<p class="ql-block">1、卡拉瓦乔《演奏会》</p><p class="ql-block">卡拉瓦乔的性取向一直是一个有趣的话题，大多数的研究认为，这幅画是卡拉瓦乔在搬到玛达玛宫后所画的第一幅作品。玛达玛宫是他的新赞助者枢机主教德尔，蒙特的住所。受过高等教育的德尔·蒙特是一位音乐爱好者，所以卡拉瓦乔这位年轻的艺术家，也以乐器或音乐主题为题材创作了几幅画作。</p><p class="ql-block">鲁特琴颈部上的弦好像伸出了画布而进入到我们的空间，似乎把观赏者也一起拉进到这个排练场景，因为琴颈凸出的效果使整幅画有了景深，由左到右，最后视线停止在一个背对我们、手中捧着打开的乐谱的男孩，他手中的乐谱微微上翘，有细微的阴影，与伸出小提琴音箱的琴弓这些小静物一起，加强了前景的空间感。</p> <p class="ql-block">2、《亚里士多德与荷马半身像》是伦勃朗于1653年创作的油画作品，由意大利贵族唐·安东尼奥·鲁福委托绘制。画面通过明暗对比技法展现亚里士多德右手触碰荷马半身像、左手抚弄金项链的场景，暗含对物质与精神价值的哲学思考。该作品在艺术史上曾因人物身份引发争议，最终被确定为亚里士多德半身象，被视为伦勃朗绘画中的孤品。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">3、《我们朝拜马利亚》是法国画家保罗·高更1891年创作的油画，现藏于纽约大都会艺术博物馆，属于其首次塔希提时期（1891-1893年）的代表性作品。这一时期高更致力于描绘波利尼西亚人的生活场景与宗教仪式，通过强烈色彩与平面化造型探索原始美感。</p><p class="ql-block">该画作以塔希提妇女的祈神活动为场景，左侧描绘身穿红色塔帕裙的母子形象，右侧呈现受爪哇浮雕启发的半裸女性群像。画面采用非透视的平面化构图，搭配斑驳绚丽的背景色彩，融合现实场景与宗教象征。</p> <p class="ql-block">4、梵高的《阿尔勒妇女》（又称《吉诺克夫人肖像》）在纽约大都会艺术博物馆收藏的是其中一个版本，具体为《阿尔勒妇女:看书的吉诺夫人》。这幅画作于1888年11月完成，以当地女性吉诺克夫人为原型，展现了梵高在普罗旺斯时期对人物肖像的探索。该作品与巴黎奥赛博物馆收藏的版本（别名《阿尔勒女子》）为同一题材的不同创作，同期还有一版本藏于纽约大都会艺术博物馆。</p> <p class="ql-block">5、《维纳斯和阿多尼斯》是意大利文艺复兴时期威尼斯画家提香·韦切利奥于1553-1554年间创作的布面油画，同名作品还藏于马德里普拉多博物馆。该作是受西班牙国王菲利普二世委托绘制的神话主题系列画之一，取材自奥维德《变形记》中爱神维纳斯与美少年阿多尼斯的悲剧故事。</p><p class="ql-block"> 画面以对角构图捕捉维纳斯试图阻止阿多尼斯外出狩猎的瞬间，维纳斯背影的肢体动态与阿多尼斯的抗拒形成强烈对比，背景中自然景物与光影交织，小爱神、水罐等元素隐喻情感与命运。提香通过人体形态的精妙刻画与色彩运用，展现了威尼斯画派对感官美与戏剧叙事的追求。</p> <p class="ql-block">6、鲁本斯的《维纳斯和阿多尼斯》，这幅画和提香的作品同名。是彼得·保罗·鲁本斯于17世纪创作的油画作品。作品描绘了罗马神话中爱与美之神维纳斯试图挽留恋人阿多尼斯的经典场景。画面通过雄健饱满的人物造型与光色对比，展现出巴洛克艺术特有的戏剧张力和动态美感。相对于提香等文艺复兴画家对同题材的处理，鲁本斯强化了人物肢体语言的矛盾冲突，尤其是阿多尼斯回望维纳斯时不舍与决绝交织的神态刻画成为亮点。</p><p class="ql-block">。</p> <p class="ql-block">7、阿梅代奥·莫迪利亚尼（1884－1920） 意大利著名画家，出生于托斯卡纳的小海港城市里窝那的一个犹太人家庭。父亲是商人，母亲是英文教师。世界上最贵的画之一。莫迪利亚尼的情人叫珍妮·赫布特尼，画家一生以情人为模特，画了25幅《珍妮·赫布特尼肖像》，这些作品均创作于1917-1920年两人相识相恋期间。</p><p class="ql-block"> 全世界有十幅最贵的画，其中两幅就是出自莫迪里阿尼的创作。他和委拉斯凯兹、梵高、高更、毕加索、伦勃朗、达芬奇、古斯塔夫·克里姆特以及蒙克等一样，是世界顶级大师中的大师。</p><p class="ql-block"> 遗憾的是，1920年莫迪里阿尼35岁时因肺结核去世，次日，珍妮带着腹中8个月的孩子跳楼殉情，这段悲剧爱情为这些肖像画增添了一层浓厚的悲伤色彩。</p> <p class="ql-block">8、爱德华·马奈《西班牙吉他演奏家》，又名《弹吉他的西班牙歌手》。是法国画家爱德华·马奈于1860年创作的油画。</p><p class="ql-block">《弹吉他的西班牙歌手》描绘的是一个出没于街头、酒店的流浪歌手。该画色彩强烈、笔触奔放、形象生动——歌手坐在长凳上正在边弹边唱，委拉斯开兹、戈雅的影响显见其中。该画反映了第二帝国时期巴黎人对西班牙艺术和文化的热爱。</p> <p class="ql-block">9、莫奈《圣阿德雷斯的露台》</p><p class="ql-block">《圣阿德雷斯的花园阳台》是克洛德·莫奈于1867年创作的一幅重要画作，现藏于美国纽约大都会艺术博物馆。这幅画描绘了莫奈在圣阿德雷斯（一个靠近勒阿弗尔的海边避暑胜地）的花园阳台上所见的场景，展现了丽日蓝天下，平台上姹紫嫣红的花卉、几位衣冠楚楚的绅士和淑女享受阳光海风的安详画面。</p><p class="ql-block"> 创作背景方面，1867年莫奈27岁，正处于艺术生涯的早期阶段。当时他与家人住在圣阿德雷斯，画中阳台可能位于其姨丈家的宅邸，莫奈的父亲和姑母坐在前景，而站立的人物包括画家表妹珍妮·玛格丽特·里卡德等亲友。这幅画在当时因创新的户外光线运用和色彩处理而引发争议，莫奈本人曾形容其尝试“面临风险的创新”，但最终在1879年印象派第四次展览上展出。</p><p class="ql-block"> 艺术特色上，莫奈受日本浮世绘影响，采用水平带状构图，打破传统绘画空间，使海、天与阳台融为一体。画中对光线和色彩的捕捉体现了印象派宗旨，即聚焦现代生活与自然瞬间。此外，画中的三角旗为西班牙王室家族标志，增添了历史细节。</p> <p class="ql-block">10、西班牙大师弗朗西斯科·戈雅的《阳台上的马哈》是其代表作之一，创作于1800年至1810年间。 作品描绘了两位身着马哈式礼服的年轻女性，她们站在阳台上，展现出18世纪西班牙庶民阶层中“马哈”这一社会群体的典型形象，即身着妖艳服装、自由恋爱的年轻女性。 </p><p class="ql-block">戈雅通过明暗对比和局部特写般的构图，强化了画面的深度感，背景中的男性人物与女性形成互动，暗示了当时的社会关系。 这幅画作体现了戈雅对现代生活风俗的写实刻画，是浪漫主义艺术的先驱之作。 </p> <p class="ql-block">11、葛饰北斋《神奈川冲浪》</p><p class="ql-block">《神奈川冲浪里》是日本画家葛饰北斋的代表作，它象征人与自然的关系以及深刻的哲学对比，如动与静、瞬间与永恒的交织。画作中船工与巨浪的搏斗体现了乘风破浪、勇往直前的大无畏精神，被解读为在逆境中坚韧不拔的象征。海浪的狂暴与富士山的静穆形成对比，隐喻人们对自然既敬畏又抗争的矛盾心理。</p> <p class="ql-block">12、《顺密苏里河而下的皮货商》是乔治·凯莱布·宾厄姆1845年创作的布面油画，现藏于纽约大都会博物馆。作品以密苏里河晨景为背景，画幅展现19世纪美国边疆风貌，属风景题材创作。画面定格了皮货商与助手划船顺流而下的瞬间，静谧的河面与劳动场景形成诗意对照。船尾蹲坐的猫作为点睛之笔，为严肃的劳作主题注入生活情趣，体现了艺术家对边疆民生细节的敏锐捕捉。作品以写实笔触融合风景叙事，既呈现自然景观的壮阔，又暗含对拓荒时代劳动精神的礼赞。</p> <p class="ql-block">13、《华盛顿横渡特拉华河》是德裔美国画家埃玛纽埃尔·洛伊茨于1851年完成的布面油画，描绘1776年12月25日美国独立战争中乔治·华盛顿率军夜渡特拉华河突袭特伦顿英军驻地的历史场景。作品通过锯齿状浮冰、受伤士兵与飘扬的十三星旗等元素，以戏剧化手法突出华盛顿立于船首的领袖形象。该画作曾历经初版损毁与复刻，其艺术价值体现在对关键历史时刻的史诗性再现及跨时代影响力</p> <p class="ql-block">14、委拉斯凯兹的《以马忤斯的晚餐》是其宗教题材的重要作品，创作于1622年至1623年间，现藏于纽约大都会艺术博物馆。1 这幅画作以《圣经》中耶稣复活后向门徒显现的故事为背景，展现了艺术家独特的艺术风格。</p><p class="ql-block"> 在构图上，画面定格于门徒认出基督的瞬间，人物姿态充满戏剧性：左侧门徒似欲起身，右侧门徒张臂惊愕，基督面部被一束强光照亮，成为视觉中心。委拉斯凯兹运用短缩透视法强化肢体动态，并以基督头部为轴心构成三角形布局，增强画面的张力。光影处理上，他继承了卡拉瓦乔的明暗对比技巧，但更注重柔和光线的蔓延感，使人物与背景的界线模糊，营造出神性意味。</p><p class="ql-block"> 色彩与细节方面，画中静物如倾斜的果篮和腐烂水果暗喻尘世短暂，与神性永恒形成反差。委拉斯凯兹的笔触细腻，人物表情含蓄而深刻，尤其耶稣的手势与门徒的反应传递出内敛的情感。有评论认为，这幅作品受到卡拉瓦乔早期同主题作品的影响，但委拉斯凯兹更强调肖像画的精确性，将宗教场景与现实感巧妙结合。</p><p class="ql-block">整体而言，委拉斯凯兹通过这幅画作体现了巴洛克时期对情感与真实性的追求，其柔和的光线和细腻的细节处理，使观者能沉浸于场景的静谧与庄严中。</p> <p class="ql-block">15、这是大都会博物馆一幅非常重要的作品。让·莱昂·杰罗姆的《皮格马利翁和加拉蒂亚》。让-里奥·杰罗姆（Jean-Léon Gérôme）创作的《皮格马利翁与伽拉忒亚》是19世纪学院派绘画的代表作之一，描绘了希腊神话中雕刻家皮格马利翁与他创造的雕像伽拉忒亚的故事。</p><p class="ql-block"> 杰罗姆于1890年完成了这幅油画，有趣的是，杰罗姆在创作此作前曾于1881年绘制过同一题材的同名作品，后者更侧重于皮格马利翁工作时的场景，而1890年的版本聚焦于伽拉忒亚获得生命的关键瞬间。</p><p class="ql-block"> 画面捕捉了伽拉忒亚从雕像变为活人的情景——她的下半身仍保留象牙的白色，上半身已显露出血色肌肤，正俯身亲吻皮格马利翁。画家运用了学院派典型的精细技法，强调光影对比和细节刻画，如皮格马利翁身着蓝色服饰，右侧的丘比特象征爱神维纳斯的干预。整体风格严谨，符合19世纪古典主义传统，与当时印象派的兴起形成对比。</p><p class="ql-block"> 故事源自罗马诗人奥维德的《变形记》，讲述皮格马利翁因厌恶现实女性而雕刻完美雕像，后因真诚的爱感动维纳斯，使雕像获得生命并与之结婚。这一传说常被解读为艺术与神性结合的象征，也衍生出“皮格马利翁效应”（即期望效应）等现代心理学概念。</p><p class="ql-block"> 杰罗姆作为学院派画家，其作品延续了新古典主义对神话题材的偏好，同时融入浪漫主义的情感张力。这幅画反映了19世纪欧洲对艺术创造、理想美与人性探索的深层兴趣。</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">相关作品与影响：除杰罗姆的版本外，类似主题还有路易·拉格雷尼（1781年）和安-路易·吉罗代（约1815年）的创作，但杰罗姆的版本因精准的叙事和技法备受关注。34 该神话还被萧伯纳改编为戏剧《皮格马利翁》，进一步扩大了其文化影响。4</p> <p class="ql-block">16、保罗·塞尚画过五幅《玩纸牌的男人》，在巴黎奥赛博物馆里也有一幅同题同类作品，还有一幅在2012年卡塔尔王室以超2.5亿美元购得，创当时艺术品交易纪录。</p><p class="ql-block"> 从1890年到1896年，塞尚专以玩牌者为题材，进行了一次有野心的绘画尝试。他从自己家位于普罗旺斯埃克斯的庄园请来农场工人作为模特。在无数试作的基础上，他最终完成五幅画，既延伸又挑战了对玩牌者这一从十七世纪就开始流行的主题的传统描绘。大都会博物馆收藏的这幅似乎是这一系列之首。接下来的一个版本有第一版的两倍大，并且包括了一个新的人物——站立的小孩。在后三版中，塞尚削减了不重要的细节，只留下两个玩牌的人，他们坐在一张桌子的两边，彼此直面对方。</p><p class="ql-block"> 保罗·塞尚以脾气暴躁和冲动的性格著称。他在年轻时就表现出叛逆倾向，例如在巴黎求学期间，因未通过美术学院入学考试而转向私人艺术机构，并多次因作品被官方沙龙拒绝而公开抨击艺术体制。他的性格在早期创作中尤为明显，如《谋杀》这类作品描绘暴力主题，笔触快速且充满张力，反映出内心的激烈冲突。</p><p class="ql-block"> 这种冲动性情与他孤僻的社交风格相辅相成。塞尚常自视为“坏孩子”，举止粗野，甚至与印象派团体保持距离，尽管他受到毕沙罗等人的影响，但始终坚持个人艺术探索。他的暴躁可能源于对艺术理想的执着追求，以及对传统规范的抗拒，这种性格在后期作品中转化为对形式和结构的冷静审视，例如通过厚重的笔触和几何化构图表达情感。</p><p class="ql-block">该系列现存五幅完整作品：</p><p class="ql-block">巴黎奥赛博物馆藏版：展现两位牌手对坐的经典构图。</p><p class="ql-block">纽约大都会艺术博物馆藏版：</p><p class="ql-block">伦敦考陶尔德学院藏版：画面色调偏冷灰色系。</p><p class="ql-block">费城巴恩斯美术馆藏版：人物服饰采用较高饱和度配色。</p><p class="ql-block">卡塔尔王室藏版：用酒瓶作为画面中心分割线。2012年通过纽约佳士得私洽购入，成交价超2.5亿美元。</p>