示作品如何见证艺术家生涯与时代精神的关键转折，并映照政治、经济、科技与文化的深层变迁。展览亦着重呈现女性艺术家的非凡创造力，凸显她们在艺术史中长期被低估的卓越贡献；并通过"艺术植物百科"互动系统，展示作品所涉花卉种属等植物学知识，拓展艺术与科学的跨领域对话。</p><p class="ql-block">展览由特邀策展人乔金·毕沙罗（ Joachim Pissarro ）博士策划，自2023年8月首次开幕以来，持续受到国内外艺术界的广泛关注与好评，更被业内媒体誉为"近三十年来最具影响力的花卉主题艺术展"。2025年10月，德基艺术博物馆团队在华沙罗博士奠定的总体框架基础上，结合近两年的购藏与研究成果，对展览进行了全面的发展与焕新。</p><p class="ql-block">"动静无尽：馆藏花卉主题艺术杰作"是与"花花世界"现当代艺术典藏共同生长、生生不息的展览。我们期望观众不仅在此欣赏艺术史的经典杰作，更能体会艺术如何穿越空，与当下生活深度对话，从而让艺术成为一种生活方式，一种蕴含"联结、启示、创生与转化"之力的文化能量。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">走入展厅，首先来到的是展览的第一章节——“异花授粉”，这一篇章的艺术杰作呈现之脉络围绕着花卉的杂交迁移与文化交流的双重概念展开。</p><p class="ql-block">展厅里百余件殿堂级艺术作品中，不乏莫奈于 1878 年重返静物题材时仅绘制的四幅静物之一的《盆中花（玫瑰和满天星）》；毕加索艺术发展关键时刻的一幅罕见的早期静物画——《瓶花》；中国第一代留法艺术家，中国现代绘画的奠基人之一，“中国抽象艺术之父”，吴大羽创作风格向抽象转变时期的重要作品——《瓶花》等对于艺术家而言非常重磅的作品。</p><p class="ql-block">画展中从1883年亨利·方丹-拉图尔所作的《涅尔将军黄玫瑰》开始，再到达明安·赫斯特在2019年所作的《深粉色玫瑰》，9件横跨百年的以“玫瑰”为主题的作品被放置在以法国19世纪所流行的“沙龙展”为设计灵感的堆叠墙上，呈现了自18世纪中期起被引进欧洲的中国月季与欧洲本土蔷薇杂交后诞生的现代茶香“玫瑰”，对欧洲的园艺以及静物画作品的改变；而在“异花授粉”的第二部分，西方艺术家及留洋中国艺术家的作品并置展厅之中。庄重典雅的红色展墙上，莫奈、毕加索、赵无极、吴冠中、吴大羽等艺术大师的真迹画作，一同讨论了在“花卉”这一意象之下，欧洲艺术家如何在花卉的创作中探索印象主义和后印象主义，以及留洋的中国艺术先驱如何将东方文化基因与法国深厚艺术传统进行交融与创新。</p> <p class="ql-block">克劳德·莫奈（法国画家），1840年-1926 年</p><p class="ql-block">盆中花（玫瑰与满天星）,1878年创作布面油画</p><p class="ql-block">作为印象主义的奠基人与领导者，克劳德·莫奈发展了以捕捉户外光影和色彩变化为核心的画面表现手法，奠定了印象主义绘画的基础。1878年，莫奈搬到维特伊居住，这一年他重返静物题材，仅绘制了四幅静物作品，其中便有本作。作品以莫奈特有的短促笔触特征与丰富的质感，展现了粉色玫瑰的生机与动势，通过法语中"雾"与"满天星"的语义双关，使静物花卉与其户外原生地点相互呼应。作品将印象主义室外风景技法应用于学院派的主题，预示着莫奈在吉维尼花园中创作的一系列不朽名作。</p> <p class="ql-block">1878年15.3公里维特伊</p><p class="ql-block">1883年吉维尼</p><p class="ql-block"> 1862年巴黎</p><p class="ql-block"> 莫奈迁居路线图</p><p class="ql-block">1878年，即这件作品创作的同年，莫奈从巴黎市郊搬到了偏远的维特伊小镇（ Vetheuil )，然而他却因此探索出了描绘光和色彩的新颖表现方式，成为了印象主义的开拓者。塞纳河沿岸的维特伊小镇，因其明显区别于巴黎城市的自然风光吸引了许多艺术家，而莫奈在这里生活的两年中，从过去专注于描绘城市风景及建筑，转而关注自然光与空气对景观的影响。这种户外作画时对光影变化的体悟被莫奈投入到室内的静物创作之中，推动了印象主义理论和实践的创新。</p> <p class="ql-block">皮埃尔﹣奥古斯特·雷诺阿（法国画家），1841年-1919年</p><p class="ql-block">《花瓶中的玫瑰》，1885年-1890年创作的布面油画</p><p class="ql-block"> 作为印象主义的核心创始人，皮埃尔﹣奥古斯特．雷诺阿一生钟情画花。《花瓶中的玫瑰》创作于1885至1890年间，正值其探索风格转型的"干燥时期"。雷诺阿有意摆脱早期明亮跃动的印象主义风格，转而追求"古代画家的宏伟与质朴"。画面中，他以更为缜密的丝缕状笔触捕捉玫瑰的形态与质感。花朵、叶片与暗蓝色花瓶彼此呼应，起伏的自色桌布与灰蓝色投影交织，共同构建出结构严谨、色彩和谐的整体。通过融合印象主义的色彩感知与古典主义的造型秩序，雷诺阿在这一阶段逐步形成了一种坚实而典雅的视觉风格。</p> <p class="ql-block">苏珊．瓦拉东（法国画家），1865年-1938年</p><p class="ql-block"> 《一束玫瑰、矢车菊与蕨类》1930年布面油画</p><p class="ql-block"> 苏珊．瓦拉东是首位进入法国国家美术协会的传奇女画家。她早年当过马戏演员和艺术模特，曾是雷诺阿、劳特累克、莫里索等艺术家的模特，并受到德加的赏识与指导，后成功转型为艺术家。《一束玫瑰、矢车菊与蕨类》是其艺术成熟期的代表作，延续了她对花卉主题的独特探索。尽管未接受学院系统训练，她通过与蒙马特艺术圈的密切交流，发展出极具个性的绘画语言：以深色轮廓线强化形体，色彩浓郁厚重，形态概括简练，构图坚实而富有张力。她的花卉茁壮而坦诚，是其波西米亚式的生活经历与独立艺术视野的融合。她也是著名风景画家莫里斯．尤特里罗的母亲。</p> <p class="ql-block">奥迪隆·雷东（法国画家），1840年一1916年</p><p class="ql-block">《花瓶中的芍药、丁香、玫瑰与叶子，》约1907年创作的布面油画</p><p class="ql-block">奥迪隆·雷东是19世纪末法国象征主义的领军人物。1900年前，他以充满神秘幻想的"黑色绘画"系列闻名，作品主要为石版画与炭笔画。进入20世纪后，其风格发生显著转变，开始运用明亮而梦幻的色彩绘制油画，尤其专注于花卉题材。雷东将传统宗教圣像画中象征神性的金色光晕运用于瓶花描绘，以此取代现实背景。这一创新不仅突破了静物画的视觉传统，更通过色彩与象征的融合，使花朵超越写实范畴，升华为具有灵性光辉的象征之物，拓展了静物画的精神维度。</p> <p class="ql-block">巴勃罗·毕加索（西班牙画家），1881年-1973年）</p><p class="ql-block"> 《瓶花》1901年创作布面油画</p><p class="ql-block">《瓶花》创作于1901年春，正值毕加索个人风格的形成初期，也是其"蓝色时期"的开端。同年，挚友卡萨吉马斯因情感问题自杀，失去好友的痛苦深刻影响了毕加索，促使他展开对生命的本质、爱与死亡等命题的深层思索。画面中弥漫的蓝灰色调，不仅奠定了该时期的情感基调，也标志着其首个成熟个人风格的确立。在1932年毕加索亲自策划的重要回顾展中，本作与"蓝色时期"的其他标志性作品共同展出，足见艺术家对其期风格探索阶段的珍视，也印证了此作在其创作历程中的关键地位。</p> <p class="ql-block">1932年毕加索回顾展现场视图。摄影： Margaret Scolari Barr 。《瓶花》与艺术家"蓝色时期"最出名的作品《生命》一同展示，足见它在艺术家创作生涯中的重要价值。</p><p class="ql-block">1932年，毕加索亲自从罗克斯堡公爵夫人（ The Duchess of Roxburghe ）的收藏中选定《瓶花》，参加同年6月至11月在巴黎与苏黎世举办的其个人重要回顾展。在巴黎乔治·伯提画廊（ Galerie Georges Petit ）的卡雷厅中，本作与艺术家"蓝色时期"、"玫瑰时期"的代表作及数幅新古典主义作品并列展出，共同勾勒出其创作的多元轨迹。</p><p class="ql-block">画面右下角艺术家的签名亦具有特殊意义。1901年起，毕加索将此前使用的签名" P R Picasso "或" Ruiz Picasso "简化为" Picasso "，希望世界能够以"毕加索"这个名字来认识他、认同他。因而这幅《瓶花》也见证了毕加索自我意识的确立。</p> <p class="ql-block">巴勃罗·毕加索（西班牙画家），1881年-1973年</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">《瓶花》1904年创作的布面油画</p><p class="ql-block"> 花卉贯穿毕加索艺术生涯的各个阶段，是他形式探索与媒介实验的重要载体。1904年的《瓶花》见证了他从忧郁冷峻的"蓝时期"向温暖浪漫的"玫瑰时期"的过渡。这一转变很大程度源于他与人生首位重要缪斯﹣﹣费尔南德·奥利维耶的相识相恋。此作正创作于两人相遇一个月后，蓝色依旧是背景与花瓶的主调，占画面近三分之一的赭色桌面却已带来温暖气息，粉、橙、黄、白、紫色花朵纷然浮现，弥漫出生机、诗意与梦幻的质感。</p> <p class="ql-block">亨利．马蒂斯（法国画家）1869年-1954年</p><p class="ql-block">《玫瑰花束﹣斜倚的女人》，1920年创作的布面油画</p><p class="ql-block"> 野兽主义创始人亨利·马蒂斯1917年移居尼斯，开启其创作生涯中关键的"尼斯时期"。蔚蓝海岸的光影环境促使其绘画语言发生转变，本作正是这一阶段的典范。马蒂斯摒弃窗户意象与自然光源的描绘，画面中的结构、光感与空间皆源自色彩的混合与碰撞。斜倚的女人与前景的玫瑰花束被赋予同等地位，共同构成视觉核心。色彩并置营造出均匀发光的效果，统一了色调，削弱立体感与景深，使所有元素在色彩的内在秩序中达成和谐，展现出马蒂斯以色彩定义结构、以光线重构空间的非凡智慧。</p> <p class="ql-block">20世纪初尼斯海滨的酒店,马蒂斯在这里创作了多幅作品。</p><p class="ql-block">尼斯因其与巴黎城市截然不同的特殊阳光与地中海气候，成为了当时艺术家们热衷前往创作的胜地。1917年12月，马蒂斯迁居尼斯，并在此持续创作直至生命的尽头。他曾感叹："当我意识到每天早晨都能再次看到这道光芒时，我的喜悦难以言表。我决定不再离开尼斯，几乎一生都待在那里。"抵达尼斯后，马蒂斯访了住在卡涅（ Cagnes - sur - Mer ）的雷诺阿，二人相互欣赏，彼此启发。尼斯的光线与景致激发了他的创作活力，也助他摆脱了巴黎时期的紧张氛围。经历一战创伤后，马蒂斯的艺术转向对宁静与美好的追求，更专注于捕捉光线与运用明快色彩。</p> <p class="ql-block">汤姆．韦塞尔曼（美国画家），1931年-2004年</p><p class="ql-block">《静物与 Liz 》,1992年创作的切割钢上醇酸油</p><p class="ql-block">作为最重要的波普艺术家之一，汤姆·韦塞尔曼常将日常生活元素与高雅艺术并置于作品之中，以大胆明亮的色彩和平面化的造型为标志性特征。20世纪80年代开始，韦塞尔曼投入了以切割钢材为基底的创作，到了90年代则在作品中致敬同时代艺术家的作品。《静物与 Liz 》兼有这两个时期的特点，作品中以波普艺术先驱安迪·沃霍尔的名作《 Liz 》为背景，以颤动的色彩笔触描绘了花瓶中的红色玫瑰、蓝色花束和两只橙子。通过保留笔触与线条感，他消除了切割钢材的金属质感与工业性，凸显了绘画性。</p> <p class="ql-block">颜文樑（中国画家）1893年-1988年</p><p class="ql-block">《金蕊流苏》，1963年创作的纸板油画</p><p class="ql-block">颜文樑是中国现代美术教育的奠基人，是中国美术界"四大校长"之一。《金蕊流苏》创作于颜文樑在油画民族化方面探索较为深入、艺术造诣臻于成熟之时。画面背景以不同饱和度的绿色构成通透的空间感，前景耀眼的黄色菊花完全舒展绽放，花瓶灵动而透亮。颜文樑花卉题材作品目前可见仅三幅，本件作品即为其一，极为珍罕。雾黑色的纯手工雕花木框为颜文樑先生亲手选配，足见艺术家对这件作品的重视与喜爱。</p> <p class="ql-block">1922年创办之初的苏州美术专科学校（现苏州沧浪亭）。怀着对艺术的挚爱与热情，颜文樑与两位同样满怀热忱的青年朱士杰、胡粹中于1922年共同创办了苏州美术专科学校（今南京艺术学院），与同时期由徐悲鸿创办的南京中央大学艺术系（今南师大美术学院）、林风眠创办的杭州艺术专科学校（今中国美院）、刘海粟创办的上海美术专科学校（今南京艺术学院）并称为当时中国四大美术院校。</p><p class="ql-block">1952年全国高等学校院系调整时，苏州美专与上海美专、山东大学艺术系合并，成立华东艺术专科学校，后改名为南京艺术学院。赴法留学归来的颜文樑多年来秉持着"纯粹美术与实用并重"继续在中国现代美术教育事业上砥砺前行，为中国艺术走向现代之路做出了不可替代的贡献。</p> <p class="ql-block">吴作人（中国画家），1908年-1997年</p><p class="ql-block"> 《芍药》，1950年创作的木板油画</p><p class="ql-block">吴作人是中国现代艺术教育的重要奠基人，早年留学欧洲，深受欧洲写实主义影响。20世纪40年代，他两度赴甘肃、西藏等地写生，敦煌壁画的恢弘气象与雪域风光的纯粹质朴，促使其油画风格发生深刻转变﹣﹣色彩趋于明快，笔意渐趋简练，呈现出融汇中国审美精神的民族气韵。《芍药》以自然松动的笔触勾勒花朵清丽之姿，深红、浅粉与白色芍药在暗棕背景和青蓝瓶身的映衬下，焕发明媚而温润的光彩。造型凝练而气韵生动，既见西方油彩的细腻层次，亦含中国写意的生动意境。</p> <p class="ql-block">吕斯百（中国画家）1905年-1973年）</p><p class="ql-block">《瓶花》1940年代创作的布面油画</p><p class="ql-block"> 1934年，中国留法艺术先驱吕斯百学成归国，自1940年起先后于中央大学艺术系等院校任教，为现代中国艺术教育做出了杰出的贡献。《瓶花》是吕斯百创作黄金时期的作品，以现实主义与印象主义前期艺术为基调，吸收民族艺术技法，他以浑厚有力的笔触与明快热烈的色调，呈现了生机勃勃的花束和颇具民间艺术趣味的孔雀羽毛图案花瓶，画面洋溢着朴实诗意的田园气息，展现了他对日常生活的积极态度和对蓬勃生命的珍视。</p> <p class="ql-block">常书鸿（中国画家），1904年-1994年</p><p class="ql-block">《阅尽人间春色》，1975年创作木板油画</p><p class="ql-block">中国第一代留法艺术家常书鸿，是中国油画民族化的先驱，敦煌研究院首任院长，为中国油画发展和敦煌艺术保护做出了杰出贡献。在经历人生低谷后，他于1972年重返兰州，重拾画笔，花卉静物成为他这一时期最主要的创作题材。本作融合其学院写实功底与敦煌壁画临摹体悟，以明亮饱满的色彩、坚实有力的落笔，描绘了朴素陶罐中极富生命力的花束。作品名取自毛泽东主席的《念奴娇·昆仑》:"横空出世，莽昆仑，阅尽人间春色"，常书鸿将其赠与儿子，饱含了对后辈的祝愿与激励。</p> <p class="ql-block">1959年10月，常书鸿（左二）在指导敦煌文物研究所工作人员临摹壁画，郝常耕摄。</p><p class="ql-block">1933年4月，常书鸿携一批志同道合的留法艺术家成立了著名的"中国留法艺术学会"，是已知成员最多、时间最久、影响最大的中国留学生艺术团体，为中国现代艺术的发展做出了重要贡献。1935年，已在艺术界有所成就的常书鸿，在塞纳河畔的旧书摊上发现一本伯希和的《敦煌石窟图录》,书中敦煌千佛洞壁画和塑像让常书鸿大为震撼。在吉美博物馆近距离目睹了敦煌的大量文物以后，常书鸿为了心中的敦煌梦，毅然放弃了在法国的优渥舒适的生活回到战乱中的中国。几经辗转，常书鸿于1943年抵达敦煌，开启了长达40年的对敦煌的保护和研究工作。他深刻汲取敦煌艺术所蕴含的美学养分，将壁画中极富表现力的线条和浓丽的色彩等融入油画创作，持续探寻着油画民族化的新路径。</p> <p class="ql-block">周碧初（中国画家），1903年-1995年</p><p class="ql-block">《彩菊》，1940年代创作的布面油画</p><p class="ql-block"> 中国第一代留法艺术家周碧初，以对比强烈的色彩和传统山水点画笔法与西方点彩派技法的融合著称，毕生探索中西艺术的融合贯通。在20世纪40年代创作的《彩菊》中，他摒弃了西方传统油画的透视法，将画面分割为三个矩形色彩区域，花瓶置于色彩分界线上，三色的彩菊颜色姿态各异，打破了背景的严谨结构，笔触恣肆又富神韵，使画面既有静态隽永之美，又有鲜花灵动之姿，兼具结构和色彩的丰富性与统一性。</p> <p class="ql-block">常玉（中国画家），1895年-1966年</p><p class="ql-block">《蓝色背景的瓶花》，1956年创作的布面油画</p><p class="ql-block"> 中国第一代留法艺术家常玉以人体和花卉主题作品享誉国际。他一生落拓不羁，追求艺术与精神的自由，在晚年艰难的生活条件下绘制了这幅作品。画中的白丁香与花瓶轮廓干净有力，融合中国书法变化有致的线条和早期现代主义大胆简约的形式，堪称常玉毕生所绘花卉之典范，也如自画像般象征着他在欧洲艺坛独自散发光彩的一生。正如吴冠中所说："常玉自己就是盆景，巴黎花圃里的东方盆景。"作品的背景色﹣-"普鲁士蓝"作为最早的现代合成颜料，亦在某种程度上映照出常玉以有限物质追求无限精神的创作境界。目前所知常玉以"普鲁士蓝"为背景的"瓶花系列"只有六幅，此件作品更显珍贵。</p><p class="ql-block"> </p> <p class="ql-block">方君璧：中国画家、1898年-1986年</p><p class="ql-block">《长安花》、1983年创作的布面油画</p><p class="ql-block"> 方君璧是我国20世纪留洋先驱中首位考入巴黎高等美术学院的女艺术家，也是第一位作品入选"巴黎美术展览会"的中国女性画家，被誉为"东方杰出的女画家"。为探索中西艺术风格交融，方君璧创作了许多花卉作品，包括这件旅居海外时创作的《长安花》。画中笔触质感透着清澈从容，微妙老练地把控色调与氛围，以油画媒介绘出传统"留白"，火红的芍药在素白的瓷瓶和背景下显得耀眼夺目，散落的花瓣则映照出对美好年华意犹未尽的悠长情思。</p> <p class="ql-block">潘玉良：中国画家，（1895年-1977年）</p><p class="ql-block">《青瓶红菊》、1944年创作.布面油画</p><p class="ql-block">中国第一代留洋女性艺术家潘玉良，她坚持将西画与中国传统结合，创造出独特的艺术风格，被时人誉为"中国西洋画家中第一流人物"。菊花为花中四君子之一，具有高雅纯洁的象征意义，为潘玉良最钟爱的题材之一。《青瓶红菊》是潘玉良创作成熟期的作品，时值中国抗战存亡之秋，潘玉良受战火波及滞留海外，她以概括性的笔触和浓郁的色彩描绘了瓶中虽已无根系却仍旧灿烂盛放的菊花，清新隽永尽显高洁姿态，展现了她面对困境凌然无惧的心境与意志，以及对家国和亲人的深厚情思。</p><p class="ql-block"> </p> <p class="ql-block">潘玉良，《自画像》,1940年，布面油画，安徽博物院藏。潘玉良将菊花视为自画像，以菊自喻，赋予了无根菊花永恒的生命力。</p><p class="ql-block">早年寓居上海期间，潘玉良与丈夫潘赞化就以栽种菊花为趣。菊花常常出现在潘玉良的自画像中，她以菊花的高洁品性自喻，更将菊花视为自我的投射。尤其在其二次赴法、国内抗战存亡之际，艺术家在作品中频繁描绘失去土壤、在瓶中无根绽放的菊花，以抒发她对亲人与故土的深刻情感。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">记得2006年7月28日~8月28日在江苏省美术馆举办《人文的光辉一一意大利六艺复兴绘画巨匠原作展》，我🈶幸前往观赏。并在观展时购得《凝视达..芬奇一一意大利名画亲历记》（冯骥才编著）。此画展正是由全国政协常委、著名作家、天津大学冯骥才文学艺术研究院院长冯骥才先生组织的，绘画巨匠原作展中国第一站就在2006年3月25日于天津大学北洋美术馆展出。</p><p class="ql-block">附：《凝视达.芬奇》一书.冯骥才所写的序言可了解他为组织/策展之心声：</p><p class="ql-block">我为什么用这本书记录一次画展？是因为这是达.芬奇、拉斐尔、米开朗基罗、提香等一批人类艺术巨匠的原作一一被称作“意大利🇮🇹绘画400年”，首次进入中国的大学。在短短十几天的展期中，受到近十万观众尤其是年轻学子热烈的“围观”。这样的奇迹今后也很难发生。于是，此举的缘起、主旨、过程与主办者独特的亲身经验，都是写作人千载难逢的素材。再有，便是本次进入北洋美术馆的四十九件作品皆是出自意大利收藏世家贝利尼家族私人博物馆的珍品。相信绝大多数人都是第一次看到。如此之珍罕的画展，促使我们决定速立一份图文并茂的“档案”，用以回味、观赏、思考。也可深入研究，对于看过这个画展的人是一种重温，对于没有看过此画展的人则是一次如临其境、赏心悦目的体验……</p> <p class="ql-block">展览作品：米开朗基罗《耶稣下十字架》、达.芬奇《骑士》.拉斐尔《巴蒂斯塔布道》、提香《穿盔甲的男人》等文艺复兴绘画大师原作其真迹共49幅作品。</p> <p class="ql-block">记得在2015年的金秋时节，《向大师致敬一一国际艺术大师展》在南京国际展览中心展出，我前往观赏。</p><p class="ql-block">"大师展”集中21位世界大师，50幅西方艺术大师的传世精品佳作，引得艺术爱好者广泛关注，亲临展览现场，与大师名画"零距离”是令人欣喜之事。</p><p class="ql-block">国际展览中心三楼多功能厅，人头攒动，大众对不出国门能欣赏到毕加索、莫奈、毕沙罗、吉.约曼这些耳熟能详却又遥不可及的世界艺术大师的作品而感到欣喜与激动。参观的人群中有艺术院校的师生，有全家老少，有情侶。在艺术展览的殿堂里，深红色的展墙上挂着一幅幅世界名画，玻璃展柜里陈放着一件件大师精心制作的瓷盘，展台上安放着罗丹大师的经典雕塑。庄重而静穆的艺术氛围，人们虔诚而专注欣赏大师的艺术作品，表现出对经典杰作的一份深深敬仰与热爱。展厅里有画家自发为人们作精彩的讲解，有艺术培训中心的青年教师给热爱艺术的儿童耐心解读，有学画少年现场临摹名画，有艺术爱好者兴奋地作艺术鉴赏的交流与评点。此次大师展，许多作品以欧洲19世纪中期的印象派经典为主。在19世纪七、八十年代达到鼎盛时期的印象派绘画，是西方绘画史上划时代的艺术流派，以莫奈、毕沙罗、吉.约曼等杰出代表。展览展出的多幅大师们的名作，克劳德.莫奈的《睡莲》(局部)、奥修德.莫奈(莫奈的儿媳)的《睡莲》、卡米耶.毕沙罗的《河边》、休斯.克劳德.毕沙罗的《本杰明和爷爷》、莫里斯.德.弗拉曼克的《瓶花》等各个时期印象派风格的代表作。展出印象派绘画大师的风景、静物作品，让观众透过画布感受印象派名画光与影、</p><p class="ql-block">色彩冷暖变化和相互作用的独特魅力。</p><p class="ql-block">展览大厅，人们驻足细心揣摩、观赏，凝神沉思进入艺术作品的诗意境界。拿着展会随发《艺术周报》的名画介绍对照认真领悟，用手机扫描二维码"扫一扫”把大师杰作留存带回去与亲朋好友分享这精彩纷呈的西方绘画艺术世界。</p><p class="ql-block">还记得在二十世纪八十年代初，我出差至上海，适逢于上海美术馆举办《法国🇫🇷近代二百五十年绘画作品展》，🈶幸参观那次规模较大的艺术画展，并创作小作文以记之。</p><p class="ql-block">“‘动静无尽：馆藏花卉主题艺术杰作’汇集了我们从‘花花世界’现当代艺术典藏中精选出的代表作品，呈现花卉在艺术长河中绽放的永恒生机。观赏此次艺术家的杰作可谓是视觉与心灵之美的享受！</p><p class="ql-block">艺术家👩🎨呈现艺术之美，用高超绘画作品再现人间花朵🌷与世间的真善美！</p>