当三个世纪的灵魂仰望同一颗星 ——“颂扬”合唱管弦乐音乐会观后感

邱克

12月8日晚，上海东方艺术中心迎来了名为《颂扬》的音乐会，这场中国首演的音乐会充满了野心与温情。与一般的拼盘式“金曲串烧”不同，这场演出将目光投向了路加福音中的经典《Magnificat》（尊主颂）。这首圣歌源自圣母玛利亚得知将诞下基督时所作的赞美诗，是圣经中最广为人知且最受喜爱的诗篇之一。音乐会通过五位作曲家的不同演绎，展示了同一种人类最朴素的仰望——对上帝、对生命、对母性的无条件赞美。

还原与重构：不同的声音在时间的长河中交织

上半场以“还原”为基调，呈现出维瓦尔第的宗教激情与巴赫的理性建筑。上海巴洛克独唱古乐团的演绎使维瓦尔第的《Magnificat》充满了18世纪威尼斯的温暖音色，仿佛带领观众回到了皮耶塔女子孤儿院，聆听那段充满母性悲悯和上帝威严的歌声。西班牙指挥家英豪（Jordi Balue Paradis）对“古乐风格”的把控也让人印象深刻，他用充满戏剧张力的演绎，成功复现了维瓦尔第音乐中既狂热又虔诚的情感。

而紧随其后的J.S.巴赫D大调《Magnificat》则是一场技术的巅峰。五个合唱声部和管弦乐团如同精密的齿轮相互咬合，金碧辉煌的音响效果让人仿佛触摸到云霄的尽头，表现出巴赫理性而宏大的音乐结构。

去魅与重构：从巴赫到门德尔松的跨越

下半场的曲目则是一次精妙的“去魅”与“重构”过程。J.C.巴赫的C大调《Magnificat》带来了一道清爽的听觉甜点。这位“伦敦巴赫”脱离了父亲的阴影，用近乎莫扎特式的明朗与优雅为音乐会架起了一座通向浪漫主义的桥梁。接下来，年仅13岁的门德尔松创作的《Magnificat》选段更是让我们见识到天才少年的早慧。这段从极弱到极强的音响效果，不仅展现了宗教的崇高，更带有一种人文主义的觉醒。

然而，整个音乐会的情绪沸点无疑是约翰·鲁特的《Magnificat》。这部创作于1990年的作品通过拉丁美洲的切分节奏和英国圣公会的合唱传统，将圣母玛利亚比作玫瑰的象征巧妙地融入其中，带来了一场“充满拉丁风情的盛宴”。鲁特赋予了这部作品更加普世的喜悦，使得整场音乐会的气氛变得更加活泼与温暖。特别是在第二乐章“Of a Rose, a lovely Rose”中，手鼓的节奏与祷文的交织，让整个音乐会充满了节日的气息。

合唱与演唱者：每个音符都是生命的礼赞

全场音乐会的情感爆发并非单纯依赖乐曲本身，上海国际联盟合唱团两百多位歌者的演绎赋予了作品强大的能量支撑。他们不仅仅是在歌唱，更是在舞蹈、在欢庆。每一个音符都象是对生命的庆祝，对母性的礼赞。在这种欢愉中，合唱团和独唱者们的声音彼此交织，创造了一个无与伦比的听觉体验。

牛启梦的女高音清澈通透，犹如圣光从教堂的穹顶照射下来；王立夫的男中音则展现了巴赫作品中的宗教重量与庄严。女中音侯震一打破了声部的物理界限，在稳守低音区的同时，在高音区展现了惊人的韧性与华彩，给巴洛克音乐注入了新的感性力量。男高音张帆涛与次女高音鲁云斐的表现同样不容忽视，他们的演绎让每个乐章都充满了情感的张力。

经典之所以成为经典，是因为它不断被点燃

《颂扬》音乐会的魅力，在于它不仅仅是一次“主题音乐会”，更象是一场跨越三个世纪的朝圣。维瓦尔第的激情、巴赫的理性、J.C.巴赫的优雅、门德尔松的浪漫与鲁特的普世欢庆，五种不同风格的《Magnificat》共同指向了同一个方向——对生命、对母性、对光明的无条件赞美。

这场音乐会让我们确信，无论时代如何变迁，人类仰望星空、歌唱希望的姿态始终未变。而《颂扬》这场音乐会，正是这种跨越三百年的歌唱的最佳写照。