【馆藏花卉主题艺术杰作展☆德基艺术博物馆】

信天游

南京德基广场艺术博物馆花卉收藏展即“动静无尽：馆藏花卉主题艺术杰作”展。展览简介：该展是德基艺术博物馆的核心常设大展，于2025年10月24日焕新启幕。展览通过“异花授粉”“先锋园艺”“花卉之外”“突围绽放”四个章节，呈现了109位中外艺术巨匠的140件花卉主题传世真迹，囊括印象主义、立体主义、波普艺术等50余个重要流派。展出作品：有莫奈、雷诺阿、毕加索、马蒂斯等现代艺术巨擘的作品，也有沃霍尔、草间弥生、霍克尼等当代艺术大师的杰作，还有常玉、潘玉良、吴冠中等中国艺术家的花卉主题作品。 杰夫．昆斯 美国，1955 粉红芭蕾舞女郎，2009-2021年大理石，鲜切花 作为当代艺术界最杰出最具影响力的艺术家，杰夫·昆斯从2010年起，开启了他的"古代"系列创作，借古典神话中的人物形象致敬人类历史上的智慧与人性之光，同时传达着对未来的乐观期待。《粉红芭蕾舞女郎》作为这一系列中的代表作品，其灵感来源于一座不足5英寸的德国瓷器装饰。昆斯以美神与爱神为舞女的原型，向意大利文艺复兴时期的古典雕塑作品致敬，用最先进的雕塑技术雕琢古典的粉色大理石，再现了织物的柔软质感与形变张力，成为昆斯迄今为止最精致的雕塑之一。 乔玛·帕兰萨西班牙，1955花之静默，2022黑色花岗岩 弗朗索瓦·吉洛法国，1921-2023 玫瑰花丛，2013布面油画 弗朗索瓦·吉洛是一位广受赞誉的女性艺术家，21岁便在法国艺术界崭露头角，并曾是毕加索的重要缪斯。她的风格游走于抽象与具象之间，既有立体主义的结构特征，又有流畅鲜丽的色彩，难以被归入单一的流派。《玫瑰花丛》创作于吉洛92岁高龄，凝聚了她毕生艺术探索的精髓。她并未拘泥于玫瑰的自然形态，而是以饱满的色块将其解构为几何形态，并以钟爱的红色统摄画面，展现出她旺盛而持久的创造力，也使花的意象在不断演进的形式语言中持续再生。 朱德群 中国，1920-2014花之系列之二，1957布面油画 中国第二代留法艺术家朱德群，是法兰西艺术院首位华裔终身院士，闻名世界的"留法三剑客"之一。1955年朱德群初到巴黎，受法国抒情抽象主义影响，毅然摒弃古典写实风格，转向对抽象艺术的探索。他融会西方绘画与中国传统艺术精髓，创作出风格独特、自由而抒情的抽象绘画。《花之系列之二》，即为这一时期朱德群抽象艺术探索的重要代表，画中狂般的笔势、变幻的色彩，将花卉的蓬勃生命力转为抽象张力，具象溶解在跃动的光色组合中，呈现出音乐的韵律感。 杰夫·昆斯 美国，1955墙面浮雕与鸟，1991木雕彩绘 杰夫·昆斯是当代艺术界最有影响力的艺术家之一。《墙面浮雕与鸟》属于其著名的"天堂制造"系列作品，汲取了巴洛克、洛可可和浪漫主义时期丰富的艺术传统，由德国和意大利工匠以传统的多色木雕技艺精制而成。色彩鲜．艳的花朵从葱郁的绿叶中蓬勃而出，一只蜂鸟飞舞在花朵间采食花蜜，同时也帮助其完成了授粉。艺术家将自然界描绘成一个理想化的天堂，这是他对爱、生命与永恒的赞美。花卉是贯穿昆斯创作的重要意象和媒介，本件作品之后他使用活体花卉创作了《小狗》等经典作品。 苏伯德·古普塔名字有什么意义呢？2019亚麻布面油画 苏伯德·古普塔是印度最具国际知名度的当代艺术家之一，以运用大量生产的日常物品创作大型雕塑和装置闻名，其作品通常折射出社会与文化景观的变迁。2019年以来，古普塔开始了"名字有什么意义呢？"系列创作。他在这幅作品中描绘了两朵凋零的花朵，花瓣摇摇欲坠、花蕊枯萎蜷曲。简洁的构图和精妙的笔触赋予了枯花奇特的质感和形态，展现着他对生与死、自然与生命盛衰循环的独特理解。 弗朗西斯·毕卡比亚法国，1879-195蝇子草，1930-1931布面油画 毕卡比亚是纽约和巴黎达达主义的重要人物。他的创作生涯涵盖绘画、诗歌、表演、出版与电影等领域，从未忠实于任何单一风格或流派，因而被杜尚誉为"一连串万花筒般的艺术经验"。《蝇子草》是其《透明》系列的代表作品，通过标题中的文字游戏，将蝇子草的属名 Silene 与希腊月神 Selene 、酒神随从 Silenus 及一种蛾类名称等同源词意象叠加，营造出如电影多重曝光般的视觉幻象。其梦幻与怪诞气质不仅呼应着达达主义以混乱、无意义和非理性来回应世界危机的方式，也前瞻性地触及了今天"跨物种"思潮中对于人类与非人关系的想象。 费尔南．莱热法国，1881-1955 多米诺骨牌的构图，1947布面油画 费尔南．莱热作为20世纪立体主义的早期实践者之一，自20世纪20年代起对社会平等和工人群体尤为关注，其作品以表现工人、建筑、汽车等现代工业对象著称。创作于其艺术风格成熟时期的《多米诺骨牌的构图》，以平实的笔触赋予画面主体近乎金属般的质感，画中多彩的植物被塑造成机械化的形态，并与象征数字和机率的多米诺骨牌等游戏用品并置，营造出一幅现代工业时代的娱乐情景。自然的形象幻化为迥异的人工图像，折射出工业化飞速发展对物质景观与精神世界的深刻影响。 奈良美智 日本，1959 灯花女孩，1994布面油画 奈良美智是当代最具影响力的日本艺术家之一，他的作品以天真、怪异又充满疏离感的儿童为标志性形象，并由此展开对人性的深入探讨。《灯花女孩》诞生于奈良美智著名的《拿刀的女孩》形象之后，是其标志性风格与绘画语言形成时期的作品。画中的女孩拿着一根长长的花茎，引导着观众的视线，这朵花变成了一盏灯。她眼睑下垂，显得顺从漠然，花朵的光芒却暗含着乐观的情绪。女孩与花漂浮在空灵的蓝绿色背景中，营造出一种永恒的意境，在观者眼中既亲近又遥远。 村上隆 日本，1962绿意盎然的季节，2021布面丙烯 作为广受欢迎的"超扁平"艺术风格的开创者，村上隆可谓当今日本最杰出的艺术家之一。他探索将强调平面性的方法与日本动漫美学以及御宅族文化相结合的艺术语言，常将笑脸融入花卉母题。《绿意盎然的季节》是围绕该主题的近作，以扁平的形式和艳丽的色彩演绎象征日本皇室、并曾长期专属于贵族与高雅艺术的菊花图案。无数花朵相互嵌套，配以生动的笑脸，在迷幻而愉悦的彩色图案中无限繁衍，消解了高雅艺术与通俗文化之间的边界。 马克．奎恩 英国，1964夜之花园：气泡星云，2010布面油画 马克．奎恩是当代"英国青年艺术家"团体的核心人物，以运用血液、花朵等非传统材料，探索身份、身体、生命、以及人与自然及媒介的关系等主题著称。在《夜之花园：气泡星云》中，奎恩融汇艺术史、天文学与媒介文化等领域，将来自不同地域与季节的花果并置，经摄影、色彩处理与绘画转译，构建出超越自然秩序的梦幻场景。蓝、绿、黄色花朵在黑色背景中灿然绽放，宛若宇宙中绚烂的星云。奎恩借此在尘世生命与深邃宇宙之间建立起视觉与哲学的双重联结，引发对自然、科技、生命与永恒的思考。 安瑟姆·基弗 德国，1945 基弗是德国新表现主义的重要代表，也是当代最具国际影响力的艺术家之一。他常借神话、诗歌与神秘主义的启示，对非常规材料进行炼金术般的融合，将战后德国历史与人类深层经验的反思转化为毁灭与重生之象征。本作的灵感源自里尔克《秋日》诗中的意象﹣﹣盛夏的余晖散尽，没有居所的孤独者饮下最后果实酿成的浓酒，在落叶纷飞的林荫道上徘徊。画中铅、绳索、虫胶等非常规材料与彩、丙烯层积而成的枝条、枯叶与残花掩映着苍白的天空，映射出人类文明辉煌夏日的消逝，也召唤我们走过忧思深重的当下之秋，在迷惘中孕育重生的希望。 陈逸飞 中国，1946-2005静物﹣花卉，1996布面油画 陈逸飞是最早在西方艺术界取得巨大成功的当代中国艺术家之一，在社会主义现实主义艺术和西方艺术的双重教育背景下发展出独特的艺术语言。《静物﹣花卉》是陈逸飞艺术生涯中唯一一幅花卉主题作品，曾先后亮相于上海博物馆、中国美术馆等陈逸飞重要个展中。此作创作于两场个展筹备前夕，并在其执导的两场电影接连公映后不久，将艺术家巅峰期的绘画手法与电影艺术中的特写视角和朦胧光影相结合。厚重、旋转的笔触将斑斓色彩层层叠加，巨大的尺幅打破了人们对花卉的常规感知，营造出超越时空的浪漫精神和蓬勃生命力。 谢景兰 中国，1921-1995花之舞，1970 布面油画 谢景兰是20世纪杰出的女性艺术家，她的艺术创作综合了绘画、音乐、舞蹈等多个艺术门类，创造出了大量前卫而富有实验性的作品。《花之舞》的灵感源自俄国作曲家柴可夫斯基的著名芭蕾舞剧《胡桃夹子》中的《花之圆舞曲》，画中饱含着强烈的乐舞韵律，黑白交织的线条似是花卉卷曲的茎蔓，又如蹁跹起舞的舞者柔美的身躯，释放着蕴藏的力量。图像语言融汇着舞蹈的文法，堪称其20世纪70年代艺术转折的重要表征，高度展现了谢景兰融舞蹈于抽象、将自我与创作相通的美学成就。 晓刚 中国，1958花神（之一）,1986布面丙烯 张晓刚在上世纪90年代创作的《大家庭》系列，以"全家福"式群像探讨历史与记忆，成为中国当代艺术史上的标志性作品。《花神（之一）》呈现了他早年艺术实践的重要转折﹣﹣伴随在""85美术新潮"和"西南艺术群体"中的积极探索，艺术家的风格从压抑荒诞的"魔鬼时期"，转向更具超越性和梦幻感的"彼岸时期"。画中蓝色花神伫立于花叶之间，散发原始而庄严的神秘感，背后浩瀚的花与叶既象征自然的无限生机，又暗示人与万物的内在一体，并在一定程度上呼应了《大家庭》中对生命与血缘主题的思考。 亚历山大·阿尔基边克俄罗斯，1887-1964艺术作品请勿触摸冥想，1938年青铜，绿色铜绿 贾科莫．巴拉意大利，1871-1958 充满活力的自然，百日菊，1951布面油画 贾科莫·巴拉是意大利未来主义的重要代表，早年受新印象主义与意大利分色派启发，开启了对光、运动与速度的持续探索。与多数未来主义者迷恋机器与暴力不同，巴拉以抒情方式捕捉光的律动与能量。《充满活力的自然，百日菊》创作于20世纪40年代，是他逐渐回归传统后的代表作，画中花瓶、书籍与碗置于反光桌面，自然光在镜面与花瓣间流转。红橘色花瓣与绿叶对比鲜明，花蕊以星星点点的紫色，精准呈现光线的瞬息变化，并将未来主义对鲜艳动感的追求融入花卉题材，展现风格融合的独特典范。 吴冠中 中国，1919-2010 泉，1995布面油画 作为"留法三剑客"之一，吴冠中在70高龄重拾人体题材，既为弥补早年此类作品毁佚的缺憾，也由此回望西方造型艺术的根基。《泉》为其中的代表作品，灵感源自他在印尼海滩所见的壮硕女子，使他顿感"那是马约尔与毕加索所求的量感美典型"。丰腴的身躯如山般占满画幅，曲线起伏饱满而富于节奏，与柔和的泉流、点染的花草相映成趣，既具野兽主义色彩与线条的自由张力，又融入水墨的抒情写意，亦通过山水、花草与人体的互喻共生，形成对艺术史上诸多经典的别样回应。 费尔南多·博特罗哥伦比亚，1932-2023 向日葵，1976布面油画 拉丁美洲艺术大师费尔南多·博特罗从20世纪70年代开始以其夸张、圆润风格的主题绘画和雕塑享誉世界，形成了独树一帜的"博特罗风格"。他的花卉主题作品稀少，极具吸引力。这件《向日葵》是博特罗风格的典型代表，凝视它会不由想起梵高的同题材杰作，但梵高的作品是用厚重的涂色、漩涡般的色彩来表现的，而博特罗的作品则强调了红、绿、黄意蕴的丰满，以及圆形、球状的花盘，相比之下花瓣就显得很小了。艺术家通过改变看似简单的物体比例，强化了生活中普通物体的感官性和荒诞感。 大卫·霍克尼英国，1937 蓝色绣球花，1996布面油画 大卫·霍克尼是当代最具影响力的艺术家之一。《蓝色绣球花》作于1996年，彼时因挚友猝逝与母亲病重，他转而以花卉为主题凝视生命的瞬息与绵延。画面中，绣球花簇蓬勃向上，在钴蓝色桌面与金黄色背景的强烈对比中绽放。霍克尼融合荷兰与日本艺术传统：既借鉴维米尔"透明釉料"技法，以呈现高饱和色块与光影的互动；又取法日本工艺美术的平面构成与装饰手法，以弱化景深强化色彩张力。由此形成一种超越客观再现的色彩语言，使花卉成为情感表达与生命哲思的载体。 儿岛善三郎 日本，1893-1962 菊，1942布面油画 儿岛善三郎是日本西洋画代表人物，早年曾赴法国留学，致力于将西方油画技法与日本传统美学精神融为一体。1936年迁居东京国分寺后，其艺术步入成熟期，花卉题材尤为突出，这幅1942年的《菊》即为其中典范。画面以均衡稳定的中轴构图呈现，菊与瓶散发出图案化的韵致。他有意弱化光影对比，转而强化色彩节奏，融汇浮世绘的平面构成与琳派的装饰趣味，使花卉从自然物象升华为心灵映照，延续了日本文化中对自然之美的恒久礼赞。 费尔南多·博特罗哥伦比亚，1932-2023含羞者，约1982青铜 马克·夏加尔白俄罗斯，1887-1985 圣约翰之夜，1980 《圣约翰之夜》灵感源自果戈理《狄康卡村近乡夜话》中圣约翰节前夜发生在乌克兰乡村的奇幻故事。画面中央，巨大的丁香花束在城市上空绽放，与远处地中海沿岸的真实景致﹣﹣古老的山顶村落、中世纪城墙、高耸的丰杜勒塔、蓝色海洋，形成超现实的时空叠映。牧羊人与空中漂浮的圣母、圣子，是其作品中常见的象征符号，传递着跨越地域、种族与文化的普世之爱。夏加尔一生漂泊，对故乡的眷恋贯穿其创作的始终。晚年的他将维捷布斯克的童年记忆、文学启迪与宗教意象熔铸在这件作品中，宛若一次对自身文化根源的深情回望。 马克·夏加尔白俄罗斯，1887-1985 情人与花束，约1935-1937布面油画 作为"巴黎画派"的代表人物，夏加尔以绚丽的色彩与梦幻般的场景构建独特的视觉语言。《情人与花束》完成于1935至1937年间，正值希特勒上台后欧洲反犹情绪蔓延的黑暗时期。画中夏加尔与妻子贝拉相拥着漂浮于一瓶花束周围，人物脱离具体背景，与花束形成悬殊的比例关系，从而构建出一种超越现实的视觉结构。《情人与花束》既延续了夏加尔的"恋人"经典主题，抒发了对贝拉炙热的情感；同时亦是对历史困境的含蓄回应﹣﹣在暗夜笼罩的年代中，持续传递着对爱与生命的坚定礼赞。1944年贝拉去世以后，夏加尔的作品被沉郁的蓝色笼罩，再难看见这般浪漫明媚的风格。 乔治娅·欧姬芙美国，1887-1986红掌，1923布面油画 乔治娅·欧姬芙被誉为"美国现代艺术之母"，早在20世纪初就以花卉主题作品闻名。她借鉴摄影的取景方式，对红掌进行局部放大与裁切，以抽象而凝练的构图呈现植物的自然形态。画面通过细腻的色彩渐变表现佛焰苞的蜡质光泽，同时运用强烈的红绿对比，略去细节，赋予花卉超越物象本身的神秘感与生命力。欧姬芙试图以一朵小花映射自然的浩瀚，其对花卉背后精神性的探索，也为她后期转向新墨西哥州的沙漠、骨骼与荒原意象埋下了伏笔。 塔玛拉·德·蓝碧嘉波兰，1894-1980 绣球花与柠檬，约1922布面油画 塔玛拉·德·蓝碧嘉被誉为"装饰艺术女王"，是该艺术运动在绘画领域的标志性人物。1922年，她亮相巴黎秋季沙龙并崭露锋芒，这幅《绣球花与柠檬》正是这一阶段的作品。画中绣球花、叶片与柠檬以简练的几何块面构成，呈现出如钻石切面般的质感；背景以浓郁的蓝色铺展，柔软的褶皱与华丽的光泽，与前景物象形成精妙对比。这些特征展现出蓝碧嘉对立体主义与装饰美学融合的探索，预示了她日后趋于成熟的艺术语言。 吴冠中中国，1919-2010 丁香，1991布面油画 中国第二代留法艺术家吴冠中，一生致力于油画民族化与水墨现代化的探索。《丁香》作于他艺术生涯的巅峰时期﹣﹣获法国文化部授予法国文艺最高勋位的同年。这一年，因担忧重病的妻子而停下画笔的吴冠中看到了妻子早年绘制的丁香花旧稿，重燃创作的欲望，绘制了这幅他创作生涯中罕见的花卉主题作品。画中以传统水墨画技法与留白，细腻而灵动地描绘了代表着忧愁、初恋与爱情的丁香，笔调错落有致、用色清新跳跃，将夫妻相互扶持45年的深切情感娓娓道来。 苏天赐中国，1922-2006 自有春晖满槐，1962布面油画 中国当代杰出的油画家、美术教育家苏天赐，一生致力于发展出一种具有民族内蕴的现代中国油画。花卉是苏天赐钟爱的主题，《自有春晖满槐》融合中西绘画技法与趣味，以清丽的色彩和舒朗的笔触描绘了生机勃勃的槐花，带绿叶的枝条与槐花布局疏密有度，花瓣明亮厚实，富有质感。极具诗意的艺术意境，饱含乐观的生命意象，堪称为苏天赐艺术生涯中最重要、最经典的作品之一。作品名取自其座右铭"自有春晖满怀","槐"和"怀"的巧妙谐音宣示了艺术家的人生与艺术理想。 陶冷月中国，1895-1985 端阳八景，1921布面油画 陶冷月作为"新中国画"的开创者，尤擅以中国传统没骨画法融汇西画光影与透视，营造独具一格的"冷月清辉"之境。这一探索在《端阳八景》中亦有体现。画面以精谨的写实笔法描绘石榴花、栀子花、菖蒲、艾草、粽子、大蒜、咸蛋和蚊香八样端午风物，光影柔和，质感细腻。作品的横卷式构图取自中国传统文人画，使日常之物承载了深厚的民俗象征意涵。作为迄今所见最早署有"冷月"名号的作品，也昭示了艺术家于同年立志革新的重要转折，具有独特的史料价值。 庞薰菜中国，1906-1985 秋光清絮，1972布面油画 庞薰聚是中国首个现代艺术团体"决澜社"的创始人，也是新中国第一所工艺美术高等学府﹣﹣中央工艺美术学院的创立者。1972年，他从中央工艺美术学院退休，人生轨迹的转变促使他重拾花卉题材，作为情感表达与艺术探索的重要载体。《秋光清絮》弥漫着印象主义的迷人光感，笔触疏放而神韵内敛，既呈现装饰艺术的形式美感，又流露出如乐曲般清新的节奏与意韵。庞薰聚在特殊年代以菊花寄托文心与志趣﹣﹣纵然身处逆境，仍以温柔而坚韧的笔触，将美与艺术精神留存于人间。 丘堤中国，1906-1958布面油画 丘堤作为"决澜社"的重要成员、中国现代艺术的女性先锋，其艺术实践始终致力于将西方现代主义内化为个人艺术语言。1939年抗战时期所作的《蜀葵》延续了这一探索。即便身处动荡岁月，她仍以形式语言的精进，坚守艺术的自由与尊严。作品以细腻的光影层次融合色块的平涂，融汇后印象主义的色彩关系与稚拙艺术的真率表达，又兼具民间装饰艺术的质朴与灵动。蜀葵自古象征坚韧与昂扬，此作亦可视为艺术家以花为喻，在乱世之中守护美与自由精神的写照。丘堤存世画作仅二十余幅，此作尤显珍稀。 张荔英中国，1906-1993 三色堇，1940-1947布面油画 张荔英是"民国奇人"张静江之女，曾在巴黎、纽约和上海接受教育，1954年定居新加坡后成为"新加坡六大先驱画家"之一，也是"南洋画派"中唯一的女性先锋。在战乱频仍的20世纪40年代，张荔英与丈夫陈友仁被日军软禁于上海，她以绘画排遣，将日常生活呈现在艺术创作中，《三色堇》正是这一时期的重要作品。她以柔和色调与婉约笔触描绘，虽不苛求写实，但保留了物象的细节和质感，画面色彩和谐相融，呈现出典雅含蓄、温馨宁静的氛围。背景中古朴的床头板和案几堆叠出错落空间，在小景深中呈现出丰富的层次，在动荡的时局中开辟一方心灵的净土。 朱沅芷中国，1906-1963 镜子，1945布面油画 朱沅芷1906年生于广东开平，15岁移居美国，先后旅居旧金山、巴黎与纽约，是最早以个体身份活跃于欧美现代艺术语境的华人画家之一。其风格融汇野兽主义的鲜明色彩、立体主义的形式结构、超现实主义的心理探索与同步主义( Synchronism ）的形色交响，在画中营造出既冷峻疏离、又梦幻抒情的张力。《镜子》创作于其纽约时期，画中瓶花、果物与糕团，与其镜中影像既相互交融，又界限分明。实物与镜像之间关系的微妙错乱，映射出真实与感知之间的裂隙，也折射出艺术家在多重文化经验中分裂与重组的精神状态。 沙耆中国，1914-2005 争艳，1989布面油画 有"中国梵高"之誉的沙耆，曾于20世纪30年代留学比利时，后因患精神疾病归国，隐居在故乡浙江鄞县。尽管长期受病痛困扰，他始终秉持独立自由的艺术精神，创作热情不曾稍减，并在晚年迎来创作高峰。《争艳》创作于75岁高龄，是他将写实主义、印象主义、野兽主义与表现主义融汇一体的佳作。画面以远处的田园、山峦与云彩构筑天然幕布，近处红、黄、白、紫各色菊花蓬勃绽放、争奇斗艳。花卉与背景山峦在比例上的失调，反而带来一种超现实的气息，在自由率真的笔触纵横间，尽显艺术家内心旺盛的生命激情与对自然的深切热爱。 颜文樑中国，1893-1988 金蕊流苏，1963纸板油画 颜文樑是中国现代美术教育的奠基人，是中国美术界"四大校长"之一。《金蕊流苏》创作于颜文樑在油画民族化方面探索较为深入、艺术造诣臻于成熟之时。画面背景以不同饱和度的绿色构成通透的空间感，前景耀眼的黄色菊花完全舒展绽放，花瓶灵动而透亮。颜文樑花卉题材作品目前可见仅三幅，本件作品即为其一，极为珍罕。雾黑色的纯手工雕花木框为颜文樑先生亲手选配，足见艺术家对这件作品的重视与喜爱。 吴作人中国，1908-1997 芍药，1950木板油画 吴作人是中国现代艺术教育的重要奠基人，早年留学欧洲，深受欧洲写实主义影响。20世纪40年代，他两度赴甘肃、西藏等地写生，敦煌壁画的恢弘气象与雪域风光的纯粹质朴，促使其油画风格发生深刻转变﹣﹣色彩趋于明快，笔意渐趋简练，呈现出融汇中国审美精神的民族气韵。《芍药》以自然松动的笔触勾勒花朵清丽之姿，深红、浅粉与白色芍药在暗棕背景和青蓝瓶身的映衬下，焕发明媚而温润的光彩。造型凝练而气韵生动，既见西方油彩的细腻层次，亦含中国写意的生动意境。 吕斯百中国，1905-1973 瓶花，1940年代布面油画 1934年，中国留法艺术先驱吕斯百学成归国，自1940年起先后于中央大学艺术系等院校任教，为现代中国艺术教育做出了杰出的贡献。《瓶花》是吕斯百创作黄金时期的作品，以现实主义与印象主义前期艺术为基调，吸收民族艺术技法，他以浑厚有力的笔触与明快热烈的色调，呈现了生机勃勃的花束和颇具民间艺术趣味的孔雀羽毛图案花瓶，画面洋溢着朴实诗意的田园气息，展现了他对日常生活的积极态度和对蓬勃生命的珍视。 常书鸿中国，1904-1994阅尽人间春色，1975木板油画 中国第一代留法艺术家常书鸿，是中国油画民族化的先驱，敦煌艺术研究院首任院长，为中国油画发展和敦煌艺术保护做出了杰出贡献。1975年，常书鸿带队前往新疆考察石窟，为表欣喜创作了这幅作品，他以壁画般明亮饱满的色彩、坚实有力的落笔，描绘了朴素陶罐中极富生命力的花束。作品名取自毛泽东主席的《念奴娇·昆仑》:"横空出世，莽昆仑，阅尽人间春色"，常书鸿将其赠与儿子，饱含了对后辈的祝愿与激励。 周碧初中国，1903-1995彩菊，1940年代布面油画 中国第一代留法艺术家周碧初，以对比强烈的色彩和传统山水点画笔法与西方点彩派技法的融合著称，毕生探索中西艺术的融合贯通。在20世纪40年代创作的《彩菊》中，他摒弃了西方传统油画的透视法，将画面分割为三个矩形色彩区域，花瓶置于色彩分界线上，三色的彩菊颜色姿态各异，打破了背景的严谨结构，笔触恣肆又富神韵，使画面既有静态隽永之美，又有鲜花灵动之姿，兼具结构和色彩的丰富性与统一性。 常玉中国，1895-1966 蓝色背景的瓶花，1956布面油画中国第一代留法艺术家常玉以人体和花卉主题作品享誉国际。他一生落拓不羁，追求艺术与精神的自由，在晚年艰难的生活条件下绘制了这幅作品。画中的白丁香与花瓶轮廓干净有力，融合中国书法变化有致的线条和早期现代主义大胆简约的形式，堪称常玉毕生所绘花卉之典范，也如自画像般象征着他在欧洲艺坛独自散发光彩的一生。正如吴冠中所说："常玉自己就是盆景，巴黎花圃里的东方盆景。"作品的背景色﹣-"普鲁士蓝"作为最早的现代合成颜料，亦在某种程度上映照出常玉以有限物质追求无限精神的创作境界。目前所知常玉以"普鲁士蓝"为背景的"瓶花系列"只有六幅，此件作品更显珍贵。 潘玉良中国，1895-1977 青瓶红菊，1944布面油画 中国第一代留洋女性艺术家潘玉良，她坚持将西画与中国传统结合，创造出独特的艺术风格，被时人誉为"中国西洋画家中第一流人物"。菊花为花中四君子之一，具有高雅纯洁的象征意义，为潘玉良最钟爱的题材之一。《青瓶红菊》是潘玉良创作成熟期的作品，时值中国抗战存亡之秋，潘玉良受战火波及滞留海外，她以概括性的笔触和浓郁的色彩描绘了瓶中虽已无根系却仍旧灿烂盛放的菊花，清新隽永尽显高洁姿态，展现了她面对困境凌然无惧的心境与意志，以及对家国和亲人的深厚情思。 方君璧中国，1898-1986 长安花，1963布面油画 方君璧是我国20世纪留洋先驱中首位考入巴黎高等美术学院的女艺术家，也是第一位作品入选"巴黎美术展览会"的中国女性画家，被誉为"东方杰出的女画家"。为探索中西艺术风格交融，方君璧创作了许多花卉作品，包括这件旅居海外时创作的《长安花》。画中笔触质感透着清澈从容，微妙老练地把控色调与氛围，以油画媒介绘出传统"留白"，火红的芍药在素白的瓷瓶和背景下显得耀眼夺目，散落的花瓣则映照出对美好年华意犹未尽的悠长情思。 赵无极中国，1920-2013百合花，1953布面油画 作为"留法三剑客"之一，赵无极1951年受保罗．克利启发，回溯自身文化传统，从中国书法与古典绘画中汲取养分，将具象之物凝练为简约而富有意蕴的抽象符号。在《百合花）中，他摒弃传统透视、光影与体积的再现手法，以黄褐色铺染背景，浅绿与橘色薄涂交织，营造出朦胧而深远的空间意境。古朴的花瓶、挺拔的花茎与轻盈的花瓣，皆以宫于韵律的书法性线条与细腻的墨色层次勾勒而成，呈现向上生长的生命动势。这件作品既是赵无极从具象迈向抽象风格转型的关键节点，亦成为其日后走向纯粹抽象的重要基石。 吴冠中中国，1919-2010 花卉，1992布面油画 吴冠中与赵无极、朱德群并称"留法三剑客"。1992年，吴冠中已跻身国际艺坛，不仅获颁"法国文化艺术最高勋位"，而且成为首位在大英博物馆举办个展的中国在世艺术家。彼时，他对仙象艺术的探索已臻精深之境，形式语言愈发纯粹凝练。《花卉》以缤纷浓重的油画色彩，诠释中国水晶画中"不似之似"的审美追求，以纯粹的色块表达花朵形态，繁茂的枝条张弛有度，背景与花盆都被隐去，使画面脱离物理世界，在抽象之中迸发出生命的蓬勃张力。 吴大羽中国，1903-1988瓶花，约1950布面油画 "中国抽象艺术之父"吴大羽，赴法留学归国后曾参与创办国立艺术院（今中国美术学院），亦是中国现代艺术教育的重要奠基人。1941年他提出"势象"理念，开辟了一条独立于西方抽象传统、根植中国哲学与美学的艺术道路。此幅约1950年创作的《瓶花》为其抽象艺术探索关键期的代表作。画中花与花瓶的形态依然可辨，但它们的具象已经开始消解，融入纯粹的笔触与色彩，以及不断生成变化、神秘无形的动感之中。因其早年作品大多散佚，此作更显珍贵，是其风格从具象向抽象蜕变的关键见证。 享利．马蒂斯法国，1869-1954玫瑰花束·斜待的女人，1920布面油画 野兽主义创始人亨利，马蒂斯1917年移居尼斯，开启其创作生涯中关键的"尼斯时期"。蔚蓝海岸的光影环境伲使其绘画语言发生转变，本作正是这一阶段的典范。马蒂斯摒弃窗户意象与自然光源的描绘，画面中的结构、光感与空间皆源自色彩的混合与隧撞。斜倚的女人与前景的攻瑰花東被赋予同等地位，共同构成视觉核心。色彩并置营造出均匀发光的效果，统一丁色调，削弱立体感与景深，使所有元素在色彩的内在秩序中达成和谐，展现出马蒂斯以色彩定义结构、以光线重构空间的非凡智慧。 巴勃罗·毕加索西班牙，1881-1973 瓶花，1904布面油画 花卉贯穿毕加索艺术生涯的各个阶段，是他形式探索与媒介实验的重要载体。1904年的《瓶花》见证了他从忧郁冷峻的"蓝色时期"向温暖浪漫的"玫瑰时期"的过渡。这一转变很大程度源于他与人生首位重要缪斯﹣﹣费尔南德·奥利维耶的相识相恋。此作正创作于两人相遇一个月后，蓝色依旧是背景与花瓶的主调，占画面近三分之一的赭色桌面却已带来温暖气息，粉、橙、黄、白、紫色花朵纷然浮现，弥漫出生机、诗意与梦幻的质感。 巴勃罗·毕加索西班牙，1881-1973 瓶花，1901布面油画 《瓶花》创作于1901年春，正值毕加索个人风格的形成初期，也是其"蓝色时期"的开端。同年，挚友卡萨吉马斯因情感问题自杀，失去好友的痛苦深刻影响了毕加索，促使他展开对生命的本质、爱与死亡等命题的深层思索。画面中弥漫的蓝灰色调，不仅奠定了该时期的情感基调，也标志着其首个成熟个人风格的确立。在1932年毕加索亲自策划的重要回顾展中，本作与"蓝色时期"的其他标志性作品共同展出，足见艺术家对其早期风格探索阶段的珍视，也印证了此作在其创作历程中的关键地位。 奥迪隆·雷东法国，1840-1916 花瓶中的芍药、丁香、玫瑰与叶子，约1907布面油画 奥迪隆·雷东是19世纪末法国象征主义的领军人物。1900年前，他以充满神秘幻想的"黑色绘画"系列闻名，作品主要为石版画与炭笔画。进入20世纪后，其风格发生显著转变，开始运用明亮而梦幻的色彩绘制油画，尤其专注于花卉题材。雷东将传统宗教圣像画中象征神性的金色光晕运用于瓶花描绘，以此取代现实背景。这一创新不仅突破了静物画的视觉传统，更通过色彩与象征的融合，使花朵超越写实范畴，升华为具有灵性光辉的象征之物，拓展了静物画的精神维度。 苏珊．瓦拉东法国，1865-1938 一束玫瑰、矢车菊与蕨类，1930布面油画 苏珊．瓦拉东是首位进入法国国家美术协会的传奇女画家。她早年当过马戏演员和艺术模特，曾是雷诺阿、劳特累克、莫里索等艺术家的模特，并受到德加的赏识与指导，后成功转型为艺术家。《一束玫瑰、矢车菊与蕨类》是其艺术成熟期的代表作，延续了她对花卉主题的独特探索。尽管未接受学院系统训练，她通过与蒙马特艺术圈的密切交流，发展出极具个性的绘画语言：以深色轮廓线强化形体，色彩浓郁厚重，形态概括简练，构图坚实而富有张力。她的花卉茁壮而坦诚，是其波西米亚式的生活经历与独立艺术视野的融合。她也是著名风景画家莫里斯·尤特里罗的母亲。 克劳德·莫奈法国，1840-1926盆中花（玫瑰与满天星）,1878布面油画 作为印象主义的奠基人与领导者，克劳德·莫奈发展了以捕捉户外光影和色彩变化为核心的画面表现手法，奠定了印象主义绘画的基础。1878年，莫奈搬到维特伊居住，这一年他重返静物题材，仅绘制了四幅静物作品，其中便有本作。作品以莫奈特有的短促笔触特征与丰富的质感，展现了粉色玫瑰的生机与动势，通过法语中"雾"与"满天星"的语义双关，使静物花卉与其户外原生地点相互呼应。作品将印象主义室外风景技法应用于学院派的主题，预示着莫奈在吉维尼花园中创作的一系列不朽名作。 摄影地点:南京德基广场艺术博物馆（手机）文字编辑:来源于作品介绍