欧游13卢浮宫之德农馆

牧笛*

德农门古希腊神庙式三角山墙与柱廊 文图 / 牧笛模板摄影微风拂过 路易十四雕塑“艺术之王”G.L.贝尼尼创作 卢浮宫之德农馆目录一，伊斯兰艺术部及希腊、 伊特里亚、罗马文物部二，胜利女神像‌及702、 707号展厅三，蒙娜丽莎及大画廊711展厅四，700号展厅与红厅五，阿波罗长廊及704展厅六，米开朗基罗长廊七，诗二首/牧笛 《自由飞翔的胜利女神》 《神秘微笑的蒙娜丽莎》八，眼哥乱弹评《卢浮宫之德农 馆》 预约九点入场的各国游客在等候 卢浮宫是世界上最古老、最大、最著名的博物馆之一。位于法国巴黎市中心的塞纳河北岸（右岸）卢浮宫的历史可追溯到13世纪1204年，最初是皇家宫殿。1793年法国大革命期间改为博物馆。历经800多年扩建、重修。建筑面积约为24万平方米，老的部分建于路易十四时期，新的部分建于拿破仑时代。庭院占地1.9万平方米，自东向西两侧的长度均为690米。卢浮宫博物馆拥有上至公元前7000年、下至19世纪中期，其藏品数量多达40万件以上，分别在三大展馆展出。 因安全原因推迟于十一点开门了 金字塔广场原称卡鲁塞尔广场，又叫卢浮宫广场，总面积约为7公顷。路易十四曾在此举行骑兵竞技表演而得名，（“卡鲁塞尔”在法语中有骑兵竞技表演场的意思）玻璃金字塔以简洁明快的现代主义风格，与卢浮宫古典主义建筑形成鲜明对比。金字塔由美籍华裔建筑师贝聿铭设计， 1989年建成。在主金字塔周围，还分布着三座小玻璃金字塔，与主金字塔形成呼应。 金字塔玻璃结构建筑面积为700平方米，主金字塔高21.6米，底宽34米。为卢浮宫地下空间提供充足的自然光线，改善采光条件。由603块菱形玻璃拼组通过金属框架进行固定。保证了建筑的透光性，赋予其轻盈通透的视觉效果。 德农馆位于“∩”字形卢浮宫巨大结构建筑群金字塔入口的南侧（黄线）正面朝向著名的玻璃金字塔和拿破仑广场。西侧延伸至塞纳河畔。黎塞留馆（红线）和叙利馆（东翼绿线） 多米尼克·维旺·德农男爵肖像画罗伯特·勒菲弗尔创作。他手持一本尼古拉·普桑的作品集，呼应他作为艺术家、收藏家与卢浮宫首任馆长的身份。多米尼克·维旺·德农男爵（1747-1825）他跟随拿破仑参加了埃及远征。从欧洲各地收集了大量艺术品。于1803年成为卢浮宫的首任馆长，对博物馆的建立和藏品陈列做出了奠基性的贡献。为了纪念这位法国著名的艺术家、史学家的功绩，德农馆以他的名字命名。 拿破仑大厅卢浮宫德农馆入口德农馆是最负盛名的展馆，集中大量镇馆之宝：法国王室珠宝。《蒙娜丽莎》、《加纳的婚礼》等世界名画。《米洛的维纳斯》和《萨莫色雷斯的胜利女神》雕像。 一，伊斯兰艺术部及希腊、伊特鲁里亚、罗马文物部位于德农馆地下一层（卢浮宫采用欧洲楼层计数方式：0层即一层，1层即二层）大厅圆形装置是环形水庭，称之“光之泉”。水面倒映几何穹顶和灯光，营造一种静谧而神圣氛围。远处的门通向上层展区维斯孔蒂中庭的玻璃展厅。伊斯兰艺术部展品总数超过 14,000 件，3,000件精品在 3,000 平方米的展区内长期展出 。 《圣路易洗礼盒》陈列于巴黎卢浮宫的伊斯兰艺术部德农翼（馆）186室。是14世纪伊斯兰艺术的巅峰之作，由艺术家穆罕默德·伊本·扎因，约于1330-1340年创作。黄铜为胎镶嵌黄金、白银与黑色珐琅，表面雕刻并镶嵌狩猎、宴会、战争等场景，细节极其精致。 名为“圣路易洗礼盒”但与法国国王路易九世并无关联。它曾在1856年用于拿破仑亲王的洗礼仪式。是马穆鲁克王朝金属工艺的代表作，其镶嵌技术与叙事性装饰是中世纪伊斯兰艺术的典范。 《阿勒穆黑哈圣体盒》陈列于伊斯兰艺术部德农翼185室。是10世纪伊斯兰象牙雕刻的巅峰之作，制作于968年的西班牙科尔多瓦倭马亚王朝。由整根象牙雕刻而成，高18厘米，直径11.8厘米。是为哈里发阿卜杜拉赫曼三世之子阿勒穆黑哈18岁成年礼定制的容器。盒身布满精细的植物纹样与狩猎场景，采用“分层雕刻”技术，是倭马亚王朝象牙工艺的代表作，其叙事性装饰与精湛雕刻是中世纪伊斯兰艺术的典范。图案中隐藏政治隐喻：椰枣纹样暗指被阿拔斯王朝夺走的东方领土。 《黄金马首柄匕首》右侧第一把匕首，来自13-14世纪的马穆鲁克王朝。刀柄为镀金银质，装饰有几何图案和阿拉伯铭文，刀刃为锻造钢，表面刻有伊斯兰箴言。（这类匕首是当时军事与礼仪的结合体，既用于防身，也作为身份的象征） 《痕都斯坦玉柄匕首》上图中右侧第二把同样来自莫卧儿帝国时期。刀柄以整块和田玉雕刻而成，镶嵌黄金、红宝石与祖母绿，刀刃为大马士革钢锻造，表面以错金工艺装饰几何纹。 角形酒杯或仪式用器是莫卧儿王朝（16-19世纪）工艺珍品，是当时印度次大陆与中亚、波斯文化交融的产物：1. 上方：黄金羚羊角形杯整体由纯金打造，模仿羚羊角的自然形态，表面錾刻细密的卷草纹与花卉图案，是莫卧儿宫廷“昆丹”珠宝工艺的体现。其造型源自西亚的“来通”角杯传统，经莫卧儿工匠融合印度本土审美，成为宫廷艺术的标志性器物。2. 下方：玛瑙嵌宝角形杯杯体以天然玛瑙为胎，局部包金并镶嵌红宝石、祖母绿等宝石。宝石周围饰以金质花丝。代表了莫卧儿工艺的巅峰水准。 《尼奥比德杯形壶》位于德农馆0层古希腊、伊特鲁里亚和罗马文物区407号展厅。它是古希腊红绘风格的代表作，是古希腊艺术的瑰宝。在神话主题表现、人物刻画技巧和红绘技法运用上，都具有里程碑意义。由活跃于公元前460-450年的"尼奥比德斯画家"创作。 红绘杯形壶，被称为“尼奥比德斯” 酒杯形的混合器。关于B面：尼奥比德的悲剧，画面描绘了阿波罗和阿尔忒弥斯屠杀尼奥贝的孩子们的场景。（尼奥贝因炫耀自己生育了14个孩子，嘲笑女神勒托只有阿波罗和阿尔忒弥斯两个孩子而遭到报复。）关于A面：主流观点认为描绘的是：阿尔戈英雄们的集会，或攻打忒拜的七位英雄，或赫拉克勒斯与众英雄的集合。 《烛台》陈列于德农馆的希腊、伊特鲁里亚及罗马文物部。与尼奥比德杯形壶同在407号展厅。这根大理石柱是一件古罗马时期的烛台，公元前200年-公元后500年，也被称为“狄俄尼索斯柱式烛台”。白色柱身和基座上的装饰带，刻画与酒神狄俄尼索斯相关的形象，包括他的随从萨堤尔和迈那得斯（属于科林斯柱式，基座狮爪形足座是罗马装饰艺术的典型特征） 《罗马皇帝克劳狄乌斯》雕像德农馆1层罗马艺术厅（Salle 29）属于希腊、伊特鲁里亚及古罗马文物部。（馆藏编号为 Ma 1231）这尊雕像于1792-1795年间在罗马附近的加比斯遗址被发现。它描绘了身着托加长袍的克劳狄乌斯皇帝（公元41-54年在位）是罗马帝国早期皇帝雕像的典型形象。 《亚历山大大帝的阿扎拉赫耳墨斯胸像》也被称为《阿扎拉赫耳墨斯》陈列于德农馆1层。属于希腊、伊特鲁里亚及古罗马文物部（馆藏编号：Ma 436，MR 405）出土于意大利罗马附近的哈德良别墅。这尊亚历山大大帝的大理石胸像，是御用雕塑家利西波斯创作的著名肖像。采用潘泰列克大理石制成，是公元1至2世纪罗马帝国时期的复制品。它的头部和卷发部分是古罗马时期的原作。而面部、颈部和“躯干”部分则是后世修复的（“躯干”部分叫赫耳墨斯，是古希腊罗马时期常见的纪念碑形式的石柱，柱上顶着一个头像） 《安提诺乌斯》埃及冥王奥西里斯的半身像。安提诺乌斯是罗马皇帝哈德良的同性伴侣，他在随哈德良巡游埃及时意外溺亡于尼罗河。哈德良纪念他，将他神化，并下令在帝国境内建造其雕像。安提诺乌斯佩戴着古埃及法老的尼美斯头巾，头巾上装饰着象征王权的圣蛇，这些元素明确地将他与埃及的冥王、重生之神奥西里斯联系起来，奥西里斯同样是溺亡后复活的。基座上的铭文意为"哈德良奉献于蒂沃利"，指的是这尊雕像来自哈德良在蒂沃利的别墅。 二，胜利女神像‌及702、707号展厅陈列于德农馆1层703号展厅。胜利女神像正式名称为《萨莫色雷斯的胜利女神》（又称《萨莫色雷斯的奈姬》），最初矗立在希腊萨莫色雷斯岛的神庙中。是卢浮宫三大镇馆之宝之一，十大雕塑之一，希腊化时期雕塑巅峰之作。女神像‌矗立在达鲁阶梯顶端，宏伟阶梯也被称为“胜利女神阶梯”。台阶上的门通向达鲁厅702号展厅 。 右前侧姿态胜利女神雕像由珍贵的希腊白色帕罗斯大理石雕刻而成，基座使用了来自罗德岛的灰色大理石 。创作于公元前190年左右，是为了纪念一次重要的海战胜利而创作，是纪念小亚细亚统治者德梅特里奥斯一世在海战中击败托勒密王国的舰队。 背面姿态1863年，法国考古学家查尔斯·尚帕佐在希腊爱琴海的萨莫色雷斯岛上的"大神"圣域遗址中，发现了这尊已碎成110多块碎片的雕像。经过4年的修复，雕像主体得以复原，但头部和双臂缺失。1879年，考古队重返遗址，修复了呈船头形状的底座，并发现它与雕像完美契合。 左前侧姿态1950年，一支考古队在遗址附近发现了女神缺失的右手掌但手指缺失，现藏于维也纳艺术史博物馆。 正面姿态雕塑伟大之处将动态的瞬间凝固通过对衣纹、身体姿态和空间感的完美塑造，传达出胜利的喜悦、战争的激昂和神性的光辉，是力与美的完美结合。女神张开的双翼和被海风扬起的衣裙，充满了迎风展翅的动感和力量。衣褶线条如波涛翻涌，完美地表现了胜利的喜悦。 仰视姿态据说雕像最初是放在萨莫色雷斯岛上一座神庙建筑群的圣龛里，圣龛是在山丘的山壁上凿出来的。胜利女神伫立在海边悬崖上，面朝大海。旁边还有一座圣坛，和德米特里一世的战舰纪念碑对望。基座是一艘战船的船头，雕像与基座形成白色与灰色对比，象征着女神从天而降，降临在胜利的战舰上。雕像与海天融为一体。宏伟的阶梯成为了基座的延伸，强化了雕像的纪念性和胜利的崇高感。 《观景楼的阿波罗》陈列于德农馆达鲁厅1层702展厅为古罗马大理石复制品（公元2世纪），原作是希腊雕塑家列奥卡列斯公元前4世纪青铜杰作，是古典理想的极致体现，神性与人性融合，动态与静态完美平衡。符合“黄金比例”，躯干呈S形曲线，体现希腊艺术对人体动态美的追求，面部轮廓完美，眼神宁静庄重，彰显“阿波罗精神”。高2.24米。原作青铜已失传。温克尔曼誉为“高贵的单纯，静穆的伟大”代表，是新古典主义的“圣经”：18世纪成为艺术家必学范本。尼采在《悲剧的诞生》中，将其与狄俄尼索斯精神并列为西方文化两大源头--代表理性、秩序与和谐。是新古典主义美学标杆，影响西方艺术数百年。原作约公元前350-325年，为纪念阿波罗战胜巨蟒皮同而作。15世纪在罗马废墟出土，因陈列于梵蒂冈博物馆皮奥-克莱门蒂诺美术馆，贝尔维德雷宫观景楼得名。 《萨宾妇女》德农馆达鲁厅1层702展厅雅克-路易·大卫（1748-1825）法国新古典主义画派奠基人与杰出代表。创作于1796-1799年，布面油画，3.85×5.22米。《萨宾妇女》是大卫新古典主义风格的巅峰之作。罗马建城初期（约公元前753年）罗穆卢斯领导的罗马男性严重性别失衡。在邀请萨宾人参加宴会时，强行掳走萨宾妇女为妻。数年后，萨宾国王蒂图斯·塔蒂乌斯率军复仇，罗马与萨宾人爆发惨烈战争。已成为罗马人妻子并育有子女的萨宾妇女毅然走上战场，以身体阻挡厮杀，恳求双方停止战斗，最终促成和平，两族合并。赫西莉娅罗穆卢斯之妻、蒂图斯·塔蒂乌斯之女，站在画面中央，双臂张开，神情坚毅，展现出人性中的爱与同情，她的姿态与表情传达出无畏与悲悯。左侧是罗马王罗穆卢斯，手持长矛，怒视对手；右侧是萨宾王蒂图斯·塔蒂乌斯，举剑欲击。两人身后是激烈厮杀的士兵，肌肉线条与动态充满力量感。 画面中还有其他萨宾妇女抱着孩子，与中心人物呼应，共同构成和平诉求的集体力量。采用对称式金字塔构图，借鉴古希腊罗马雕塑的完美人体。为新古典主义注入更多人文关怀。萨宾妇女的调停隐喻法国大革命后的社会现实，象征着和解对暴力的胜利。作品完成后即获广泛赞誉，被视为法国新古典主义艺术的典范。 《雷加米尔夫人像》现藏于德农馆达鲁厅1层702展厅。法国新古典主义画家雅克-路易·大卫于1800年创作的一幅布面油画。画中人物朱丽叶·雷加米尔是巴黎著名的社交名媛，她的美貌与聪颖在文化界和上流社会颇具影响力。大卫受其委托为其作画：雷加米尔经常迟到，且反对大卫的一些艺术处理，她又委托大卫的学生弗朗索瓦·杰哈为她创作另一幅肖像，大卫得知后拒绝继续作画，所以这幅画并未完成。雷加米尔夫人身着罗马式长袍，斜靠在罗马式卧榻上，一只手支在身后两只圆筒形的枕头上面，榻前有一块踏板。她的脚裸露在外，背景是一块素朴的布幕，旁边还有古代铜灯等道具，整体呈现出一种高雅古朴的休憩状态。作品体现了新古典主义的风格特点，简洁线条、素雅色彩和对称构图，营造出一种庄重、典雅的氛围，展现了古典艺术的美感。尺寸为174cm×244cm，材质为布面油彩。这幅画对后来的艺术创作产生了一定的影响，安格尔的《大宫女》就借鉴了雷加米尔夫人的造型。 《拿破仑翻越阿尔卑斯山》陈列于达鲁厅702展厅，作者：雅克-路易·大卫，创作时间：1800 - 1801年，材质：布面油画。这幅画是新古典主义的代表作，也是拿破仑最著名的肖像之一。它描绘了拿破仑在1800年率军翻越阿尔卑斯山、进行马伦哥战役的场景。为了塑造拿破仑的英雄形象，大卫做了艺术加工，画中岩石上刻着拿破仑的名字，以及曾翻越此山的古代名将名字，暗示他将与亚历山大大帝、汉尼拔齐名。 《安蒂诺斯像》陈列于达鲁厅702展厅，作者：佚名，创作时间：公元130年左右（古罗马时期）材质大理石。这座雕像是罗马皇帝哈德良的情人安蒂诺斯的理想化肖像。安蒂诺斯是哈德良皇帝的挚爱，在19岁时神秘溺亡于尼罗河后，哈德良将他神化。完美融合了古希腊的理想化审美与古罗马的写实技巧。面部俊美而柔和，眼神略带忧郁，姿态优雅。体现了当时罗马帝国对希腊古典艺术的推崇和继承。 《约瑟芬皇后肖像》 陈列于卢浮宫德农馆一层的701号展厅。由法国新古典主义画家皮埃尔-保罗·普吕东（1758-1823）于1805年创作。这幅画是约瑟芬失宠期间的作品，当时她因无法为拿破仑诞下继承人而陷入忧郁。画中她身着轻盈的白裙与红色披肩，独自倚坐于林间石上，神情落寞，背景的昏暗树林与冷色调石头更烘托出她的孤寂心境。普吕东以柔和的光影与细腻的笔触，将约瑟芬的柔美身姿与复杂情绪融为一体，既保留了新古典主义的典雅，又融入了浪漫主义的抒情性。 《拉庇泰人与半人马之战》又名《忒修斯与半人马比埃诺尔之战》陈列德农馆1层702展厅达鲁厅，作者让·阿洛（1786-1864）别名“罗马人”法国新古典主义画家，以历史与神话题材创作著称。创作于1820年。布面油画，276 × 324 cm。取材于希腊神话，描绘雅典英雄忒修斯在拉庇泰族国王庇里托俄斯的婚礼上，击败醉酒闹事的半人马比埃诺尔的场景，展现“理性战胜兽性”的主题。画面中央的忒修斯（半裸、着白色腰布）正与半人马比埃诺尔激烈扭打，周围拉庇泰人奋力反击。半人马则表现出狂暴的兽性；背景的阴沉天空强化了战斗的紧张氛围，同时融入了浪漫主义的动感，使作品兼具理性秩序与情感张力。 《劫掠希波达墨娅》也称为《拉庇泰人与半人马之战》彼得·保罗·鲁本斯创作（藏于西班牙马德里普拉多博物馆，展示于此。是对上页卢浮宫展品作一补充） 描绘拉庇泰族国王庇里托俄斯与希波达墨娅的婚礼上，半人马掳掠新娘，引发两族大战的场景。展现原始的暴力与冲突，极具视觉冲击力。画面中央被掳掠的希波达墨娅成为视觉焦点，周围半人马的兽性与拉庇泰人的英勇形成鲜明对比，肢体扭打与情感爆发充满戏剧张力。 《维纳斯与美惠三女神向年轻女子赠送礼物》陈列于德农馆1层706号展厅（佩西耶和方丹厅）它于1873年在佛罗伦萨附近的莱米别墅的墙壁石灰层下发现，1882年被卢浮宫收购。为桑德罗·波提切利的名作，创作于约1483-1486年，壁画尺寸为211厘米×283厘米。这幅画是为当时佛罗伦萨的名门托尔纳博尼家族绘制的。美惠三女神，她们身着飘逸的透明纱裙，姿态优雅。画面从左到右依次描绘了：中心的爱神维纳斯，正将象征爱情与美的玫瑰赠予右侧的年轻女子，右侧的年轻女子是原型佛罗伦萨富商托尔纳博尼家族的女儿乔凡娜。此画可能是为庆祝她的订婚而作。这幅作品完美展现了波提切利标志性的诗意线条与典雅色彩，是文艺复兴早期人文主义精神的绝佳体现。 《维纳斯的诞生》（收藏于意大利佛罗伦萨乌菲兹美术馆为该馆镇馆之宝，补充于此）古罗马作家阿普列尤斯在《变形记》中对维纳斯的诞生有过这样一段描述：“渐渐地我看到一个闪光的全身形象跃出海面，站在我的面前。我愿用人类所有的语言来描绘她的倩姿美貌……首先是她那头发，丰茂繁密，微微卷曲，柔顺地散落在她那神性的美颈上，舒畅地飘拂着。” 《维纳斯的诞生》是文艺复兴时期画家波提切利的杰作，裸体的维纳斯就像一粒珍珠贝中站起，体态娇柔无骨。左上风神把春风吹向维纳斯，春神弗罗娜则在岸上迎接她。玫瑰被轻风吹送，围绕维纳斯窈窕身姿飘舞。（《维纳斯的诞生》取材于希腊神话：有个库娄诺斯人，他斩下父亲身体的一段抛进海里，长期漂流，结果变成一个比雪还白的水泡。水泡一开生出一位亭亭玉立的少女。少女被风神塞浦路斯用微风送到米洛斯岛，在那里由季节女神赫拉给她披上美丽的衣服成为女神） 卢浮宫德农馆1层的707号展厅称为迪沙特尔房间。以法国19世纪著名艺术史学家、卢浮宫馆长亨利·迪沙特尔命名。它位于著名的阿波罗长廊的入口附近，是连接阿波罗长廊和其他展厅的重要空间。 迪沙特尔房间以其华丽的穹顶装饰而闻名，采用了19世纪初的法国学院派艺术风格，金色浮雕、复杂的图案和寓意画。这里陈列了意大利文艺复兴时期的绘画杰作，弗拉·安杰利科湿壁画《与哀悼者和圣多米尼克被钉十字架》，以及桑德罗·波提切利等大师的作品。 湿壁画《与哀悼者和圣多米尼克被钉十字架》也被称为《受难》陈列在德农馆1层的707号展厅迪沙特尔房间。是早期文艺复兴时期的杰作。由弗拉·安杰利科于约1435年创作，他以纯净、虔诚的宗教画风格著称。画面描绘了耶稣被钉在十字架上的场景，左侧是圣母玛利亚，右侧是福音传道者圣约翰，下方则是多明我会的创始人圣多米尼克。原本是意大利佛罗伦萨附近菲耶索莱圣多梅尼科修道院食堂的壁画，后被剥离墙面，辗转来到法国。 《法国绘画的胜利：普桑、勒叙厄和勒布伦的神化》陈列于德农馆1层707号展厅与弗拉·安杰利科的湿壁画形成风格鲜明的对话。是迪沙特尔房间的天花板装饰画，法国学院派的杰作。作品运用了巴洛克和洛可可风格的装饰元素，构图繁复，色彩绚丽，是19世纪初法国艺术品味的集中体现。 三，蒙娜丽莎及大画廊711展厅710大画廊在德农馆1层它西接方形沙龙、东连阿波罗长廊，是德农馆1层的核心展线，集中陈列意大利文艺复兴绘画。走廊长约460米，一端靠近《蒙娜丽莎》和意大利绘画展区，另一端则通向《萨莫色雷斯的胜利女神》雕塑。是卢浮宫最重要的展厅画廊，墙上挂满了世界著名的绘画作品。 方形沙龙东接710号直接进入大画廊。二者同属德农馆1层相邻的展厅方形沙龙曾是艺术家们聚会和举办展览的地方，如今展示意大利文艺复兴时期的绘画作品。1661年卢浮宫部分区域失火后，由路易十四的建筑师路易·勒沃设计重建。1692年沙龙为皇家绘画与雕塑学院。1810年4月2日，拿破仑和玛丽·路易丝的婚礼在方形沙龙举行（当时这里临时被改造成了教堂）“方形沙龙”实际上是四边形。1789年增加了玻璃屋顶，成为世界上最早有顶部采光的展览空间。1848年后，建筑师费利克斯·迪奥重新装修，雕塑家皮埃尔 -查尔斯·西马尔用镀金灰泥制作了华丽天花板，以纪念过去的法国艺术家（这些装饰至今仍在） 大画廊的穹顶采用了明亮的玻璃天窗。它既是一个展厅，也是一个主要的交通要道。 《圣塞巴斯蒂安》陈列于德农馆二层意大利文艺复兴展区。圣塞巴斯蒂安殉道后幸存，被视为瘟疫保护神，箭矢象征瘟疫。橡木画板油画，作者为彼得罗·迪·克里斯托福罗·万努奇，即佩鲁吉诺，创作于约1495年。176 cm × 116 cm（约69英寸×46英寸）典型翁布里亚画派风格，采用古希腊波利克里托斯《持矛者》的对立平衡姿势。佩鲁吉诺（生于皮耶韦城约1450年，卒于芬蒂尼亚诺1523年）是著名的圣塞巴斯蒂安题材作品，对后世同类题材影响深远，与乌菲兹美术馆祭坛画中的圣塞巴斯蒂安形象密切相关。（原为罗马斯夏拉·科隆纳收藏，17世纪见于巴贝里尼收藏目录，卢浮宫于1896年购入，馆藏编号R.F.957） 《施洗者圣约翰》列奥纳多·达·芬奇的著名画作。陈列在德农馆1层710号展厅。创作时间约1508-1519年，普遍认为这是达·芬奇的最后一幅画作。画中的圣约翰上身裸露，在黑暗中用手指向天国，脸上带着与《蒙娜丽莎》一样神秘的微笑。这幅画是达芬奇对光影和神秘主义风格的集大成之作。路易十四收藏，1662年购入。埃瓦尔哈德·贾巴赫旧藏。INV.775 《海神尼普顿的胜利》这幅巨型椭圆形油画是意大利文艺复兴晚期画家安德烈·德尔·萨托的作品。陈列于德农馆一层711号展厅。这个展厅也被称为“议政大厅”，专门用于展示威尼斯画派的珍品。这幅画是典型的古典主义风格，描绘了海神尼普顿在众海仙女的簇拥中胜利的场景，气势恢宏。 左侧拍《蒙娜丽莎》陈列于德农馆的1层，711号展厅，通常称为“蒙娜丽莎厅”，又称为《国家行政厅》《蒙娜丽莎》是文艺复兴的巅峰之作。法语称为《乔孔达夫人》是意大利文艺复兴巨匠列奥纳多·达·芬奇的传世杰作，也是全球最负盛名的绘画作品，被誉为卢浮宫的三大“镇馆之宝”之一。十大卢浮宫精品之一。创作时间约为1503-1519年是达芬奇晚年作品。白杨木板油画，77cm × 53cm。 右侧拍《蒙娜丽莎》创作背景与模特画作的模特是佛罗伦萨丝绸商人弗朗切斯科·德尔·乔孔达的妻子丽莎·格拉迪尼。达芬奇在创作时并未完全受委托限制，而是将其作为个人艺术探索的载体，倾注了多年心血，在1516年接受法国国王弗朗索瓦一世邀请时，将这幅未完成的作品带到了法国。 达芬奇去世后，画作被法国王室收藏，路易十四时期被转移到卢浮宫。1911年，画作曾被盗窃，两年后在意大利被找回，这次失窃反而让《蒙娜丽莎》的知名度全球暴涨。每年吸引数百万游客，成为卢浮宫乃至法国文化的象征。 正面拍《蒙娜丽莎》达芬奇在这幅画中开创性地运用了多项艺术技法，奠定了其在艺术史上的地位：晕涂法：通过极薄的颜料层叠加，模糊轮廓（如面部、手部的边缘）创造出柔和、朦胧的过渡效果，让蒙娜丽莎的微笑在不同光线和角度下呈现出微妙变化，成为“神秘微笑”的核心成因。大气透视法：背景的山峦、湖泊通过色彩渐变（远处更蓝、更模糊）营造出深远的空间感，打破了中世纪平面化的背景处理，体现了文艺复兴对自然科学的探索。人文主义构图：采用“金字塔式构图”，人物姿态优雅自然，手部的细腻描绘（血管、褶皱的质感）与面部的神秘形成呼应；更具革命性的是，蒙娜丽莎的眼神和姿态打破了传统肖像的“静态”，无论从哪个角度观赏，她的眼神似乎都在与观众互动，赋予了肖像前所未有的生命力。 围观《蒙娜丽莎》《蒙娜丽莎》的文化意义《蒙娜丽莎》是文艺复兴“人文主义”的巅峰体现——它不再以宗教为唯一主题，而是聚焦于现实中“人”的情感与存在，通过对个体的细腻刻画，展现了人的尊严、智慧与复杂性。它不仅是一幅肖像画，更成为了艺术、神秘与文化的全球符号，持续影响着后世的艺术创作与文化解读。 《蒙娜丽莎》说明牌翻译与介绍官方设置的说明牌，它位于蒙娜丽莎展厅，用英法双语向观众解读这幅杰作的背景与魅力。1. 谁是蒙娜丽莎？丽莎·格拉迪尼（1479-1542）生活在16世纪初的佛罗伦萨。她嫁给了富有的丝绸商人弗朗切斯科·德尔·乔孔达。她华丽的衣着反映了她的社会地位。她被描绘成沉思的样子，坐在一个有顶，但开放的凉廊中，背景是一片山峦风景。2. 含蓄的微笑达·芬奇捕捉到了模特的淡淡微笑。他运用了“晕涂法”的绘画技巧。通过叠加极薄的颜料层，他在光影之间创造了微妙的过渡，为面容赋予了既温柔又神秘的表情。3. 奇幻的风景左侧的小径消失在山谷中，远处是连绵的山脉。更远处，波光粼粼的湖泊和造型奇特的岩石构成了壮丽而原始的风景。达·芬奇掌握了“大气透视法”，通过蓝色的渐变模糊轮廓，营造出惊人的深度感。4. 一幅未完成的画作作品约于1503年开始创作，带有实验性质。达·芬奇在木板上作画，但从未真正完成这幅作品。他将其带到了法国，并在1519年去世后，该作品被纳入法国皇家收藏。5. 蒙娜丽莎注视着我们达·芬奇让他的肖像直视着我们。人物的身体微微转向，与我们进行着无声的对话。她的眼神与我们的相遇，邀请我们思考表情的神秘和艺术的力量。 《法兰西的荣光》或《时间揭示真理》是卢浮宫蒙娜丽莎厅（议政厅）中极具代表性的作品创作者：保罗·委罗内塞，威尼斯画派的杰出代表。这幅画是拿破仑三世时期为装饰议政厅而定制的天顶画，后被改为墙面陈列作品。描绘了在蓝天白云的背景下，天使与神话人物簇拥上升的宏伟场景。位于顶端象征“法兰西荣光”的胜利女神，她身披红金相间的斗篷，高举手臂，表达帝国的辉煌与胜利。环绕的天使与神祇象征着法国的繁荣与被守护的命运。延续了威尼斯画派擅长的鲜艳色彩、宏大构图和对人体动态的精准捕捉，营造出一种向上飞升的视觉冲击力。 《加纳的婚礼》也译作《迦拿的婚宴》陈列于蒙娜丽莎厅（议政厅）这幅巨作是保罗·委罗内塞创作，是卢浮宫馆藏尺寸最大的油画。创作时间：1563年，尺寸：6.77米 × 9.94米（约7米×10米）最初为威尼斯圣乔治马焦雷修道院的餐厅墙面创作，1797年被拿破仑军队作为战利品带回法国。这幅画以《圣经》中“耶稣将水变酒”的神迹为核心，用世俗化的宏大场景展现了16世纪威尼斯的繁华：画面中央长桌坐满宾客，耶稣位于视觉中心，周围环绕着使徒、贵族、乐师与平民，生动还原了婚宴的热闹氛围。委罗内塞将同时代的威尼斯贵族、艺术家甚至自己都画入其中，模糊了宗教叙事与世俗生活的边界，体现了文艺复兴晚期的人文主义精神。延续威尼斯画派的鲜艳色彩、宏大构图与动态人体，金色衣袍与蓝色天空形成强烈对比，营造出华丽而富有戏剧张力的视觉效果。是卢浮宫的“镇厅之宝”之一，更以其巨大尺幅和丰富细节，成为游客打卡展品。 《罗马春神花神弗洛拉寓言肖像》陈列于德农厅711展厅与《蒙娜丽莎》等名作同处核心展区 （馆藏编号：卢浮宫RF 1474） 布面油画为意大利威尼斯派画家、艺术家巴黎·博尔东1500-1571年作品，半裸坐姿女性，手持花束，周围环绕花卉元素，象征春与花的神性。主流定性为她是罗马神话中掌管春天与花卉的女神，原名为克洛里丝，被西风之神泽费罗斯赋予永生与花神身份。画作中的花束、花卉装饰等均为其核心神格符号。（亦说是威尼斯文艺复兴常见理想女性美范式，博尔东以弗洛拉为载体，塑造符合时代审美的完美女性范本，强调优雅姿态、细腻肌肤与和谐色彩，脱离具体人物指向）有观点认为模特可能是威尼斯某位著名交际花（借女神身份合法化情色表达。因博尔东擅长以寓言为托辞创作带有情色暗示的名妓女性肖像，“名妓肖像”属于对威尼斯艺术市场生态与创作惯例的解读延伸） 《玛尔斯、维纳斯与爱神》又名《维纳斯与爱神》或《维纳斯、玛尔斯与丘比特》兰伯特·苏斯特里斯创作于约1548-1552年，尺寸为132×184厘米，布面油画。现陈列于卢浮宫德农厅1层711展厅（收藏号INV 1978 MR 1129）兰伯特·苏斯特里斯（约1515-1520—1568年后）荷兰画家，也被称为“荷兰的阿尔贝托”。画面核心为维纳斯半裸坐床抚摸白鸽，丘比特（爱神） 立旁注视，玛尔斯（火星/战神） 自背景右侧走近。表达维纳斯（爱与美之神）与玛尔斯（战神）的爱情故事，丘比特促成二人结合。白鸽为爱情象征，背景宴饮场景增添田园诗意，整体呈现理想爱情与感官愉悦的主题 卢浮宫德农馆711号展厅绿色的墙面上，挂着三幅画中间一幅是提香的《田园合奏》与对面墙上的《蒙娜丽莎》共同构成了这个展厅的核心展品。 《田园合奏》别名《田园音乐会》《乡村音乐会》《田园牧歌》陈列于卢浮宫德农厅1层711展厅 （馆藏编号：卢浮宫INV 71（MR 251）奥威尼斯画派大师提香·韦切利奥（1488-1576）创作于1509年（或1508-1510年间）布面油画，尺寸为105×136.5厘米。田园诗般的寓言，融合视觉与听觉元素：两位穿着文艺复兴时期服装的年轻男子与两位裸体女性在田园中，男子演奏鲁特琴与长笛，女性持乐器或倾听，背景有喷泉与自然景观。裸体女性被视为诗歌与音乐的化身，香笛与流水象征听觉之美，整体表达对理想田园生活与感官愉悦的向往，也体现威尼斯画派对人体美与自然美的追求 （这幅诗歌的寓言作反映了当时对描绘可见与不可见之物的具有视觉和听觉特征的绘画的兴趣。事实上两个理想中的美丽女性裸体，被赋予了诗歌的符号--长笛和倾泻的水，事实上只存在于那两个坐着的年轻人的想象中） 四，700号展厅与红厅位于德农馆一层，也常被称为“莫利恩厅”、“浪漫主义展厅”或“德拉克洛瓦长廊”。展厅是一个狭长的长廊，墙面为标志性的深红色，采用天窗采光。与红厅（方形入口厅）相连。其华丽的装饰是为了满足拿破仑三世对"气势恢宏、富丽堂皇"博物馆的期望而设计的。、700展厅与红厅红厅是卢浮宫德农馆1层的一组展厅统称，因墙面呈红色而得名，专门陈列法国19世纪最大尺幅的绘画作品，包括大卫、籍里柯、德拉克洛瓦等大师的杰作 700号展厅（莫利恩厅） 是红厅的核心组成部分，红厅还包括相邻的702号达鲁厅等，共同构成卢浮宫展示19世纪法国巨幅绘画的重要空间。 德农馆红厅三幅画《萨丹纳帕勒斯之死》《希阿岛的屠杀》《罗杰营救安吉莉娜》是卢浮宫红厅的镇馆之宝，分别代表了浪漫主义与新古典主义的艺术巅峰红厅是一个方形的展厅，它是进入狭长的德拉克洛瓦长廊（700展厅）的入口。 《希阿岛的屠杀》这幅画是浪漫主义大师欧仁·德拉克罗瓦的成名作，创作于1824年。它取材于真实历史事件--1822年土耳其军队在希阿岛的大屠杀。画面中，痛苦的妇女、垂死的战士和绝望的儿童交织在一起，通过强烈的色彩对比和扭曲的动态，将战争的残酷和人性的苦难展现得淋漓尽致。这幅画突破了当时新古典主义的理性束缚，以澎湃的情感奠定了德拉克罗瓦浪漫主义领袖的地位。 《萨丹纳帕勒斯之死》这幅创作于1827年的巨作，是德拉克罗瓦浪漫主义激情的巅峰之作。它描绘了亚述国王萨丹纳帕勒斯在帝国覆灭的最后时刻，下令销毁所有财宝、杀死自己的妃嫔和骏马，与他的奢华生活一同毁灭的场景。画面构图充满了爆炸性的动感，色彩浓烈且富有戏剧性张力，将毁灭的壮美和悲剧的力量推向了极致。 《罗杰营救安吉莉娜》这幅画出自新古典主义巨匠让·奥古斯特·多米尼克·安格尔之手，创作于1819年。取材于文艺复兴史诗《疯狂的罗兰》，描绘了骑士罗杰骑着飞马，用魔法锁链营救被海怪囚禁的公主安吉莉娜的场景。安格尔的作品以冷静、精确的线条和柔美和谐的色彩著称，追求形式的完美和理想化的美感。这三幅画并排陈列于红厅，形成了浪漫主义与新古典主义两种艺术理念的直接对话，是理解19世纪初法国艺术史的关键。 700展厅是卢浮宫展示19世纪法国绘画的核心集中了德拉克洛瓦、籍里柯等浪漫主义大师的杰作。名作《梅杜莎之筏》悬挂于德农馆1层 700号展厅（莫利恩厅） 一面墙的中央。1816年7月2日，法国海军护卫舰"梅杜莎号"在塞内加尔海岸触礁搁浅。船长肖马雷子爵因贵族身份而非航海能力获得任命。他与高级官员乘坐救生艇逃离，将至少147名船员和乘客遗弃在临时搭建的木筏上。木筏在海上漂流13天，经历了风暴、饥饿、干渴、疾病和人相食等惨剧。最终只有15人幸存，其中5人上岸后不久也死去，共140多人丧生 。这一事件成为波旁王朝复辟后的重大政治丑闻。 《梅杜莎之筏》被誉为浪漫主义绘画的开山之作。法国浪漫主义先驱泰奥多尔·籍里柯（1791-1824）创作的史诗级油画。创作时间1818-1819年（27岁）这幅巨作布面油画 491×716厘米（约16×23英尺）超真人尺寸，视觉冲击力极强。籍里柯为此作投入了巨大精力，因长期接触尸体与研究苦难而精神崩溃。作品在1819年巴黎沙龙展出时引起轰动，既有赞誉也有争议，成为当时最具话题性的艺术事件。这幅画不仅是艺术杰作，更是对人性、权力与社会正义的深刻反思，至今仍震撼人心，提醒世人铭记历史悲剧与艺术的社会使命。 双重金字塔构图：下三角：以死去和濒死的人物为基础，形成稳定而沉重的基座，展现死亡的惨烈上三角：幸存者们奋力挥舞衣物呼救，身体向上倾斜，指向远方的船只，形成强烈的动感与希望的焦点。共描绘约30位人物，涵盖不同年龄、肤色与状态--死者的僵硬、垂死者的痛苦、幸存者的狂喜与绝望，展现了人性的极致。 籍里柯选择以此为主题创作，展现了强烈的社会批判精神。画面捕捉了木筏上最后幸存者在第13天看到远方船只"阿尔戈斯号"时的希望与绝望交织的瞬间 。强烈的情感表达和戏剧化构图，直面灾难的残酷，紧张压抑的氛围，突出生命的脆弱与坚韧，形成由绝望到希望的情感弧线。标志着法国浪漫主义绘画的诞生，强调情感个性与社会批判，影响了后来浪漫主义画家，启发了现实主义与现代艺术的发展。/ 《大宫女》陈列于700展厅的702展厅西方艺术史裸体绘画的里程碑这个自然的真人大小的裸体形象是对奥斯曼苏丹大宫女的虚构描绘。她平静的姿态和天鹅绒般柔滑的皮肤，摒弃了解剖学写实手法，格外注重线条的纯净。 半卧裸体女奴背向观者，戴头巾、持孔雀羽毛扇，蓝色床榻与背景对比鲜明。线条流畅如音乐，色彩和谐典雅，既继承提香、乔尔乔内裸体传统，又开创东方主义裸体新范式，影响马奈、马蒂斯等后世艺术家。 《大宫女》1814年布面油画尺寸88.9×162.56厘米（1819年沙龙展出时标题为“大奥黛丽斯克”，是宫女/奥斯曼后宫女奴的音译）艺术家让·奥古斯特·多米尼克·安格尔（1780蒙托邦出生-1867巴黎逝世）为卡罗琳·波拿巴（拿破仑妹妹，那不勒斯王后） 订制。其背部多3节脊椎的争议成为艺术史著名案例。 《皮格马利翁与伽拉忒亚》油画又名《皮格马利翁与他的雕像》艺术家安妮·路易丝·吉罗德特-特里奥松（1767-1824）他是雅克-路易·大卫的得意门生。创作时间为1819年，并在同年的巴黎沙龙展出。取材于古罗马诗人奥维德的《变形记》布面油画，卢浮宫于2002年购藏，编号为R.F. 2002-4。陈列于卢浮宫德农馆1层700展厅这幅画描绘了雕塑家皮格马利翁爱上自己亲手雕刻的完美女性雕像。爱神维纳斯被他的深情所打动，施展神力赋予雕像生命，她因此被命名为伽拉忒亚。画面定格在雕像获得生命的神圣瞬间，展现了皮格马利翁的狂喜、伽拉忒亚的苏醒，以及维纳斯在云端见证的场景。成为他最后的杰作，生动诠释了完美艺术创作的神话。他运用了精湛的"无笔触"技法，使画面如镜面般光滑，完美地呈现了冰冷的大理石雕像与温暖鲜活的人体之间的质感对比，达到了当时艺术表现力的巅峰。这幅画深刻探讨了艺术创作的终极境界——艺术家对自己作品的爱与痴迷，以及艺术与生命之间的界限。它是浪漫主义时期的标志性作品，与他的另一幅杰作《阿塔拉的葬礼》同处700展厅。 《阿塔拉的葬礼》或《阿塔拉之墓》是新古典主义与浪漫主义结合的里程碑作品，艺术家安妮·路易丝·吉罗德特-特里奥松（1767-1824）创作，创作于1808年，在当年的巴黎沙龙展出，引起了巨大轰动。布面油画，尺寸为181×242厘米，卢浮宫馆藏编号INV 4958。陈列于卢浮宫德农馆1层的700展厅这幅画是根据法国浪漫主义作家弗朗索瓦-勒内·德·夏多布里昂的小说《阿塔拉》（1801年创作），是浪漫主义文学与绘画结合的典范。画面描绘了，描绘印第安少女阿塔拉因宗教誓言无法与恋人查克塔斯结合而服毒自尽的葬礼场景。洞穴中阿塔拉的入葬时刻：她身着白色葬袍、手持十字架，神情宁静如睡；年迈神父奥布里支撑着她的上半身，年轻恋人查克塔斯半裸着坐在她脚边，姿态充满绝望与不舍。吉罗代融合新古典主义的精准造型与浪漫主义的情感张力，以冷色调与明暗对比强化悲剧氛围，人物克制的悲痛更显感染力。以新古典主义的精确构图和细腻描绘，传达了浪漫主义的情感深度和异国情调。 《普赛克的被劫》也称《西风神劫走普赛克》作者皮埃尔·保罗·普吕东（1758-1823）生于法国克鲁尼，卒于巴黎。布面油画尺寸为195cm×157cm，现藏巴黎卢浮宫（馆藏号RF 512） 题材源自希腊神话，西风神泽弗斯将沉睡的普赛克（人类灵魂的化身）带往爱神丘比特宫殿，丘比特爱上她，约定不见面的秘密爱情开始。画风融合新古典主义的典雅与浪漫主义的感性，光影柔和，色调温暖，人物肌肤质感细腻，氛围朦胧梦幻 。以侧光勾勒普赛克的柔美躯体，小天使与风神的动态形成轻盈升腾感，暗紫背景衬托白皙肌肤，视觉张力强。 《丘比特与普赛克》这幅画取材于古罗马作家阿普列乌斯的《金驴记》，描绘了一个经典的神话爱情故事。画面定格在故事的高潮时刻。凡人少女普赛克（代表灵魂）因为无法抑制好奇心，在夜里举着油灯偷看她的丈夫——爱神丘比特。她不小心将一滴滚烫的灯油滴在了丘比特的肩上，惊醒了他。丘比特因她违背了“永不看他真面目”的誓言而伤心离去。画家弗朗索瓦·爱德华·皮科特通过新古典主义的严谨构图，细腻地刻画了普赛克的愧疚、惊恐与丘比特的痛苦与失望。画面中，柔和的光线、优美的人体线条和典雅的色调，共同营造出一种既充满戏剧性又不失宁静的诗意氛围，完美诠释了爱情、信任与背叛的主题。 《拿破仑一世加冕大典》雅克-路易·大卫的代表作。描绘了1804年12月2日，拿破仑在巴黎圣母院举行的加冕仪式。画面捕捉了他从教皇庇护七世手中拿过皇冠，为自己加冕和为约瑟芬王后加冕的戏剧性瞬间。作为新古典主义的巨作，它以宏大的构图、精确的肖像和对服饰细节的忠实描绘著称。画中出现的191个人物都有真实的原型。这幅画创作于1805年至1807年，并于1808年在巴黎沙龙首次展出，是拿破仑为巩固其统治合法性而委托创作的官方艺术作品。 《荷拉斯兄弟之誓》官方展厅编号702，展出于700号展厅莫利恩厅是雅克-路易·大卫的作品，创作时间：1784-1785年，尺寸：高3.3米，宽4.25米这幅画描绘了古罗马的一个历史时刻：荷拉斯三兄弟在父亲面前庄严宣誓，为了共和国的胜利不惜牺牲生命。画面右侧，他们的母亲、姐妹和妻子则陷入悲伤和担忧。这幅画是新古典主义的奠基之作，以其清晰的构图、庄严的主题和对理性与英雄主义的歌颂，彻底革新了当时的法国画坛。 《自画像与女儿朱莉》在1794年被查尔斯·潘维利尔收藏）现藏于700展厅，馆藏编号“3068”。这幅画是伊丽莎白·路易丝·维热-勒布伦的代表作。她是18世纪法国杰出的女性肖像画家，生于1755年，卒于1842年。创作于1789年，正是法国大革命爆发的节点，画中女儿朱莉全名为让娜-露西-路易丝，出生于1780年，这幅画定格了母女间温情的瞬间。（大革命爆发后，因曾为玛丽·安托瓦内特王后作画，维热-勒布伦被迫流亡海外十余年） 《帕里斯与海伦》由雅克-雷蒙·布拉斯卡萨所作。创作时间1840年描绘了特洛伊王子帕里斯在爱神维纳斯的帮助下，带走了斯巴达国王墨涅拉俄斯的妻子海伦，这一事件直接引发了著名的特洛伊战争。这幅画属于浪漫主义风格，它以一个充满戏剧性和感官美的场景，展现了爱情与欲望的力量。 《马拉之死》雅克-路易·大卫原作创作于1793年。画作描绘的是法国大革命时期雅各宾派领袖马拉，在浴室被女刺客夏洛蒂·科黛刺杀的场景。画面中马拉倒在浴盆里，手中仍握着笔和文件，背景简洁肃穆，既凸显了悲剧感，也强化了革命的意识形态表达。大卫作为马拉的支持者，在事件发生后仅用数月便完成这幅新古典主义名作，并于1793年11月14日捐赠给国民公会。原作现藏于比利时皇家美术馆，该复制品经由让·伊尼先生的遗嘱捐赠， 《克里斯蒂娜·布瓦耶的遗像》作者安托万-让·格罗斯（1771-1835）是雅克-路易·大卫的学生，也是拿破仑时期重要的历史画家。这幅布面油画创作于1800年，是一幅遗像，描绘的是拿破仑的弟弟吕西安·波拿巴的第一任妻子克里斯蒂娜·布瓦耶。画中的模特克里斯蒂娜·布瓦耶（1776-1800）在28岁时因胸膜炎去世，这幅画是在她死后创作的。画中充满了哀悼和忧郁的氛围，前景中一朵在水中漂浮的玫瑰，象征着她短暂而逝去的生命。 《打破束缚灵魂与大地联系的翅膀》又名《灵魂挣脱尘世羁绊》作者皮埃尔-保罗·普吕东（1758-1823）法国新古典主义与浪漫主义过渡时期作品，1821-1823年创作（临终前两年）画家晚年饱受疾病与生活困顿折磨，以“死亡”为隐喻，描绘灵魂挣脱暴风雨、嫉妒之蛇（象征尘世苦难）升向不朽光明的场景，是灵魂救赎的诗意表达。是普吕东对生命终极命题的总结性创作。 《自由引导人民》布面油画尺寸为260×325cm（约102×128英寸） 作者欧仁·德拉克罗瓦(1798-1863)法国浪漫主义画派领袖。创作时间为1830年9-12月，纪念同年"七月革命" 。浪漫主义历史画，被誉为"浪漫主义的宣言"1830年7月26日，法国国王查理十世颁布限制出版自由和剥夺中产阶级选举权的敕令，引发巴黎民众大规模起义，史称"七月革命"（又称"光荣的三天"）。起义者在街头筑起街垒，与政府军激战三天，最终推翻波旁王朝，拥立路易·菲利普为新国王。画面采用动荡的金字塔式构图，以自由女神为中心，充满动感与张力。《自由引导人民》是对人类追求自由精神的永恒礼赞。 自由女神头戴象征自由的弗里吉亚帽，袒胸露怀。右手高举法国大革命三色旗。左手挥舞带刺刀的步枪，姿态昂扬，衣裙翻飞。跟随者群像（社会各阶层联合）左侧工人贝雷帽上有革命三色徽记。右侧青年戴高帽的知识分子。前方少年"巴黎顽童"腰间别着手枪。背景中还有形形色色的起义者，展现全民抗争的景象前景街垒、牺牲者遗体。中景硝烟弥漫，起义者奋勇向前。远景隐约巴黎圣母院的轮廓。色彩革命以三色旗红、白、蓝为主色调。笔触奔放快速。构图创新：实现历史真实与艺术理想的完美统一。 《里米尼的弗朗切斯卡与保罗·马拉泰斯塔的幽灵出现在但丁与维吉尔面前》展出于卢浮宫德农馆1层的700号展厅（莫利恩厅）作者阿瑞·谢弗尔（1795-1858）荷兰裔法国浪漫主义画家。谢弗尔一生至少创作6个版本（1822-1855）足见他对这一主题的重视。作品依据是但丁·阿利吉耶里（1265-1321）《神曲·地狱篇》第五歌 ：但丁与维吉尔在地狱中遇见因通奸被杀害的弗朗切斯卡与保罗，二人因情欲罪被罚在风中永恒飘荡，画面以清冷色调、流畅线条营造忧郁氛围，体现谢弗尔“克制的浪漫主义”风格，成为19世纪描绘《神曲》场景的经典之作。 700号展厅全景图 莫利恩厅楼梯穹顶是拿破仑三世时期装饰艺术的典范，由画家查尔斯-路易·米勒等人创作，布满了精美的绘画、浮雕和镀金装饰，主题多与艺术和历史相关。其华丽的装饰是为了满足拿破仑三世对"气势恢宏、富丽堂皇"博物馆的期望而设计的。 《枫丹白露的仙女》也叫《枫丹白露的狄安娜》或《枫丹白露的水泽女神》收藏于德农馆莫利耶楼梯上方。作者本韦努托·切利尼，意大利文艺复兴时期的雕塑家。创作时间：约为 1542-1543年。青铜材质。法国国王弗朗索瓦一世委托，用于装饰枫丹白露宫的“黄金门”。这是一件样式主义风格的雕塑。它描绘了一位修长、慵懒的裸体仙女。她与一只雄鹿以及其他动物共同构成画面。切利尼的创作手法精确且富有表现力，展现了枫丹白露画派的典型特征。 莫利恩楼梯位于德农馆700号展厅（莫利恩厅）旁边，是连接德农馆各楼层的主要通道。欣赏完700展厅的画作后，702号展厅达鲁厅紧挨着700号展厅。莫利恩楼梯连通德农馆和米开朗基罗长廊。 五，阿波罗长廊及704展厅入口区域清晰可见"GALERIE D'APOLLON"的标识牌，阿波罗长廊的入口，是著名的莫利圆厅门楣上方的白色大理石牌匾上，用法语刻着卢浮宫建馆铭文：卢浮宫于1792年9月16日成立，并于1793年8月10日正式对公众开放的历史。 阿波罗长廊圆厅两侧白色大理石雕像是古典主义风格的胜利女神与和平女神或智慧女神雕像。左右雕像与门之间的两块区域以竖排方式刻满了文字。记录了那些通过捐赠、建设或其他方式，为长廊做出贡献的个人或机构的名字。构成阿波罗长廊历史叙事的一部分。 长廊入口门（左）和珍宝馆门（右）左图阿波罗长廊入口门，以深色名贵木材为主体，表面覆盖大面积的镀金浮雕，和门框上的纹饰都围绕太阳神阿波罗的神话展开。右图阿波罗长廊珍宝馆大门门体由复杂的金属框架构成，布满了镀金的花卉、卷草纹饰的太阳王的符号，部分区域还镶嵌有彩色宝石。 阿波罗长廊位于德农馆705展厅，是德农馆一个核心枢纽。从这里可以非常方便地到达卢浮宫最负盛名的几个景点：1. 《蒙娜丽莎》展厅（711厅）2. 胜利女神所在的楼梯厅3. 卡利埃厅（708厅）连接着阿波罗长廊和大画廊 长廊的装饰工程历时两个世纪才完成。整个穹顶由首席画师夏尔·勒·布伦设计，以太阳为核心主题。德拉克洛瓦的巨作《阿波罗战胜巨蟒》位于穹顶正中央，是整个装饰序列的高潮。 方形穹顶画《阿波罗战胜巨蟒》描绘了阿波罗战胜巨蟒皮同的场景。占据穹顶中心位置，长达12米，由浪漫主义画派大师欧仁·德拉克洛瓦1850年创作。它描绘了太阳神阿波罗驾驶着战车，用弓箭射杀巨蟒皮同的神话场景。这幅画不仅展现了神话故事，更蕴含着光明战胜黑暗、智慧战胜愚昧的深刻寓意。它以强烈的动态、戏剧性的冲突和富有表现力的色彩著称。 穹顶的壁画的整体构成除了这幅中心巨作，整个穹顶的装饰沿中轴线展现太阳神从黎明到深夜的全天旅程的系列画作。周围环绕与太阳的光和热相关的象征符号和形象，胜利女神、丰饶角以及寓意吉祥的神话人物。天花板采用了大量的镀金、浮雕和湿壁画。整体呈长条形穹顶，以金色为主色调。共同构成了一个辉煌而统一的宇宙图景。 穹顶周边的壁画描绘了阿波罗驾驶太阳马车，从黎明到黄昏的完整一天。象征着国王的统治如同太阳一般，永恒且普照万物。在阿波罗的主体画面周围，环绕着代表小时、日月、四季和十二星座的图案。象征着国王统治下的世界和谐与稳定。象征着“太阳王”对宇宙的统治。 椭圆形穹顶画《阿波罗镇服巨蟒》属于长廊穹顶的系列装饰画，讲述“太阳王”主题的系列画作。由路易十四的首席画师夏尔·勒·布伦设计，与其他艺术家共同完成这些画作共同构成了太阳神阿波罗驾驶战车穿越天空的宏大叙事。 穹顶仿湿壁画装饰描绘与太阳神阿波罗相关的神话场景：胜利女神，代表胜利与荣耀。时间精灵：象征时间的流逝与轻盈。缪斯女神：是自然现象的拟人化形象。 这里曾是法国国王的私人画廊，是卢浮宫最华丽的展厅，专门用来展示法国王室的珍贵珠宝，包括著名的摄政王钻石和加冕之剑等。 阿波罗长廊是法国第一条皇家长廊。它成为了美学与建筑学的典范，二十年后，凡尔赛宫就是以它为蓝本设计了著名的镜廊。 《青金石餐桌中心摆件》也被称为《青金石船形容器》主体由极为珍贵的青金石制成（古代常被称为"波斯石）这种矿石的主要产地是阿富汗的巴达赫尚地区，历史上曾通过伊朗等地的贸易路线运往欧洲。这件器物主体是16世纪意大利的作品（加工时间1500-1600年），后在1670年被法国国王路易十四收藏，并在巴黎添加了华丽的珐琅和鎏金装饰底座（拉皮丝镀金银+珐琅金、蓝叶苗头鹰纹镀银+珐琅金） 《红色盒子》是专门用来盛放法国王室珍贵珠宝的御用容器，是价值连城的艺术品，又是那些绝世珠宝的"华丽外衣"。采用红色摩洛哥皮革或天鹅绒制作，表面用金色的花纹、字母或徽章进行装饰。工匠手工制作，细节极其考究，体现了法国宫廷艺术的最高水准。 《路易十五加冕皇冠》 皇冠是为1722年路易十五在兰斯大教堂的加冕典礼而制作的。年轻的金匠奥古斯丁·杜福洛制作（活跃于1666年至1733年，是当时巴黎顶尖的金匠之一）皇冠正面的鸢尾花装饰，镶嵌的是“摄政王”钻石，是当时世界上最大、最纯净的钻石。戒圈上的鸢尾花镶嵌了八颗“马萨林”钻石，顶部镶嵌 “桑西”钻石。这些名钻都被从皇冠上取下，作为独立的国宝珍藏。如今皇冠上的是复制品，皇冠本身的材质是镀金银。 1. 《拿破仑的加冕小皇冠》是为拿破仑在1804年的加冕典礼而制作的。它由金匠马丁-纪尧姆·比奈设计，镶嵌了大量的宝石和浮雕。2. 《双头鹰石榴石胸针》图片右下方是一枚双头鹰造型的胸针，以一颗巨大的红色石榴石为中心，周围镶嵌了钻石和其他宝石。它是拿破仑时期的重要珠宝（在2025年10月的卢浮宫劫案中被盗，是失窃的8件珍宝之一）3.《 红色宝石吊坠》图片左下方的这件红色宝石，同样是拿破仑时期的珍贵珠宝，它与双头鹰胸针一同陈列在这个展柜中（也是2025年卢浮宫劫案的失窃展品之一）这些珍宝共同构成了法国从波旁王朝到法兰西第一帝国时期的辉煌历史。 拿破仑的加冕小皇冠下的宝石这几件都是法国王室的传世之宝：1. 中间的彩色宝石：这是一枚极其珍贵的胸针，是失窃清单中提到的“圣物匣式胸针”。它以一颗巨大的彩色宝石为中心，周围镶嵌了钻石和其他宝石，是拿破仑时期的重要珠宝。2. 左侧的钻石：这是一枚著名的钻石，是从皇冠或其他珠宝上拆卸下来的传世名钻，著名的“摄政王”或“桑西”钻石的复制品。3. 右侧的红色宝石：这是一颗巨大的红色尖晶石或红宝石，曾镶嵌在法国国王的王冠上，后来被取下单独展示。这些珍宝共同构成了法国从波旁王朝到法兰西第一帝国时期的辉煌历史。 皇冠这顶华丽的皇冠是欧仁妮皇后的冠冕。它属于拿破仑三世的妻子，是第二帝国时期奢华珠宝的代表。这顶皇冠镶嵌了上千颗钻石和宝石，工艺极其精湛。在2025年的盗窃案中，它在窃贼逃跑时被遗落在卢浮宫外并被找回，但已遭到损坏。 星形珠宝这件璀璨的星形珠宝是欧仁妮皇后的大襟花胸针。是为1855年的巴黎世界博览会特别制作的。这件胸针设计独特，是皇后著名的"醋栗叶"钻石套装的一部分，在盗窃案中被列为失窃物品。 《玛丽-路易丝王后祖母绿钻石王冠》或《欧仁妮皇后祖母绿王冠》是玛丽-路易丝王后/欧仁妮皇后系列，法国皇室传世珠宝，也是2025年卢浮宫盗窃案的核心展品之一1810年，为拿破仑与奥地利公主玛丽-路易丝的婚礼定制。镶嵌哥伦比亚祖母绿（椭圆/梨形切割）与老矿式切割钻石，总重超700克拉，采用19世纪初巴黎顶尖珠宝工艺打造。这套珠宝是拿破仑为巩固与奥地利的政治联盟而定制的“帝国信物”，见证了法兰西第一帝国的巅峰时期。王冠最初属于玛丽-路易丝王后，后经王室传承，部分组件被改造为欧仁妮皇后的佩戴款式，成为法兰西第二帝国的权力象征。2025年10月，该王冠在卢浮宫盗窃案中被盗，其中一顶（欧仁妮皇后款）在劫匪逃亡时遗落并受损，其余组件仍下落不明。 《玛丽·阿梅莉女王的蓝宝石与钻石套装》是法国七月王朝时期（1830-1848）最具代表性的王室珠宝之一。这套珠宝属于路易·菲利普国王的妻子——玛丽·阿梅莉女王。它于1821年由当时还是奥尔良公爵的路易·菲利普，从拿破仑第一任皇后约瑟芬的女儿手中购得，随后为妻子玛丽·阿梅莉进行了修饰。这是一套完整的首饰套装，包含：头饰（王冠）配套的项链一对耳环、一枚大胸针以及两枚小胸针（这几件未记录）它镶嵌了珍贵的斯里兰卡蓝宝石和钻石，是19世纪初（约1810-1825年）奢华珠宝工艺的典范。这套珠宝见证了法国从拿破仑帝国到七月王朝的历史变迁。它曾在1836年为玛丽·阿梅莉女王绘制的肖像中出现，具有极高的历史与艺术价值。这套珠宝后来由奥德安家族收藏，最终于1985年被购入（收藏编号：OA11030-11036）。 拿破仑一世第二任妻子《玛丽·路易丝皇后的祖母绿套装》是法兰西第一帝国时期王室珠宝的重要代表。这套珠宝是拿破仑在1810年与奥地利大公妃玛丽·路易丝的婚礼上赠予她的礼物。这是一套完整的首饰，包括：项链和耳环这套珠宝采用了银金材质，镶嵌了24克拉钻石与珍贵的祖母绿。这套珠宝的独特之处在于，它并未镶嵌属于法国王室收藏的核心宝石。因此，在玛丽·路易丝于1847年去世后，它没有被法国收回，而是传给了统治托斯卡纳的哈布斯堡王朝分支，成为家族传世之宝。 《法国君主珠宝》（1800-1850年）它是法国“皇冠钻石收藏”中的珍品。这套珠宝诞生于一个动荡而奢华的时期，横跨了法兰西第一帝国（1804-1814）和波旁王朝复辟时期（1814-1830）当时有一个传统，就是将来自法国王权珠宝的珍贵宝石重新镶嵌，制作成符合时代审美的新饰品，这套珠宝便是这一传统的产物。这是一套完整的首饰，包含：一件发梳，一条项链，一对耳环，至少两只手镯。采用了统一的设计语言，以黄金打造出精致的花叶造型，并镶嵌了珐琅和钻石，工艺极其精湛。这套珠宝以黄金为基底，运用了微雕、珐琅和宝石镶嵌等复杂工艺，代表了19世纪初法国珠宝制作的最高水平。它的宝石来自法国王室世代相传的收藏，因此具有极高的历史和艺术价值。见证了法国从帝制到复辟的风云变幻。（值得注意的是，将王室宝石重新镶嵌的传统在路易·菲利普国王（1830-1848年在位）时期中断，这也使得这套珠宝成为了那个辉煌时代的最后见证之一） 　　拿破仑三世与欧仁妮皇后时期（1852-1870年）的珍品是法国第二帝国奢华与工艺巅峰的象征。这些珠宝是为了纪念1855年巴黎世界博览会而特别制作的。拿破仑三世委托顶级珠宝商，从法国皇冠钻石收藏中甄选宝石，重新镶嵌成符合时代审美的新饰品。这不仅是为了展示法国珠宝行业的精湛技艺，更是为了彰显法兰西第二帝国的辉煌与实力。前景的钻石胸针：这件胸针采用了当时流行的自然主义风格，以花朵或蝴蝶结为造型，镶嵌了多颗高品质钻石。它很可能是欧仁妮皇后的私藏，用于日常或半正式场合佩戴。右侧的珍珠钻石王冠：这顶王冠是欧仁妮皇后最负盛名的珠宝之一，以钻石和珍珠为主要材质。其经典的“日冕”或“麦穗”设计，象征着纯洁与优雅，是第二帝国时期王室女性正式着装的典范。背景中的金色王冠：这顶金色王冠是拿破仑三世的加冕冠冕，或为展示而制作的复制品。它以黄金打造，镶嵌宝石，是皇权与威严的象征。这些作品代表了19世纪中叶法国珠宝制作的最高水平。工匠们运用了银镶钻石、金质底座、珍珠镶嵌等复杂工艺，既突出了宝石的天然火彩，又展现了精湛的手工技艺。 《欧仁妮皇后的钻石蝴蝶结流苏胸针》也称为《紧身胸衣胸针》属于法国皇帝拿破仑三世的妻子欧仁妮皇后所有。这枚胸针于1855年由巴黎珠宝商弗朗索瓦·克莱默设计制作。它最初是一条钻石腰带的带扣。1864年，根据皇后的要求，它被改造成了胸针，并添加了流苏设计，镶嵌了2438颗明亮式切割钻石和196颗玫瑰式切割钻石，底座为镀金银。整体造型为蝴蝶结，下方垂有钻石链和流苏，设计奢华璀璨。是欧仁妮皇后最著名的珠宝之一，曾在接待英国维多利亚女王等重要场合佩戴。在法国历史上，它见证了法兰西第二帝国的兴衰。法国王室覆灭后，它曾被拍卖并由私人收藏。2008年，卢浮宫将其购回并展出，成为博物馆的镇馆之宝之一。（不幸的是，它在2025年10月的卢浮宫失窃案中被盗，目前下落不明） 《欧仁妮皇后的皇冠》由宫廷珠宝商亚历山大·加布里埃尔·莱蒙尼尔，为1855年巴黎世界博览会特别制作。这顶皇冠以黄金为基底，镶嵌了2490颗钻石和56颗祖母绿，顶部有一个象征皇权的十字架。其设计元素包括代表帝国的老鹰图案和象征胜利的棕榈叶，与拿破仑三世的皇冠在风格上完全匹配。它是为1855年巴黎世博会制作的两顶皇冠中唯一保存下来的一顶。欧仁妮皇后一生并未举行加冕仪式，这顶皇冠是她作为法兰西第二帝国皇后的象征。在1870年第二帝国覆灭后，这顶皇冠被拍卖，后由西班牙贵族塔斯比购回并归还给了流亡的欧仁妮皇后。后来被法国政府购回，成为卢浮宫博物馆的重要馆藏。不幸的是，在2025年10月19日震惊世界的卢浮宫失窃案中，这顶皇冠与其他8件拿破仑时期的珠宝一同被盗。虽然它在不久后被找回，但据称已遭到严重损毁。 《欧洲文艺复兴至巴洛克时期的奢华装饰杯具》属于卢浮宫装饰艺术部的馆藏珍品。主体以碧玉（也涵盖玛瑙、水晶、玻璃等“硬石”材质）制成，呈现出绿、红、蓝等天然色泽与纹理。底座及装饰部分采用黄金、银质镀金工艺，并辅以珐琅装饰，部分还在17世纪的巴黎进行了重新镶嵌升级。它们大多源自意大利米兰，制作于1550-1620年之间，是当时米兰地区硬石雕刻与贵金属工艺的代表作。在文艺复兴时期，这类器皿是欧洲宫廷“珍奇柜”的核心收藏。它们并非日常实用器，而是贵族与君主用来展示财富、权力与艺术品位的象征物。“杯身为纹理独特的碧玉，底座采用镀金珐琅工艺，并于17世纪在巴黎重新装饰。 椭圆形碧玉杯身，搭配银质镀金与珐琅装饰的底座。水晶雕刻器皿：图中透明的禽类造型器皿，代表了当时极高的水晶切割与雕刻工艺水平，这类作品在当时比宝石器皿更为稀有。 《欧洲文艺复兴时期的奢华硬石器皿》是用玛瑙、碧玉、水晶等珍贵的“硬石”雕刻而成的杯具和容器。主体由天然的玛瑙碧玉或水晶整块雕刻而成，保留了宝石天然的色泽和纹理。它们的底座则采用了黄金、银质镀金以及珐琅工艺，将宝石的自然之美与贵金属的奢华完美结合。它们出自奥塔维奥·米塞罗尼（1567-1624）之手，他是文艺复兴时期米兰最负盛名的“硬石”雕刻大师。这些作品大约制作于16至17世纪。纹理独特的《“开花”碧玉》雕刻，底座采用了镀金与珐琅工艺，是米塞罗尼的代表作之一。玛瑙杯：图中那些呈红棕色、碗状的器皿，是典型的玛瑙制品，展现了宝石天然的流动纹理。水晶器皿：那些透明的容器，代表了当时极高的水晶切割与雕刻工艺水平，在当时比宝石器皿更为稀有和珍贵。 大理石和硬石拼花台面编号为 MR 405，是一件文艺复兴时期的奢华艺术品。台面：文艺复兴的硬石镶嵌杰作，制作于 1575-1600年的罗马，采用了著名的 （硬石镶嵌） 工艺。工匠将不同颜色的大理石、玛瑙、碧玉等珍贵“硬石”切割成极薄的切片，精心镶嵌出复杂且华丽的图案，这是当时罗马地区最顶尖的装饰工艺，体现了文艺复兴时期对自然之美与几何秩序的极致追求。底座：19世纪的博物馆定制镀金木制底座并非原物，而是约1850年为博物馆专门制作的。这是因为原底座可能在历史中遗失或损坏，卢浮宫在19世纪为其定制了这个符合当时审美风格的底座。 历史流转从贵族私藏到国家宝藏这件藏品在法国大革命时期被没收，于 1800年从黎塞留城堡收归国有，随后进入卢浮宫。黎塞留城堡是红衣主教黎塞留的豪华宅邸，曾收藏了大量艺术品，其中很多在大革命后成为了卢浮宫的重要馆藏。这种硬石镶嵌工艺是文艺复兴时期的标志性工艺。 《查理曼大帝之剑》（咎瓦尤斯）法国历代国王的加冕用剑，拿破仑在1804年加冕仪式中使用了这加冕之剑。来彰显自己的正统性。陈列德农馆1层阿波罗长廊（705展厅）珍宝馆。剑身由钢打造，剑柄、护手与剑鞘为黄金材质，镶嵌蓝宝石、红宝石、祖母绿等珍贵宝石。融合了中世纪与文艺复兴时期的工艺，剑柄的螺旋纹与宝石镶嵌极具辨识度。 《拿破仑一世加冕之剑》又称《摄政王钻石剑》由尚美巴黎创始人尼铎打造的拿破仑专属加冕佩剑，护手处镶嵌着140.64克拉的摄政王钻石，这也是卢浮宫珍宝馆的镇馆之宝之一。黄金剑柄镶嵌大量钻石与祖母绿珐琅，剑身上的浮雕装饰展现了拿破仑帝国的象征元素。 《摄政王钻石剑》背景是大卫绘制的拿破仑加冕肖像画。拿破仑在1804年加冕仪式上佩戴过此加冕之剑。 《圣路易之剑》它是13世纪法国国王圣路易（路易九世）的佩剑剑身由中世纪顶级工匠打造，剑柄为黄金材质，镶嵌珐琅与宝石，剑鞘饰有宗教题材浮雕，融合了军事与宗教双重象征。拿破仑在1804年加冕时，也借这把剑的历史意义来强化自己的统治合法性。 《查理十世加冕仪仗剑》这是查理十世加冕仪仗剑的历史图片（复制品/档案图）它是1824年为波旁王朝复辟后的国王查理十世打造的加冕仪仗剑，剑身为钢质，剑柄与剑鞘以黄金打造，镶嵌蓝宝石、红宝石与钻石，整体设计延续了法国王室加冕剑的奢华风格。1976年，这把剑在阿波罗长廊被盗，至今下落不明，展区目前仅保留相关历史说明与复制品展示。 德农馆704展厅意大利文物展区704展厅位于德农馆的负一层，就在阿波罗长廊附近。这个穹顶采用了巴洛克风格，以镀金浮雕和彩绘装饰为主，细节繁复且工艺精湛，与阿波罗长廊的奢华装饰风格一脉相承。 《"拿破仑"水桶》陈列在卢浮宫德农馆负一层的704展厅意大利文物展区。正式名称是“梳妆盒”，实际尺寸很小，高度约为60厘米，直径约40厘米，是一件用于存放化妆品或洗漱用品的青铜容器。因其曾在拿破仑三世的博物馆展出，而被通俗地称为“拿破仑水桶”。它来自意大利的普雷涅斯特（今帕莱斯特里纳）制作于公元前375-350年。手柄上的酒神狄俄尼索斯和森林之神形象，以及容器表面精美的雕刻装饰，都展现了伊特鲁里亚艺术的精湛技艺和独特风格。 《古希腊和古意大利地区青铜头盔》因外形酷似一种古希腊的无边便帽而得名。1. 左上头盔是标准的Pilos型青铜头盔，来自意大利南部的塔兰托和阿普利亚地区，年代约为公元前350-325年。呈简洁的钟形或圆锥形，边缘有一道凸起的棱线，侧面的小孔用于固定系带。深受古希腊轻装步兵喜爱。2. 左下头盔是一顶带有浮雕装饰的Pilos型头盔。在基本形制的基础上，表面装饰有高浮雕，可能描绘了神话或战争场景。这表明它可能不仅仅用于实战，也可能是仪式用品或献给神庙的祭品。3. 右上绿色头盔是一顶非常特别的波利斯类型头盔，也被称为"带角头盔"。主体是Pilos型，顶部有两只高耸的角状突起，前部还有金色的装饰带。这种头盔极为罕见，可能与特定的仪式、神话人物（如亚马逊女战士）或象征意义有关。 《古希腊南意大利地区红绘风格陶瓶》是当时日常和仪式中用于盛放和混合酒水的器具。这两件文物反映了古希腊"大希腊"地区独特的艺术风格和社会生活。左侧文物《内斯特里斯仪式花瓶》为典型的内斯特里斯型陶罐，属于阿普利亚红绘风格。约公元前325-前300年，出土于意大利南部的阿普利亚地区，属于"弗奥加伊组"的作品。瓶身正面（A面）描绘了女性与战士的场景，背面（B面）则是男人与女人的互动画面。这类大型陶罐是古希腊宴会中的核心器具，主要用于混合葡萄酒和水。于1826年购得，原为约瑟芬·德·博韦纳斯的收藏。右侧文物《螺旋形容器》（“调酒缸”）一件带流口的调酒缸，同属南意大利的红绘风格。约公元前350-前300年，来自意大利南部的卢卡尼亚地区。据考证，它出自一位被称为"Chophares画家"的艺术家之手。正面（A面）描绘了一位年轻人站在一座小型神庙中的场景，背面（B面）则是参观墓地的画面，反映了当时的丧葬文化。于1825年入藏，来自埃德蒙·安托万·杜兰德的收藏。 古意大利南部（西西里岛和巴西里卡特地区）古希腊殖民时期文物1. 左上方《带盖陶罐》（即“盒子形花瓶”）它来自西西里岛的辛图里佩，年代约为公元前3世纪。是希腊化时期的典型产物，原本是带盖的盒子，用于盛放珠宝、化妆品等贵重物品。采用了当时全新的艺术风格，背景常用粉色或蓝色，并点缀金色或彩色装饰，这是希腊化时期艺术创新的标志。2. 中间上方《浮雕碗》以丰富的高浮雕装饰为特色，表面的人物或场景雕刻细腻，是当时工艺水平的集中体现。它反映了南意大利地区在吸收古希腊艺术语言的同时，发展出的具有本土特色的装饰风格。3. 下方的《建筑模型》是一座圣殿或墓地（如巴西里卡特的圣维塔墓地）的模型。展示古希腊殖民时期的宗教或丧葬建筑形式，帮助我们理解当时的社会结构、信仰体系以及建筑技术的发展水平。4. 右侧的《红绘陶罐》它属于古希腊红绘风格，是南意大利“大希腊”地区的代表性器物。瓶身的绘画主题通常涉及神话故事或日常生活场景，是古希腊艺术在意大利南部传播与发展的实证。这些文物展现了西西里等地区作为古希腊与意大利本土文化交流枢纽的独特历史地位。 《奥斯克语书写铭文石碑》出土于意大利坎帕尼亚地区的卡普阿（即古代的Capua）年代可追溯至公元前350-250年。奥斯克语是古意大利语族的重要语言，是萨莫奈人等部族的通用语。在罗马征服坎帕尼亚之前，卡普阿作为该地区的核心城邦，是奥斯克语文化的中心之一。石碑上的铭文包含“diuvil(u)”（可能与“神祇”相关）、“sakruvi(s)”（意为“神圣的”）等词汇，表明它很可能是一份献给神祇的奉献铭文，或是记录宗教仪式、神圣契约的文本。这类石碑是了解罗马崛起前，意大利本土语言、文字和文化的关键实物证据，填补了拉丁语之外的古意大利语族研究空白。 六，米开朗基罗长廊位于卢浮宫的德农馆0层，入口连接着卢浮宫的卡鲁塞尔庭院。也是连接其他展厅与著名的议政厅（国家厅）的主通道。这条长廊本身就是一个雕塑展厅，专门陈列从古希腊、古罗马到文艺复兴时期的雕塑杰作。长廊是拿破仑三世时期扩建卢浮宫的杰作，其装饰风格华丽而统一：天花板：绘有大型历史题材油画，色彩鲜艳，主题多与艺术史或法国历史相关。墙面：上部是醒目的红色背景墙，上面装饰着金色的希腊回纹和白色的人物浮雕。柱式与拱门：墙面下部采用了仿大理石的爱奥尼柱式，支撑着连续的拱门。地板：采用了经典的巴黎人字形拼花木地板。 米开朗基罗长廊从莫利恩楼梯下到1层后进入米开朗基罗长廊。 米开朗基罗长廓的两座雕塑《反抗的奴隶》（左）与《垂死的奴隶》（右）是米开朗基罗著名的雕像这两座雕像被称为“奴隶”，绝不是卑贱的象征。更像是一种哲学隐喻，代表着人类灵魂对自由的永恒追求，以及挣脱物质、欲望或精神枷锁的挣扎。 米开朗基罗《垂死的奴隶》《被缚的奴隶》两座的雕塑是文艺复兴时期的巅峰之作。《垂死的奴隶》雕像呈现出一个青年即将陷入沉睡或死亡的姿态，身体舒展而放松，表情平静而超脱。它象征着人类对精神自由的渴望，以及摆脱肉体束缚的终极解脱。创作年代：约1513-1516年，最初是为教皇朱利叶斯二世的陵墓而作，是陵墓计划中众多奴隶雕像中的两件。陵墓计划因教皇去世和资金问题多次缩减规模，这两座雕像也因此脱离了原始设计。它们最终被法国国王路易十四购得，成为卢浮宫的镇馆之宝。《反抗的奴隶》：雕像充满了张力与动感，奴隶的身体紧绷，身体强烈扭曲，呈现出奋力挣脱束缚的动态，象征着对自由的渴望与抗争。展现了生命的力量和对压迫的反抗以及对自由的不懈追求。《被缚的奴隶》与《垂死的奴隶》创作时间、经历相同。 《垂死的奴隶》和《被缚的奴隶》，是未完成的作品，而这种“未完成”恰恰是它们艺术魅力的核心所在。（《垂死的奴隶》：腿部、底座以及部分躯干仍保留着粗糙的、未经打磨的大理石原始形态。《被缚的奴隶》：其腿部和底座的石材同样未经完全雕琢，这种“未完成”态强化了挣脱束缚的动态感。）米开朗基罗认为，雕像的形象早已存在于大理石之中，他的工作只是将其从石头中“解放”出来。因此，他的作品常常保留着粗凿的石材表面，这不是疏忽，而是他艺术哲学的体现。这两座雕像是为教皇朱利叶斯二世的陵墓而作，由于教皇去世、资金短缺以及项目规模的多次缩减，米开朗基罗最终未能完成整个计划。（这两座雕像也因此以未完成的状态留存下来）这种“未完成”的状态并非缺陷，反而赋予了作品更深层次的象征意义： 过程的隐喻：让观众直观地感受到“解放”的过程，雕像仿佛仍在挣脱石头的束缚，这种张力使作品充满了生命力。精神的象征：粗糙的石材可以被视为物质、欲望或世俗枷锁的象征，而光滑的人体则代表了灵魂的自由与升华。这种对比完美诠释了米开朗基罗对人类精神解放的深刻思考。 “未完成”恰恰是这两件作品最具革命性和前瞻性的特点，超越了单纯的雕塑，成为了一种哲学观念的视觉表达。成为了文艺复兴时期人文主义精神的完美诠释。 《飞行的墨丘利》陈列于米开朗基罗长廊，为古罗马时期（公元1世纪）是公元前4世纪希腊原作的复制品它生动地捕捉了众神信使墨丘利（赫尔墨斯）手持节杖、轻盈飞行的瞬间，是长廊中最具动感的雕塑之一。是古罗马复制古希腊杰作的典范。 《垂死的高卢人》陈列于德农馆0层的米开朗基罗长廊这座大理石雕塑，同样是古罗马时期的复制品，原作可追溯至公元前2世纪的希腊化时期。以惊人的写实主义手法，刻画了一位受伤的高卢战士在生命最后时刻的痛苦、坚韧与尊严，是古希腊艺术中表现“悲情英雄”的典范之作。 《佩普洛福尔的碎片雕像》为柱头像。陈列在德农馆0层的米开朗基罗长廊中。制作于公元前400-350年，出土于今克里米亚的克尔奇（古代称潘蒂卡佩）为爱琴海地区。采用了稀有柏木为材质，是一件多色并镀金的浮雕作品。它结合了镀金、镶银和珍贵的紫色染料，展现了当时极高的雕塑和绘画工艺水平。是一位贵族墓葬中精美木棺的装饰部件。（其使用的柏木材质，也暗示了它可能源自古希腊的阿提卡地区）反映了当时黑海殖民地与爱琴海文明之间的密切联系。尽管保存状况不佳，但它依然是研究古希腊艺术、工艺技术以及殖民文化交流的珍贵实物证据。 《女神泰克-福图娜》小雕像陈列于德农馆0层阿波罗长廊是古罗马时期的青铜雕塑。希腊式的长袍以及头上的发带，都是那个时期女神像的典型特征。小雕像是分几个部分铸造而成，然后焊接在一起。女神穿着一件上衣，下摆折叠。腰部以上和头上是斗篷。手上举着装满蛋糕的丰饶角和水果，表明该雕像代表了一位女神。倾斜姿势和服装表明这件作品的年代可以追溯到公元前4世纪末。 卢浮宫地下出口倒置玻璃金字塔与地面正金字塔的组合。悬挂于天花板的倒置玻璃金字塔，由84块菱形玻璃和28块三角形玻璃构成，作为天窗为地下大厅引入自然光。地面是一个小型石质正金字塔，与倒金字塔的顶点在垂直线上对齐，形成视觉上的“咬合”与平衡感。倒金字塔呈现通透轻盈的现代感；正金字塔呼应卢浮宫古典建筑的厚重质感，形成古今对话。 七，诗二首/牧笛 《自由飞翔的胜利女神》 《神秘微笑的蒙娜丽莎》 第一首：《自由飞翔的胜利女神》 海风剥离头颅，赠以力与美的翅膀碎玉拼接的骨骼，残缺刺破岁月沧桑双翼驮着黎明褶皱凝固巨浪，拍击无声的穹苍石阶是延伸的船舷，托举神祇遗落的火种你站在未完成的悬崖，风是永不降下的旗帜胜利无需言说，自由的注脚在生长，你就是月亮--- 第二首：《神秘微笑的蒙娜丽莎》 白杨木凝固时间，微笑是悬在镜中未燃尽的烛火晕染眉峰山峦，在睫荫下溶化成丝绸的耳语眼神漫过画框，抚摸每个驻足的灵魂金字塔的裙摆，掀起文艺复兴未完成的弧度你将微笑折成请柬，寄往所有颤动的边界背影里持续生长无边际的蓝，神秘是星图的窗户噢，你是人文的“蓝霹雳”*，你也是有温度的蒙娜丽莎 *注在流行文化中（如《忍者神龟》）达芬奇被赋予“蓝霹雳”“蓝天使”等绰号，源于其冷静理性的性格象征。 至此20250605欧游13罗浮宫之德农馆和你说再见！ 卢浮宫历史上被盗过多次被盗物品数量已达数十件。最近一次是在2025年10月19日（就在我们6月5日离开不到三月余）四名男子伪装成工作人员，盗走了八件法国王室的展品，主要是拿破仑时代的文物，损失高达8800万欧元。 2025被盗的《玛丽-路易丝王后祖母绿钻石王冠》 八，眼哥乱弹评《卢浮宫之德农馆》一场跨越时空的艺术朝圣这篇游记以卢浮宫德农馆为舞台，展开了一场穿越千年的艺术对话。作者不仅用镜头捕捉了《蒙娜丽莎》的神秘微笑与《自由引导人民》的激昂瞬间，更以细腻的笔触还原了现场观展的震撼体验，让读者仿佛置身于艺术殿堂之中。视觉盛宴与历史回响德农馆作为卢浮宫的精华所在，汇聚了文艺复兴至19世纪的顶级藏品。游记中提到的《蒙娜丽莎》与《自由引导人民》，不仅是艺术史上的丰碑，更是人类精神世界的缩影。作者通过近距离的观察与描述，让这些名作从教科书走进现实，赋予其鲜活的生命力。尤其是对《自由引导人民》中自由女神形象的解读，展现了作者对艺术内涵的深刻理解。观展体验的沉浸式还原游记并未停留在简单的名作罗列，而是通过“排队等待”、“人群拥挤”等细节，真实再现了卢浮宫观展的现场感。这种“身临其境”的描写，让读者感受到艺术欣赏不仅是美的享受，更是一场需要耐心与专注的精神仪式。作者在喧嚣中寻找宁静，在拥挤中捕捉细节，体现了对艺术的虔诚与热爱。 谢谢你的欣赏！🌹🌹🌹🌹🌹🌹 《欧仁妮皇后的钻石蝴蝶结流苏胸针》2025年失窃案中被盗