南法（13）~马蒂斯博物馆:色彩狂热与剪纸礼赞

又见炊烟

尼斯的文化底蕴藏在街巷深处，马克·夏加尔与亨利·马蒂斯被誉为尼斯的艺术双雄。两座博物馆相距不过1000多米，却气质迥异。夏加尔以“我的爱就是我的色彩”为箴言，让博物馆化作裹着温柔诗意的色彩梦境；马蒂斯则秉持“色彩是直接表达情感的语言”的信仰，将博物馆打造成撞进时光里的色彩狂欢。一座浪漫，一座先锋，两座博物馆构成了尼斯艺术最鲜活的双面缩影，也让这座南法之城的艺术魅力愈发立体动人。

亨利·马蒂斯（1869—1954），20世纪现代艺术巨匠、野兽派创始人之一，引领色彩解放与平面化美学革新。1905年起，他与德兰、马尔凯等人共创野兽派，以浓烈色块打破写实桎梏；中年简化画面元素走向简约；晚年因身体原因以剪刀代笔，将野兽派的色彩精髓融入剪纸，让色彩与线条的对话在纸间新生，终成以色彩为核心的跨时代艺术大师。

马蒂斯博物馆的前身是马蒂斯在尼斯期间的工作室，后重新装修改为马蒂斯博物馆，其核心馆藏均来自马蒂斯本人及家人的捐赠，总藏品超400件：既有他从野兽派画作到晚年剪纸拼贴画的创作精华，也包含他生前收藏的各类艺术品。这些藏品既是他艺术生涯的缩影，也是滋养其创作灵感的素材库，让馆内的每一处展陈，都成了马蒂斯艺术世界的鲜活切片。

踏入马蒂斯博物馆的入口大厅，剪纸艺术的视觉张力便扑面而来。左侧暖金色剪纸装饰顺着曲线舒展，灯光斜照勾勒出细腻光影，漾出轻盈质感；右侧整面剪纸壁画以红橙、宝蓝、翠绿的大块纯色铺展，几何纹样与植物形态层层叠叠，利落边缘切割出清晰线条，灯光漫过色块时明暗交错，整面墙化作放大的彩色拼贴画，浓烈的色彩冲击力直抵眼前。

这满厅的剪纸艺术，正是马蒂斯晚年倚着轮椅以剪刀代笔，对色彩信仰的坚守，亦是对抗病痛的生命礼赞。

大厅墙面的长卷映入视野：黑墨在画布上随性泼洒出疏密交错的肌理，一枚红圆点醒目地落于画面中央，灯光下黑红对撞出利落的视觉节奏。从画布上恣肆的色彩碰撞，到剪纸里灵动的线条韵律，马蒂斯把毕生的色彩狂热与艺术巧思都凝进了这座博物馆，让每一寸空间都成为他艺术表达的鲜活载体。

展厅中那尊静静伫立的古希腊“库罗斯”雕像石膏复制品，也藏着马蒂斯的艺术密码。这尊公元前6世纪的作品由卢浮宫复刻、马蒂斯收藏，后随藏品一同捐赠至此。古希腊雕塑的简约线条与和谐比例，恰是马蒂斯简化画面、追求形式美感的灵感来源之一，也成了连接古典艺术与他现代美学的独特纽带。

马蒂斯博物馆还展出了不少米罗画作，本文仅聚焦马蒂斯作品。

马蒂斯早年创作

​马蒂斯的早年创作，是一场从复刻现实到释放色彩的大胆突围。早年弃法从画的他，在巴黎美院接受了严格的学院派传统训练，这份精准复刻现实的底色，即便到了1900年的人体画里仍清晰可见：细腻的结构、柔和的色调，皆是传统训练的直接体现。

这份写实功底，也被他揉进了生活的温柔里。1898年新婚燕尔，他与妻子艾米丽旅居科西嘉、图卢兹，用一整年的时间画了五十余幅写生。展厅里紧邻陈列的三幅小画，便是蜜月日常的具象注脚~庭院暖阶裹着南法柔光，民居赭橙叠出烟火气，水景淡蓝衔着暖调，笔触里满是写实框架下的温柔，也藏着他对色彩衬氛围的最初直觉。

​也正是这一年，他接住了“现代主义之父”塞尚的火种。早在1890年代，马蒂斯就特意收藏了塞尚的作品，这位打破传统透视、用几何块面重构空间的先驱，给了他跳出写实框架的钥匙。这份影响落在1898年的静物里：暗棕、深紫的低饱和色调是塞尚式的沉稳底色，简化的轮廓与块面构图，印着“弱化写实、强化结构”的启发，暗调里那簇亮粉花的灵动，已悄悄流露脱离传统的倾向。

到了1900年，塞尚的影响更显清晰。静物画里，他不再执着写实细节，而是用色块与简化轮廓整合器物，让物体透出几何体积感。

同期创作的这幅圣母院景观，更像是这场渐变的生动注脚：笔触比1898年更松弛，没有刻意复刻建筑的精细轮廓，色调也多了主观表达，少了写实拘谨，多了光影与色彩的自由感，藏着他脱离传统、释放色彩的又一步尝试。

学院派的严谨训练与早期创作，为马蒂斯打下了扎实的艺术根基。此时的他，虽仍在传统框架内探索，却已在色彩运用中暗藏突破的锋芒~那些对光影、色块的细腻揣摩，那些不甘于写实桎梏的隐秘尝试，都在悄悄积蓄着颠覆的能量，等待着一场彻底释放色彩天性的艺术蜕变。

野兽派狂飙：色彩的极致释放

从1905年野兽派的横空出世，到晚年剪纸的纯粹表达，马蒂斯的一生，始终以色彩为核心命题。他用《戴帽子的女人》打破传统写实的色彩桎梏，以《红色的和谐》重构空间与色彩的关系，为俄罗斯商人定制的作品里藏着色彩情绪的精准拿捏，尼斯时期的创作让色彩与光影生出细腻诗意，最终在剪纸拼贴中，让纯色块的碰撞成为色彩表达的终极形态。这些跨越不同时期的经典作品，共同勾勒出他从颠覆到沉淀、从狂热到纯粹的色彩探索之路，也让“色彩”成为他最鲜明的艺术标签。

马蒂斯的挚友马尔凯，与他一同在莫罗画室求学，二人共享模特、互通审美，这幅1900年马尔凯为马蒂斯夫人艾米丽创作的肖像，便是他们艺术共鸣的鲜活见证。画作比马蒂斯标志性的野兽派风格早了五年，却已然能窥见大胆用色的苗头：背景以整片浓烈橘红铺陈，裙身碰撞出深蓝与明黄的张力，粗粝笔触勾勒的轮廓干脆利落。这幅预备役之作，不仅藏着二人对纯色表达的共同探索，更让色彩突破的火苗，在马蒂斯的创作圈里悄悄燃起。

1902年的《巴黎卢森堡公园》，让这簇火苗烧得更旺，也成了马蒂斯迈向野兽派的关键一步。他彻底跳出印象派的柔和色调，用浓烈的紫、绿、黄色块肆意铺陈公园景致，笔触奔放得全然不拘泥于细节写实。在这幅画里，色彩第一次彻底脱离复刻现实的束缚，转而服务于情绪与氛围的表达——这份“解放色彩”的理念萌芽，让马蒂斯的创作方向愈发清晰，也为1905年沙龙的惊天爆发，攒下了最核心的技法与勇气。

野兽派的诞生，就在这一刻正式定格！1905年巴黎秋季沙龙，马蒂斯为夫人艾米莉创作的《戴帽子的女人》直接“炸”了全场：观众指着画大骂“这是把颜料罐甩到脸上”。当时，马蒂斯这群人的狂野画作旁，恰好陈列着文艺复兴雕塑大师多纳泰罗的古典写实雕塑，一野一雅、一夸张一严谨的强烈反差，让评论家路易·沃塞尔调侃道“多纳泰罗被野兽包围了”。“野兽（Fauves）”这个称呼，就此成了该画派的正式名称。而马蒂斯根本不在乎这些质疑：画布从不是现实的复制品，他要的是“情绪的真实”，想看逼真的人？去看照片就好！

和《戴帽子的女人》一同在巴黎沙龙亮相的，还有马蒂斯在南法科利尤尔画的《开着的窗户》。他把窗外海港拆成青、蓝、绿的纯色块，室内又用玫红、淡紫平涂，彻底抛开写实透视。观众当场炸锅，指着画喊“这哪是窗户，分明是把调色盘直接扣在画布上了”，传统艺评家更是嗤之以鼻，骂这是“连小孩涂鸦都不如的胡闹”。评论家路易·沃塞尔见状，直接把他们的展厅称作“野兽笼”，正是这两幅画的联手冲击，让“野兽派”从一句调侃，成了这场色彩革命的正式名号。

就这样，《戴帽子的女人》与《开着的窗户》在1905年巴黎沙龙上的双双亮相，让“野兽派”从争议调侃蜕变为正式流派，也标志着马蒂斯在南法科利尤尔的创作迎来风格定型。这一蜕变不止体现在两幅沙龙代表作中，他在当地完成的十余幅作品~解构人物神态的艾米丽系列肖像、重构自然光影的海港街景画作，共同构成了野兽派风格成型的核心脉络。

而并置展出的三幅艾米丽肖像，更是这场转型的“可视化缩影”：从写实柔和到撞色野性的风格跨越，再到后续肖像作品将野兽派突破推向极致，清晰展现出他挣脱传统的创作野心。

南法科利乌尔的海岸，让马蒂斯把点彩技法玩出了野兽派的野性。这幅《持伞的女人》用密密麻麻的彩色小方块铺满画布，紫、绿、黄的高饱和色点交织碰撞，伞面的斑斓色块与海面的色彩肌理相融，连画布的纹理都清晰可见。没有精细的轮廓勾勒，仅靠色点的疏密就塑造出人物与场景的层次，这份“点彩+野兽派”的融合实验，让它成了1905年极具辨识度的人物创作之一。

《戴绿色条纹的马蒂斯夫人像》，也被简称为《绿线》，是马蒂斯1905年最具争议的激进实验，甚至比沙龙上的《戴帽子的女人》更让艺术界哗然。他以妻子艾米丽为模特，彻底抛弃写实肖像的所有规则：不仅用粉玫红、墨绿、橘橙的大块平涂颠覆了人物肤色的自然逻辑，更在人物面部画下一道醒目的绿色竖线~这道线既非光影的写实体现，也非面部的生理结构，而是马蒂斯纯粹用色彩与线条分割画面、表达情绪的尝试。传统艺评家痛批这道绿线是“对肖像艺术的亵渎”，甚至嘲讽他“连人脸的基本结构都画不懂”，但这恰恰是马蒂斯的初衷：色彩与线条本就该脱离现实的束缚，成为表达情感的独立语言。这幅从未登上沙龙的私下创作，也成了野兽派“色彩至上”理念最极致的宣言。

与前两幅以妻子艾米丽为模特的创作不同，这幅《戴白色头巾的女人》原型是科利乌尔当地的女性，也是马蒂斯将野兽派风格应用在普通人物形象上的尝试。如果说《绿线》是色彩颠覆的极致，这幅作品则是他“色块+线条”的极简实验：用粗犷的黑色线条勾勒人物轮廓，面部仅用橘红、翠绿、朱红的几块大色块拼接，甚至连五官都做了极致简化，白色头巾的留白与背景的暖黄形成对比，让情绪透过色彩与线条直接迸发。这幅作品也标志着他的人物创作，开始从“色彩堆砌”走向“形色极简”的新探索。

这组作品，是马蒂斯在科利尤尔完成的核心风景画，也是野兽派诞生之初的代表性作品。三件作品均以布面油画为载体，以浓烈奔放的非写实色彩为核心，打破传统透视与写实桎梏，共同传递出南法海滨小镇的明媚风情与自由艺术情绪，与1905年巴黎秋季沙龙的先锋作品风格一脉相承，奠定了野兽派的艺术基调。此为《科利尤尔的海景》，画面聚焦科利尤尔海湾景致，以鲜明的蓝橙色彩对比捕捉阳光浸润下的海面与沿岸红顶建筑，用简洁的平面化线条勾勒轮廓，将海滨的炽热光影与灵动气息展现得淋漓尽致。

《科利尤尔的屋顶》，以大面积色块堆叠呈现小镇错落有致的红瓦屋顶，摒弃细节写实，凭借色彩本身的张力，传递出南法小镇独特的街巷韵味与光影质感。

《科利尤尔，太阳街》，将视角投向小镇街巷，以明快浓烈的色块铺陈街道、房屋与光影，笔触洒脱不羁，让观者直观感受到南法小镇被阳光包裹的温暖氛围。这些作品均以打破传统透视规则、放大色彩独立表现力为核心，把南法的炽热光影揉进浓烈色块里，尽显马蒂斯跳出写实框架、用色彩重塑艺术情绪的魄力。

《生活的欢乐》是马蒂斯野兽派风格的巅峰之作，这幅布面油画以古希腊阿卡迪亚乐土为母题，将1905年夏季科利尤尔渔村的体验，化作挣脱现实桎梏的色彩乌托邦。画面里裸体男女以希腊瓶画般的稚拙造型散落林间，如阿拉伯书法般灵活的线条赋予画面流动韵律，马蒂斯舍弃明暗与繁琐刻画，用高纯度平涂色块碰撞出强烈视觉节奏，完美诠释了“绘画是平面上有韵律地安排线条和色彩”的主张。这份激进表达曾被嘲讽“终结法国绘画”，却藏着他对“平衡、纯洁、静穆”的追求；其简化的人体造型与色彩排布，更成为《舞蹈》、《音乐》的造型种子库，为现代艺术开辟了色彩自由表达的新路径。

1908年，马蒂斯为舒金的莫斯科豪宅餐厅创作《红色的和谐》，整幅画面被大面积饱和的正红铺满，红墙的浓烈与红桌布的明艳交融，像滚烫的红绸裹住整个餐厅空间。餐桌、鲜果、绿植与静坐的人物，都化作明快的平涂色块，朱红的桌面、翠绿的枝叶、鹅黄的鲜果撞在一起，把午后用餐的闲情揉进色彩的碰撞里。他没有复刻房间的模样，而是借着这满幅的艳红，把家人围坐的安稳暖意、餐具轻碰的松弛、阳光漫过餐盘的慵懒，都揉进色彩的层次中，也为后续融入线条韵律埋下伏笔。

1910年，马蒂斯再为舒金打造《舞蹈》，画面仅用红、蓝、绿三色构建：殷红的人体似跳动的火焰，在青蓝的背景与翠绿的地面上舒展，他褪去了繁复的色彩堆砌，转而用流畅奔放的弧线勾勒五位裸身舞者。舞者们牵手旋转、舒展跳跃，没有多余细节与复杂背景，弧线的韵律让这些红色的躯体仿佛挣脱了世俗束缚，原始又纯粹的生命律动，顺着线条的走向、伴着色彩的浓淡层次扑面而来。

与《舞蹈》一同为舒金宅邸楼梯间创作的《音乐》，同样以红、蓝、绿三色铺展画面。马蒂斯曾说：“我渴望一种强烈的色彩，能像音乐一样撼动灵魂。”这幅画里，围坐的人物或弹奏乐器、或静静聆听，红色的衣袍似欢快的旋律跳脱，蓝色的背景如低沉的贝斯铺底，绿色的点缀像灵动的音符点缀其间，人物松弛的姿态里，音乐的旋律仿佛顺着轻盈的线条层层蔓延开来。艳丽的色彩与灵动的线条相融，让画面既有色彩的视觉冲击力，又因色彩的明暗、色块的交错揉出了音乐般的韵律感，也让马蒂斯在简化与线条美学的探索中，艺术风格愈发清晰。

　　《红色的和谐》、《舞蹈》、《音乐》这三幅为舒金定制的核心作品，后均归入俄罗斯圣彼得堡艾尔米塔什博物馆（冬宫）馆藏，共同展现马蒂斯解放色彩与简化形式的艺术主张，是野兽派艺术最集中的经典呈现，如今同属冬宫十九至二十世纪法国绘画大厅的重要展品。文中三幅画作引自网络，若有机会重游冬宫，我定要驻足细细欣赏这三幅作品的真迹，感受马蒂斯从色彩革命到线条探索的艺术轨迹。

1915-1916年的《意大利女人》，最具辨识度的是模特Laurette微微歪斜的嘴角，这是马蒂斯转型期的刻意选择。彼时他正从浓烈的色彩实验转向人物气质的深度捕捉，抛开传统“完美轮廓”的执念，用沉稳笔触定格模特松弛的线条、舒展的姿态，尤其是那抹歪向一侧的嘴角。这抹“不完美”既是对模特神态的精准抓取，不规则线条更还原了人物的生动；也暗合一战的时代情绪，让作品从视觉装饰转向内在情感传递，这张“歪斜”的面孔，成了那个时代最有温度的注脚。

1917年12月，马蒂斯因支气管炎赴尼斯疗养，本是临时驻留，却被地中海澄澈的光线与慵懒的生活肌理打动，自此定居直至1954年辞世。早年野兽派的色彩狂热并未消散，只是在尼斯的海风里褪去了张扬的锋芒，化作更柔和的色块表达；战争的压抑也被地中海的暖色调抚平，这座城市让他的色彩不再靠碰撞制造冲击，而是用大块柔和的色彩面、精致的图案搭配来营造美感，用色彩渐变捕捉地中海的温柔光影，开启了独属于他的“温柔野兽”阶段，以下作品，便是他色彩风格蜕变的具象见证。

马蒂斯的尼斯系列里，这几幅是风格转型的核心缩影。《尼斯的花节》（1923年）是节庆题材的转型典范，他不再按传统方式画节庆的故事，而是用大块平涂的色彩，堆出大海的蓝、天空的幕布、玫粉色的花束和鹅黄色的人群，色彩之间没有锋利的线条分割，把狂欢的热闹变成了南法阳光里色彩的相互映衬，既保留了颜色的明亮张力，又从野兽派那种强烈的色彩冲击，变成了色彩搭配的柔和和谐，成了现代艺术史的标志性例子。

《梳妆台前的女人》（1920年），是马蒂斯对尼斯酒店房间日常的精准捕捉，桌上的香水瓶、半开的书页，都是没刻意布置的真实物件。比起早年野兽派夸张的笔触，他在这里用了更细腻的线条和柔和的色调，人物的发丝与桌面的光影自然融在一起，淡紫色的墙面晕染出傍晚的温柔氛围。画面没有了之前视觉冲击的锋芒，反而追求一种内在的、安静的美感。

《红地毯上的女人》（1918年）则是“酒店房间系列”营造氛围的经典：他把居所红地毯那种鲜艳的红，变成了温润的绒布质感，让它和空间的柔和质感相契合，再用虚实结合的构图，把舒展的模特、脚边的花束和窗外的棕榈树连在一起，室内的闲适和地中海的光线融在一起，用日常的物件把单纯画色彩变成了营造画面氛围，也是他“艺术就是让人感觉舒服”理念的具体体现，常被当作尼斯时期风格的例子展出。

粉砖蓝裙的窗边小景，粉与蓝的撞色清新明快，铁艺椅与花束的细节，衬出尼斯日常的闲适，和《红地毯上的女人》的室内外联动构图遥相呼应。聚焦窗景的极简构图，红地毯与淡彩窗外景色的对比很雅致，线条柔化的处理和《在梳妆台上阅读的女人》的氛围感一脉相承，画面简洁又有马蒂斯尼斯时期的柔润调性。

1935-1936年，马蒂斯在尼斯工作室创作《塔希提之窗》，这幅作品既是对异域记忆的温柔回望，也是他成熟艺术风格的延续。1930年，马蒂斯曾前往塔希提，那段热带岛屿的记忆，在多年后被他揉进了尼斯的暖调里落笔成画。画面中的栏杆、绿岛、白帆，都化作简约的装饰性符号，将热带记忆与尼斯暖调相融，没有急促的表达，只有沉静的回望，既延续了尼斯系列的温润质感，也为他这一阶段的艺术探索添上了一抹诗意的余韵。

画面中这幅马蒂斯37岁的自画像，最具冲击力的是他将脸颊涂成浓绿~人脸本无绿色，这份违背现实的色彩选择，正是他野兽派时期最张扬的野性反叛：挣脱“艺术必须写实”的桎梏，让色彩不再复刻自然，而是成为表达的工具。而绿调里揉着的蓝紫背景，又藏着他在艺术革新路上的沉郁思考，就像他为夫人创作的绿脸肖像一般，用非写实的色彩，定格创作探索期的复杂心绪。

马蒂斯的野兽派创作，始终围绕“色彩解放情绪”展开。他和塞尚一样，都在打破“艺术必须写实”的枷锁~塞尚靠几何解构物体，马蒂斯靠色彩直抒胸臆，两人从不同方向推开了现代艺术的门。后来的波洛克、安迪·沃霍尔，都深受他“色彩自由”的影响，这份以情绪为核心的创作理念，也成为现代抽象艺术与波普艺术的重要精神源头。他用一生证明：艺术不用“画得像”，只要能让人感受到情绪，就是好艺术。在他之前，色彩是自然的附属；在他之后，色彩成了艺术的主角。正如他所说：“我只想画出让疲惫的人看了能放松的画。”

速写素描

在马蒂斯的艺术世界里，速写与素描是和色彩创作并行的另一条探索脉络，却走出了截然不同的轨迹：1905年科利乌尔时期，他的风景速写与人物素描还带着对细节的执着描摹，线条繁复、构图饱满，试图用笔触捕捉场景与人物的所有肌理；而到了1950年代，这些线条被不断删减、凝练，最终只剩寥寥数笔，却能精准传递对象的神态与神韵。这份从复杂到极简的蜕变，是马蒂斯用数十年时间探索“以最少笔墨表最多意”的艺术追求，也是无数艺术家终其一生想要抵达的创作境界。

这五幅创作于1905年的速写，是马蒂斯科利乌尔时期野兽派早期探索的重要组成，与同期的油画系列一脉相承~他不再拘泥于写实的细节描摹，而是用线条和淡彩捕捉南法小镇的风貌与人物的神韵，成为他探索线条表现力的关键实践。

其中前两幅为风景速写，延续了《科利乌尔的海景》、《科利乌尔的屋顶》的小镇主题，以简洁的线条搭配浓烈的淡彩，勾勒出街巷的轮廓、屋顶的层次与光影的变化，笔触洒脱随性，弱化了写实的细节刻画，和同期油画的色彩表达思路保持一致。

后三幅人物速写则各有特色，尤其是《马蒂斯夫人着和服》，以墨水速写为主要手法，线条灵动奔放，不刻意追求人物的写实细节，重点用流畅的线条抓住夫人的姿态与和服的宽松质感；其余两幅人体与肖像速写，也以极具张力的线条勾勒形体、传递情绪，皆是马蒂斯早期用线条表现人物神韵的经典尝试。

1910-1920年代，马蒂斯创作了这幅室内人物素描，此时的他摆脱了1905年科利乌尔速写的繁复笔触，仅用轻盈而有力量的线条，勾勒出窗边人物与简约陈设，精准传递出空间的松弛感与人物的静谧感。这幅作品恰是他创作的过渡节点~上承野兽派的艺术探索，下启1950年代极简素描的风格，马蒂斯用凝练的线条，一步步朝着“以少胜多”的表达方向靠近。

在素描创作上，洗练的线条与概括的造型是马蒂斯的显著特点，而这份简洁，是从缜密、繁复的艺术思考中提炼而来~使用的素材越少，越考验表达的精准性。这幅1950年代的作品，正是他将这份极简推至顶峰的早期探索，是晚年线性艺术的细腻缩影。

洗练线条与概括造型，是马蒂斯素描的核心特质。这幅1950年的作品把这份极简推到了顶峰，仅用粗重的黑色线条完成造型，没有多余素材的堆砌，却以极致的表达精准性，成为他晚年线性艺术的核心代表。

马蒂斯的素描简洁，源于繁复艺术思考的提炼。这张《Derrière le Miroir》杂志封面素描，以最少的线条素材精准勾勒人像神态，将洗练的线性表达与出版设计结合，让素描的极简风格从纸面延伸到印刷品，成为他晚年线性艺术跨界的巧思实践。

马蒂斯素描的简洁，是从缜密思考中提炼的极致风格。这张展览海报素描，以大尺寸毛笔墨水的粗犷线条替代纤细笔触，依旧遵循“素材越少，表达越精准”的创作逻辑，将这份极简线性艺术，以展览宣传的形式完成了经典呈现。

马蒂斯的跨界创作

当画布与纸张无法满足马蒂斯的艺术创意，他便将色彩与线条的探索延伸到多元载体中，开创了独具特色的跨界创作。瓷板画、壁画小样，还有兼具极简美感的雕塑作品，皆是他跨界探索的经典之作。

1907年创作的瓷板画《舞者（为奥斯特豪斯三联画所作的草稿）》，是马蒂斯把野兽派艺术理念拓展到陶瓷媒介的跨界尝试。因陶瓷釉彩的工艺特性，他无法像在油布上那样进行大色块的平涂创作，便舍弃了科利乌尔时期的高饱和色块碰撞，转而以凝练的金色线条勾勒舞者舒展的动态，葡萄藤蔓纹样绕着画面形成雅致的装饰边框，陶瓷温润的釉色和利落的线条相互映衬，使舞者的姿态有了雕塑般的质感。

1930-1931年，马蒂斯为美国收藏家巴恩斯创作高3.6米、宽6米的巨型油画壁画《舞蹈》时，设计的小样既是放大施工图纸，更以拼贴手法展现独特创作巧思。他将不同色彩的彩纸裁剪成对应人体、背景的色块，再按构图逻辑拼贴组合，直观模拟壁画的色彩分布与层次；同时以简洁线条勾勒人体姿态，暗藏比例缩放标识，让制作团队能精准照着放大还原。

这种拼贴手法褪去成品繁复修饰，直白聚焦色彩搭配与形态布局，既保留野兽派的色彩张力，又让大尺幅创作的核心设计逻辑清晰可控，成为衔接灵感与最终这幅巨型壁画的关键桥梁。如今这幅壁画被永久收藏于美国巴恩斯基金会，供观众感受其震撼的视觉张力。

对于马蒂斯而言，艺术从不是单一的表达，绘画是他捕捉光影与色彩的窗口，而雕塑则是他拆解形态、沉淀情感的隐秘战场。他将雕塑视作“整理绘画感觉的实验室”，以黏土触摸创作的温度，用青铜凝固线条的张力，在捏塑与铸造中简化线条、提炼情绪，让坚硬的材质承载起柔软的人文表达。除了震撼艺坛的绘画，马蒂斯的雕塑创作，同样是野兽派艺术不可或缺的重要注脚。

马蒂斯厌倦传统孤立人体雕塑，于1907-1908年构思《两个裸体》，直至1948年才完成青铜铸版，跨越四十余年的艺术沉淀极具分量。作品以男女相拥的姿态打破雕塑单一性，保留黏土原始捏塑的粗糙肌理，既延续古典人体雕塑的情感内核，又注入野兽派的自由与大胆，将人与人之间最本真的情感联结，定格为可触摸、可感知的永恒，是他探索人体互动与情感表达的核心代表作。

1909年的《蛇形女》是马蒂斯风格过渡的标志性作品。他摒弃传统人体比例，将女性身体塑造成流畅S形曲线，融合非洲雕塑与浮世绘元素，以青铜材质承载柔软姿态，彰显生命活力与艺术自由。

1900年，卢浮宫《奴隶》石膏模型给予马蒂斯灵感，他历经50余次模特写生，于1903年以青铜铸造成型。这件作品是马蒂斯唯一的男性裸体雕塑，以截断的双臂、紧绷的躯干传递束缚与反抗的深层隐喻，刻意保留的黏土肌理让坚硬金属兼具人文温度，标志着他从古典写实向现代艺术探索的关键转折，奠定了其雕塑创作的基调。

作为马蒂斯《珍妮特胸像系列》的作品，这两件雕塑呈现了马蒂斯风格的递进：上图《珍妮特II》，1910构思、1958铸铜，他弱化五官细节，以块面肌理捕捉人物慵懒静谧的神态，保留黏土原始痕迹，践行“用最少元素传递最多情感”的理念。下图《珍妮特V》，1913创作：彻底摆脱写实束缚，将轮廓简化为模糊的情绪载体，以柔和块面传递人物的静谧气质，是野兽派“自由、纯粹”内核的具象表达。

《背影IV》（1930构思，1955-1956铸铜）从1909到1930年，马蒂斯耗21年磨《背影系列》的终章：他把人体揉成垂直的块面，肌肉起伏是青铜上的褶皱，背景肌理像被时光揉过的纸，1930年石膏原作完成时，他说“这是把身体变成了建筑”~无五官、无细节，只剩姿态里的沉静，而这件作品是马蒂斯唯一在世时未完成铸造的雕塑：1954年他离世后，这件石膏原作才在1955-1956年被铸为青铜版，工匠刻意保留了石膏的原始粗糙。那些未打磨的痕迹，既是1930年的创作温度，也是留给后世的“未竟回响”。

以剪为画的剪纸与拼贴艺术

1940年代后，疾病让马蒂斯失去执笔作画的能力，他便以剪刀为“笔”、彩色卡纸为素材，将自己的剪裁塑形与拼贴式表现手法推向极致。这种创作剥离了绘画的繁复笔触，仅靠纯粹色块与线条塑造形态，既是对野兽派色彩狂想的延续，也是他艺术语言的凝练；而剪纸这一行为本身，更是他对抗病痛的疗愈式创作，成为支撑他晚年精神世界的重要依托。

马蒂斯82岁创作的《蓝色裸女》系列，是其剪裁塑形手法的经典典范。他仅用纯粹的蓝色卡纸，凭着对人体形态的毕生理解，剪出姿态各异的女性轮廓：前两幅以婉转的轮廓勾勒舞者的韵律感，后一幅则用极简色块切割塑造出雕塑般的立体质感。整套作品抛开画笔修饰，只靠利落线条与纯粹色块传递人体美感，尽显剪得简练却藏满韵味的艺术功力。

他的花瓣主题剪纸，和裸女系列同为剪裁塑形的精彩演绎：有的以黑、红、蓝等纯色卡纸剪出规整三叶花瓣，纯粹色块搭配简洁轮廓，直现色彩与具象花瓣的碰撞；有的则将橙、黑、红等色块剪成抽象花叶与几何形，凭色彩层次和形状变化传递花卉的灵动自由。这些花瓣剪纸看似小巧，既可以作为独立的视觉作品欣赏，也能成为后续拼贴画创作的重要素材。

当这些独立的剪纸素材被马蒂斯赋予拼贴的巧思，便诞生了更具叙事性的剪纸拼贴画经典。《爵士乐》系列中的《国王的悲伤》，是马蒂斯剪纸拼贴画的巅峰之作。他直言“爵士乐是节奏与意义”，于是用如同乐曲节拍的黑色卡纸剪出硬朗的轮廓线条，以象征华贵的明黄与拱托沉郁的宝蓝为核心色块，将黑色轮廓与彩色块分层粘贴在画布上，如诗歌的韵脚串联起童话般的叙事。没有复杂的细节刻画，却在极简的“线条+色彩”组合里，让剪纸拼贴画成为能“听”到节奏、“读”到故事的视觉诗篇。

同为《爵士乐》系列的伊卡洛斯主题剪纸，是马蒂斯1947年的经典创作尝试：因身体原因执笔不便的他，用黑色剪影勾勒出希腊神话中伊卡洛斯的舞动姿态，黄色星芒在蓝色背景上跳跃，延续了野兽派的色彩对比精髓。画面左侧的亲笔文字记录着创作思绪，让剪纸与文字形成视觉与思想的有趣互动，是系列中极具辨识度的作品。

马蒂斯的剪纸拼贴画，是线条、色彩与诗意的共生体。蓝色花纹拼贴画（上图）中，黑色曲线线条如漩涡般流转，黄色碎纸色块点缀出明亮感点，线条的缠绕与色彩的呼应，藏着抽象的韵律美，像一首即兴的蓝调。彩色窗饰拼贴画（下图），用利落的直线与柔和的曲线裁剪出拱形窗与植物纹样，蓝绿色块喻自然，黄粉显温暖，将其错落排布，仿佛把南法的阳光与星空裁进窗里，诗意与装饰感兼备。

热带花卉剪纸拼贴画（上图），以流畅线条裁剪出叶片与花瓣形状，浓绿、艳红、亮黄的色块碰撞拼接，如同一首热烈的民谣，唱出植物的蓬勃生机。马戏主题拼贴画（下图），用大胆线条剪出“CIRQUE”字母与跳跃人物，橙、蓝、红的色块拼贴出欢腾氛围，让这幅剪纸拼贴画成为定格童趣的彩色画作。这些作品完美践行了马蒂斯“我在绘制一首色彩与线条的乐曲”的宣言，每一道线条剪痕都是音符，每一块色块卡纸都是诗行，让剪纸拼贴画成为他艺术生涯中极具突破性的创作形式。

马蒂斯这幅《舞蹈》（马戏团）剪纸拼贴画，是少儿美术启蒙的经典范本。以剪刀为创作工具，裁出灵动线条与简约形状，再用明艳色块自由拼贴，无需复杂的绘画技巧，便能让少儿在动手实践中释放想象力。鲜明的色彩对比与自由的形态表达，既保留了艺术创作的核心趣味，又能自然培养孩子的色彩感知与造型能力，成为诸多少儿美术课堂的优选蓝本，让孩子们在直观的创作体验中，触摸艺术最纯粹的质感与诗意。

从野兽派的色彩冲击到晚年剪纸拼贴的诗意简约，马蒂斯以色彩为魂、剪纸为韵，诠释着纯粹之美。画布上的浓艳重构视觉温度，纸片剪刻的色块交织成诗，化作“平衡宁静的艺术扶手椅”。这份以色彩破界、用拼贴织韵的创作，让艺术在时光里始终散发着治愈人心的温暖与诗意。

拍摄:又见炊烟

撰文:又见炊烟

拍摄日期:2024年7月10日