非常毕加索

自得其乐

2025年12月22日，上海浦东美术馆年末收官大展“非常毕加索：保罗·史密斯的新视角”向公众开放。作为国际巡展首站，也是中国唯一一站，展览由浦东美术馆与巴黎毕加索博物馆联合主办，以当代视角呈现80多件珍贵馆藏，涵盖油画、炭笔画、铅笔画等几十余种创作材料，是国内迄今最完整、创作类型覆盖最全面的毕加索艺术回顾展。 　　展览为何名为“非常”？浦东美术馆馆长李旻坤解释，“首先，‘非常’指的是‘非常多’，这次展览呈现80余件毕加索的真迹。更深的意义，在于这是一个‘非常规’的毕加索展览。”所谓“非常规”，正是保罗·史密斯带来的、与传统美术展迥异的时尚视觉语言与空间叙事。 　　这个展览缘起于2019年，巴黎毕加索博物馆为筹备2023年纪念毕加索逝世50周年的大型项目，希望寻找一位“非博物馆领域”的合作者。“我们希望这位合作者能带来一个全新的视角，”策展人乔安·斯奈什回忆，“保罗·史密斯对色彩、图案和材料极度敏感，他既不是历史学者，也非艺术史家，却是一位真正的创意领军人物。”于是，双方一拍即合。 　　毕加索: 1881年10月25日生于西班牙马拉加，1973年4月8日卒于法国。‌‌ 国籍‌：西班牙（晚年定居法国，但保留西班牙籍）。‌‌‌ 职业身份‌：画家、雕塑家，西方现代派绘画核心代表。‌‌ ‌ 作品数量‌：一生创作约37000件，包括油画、素描、雕塑等，是首位在世时作品被卢浮宫收藏的画家。‌‌ 　　毕加索，作为世界“顶流”艺术家，熔铸多种流派，开辟出前所未有的艺术路径。保罗·史密斯则是当代时尚界的标志性人物。当时尚鬼才的奇想，撞上艺术大师的经典，会迸发出怎样的火花？ 风格演变‌： ●蓝色时期（1901-1904）‌：受贫困生活影响，画作色调阴郁，描绘乞丐、盲人等底层人物。‌‌‌ ●粉红时期（1904-1906）‌：恋爱后色彩变明亮，主题转向马戏团和欢乐场景。‌‌‌‌‌ ●立体主义（1907年起）‌：代表作《亚威农少女》打破传统透视，用几何块面重组物体，开创全新艺术流派。‌‌‌ ●超现实主义等后期风格‌：1930年代后更抽象，如反战名作《格尔尼卡》。‌‌‌核心贡献‌： 颠覆传统绘画规则，强调“多角度观察”和“内在结构”。‌‌‌‌ 影响波及建筑、电影等领域，被誉为“现代艺术之父”。‌‌ 　　步入展厅，首先映入眼帘的是悬挂在展墙的牛头，这件由自行车鞍座和车把拼合而成的雕塑，创作于1942年，这是《牛头》首次来华展出。可以说，它是毕加索“现成物”创作中最广为人知的代表作。与之相邻的，是几乎占据整面展墙的自行车座与车把，“保罗·史密斯用一种非常幽默的方式，与毕加索的《牛头》形成呼应。”策展人乔安·斯奈什说。 蓝色忧郁 1901年秋，好友卡洛斯·卡萨赫玛斯去世几个月后，毕加索开始探索一种全新的画风。在用方面，他走向单一，借助蓝色系在作品中营造凄清忧郁的氛围。这种夜幕低垂的感觉也与艺术家当时的生活习惯相契合：他经常独自一人在煤油孤灯的火光下潜心创作。在这段时期，毕加索笔下的人物大多凝滞而孤独，他一再描绘乞丐、妓女和酒鬼等无名之辈，将这些摄人心弦的肖像变成了人生境遇的普世寓言。诗人纪尧姆·阿波利奈尔于1905年结识毕加索，之后两人成为挚友。关于毕加索这段时期的创作，阿波利奈尔如此写道："整整一年，毕加索沉溺于这可怜、滞重、如坠深渊般的蓝色绘画中。" 《男人肖像》 巴勃罗·毕加索（1881-1973)巴黎与巴塞罗那，1902年冬﹣1903年布面油画巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 在这幅画中，毕加索描绘了一个面无表情的男人，他望向虚空、目光迷离，同时双臂交叉，佝然坐在咖啡馆的吧台一侧。他背后的墙壁上，乡村风景画仅露出一角。后来，毕加索透露了画中人的身份："类似于街上常看到的那种疯子。巴塞罗那没有人不知道他的。"画面下方存在一处明显的缺损，很可能是某次不当运输造成的。至少自1908年以来，这幅画就一直处于这种状态 粉红女子：《阿维尼翁的少女》之序幕 自1906年秋起，毕加索开启了新的探索，尝试简化形体与空间。起初，他几乎将全部注意力都集中于女性身体。为此，他创作了大量研习稿与作品，尝试了绘画、雕塑与素描等多种媒材。该时期的素描作品尤以伊比利亚艺术（公元前6世纪至公元前2世纪，西班牙）为灵感源泉，呈现出艺术家对全新再现形式的探索。1906年初，毕加索在卢浮宫博物馆首次接触到这类艺术形式，同年夏天，他前往比利牛斯山加泰罗尼亚一侧的小村庄戈索尔旅居，进一步培养了对这一艺术的兴趣。毕加索在该时期创作的人物形象大多以正面示人，行止滞缓，画面几乎只使用粉色与赭色。他放弃了一年前描绘街头艺人时使用的那种细腻风格，转而以略显粗犷的手法来展现强健的身形，为女性人物赋予了一丝中性气质。几个月后，这一特征在他的杰作《阿维尼翁的少女》(1907年，现藏于纽约现代艺术博物馆）中得以充分体现。 《胸像》(《阿维尼翁的少女》研习稿） 巴勃罗．毕加索（1881-1973)巴黎，1907年春布面油画巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 《女人胸像》(《阿维尼翁的少女》研习稿） 巴勃罗．毕加索（1881-1973)巴黎，1907年春布面油画巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 《女人或水手胸像》(《阿维尼翁的少女》研习稿） 巴勃罗．毕加索（1881-1973)巴黎，1907年春纸板油画巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 《女人或水手胸像》这件作品综合展示了毕加索对伊比利亚原始主义、非洲艺术以及塞尚的形式观念的日益热情。头部如纪念碑般肃穆，以正面示人并采用对称构图，轮廓线条清晰可见，这些元素说明毕加索摒弃了西方肖像画中的拟真传统，转而追求一种自成一体的形式﹣﹣内敛、肃穆，伴有一丝奇异的疏离。 一方面，作品标题并没有确定画中人的性别和身份，另一方面，毕加索有意让这幅画作呈现雕塑特质。此外，他也在探讨人体如何同时兼具建筑感与生物属性，兼容阳刚与阴柔之特质。从这个意义上说，这件作品预示了对形体的极端分解与重组﹣﹣在《阿维尼翁的少女》中，这一手法将达到巅峰。简化的空间层次，紧绷的形体，面部与颈部之间充满顿挫感的过渡，这些细节说明艺术家渴望将绘画转译为雕塑，将触觉与视觉融汇在一起，构成一种独立的、统一的艺术语言。 《母与子》 巴勃罗．毕加索（1881-1973)巴黎，1907年夏布面油画巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 立体主义实验室 1906年秋，毕加索在伊比利亚艺术、古罗马雕塑与非洲和大洋洲艺术等多重灵感的启发下，逐渐扭转了创作方向。此外，保罗塞尚的理念"借由圆柱形、球形与圆锥形来处理自然，一切都放入透视法中"亦对毕加索的塑形革命产生了关键影响。在这一背景下，毕加索对形体进行了彻底简化，不久之后，他又与法国画家乔治·布拉克密切合作，发展出了一种全新的绘画语言：立体主义。该流派在1907年至1914年间达到巅峰。在美学探索方面，立体主义最初聚焦于自然景物与人物形象的再现，之后则逐将焦点转向静物与日常器物。在彻底颠覆形式语言的同时，立体主义也模糊了物体与其邻近空间之间的界限，在色彩运用上极为克制，仅使用灰色调和米色调作画。立体主义艺术家先将现实世界切分为碎片，再在画布上重组，由此创作出近乎抽象的作品。 《"女人头像"研习稿（费尔南德）》 巴勃罗．毕加索（1881-1973)西班牙奥尔塔德圣胡安，1909年夏纸面孔泰色粉笔与炭笔巴黎毕加素博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 《船》 巴勃罗．毕加索（1881-1973)加泰罗尼亚自治区（推测）,1911年纸面墨水巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 《石榴、杯子和烟斗》 巴勃罗·毕加索（1881-1973)巴黎，1911年布面油画，裱于纸板巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 《圣心大教堂》 巴勃罗·毕加索（1881-1973)巴黎，1909年冬﹣1910年布面油画巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 《圣心大教堂》是毕加索早期立体主义阶段中罕见的以建筑为题材的作品之一。在这一时期，他开始瓦解古典透视法，通过打碎空间层次来重构现实。尽管这幅画并未完成，但圣心大教堂的轮廓已经清晰可辨﹣﹣重重圆顶与尖塔被重新构想为不断变换方位的几何形体，且似乎正在倒向观者所在的方向。 这幅画创作于"分析立体主义"初现之时，毕加索将建筑解析为多重互相交织的平面，并使用了赭色、灰色等柔和色调。他并未将教堂描绘为固定的地标，而是将之转化为与周围空间紧密联结的动态存在。这件作品展现了毕加索将建筑形体视为可塑之物的野心﹣﹣建筑与静物或人体一样，也能服从于同一套分解逻辑。 《杯子、苹果、书》 巴勃罗·毕加索（1881-1973)巴黎，1911年春布面油画巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 集合与拼贴 毕加索在艺术生涯中经常将器物和日常物件纳入创作。在20世纪10年代初，他与乔治·布拉克共同开发了一种立体主义技法：纸拼贴。通过创作艺术史上第一幅拼贴画《有藤椅的静物》(1912年，巴黎毕加索博物馆），毕加索拥抱了这种革命性的创作方式。他经常将现成物融入自己的雕塑作品，杂糅石膏塑形与各类异质物件之集合，这种做法一直持续到了20世纪50年代。该创作手法模糊了油画、素描与雕塑之间的界限，令各门艺术互为滋养，共同探问作品与器物之间的关系。在绘画中，毕加索会直接使用壁纸和布艺中的装饰纹样，颠倒并模糊艺术与现实之间的关系，由此开启了一条回收和再利用的艺术之路。 《留八字胡的男人》 巴勃罗．毕加索（1881-1973)巴黎（推测）,1914年春（推测）布面油画，贴有印花织物巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 《玻璃杯与烟盒》 巴勃罗·毕加索（1881-1973)巴黎，1914年春板面油画，贴有小珠巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 《拿烟斗的男人》 巴勃罗．毕加索（1881-1973)巴黎（推测）,1914年春（推测）布面油画，贴有印花面料巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 《拿烟斗的男人》是立体主义第二阶段、即"综合立体主义"时期（1912-1919年）的典型作品。在第一阶段，即"分析立体主义"时期，毕加索以赭色和灰色的单色调呈现碎片化的现实；而在"综合立体主义"时期，他的作品似乎更易辨识、更加多彩，色彩平铺占据了主导地位。这件作品也运用了拼贴技法，人物胸襟处以及持烟斗的那只手附近，都贴着印有花卉图案的壁纸碎片。构图方式本身﹣﹣多个平面层层堆叠﹣﹣也呼应着纸片剪贴工艺的美学。 《络腮胡男人胸像》 巴勃罗．毕加索（1881-1973)法国布瓦热卢，1933年青铜，由古柏坦以失蜡法铸造巴黎毕加索博物馆法国国家博物馆联盟赠与，1980年 《吉他》 巴勃罗．毕加索（1881-1973)法国胡安莱潘，1920年9月18日纸面水粉和石墨铅笔巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 《孕妇》 巴勃罗．毕加索（1881-1973)法国瓦洛里斯，1949年青铜，由埃米尔．戈达尔以失蜡法铸造巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 《玻璃杯与报纸》 巴勃罗·毕加索（1881-1973)阿维尼翁，1914年夏油彩绘制木底上的彩绘木制构件，有铅笔痕迹巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 童年 毕加索一直将童年视为他创作中的核心﹣﹣他既将儿童当作主题和象征，也将儿童视角视为创作态度、形式探索中的驱动力。从毕加索年仅14岁时所作、现藏于巴黎毕加索博物馆的《赤足女孩》(1895年），到他为子女所绘的诸多肖像画，都表明该主题对他而相当重要。而家庭纽带并非毕加索关注童年的唯一原因：儿童也代表了自发的创作能量以及崭新的视角。在探索远离学院派传统绘画语言的过程中，毕加索借鉴儿童的信手涂画，通过他们的眼睛观看艺术，重新捕获新鲜感，回到属于艺术的纯真年代。在他的晚期作品中，儿童成为了艺术家真正的"另一个自我"。作为创作者，他一刻不停地借助游戏和自由驰骋的想象力来重新发现艺术﹣﹣灵光乍现、永远鲜活的艺术。 《与玩具卡车玩耍的孩子》 巴勃罗·毕加索（1881-1973)法国瓦洛里斯，1953年12月27日布面油画巴黎毕加索博物馆雅克利娜．毕加索继承人以捐赠抵税，1990年 《装扮成喜剧丑角的保罗》 巴勃罗．毕加索（1881-1973)巴黎，1924年布面油画巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 毕加索的长子保罗出生于1921年2月4日。画中，他身着喜剧丑角（或译哈勒昆、阿莱基诺1）戏服，引发对意大利即兴喜剧的联想。从"粉色时期"(1904-1906年）的街头艺人系列起，到20世纪70年代，意大利即兴喜剧一直都是毕加索艺术创作的重要母题。同时，这幅画彰显了毕加索与长子之间的纽带﹣﹣这位艺术家也曾多次呈现自己身穿喜剧丑角戏服的样子。艺术家有意将此作停留在未完成状态：画布背景处未施任何颜料，足部位置的改笔痕迹清晰可见。 哈勒昆（Harlequin）是意大利语阿莱基诺（Arlecchino）的法语音译，是愈大利即兴嘉剧中最具代表性的角色之一，以缀满彩色菱形补丁的服装、聪明狡黠的仆从形象以及夸张滑稽的肢体表演而闻名，象征混乱与灵活。毕加索在其"粉色时期"多次以这一角色为题材进行创作，兼具戏剧性的主题构想与抒情内省的表现格调。 《玛雅与洋娃娃》 巴勃罗·毕加索（1881-1973)巴黎，1938年1月16日布面油画巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 《跳舞的喜剧丑角》右图巴勃罗·毕加索（1881-1973)法国瓦洛里斯，约1950年（推测）裁切印花油巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 《喜剧丑角》左图巴勃罗·毕加索（1881-1973)法国瓦洛里斯，约1950年裁切印花油毡巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 古典主义画家 立体主义时期之后的1918年至1923年常被称为毕加索的"新古典时期"。期间，毕加索再次使用构建严谨的塑形手法，抛弃了先锋派的无序，以此来回应第一次世界大战带来的混乱。该时期的作品既展现了毕加索对法国画家让﹣奥古斯特·多米尼克· 古典主义画家 立体主义时期之后的1918年至1923年常被称为毕加索的"新古典时期"。期间，毕加索再次使用构建严谨的塑形手法，抛弃了先锋派的无序，以此来回应第一次世界大战带来的混乱。该时期的作品既展现了毕加索对法国画家让﹣奥古斯特·多米尼克·安格尔(1780-1867年）的钦慕，也开启了他利用摄影棚肖像照作画的序幕，还见证了他在1917年赴罗马旅行之后受到的古希腊罗马艺术的影响。当时，毕加索与谢尔盖·佳吉列夫及俄罗斯芭蕾舞团合作，接触到了剧场与意大利即兴喜剧的世界；他开始使用喜剧丑角（阿莱基诺、彼埃罗）和杂技演员等意象，将来自多方面的影响欢快地交织在一起。毕加索一边继续使用立体主义手法创作，一边再度研习大师作品，他尤为关注奥古斯特·雷诺阿（1841-1919年），以及上流社会肖像与理想化女性裸体中最为常见的简练而纯净的古典线条。当时他最钟爱的模特是舞者奥尔嘉·柯克洛娃，两人于1918年结婚。安格尔(1780-1867年）的钦慕，也开启了他利用摄影棚肖像照作画的序幕，还见证了他在1917年赴罗马旅行之后受到的古希腊罗马艺术的影响。当时，毕加索与谢尔盖·佳吉列夫及俄罗斯芭蕾舞团合作，接触到了剧场与意大利即兴喜剧的世界；他开始使用喜剧丑角（阿莱基诺、彼埃罗）和杂技演员等意象，将来自多方面的影响欢快地交织在一起。毕加索一边继续使用立体主义手法创作，一边再度研习大师作品，他尤为关注奥古斯特·雷诺阿（1841-1919年），以及上流社会肖像与理想化女性裸体中最为常见的简练而纯净的古典线条。当时他最钟爱的模特是舞者奥尔嘉·柯克洛娃，两人于1918年结婚。 《安德烈·德兰肖像》巴勃罗．毕加索（1881-1973)伦敦，1919年纸面石墨铅笔巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 《躺在床上的裸女》巴勃罗．毕加索（1881-1973)巴黎与圣拉斐尔（推测）,1920年6月16日纸面石墨铅笔巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 《西斯莱夫妇，致敬奥古斯特·雷诺阿＜一对情侣）》巴勃罗．毕加索（1881-1973)巴黎，1919年末纸面石墨铅笔巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 《奥尔嘉与保罗》巴勃罗．毕加索（1881-1973)1922-1923年（推测）纸面石墨铅笔巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 《交握的手研习稿》巴勃罗．毕加索（1881-1973)1919年（推测）纸面水彩和石墨铅笔巴黎比加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 《披着垂布的浴女》 巴勃罗．毕加索（1881-1973)昂蒂布（推测）,1923年夏（推测）纸面墨水巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 《两只交握的手》巴勃罗．毕加索（1881-1973)巴黎，1921年1月17日纸面石墨铅笔巴黎毕加索博物馆巴勃罗·毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 《初次领圣餐的少男少女》 巴勃罗·毕加索（1881-1973)巴黎，1919年冬布面油画巴黎毕加索博物馆雅克利娜·毕加索继承人以捐赠抵税，1990年 在这幅肖像画中，两个孩子身穿初次领圣餐的礼服。毕加索的灵感来源于一张1914年的摄影师样片广告。对基督徒而言，初次领圣餐是继洗礼之后皈依宗教的第二个重要仪式。时至今日，参加此类仪式时，人们仍会身着礼服拍摄留念，并由家人分发寄送、相告亲友。此作在艺术家生前从未公开展出，直到1986年，马德里举办了一场展览，展出毕加索最后一任伴侣雅克利娜·罗克继承的藏品，公众才首次见到这幅画。 《双臂交错而坐的女人》 巴勃罗·毕加索（1881-1973)法国莫尔德河畔勒特朗布莱（推测）,1937年布面油画巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 《戴条纹帽的女人胸像》 巴勃罗·毕加索（1881-1973)巴黎，1939年6月3日黄麻纤维面料上水胶颜料画（坦培拉）黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 《坐着的戴帽子女人》 巴勃罗·毕加索（1881-1973)巴黎，1939年5月27日布面油画巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 《阅读》 巴勃罗．毕加索（1881-1973)法国布瓦热卢，1932年1月2日布面油画巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 这幅画是毕加索以伴侣玛丽﹣特蕾兹·瓦尔特为灵感源泉而创作的。画中女子正沉浸在阅读所引发的神游之中，艺术家同时呈现了她的正脸与侧颜。画中人身体的其余部分均由交织的线条和色块构成，似乎已经与扶手椅融为一体。20世纪30年代，毕加索重新诠释了立体主义，通过景层叠置创造出一种新的空间透视法，由此形成了他在那一时期的典型风格。 　　毕加索自幼便在父亲的陪伴下在马拉加观看斗牛仪式。终其一生，无论是起初在西班牙时，或是之后在法国南部生活期间，他都会前往斗牛场。对斗牛的迷恋滋养着他的创作，他不仅会直接呈现斗牛这一意象，也会运用其象征含义。这一带有神圣意味的对抗仪式，不仅体现了人与兽之间的角力，也在更广义上象征着生死定律之间的对峙。斗牛士被牛角挑起、命悬一线的那一瞬间，成为毕加索20世纪10年代至30年代诸多油画、素描和版画的主题。20世纪40年代，毕加索移居瓦洛里斯期间，斗牛也是他陶艺作品中经常出现的装饰主题之一。如果说两次世界大战期间的毕加索更喜欢突出斗牛活动中紧张且极富戏剧性的一面，那此时的他则转向了节庆的风格。1959年，为写于18世纪的专业指南《斗牛术》重版绘制的系列插图便体现了这一点。 《牛头》 巴勃罗．毕加索（1881-1973)法国布瓦热卢，1931年青铜巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 《斗牛》 巴勃罗．毕加索（1881-1973)巴黎，1923年末﹣1924年初（推测）板面油彩与铅笔画巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 《斗牛：斗牛士之死》 巴勃罗．毕加索（1881-1973)法国布瓦热点，1933年9月19日板面油彩巴黎毕加素博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 MP145 毕加索在这幅木板画中描绘了斗牛士之死。他毫不避讳任何细节，还原了整个暴力场面：公牛似乎直勾勾地盯着观者，发力猛冲，将斗牛士掀翻在地，后者的鲜血与红色斗篷融为一体。白马则在垂死挣扎：头猛然甩向画面右方，腹部被刺破，内脏流了出来。数年之后，毕加索在其代表作《格尔尼卡》(1937年，现藏于马德里索菲亚王后国家艺术中心博物馆）中再次使用了垂死挣扎的马这一意象，并将其作为构图的核心元素。 战争期间 1937年，毕加索创作了巨制《格尔尼卡》（现藏于马德里索菲亚王后国家艺术中心博物馆），以回应西班牙内战。这幅画如今已成为普世象征，以艺术之声控诉野蛮行径，持续鼓舞着一代代创作者，映现时代的抗争。第二次世界大战期间，毕加索并未以如此直接的方式来描绘战火，但是，他的肖像和静物画中始终潜藏着战争的阴影，反映了那个年代的暴力与隐伏的焦虑。他将人体塑造成各种畸变姿态，错乱的四肢、野兽般的面孔，如"穴怪图"般病态而骇人。而他的静物画则通过紧凑取景、暗沉色调、器物与动物尸体、人类头骨并置的构图，构成了一幅幅有关战争之恐怖的强有力的托寓画。 《戴帽女人胸像》 巴勃罗·毕加索（1881-1973)巴黎，1941年6月9日布面油画巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 《坐着的女人》 巴勃罗·毕加索（1881-1973)巴黎，1945年3月5日布面油画巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 《室内的猫头鹰》 巴勃罗·毕加索（1881-1973)巴黎，1946年12月7日胶合板面油画巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 《男孩与龙虾》 巴勃罗·毕加索（1881-1973)巴黎，1941年6月21日布面油画巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 MP189 战争期间，毕加索并未直接描绘冲突场景，而是构想一个充满不安意象的幽暗世界，以曲折隐晦的方式暗示暴力与荒诞。这幅画作将童稚的天真与身体的怪诞并置：男孩那缺牙的、扭曲的笑容，在红色嘴唇（画布上唯一一抹鲜活色彩）的衬托下愈显刺眼；同时下体裸露，正对着前方的盘子。男孩几近掐死手中的龙虾，这样的情景给观者带来一种无可否认的焦虑感。大地色调的使用，模糊而逼仄的空间带来的感觉，以及男孩几近失衡的身体比例，共同营造出令人不适的氛围。 独一无二的陶艺作品 早在1906年，毕加索就已经在蒙马特地区进行了最初的陶艺创作尝试，但直到1948年定居瓦洛里斯之后，他才开始了大规模陶艺创作。瓦洛里斯小镇坐落于戛纳与昂蒂布之间，数个世纪以来因制陶而闻名。1954年以前，毕加索在由苏珊和乔治．拉米耶夫妇主理的马杜拉工坊中创作了数以千计的原创作品，展现了陶艺技能的发展。他享受陶土的造型、雕刻与赋色过程。盘子、水壶及其他瓶罐上不时出现农牧神头像、动物形象与斗牛场景，他也会在盘子表面描绘或捏制水果和美食，仿佛静物画中那样待人品尝。 本空间墙面上悬挂的白色瓷盘令人联想到毕加索陶艺创作成果之丰硕，也引出了对大批量工业产品与手工艺制品之间关系的拷问。 《草地上的午餐》 爱德华·马奈的杰作《草地上的午餐》(1863年，现藏于巴黎奥赛博物馆）将古典绘画的几大传统题材﹣﹣户外风景、对话场景、静物﹣﹣解构并重组于同一画面之中，被视为现代绘画的奠基之作。 20世纪50年代，毕加索围绕这幅画展开了一系列改作。此前，他也曾数次致敬迭戈·委拉斯开兹的《宫娥》(1656年，现藏于马德里普拉多博物馆）。与马奈、委拉斯开兹一样，毕加索也在拷问艺术家与画中人之间的关系，以及观者扮演的角色。尽管早在1954年，毕加索便以马奈原作为参照绘制了一幅草图，但该系列大部分作品实际完成于1959年夏至1962年。在此期间，他将主要精力集中于重新诠释，围绕该主题创作了27幅绘画、约140幅素描、数十件雕版版画与亚麻油毡版画，以及多件重要的雕塑。在这些改作中，他时而移动人物位置，甚至删去某个人物，时而调整人物姿态和角度；还多次以裸体姿态呈现其中的男性角色。 《仿马奈＜草地上的午餐＞》 巴勃罗·毕加索（1881-1973)法国穆然，1961年7月13日布面油画巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 《仿马奈＜草地上的午餐＞》 巴勃罗．毕加索（1881-1973)法国沃夫纳格，1960年3月3日﹣8月20日布面油画巴黎毕索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 毕加索曾重温马奈1863年的画作《草地上的午餐》，创作了数量可观的系列改作，这幅作品便是其中之一。毕加索并没有直接复制马奈画中的著名野餐场景，而是对其进行了转化：有的人物变换了位置，有的人物消失，风景部分变得模糊不清，形体或被压扁，或被合并，或被处理为装饰纹样。 毕加索对鲜艳色彩、装饰纹样和构图重组的运用既是在向原作致敬，也是在提出新的挑战﹣﹣引导我们重新思考“致敬”在现代艺术语境中的含义。后来，在与挪威艺术家卡尔．内斯哈尔的合作过程中，该系列作品中的数个人物被再度诠释为大型混凝土雕塑，进一步延伸了绘画、雕塑与建筑空间之间的对话。 《马奈＜草地上的午餐＞改作》 巴勃罗·毕加索（1881-1973)法国穆然，1961年7月4日﹣12月6日亚麻油毡版画黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 《仿马奈＜草地上的午餐＞》 巴勃罗·毕加索（1881-1973)法国穆然，1961年7月27日布面油画巴黎毕加索博物馆雅克利娜．毕加索继承人以捐赠抵税，1990年 《仿马奈＜草地上的午餐＞》 巴勃罗·毕加索（1881-1973)法国穆然，1961年7月27日布面油画巴黎毕加索博物馆雅克利娜．毕加索继承人以捐赠抵税，1990年 晚期创作：1969-1972年 毕加索晚年极为高产。自1961年起，他在法国穆然的永生圣母别墅定居，在1969年至1973年间创作了数百幅素描和版画以及350余幅油画。那段时期，他将大部分精力集中于呈现人体；其西班牙文化背景也通过斗牛士这一母题重新浮现，画中的标志性元素常能让人联想到西班牙"黄金时代"。该时期作品在色彩上满载爆发力，在表达上自由不羁。伴随着越来越快的创作速度，毕加索刻意不追求工整，任颜料流痕与笔触留在画作表面。这些晚期作品曾于1970年和1973年在阿维尼翁教宗宫展出，令公众愕然，却引来评论界对其生命力与创作力的齐声赞叹。事实证明，这些作品深刻滋养了此后数代画家﹣﹣让﹣米歇尔·巴斯奎特、乔治·巴塞利茨等人均在其列﹣﹣并由此掀开绘画在当代的复兴篇章。 《坐着的老年男人》 巴勃罗·毕加索（1881-1973)法国穆然，1970年9月26日﹣1971年11月14日布面油画巴黎毕索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 《一家人》 巴勃罗·毕加索（1881-1973)法国穆然，1970年9月30日布面油画巴黎毕加索博物馆巴勃罗．毕加索继承人以捐赠抵税，1979年 这幅巨制是毕加索晚年创作的典型范例，画面展现出极具表现力的风格、自由的笔触与纯真的人物造型。画中人物衣着华丽、头饰时髦，色彩浓饱满，形成强烈而亮眼的明暗对比，令人联想到十七世纪的绘画传统。年近九旬的毕加索在此以充沛的活力重新演绎"家庭肖像"这一传统主题，既承袭了古代大师们的笔法，也赋予这一题材全新的生命力。 　　展览的最后一个展区，设计成了一个“海报展厅”。墙面层层叠叠贴满了过往毕加索展览的旧海报，新的作品则直接“裱”在旧海报之上。这模仿的是欧洲街头常见的“fly-posting”。“有点像‘城市牛皮癣’，但我相信这种形式很对毕加索的胃口，”保罗·史密斯笑着说，“它自由、奔放，充满了街头生命的活力。” 关于海魂衫 1858年，海衫（水手衫）正式确立为法国军的制服，它采用海军蓝与白色横纹设计，在海上具有辨识度。20世纪初，可可．香奈儿首次将这类服饰简洁、富有航海气息的风格运用于日常服装，将之转变为时尚符号。原档案现藏于巴黎毕加索博物馆 1952年，摄影师罗贝尔．杜瓦诺在瓦洛里斯为毕加索拍摄了一系列照片。在这组照片中，毕加索频繁穿着海魂衫﹣﹣有时是在工作室里、厨房里，有时在他亲手制作的陶器间怡然自得。随着时间推移，海魂衫逐渐成为毕加索公众形象的重要组成部分：既波希米亚又勤奋务实，既一丝不苟又童心未泯。海魂衫不仅代表着毕加索的个人风格，也象征着他对大海的终生眷恋以及他对地中海文化的 毕加索的海魂衫 1952年9月的一个上午，摄影师罗贝尔·杜瓦诺来到瓦洛里斯，为自1948年起定居于此的毕加索拍摄肖像照。这位西班牙画家在镜头前兴致盎然，即兴利用周围器物做道具，例如把小面包块摆成手的形状，放在面前的餐桌上。这组照片很快便获得成功，并通过报刊杂志传遍世界。于是，毕加索在集体想象中被定格为身着海魂衫的经典形象。在二十世纪五六十年代，当西方青年群体中萌生追求政治解放的反文化思潮时，海魂衫便成为叛逆理想的浪漫象征，这一理想与曾经的先锋派革命者毕加索紧密相连。 巴勃罗·毕加索在瓦洛里斯"威尔士别墅"的餐桌旁，将小面包摆出手指造型，1952年9月，罗贝尔·杜瓦诺（摄）原档案现藏于巴黎毕加索博物馆 　　本次展览将持续至2026年5月3日。在这场穿越世纪的艺术对话中，观众既能见证毕加索如何改写艺术史，更能感受经典在当代设计视角下的新生——这正是艺术跨越时间、始终鲜活的最好证明。