南法（12）~夏加尔博物馆：色彩与漂浮织就的梦幻艺术世界

又见炊烟

若要细数20世纪最具浪漫气质的艺术大师，马克·夏加尔绝对是绕不开的名字。这位1887年生于现白俄罗斯维捷布斯克的犹太裔艺术家，一生横跨俄、法、美三国，于1985年在法国尼斯附近离世，用近百年的人生与创作，构筑了一个独一无二的梦幻艺术世界。

毕加索曾评价：“马蒂斯死后，夏加尔是唯一懂色彩的艺术家”。他从不局限于印象派、立体派的艺术框架，始终坚守自己的独特表达~以浓烈而温柔的色彩为基底，将爱情、乡愁与犹太文化印记娓娓道来；笔下的人物、动物总轻盈漂浮于空中，让真实与幻想交融、现实与梦境共生，也因此被称作“用色彩织梦的诗人画家”。他的创作形式多元，涵盖油画、彩绘玻璃、雕塑、舞台设计等，在现代艺术史上留下了不可替代的印记。

踏入尼斯街巷深处，夏加尔国家博物馆的身影与众不同：它没有常规艺术馆的多层楼宇，只以一层浅灰色建筑藏在南法的绿意里，四周紫色花簇漫溢开来，顺着墙根缠至步道边，风裹着淡淡的薰衣草香掠过墙面，连空气里都浸着与他画作同频的温柔诗意。

为他而生的马克·夏加尔博物馆，浸着他的心意：1973年7月7日，博物馆在他86岁生日当天揭幕，这是法国首座在世艺术家的国立博物馆，从建筑设计到藏品陈列，夏加尔都亲自参与，连馆内的17幅《圣经系列》画作，都是他亲手布置的展陈顺序。

这不是一座单纯陈列作品的场馆，而是夏加尔晚年以毕生热爱，为自己的艺术生命筑起的精神家园～它的诞生，本就藏着一段与艺术、与热爱相关的浪漫渊源。1966年，夏加尔倾注心力创作的17幅圣经题材巨幅画作，曾走进卢浮宫的殿堂，让世人看见他笔下信仰与浪漫交织的光影。这批画作尺幅恢弘、笔触深情，却因体量所限，难以在卢浮宫永久停留。为了让这份艺术初心有一处专属的栖居地，也为了安放他对艺术的赤诚，在挚友的提议下，这座坐落于尼斯的夏加尔博物馆应运而生，于1973年正式落成。

作为全球收藏夏加尔作品最集中、最系统的场馆，这里藏着他一生的艺术轨迹：全馆约1000件藏品，涵盖油画、素描、版画、陶瓷、雕塑等多种形式，其中400余件永久馆藏原作，跨越了他从青年到晚年的每一个创作阶段。这每一件作品，都是他在人生最后十余年间，亲手梳理、甄选交付的心血，是他把一生的乡愁、信仰与艺术热爱，都妥帖安放的证明，承载着他半生沉淀、一世赤诚的艺术心境。

以画为经，夏加尔的圣经梦幻

博物馆内的灵魂镇馆之宝，是夏加尔晚年倾心创作的17幅《圣经》系列大型油画。这组作品以《旧约》为核心蓝本，清晰划分为两大创作脉络：12幅创世纪→出埃及作品（1954-1962年），聚焦文明叙事，从《诺亚方舟》的彩虹之约到《摩西领受十诫》的西奈山辉光，把经典故事揉进艺术晕染里。 5幅《雅歌》主题作（1957-1968年），锚定爱情篇章，将柔软情愫织入笔触，让宗教文本晕染出对爱与生命的细腻感知。

作为馆内的镇馆之宝，这17幅圣经作品从不是经文的复刻，而是夏加尔以超现实诗意重构的经典：浓烈的色彩、漂浮的人物、梦幻的场景，把古老叙事转化为苦难与希望、信仰与人性的共通情感载体。每一幅既牢牢锁定圣经文本的核心意象，又注入了他对生命、爱与民族记忆的个人表达，让千年前的经典在艺术里生长出了跨越时代的温度。

圣经叙事：创世纪至出埃及

《人类创造》

此为夏加尔《圣经系列》的开篇，以超现实诗意重构“上帝造亚当”的经典瞬间。它跳出宗教画的庄严叙事，将神迹凝练成轻盈的梦境：浓烈蓝黄碰撞出创造的初始能量，亚当舒展悬浮的身形裹着蓝白柔光，肩头暖黄光斑晕染出晨雾般朦胧质感，夏加尔不刻画肌肉力量，只描绘生命初醒的柔软神圣。周遭灵动的动植物与光晕色块，是生命律动的可视化音符，让人类诞生从遥远教条，化为可感知的温柔梦境。这幅画以轻柔视觉氛围，为系列定下“初始美好”的基调，是用现代笔触重塑经典的绝佳诠释。

《伊甸的宁谧：堕落前奏》

夏加尔以此画作展开人类叙事画卷。他摒弃庄严教条，用柔和的蓝绿色调与圆融线条，将伊甸园塑造成一个超现实的静谧梦境。画中亚当与夏娃安然相拥，与周遭灵动的花兽和谐共生；夏加尔并未着力于神迹的刻画，而是捕捉了人类诞生初期那份纯粹的安宁与爱意。这幅画作因而超越宗教图解，成为一首为后续故事埋下伏笔的视觉诗篇。

《亚当夏娃逐出伊甸园》

夏加尔笔下的《逐出伊甸园》，消解了神话的训诫感，将其诠释为一个充满仙气与诗意的瞬间。他没有渲染失去的痛苦与神性的威严，仅将色调稍暗，让亚当与夏娃的身形依旧保持着柔和的线条，肩头萦绕着淡淡的微光。“失去”在此不再是撕心裂肺的悲戚，而是一份纯真逝去的淡淡怅惘。仙气恰恰藏在这份遗憾之中，画面细腻而治愈，没有半分尖锐的批判。

《诺亚方舟》

洪水席卷大地，诺亚遵神命建造方舟，承载万物生灵躲避灾难。夏加尔将方舟画得圆润柔和，没有冰冷的轮廓与紧张的氛围，各类生灵挤在一起却显得安然有序，周身萦绕着温润的暖光。他以超现实的漂浮感，消解了“避难”的沉重，让灾难中的希望变得具体而柔软。画面沉浸在一片静谧的光晕里，这份绝境中的安稳，是生灵相伴时滋生的温暖与力量。

《彩虹之约》

洪水退去，上帝以彩虹与人类立誓。画面下方，一群人相互依偎，身形柔软，脸上透着安稳的笑意，周身裹着淡淡的暖光，姿态松弛而惬意。上方，一条柔软的彩虹横跨画面，浅粉与浅黄交织，光影朦胧，像一层温柔的纱幔轻轻笼罩在人群上方，与下方的暖光交织相融。背景是澄澈的浅蓝色。夏加尔笔触细腻舒缓，一道柔光、一群生灵，将神圣的承诺，变成贴近平凡生命的温暖与笃定，简单却有力量。

《以撒之献祭》

《以撒之献祭》是夏加尔《圣经系列》的魂：定格亚伯拉罕持刃献祭、天使突降的刹那，以“人写实、灵写意”缠紧神性与人性的绳结。红衣的他攥刀的手青筋隐现～神谕如枷，他垂眸压下眼底对爱子的疼，眉峰绷成隐忍的线：是遵天命的沉，更是剜心的痛；黄衣以撒温顺伏身，眼底无怖，只留对父亲的全然信赖；蓝衣天使携朦胧光破开张力，暖调羔羊柔化了命定的尖锐。这一刹，早跳出故事本身，成了信仰与亲情撕扯间，最沉的叩问。

《亚伯拉罕与三天使》

亚伯拉罕在帐篷前接待三位天使，聆听得子的预告。夏加尔笔下的画作，彻底消解了神性与人间的距离。浅棕色帐篷轮廓柔软，天使的白衣泛着柔光，她们面容温润，如邻里般亲切自然。亚伯拉罕身形温和，手臂微张似在迎接。整个画面暖意弥漫，笔触轻柔，光影缠绵，不像一场神圣的预告，反倒像一次充满烟火气的温柔相遇。

《雅各之梦》

这幅画作以其极致的温柔笔触，重构了《旧约》中充满神性的经典场景。画面中央，通往天国的梯子不再是坚硬的木质结构，而是由浅蓝与浅紫的光影交织成的流动光带，模糊了天地界限。梯上的天使化为轻盈的光斑，上下飘浮，仿佛灵性的呼吸。画面下方，主角雅各安然蜷缩于泛着暖光的圆石上，眉眼舒展，笑意浅淡，全然不见荒野的艰辛，却像沉入一场甜美的酣眠。夏加尔借此将一场人与神的相遇，转化为一场静谧、灵动且充满暖意的梦幻邂逅，让神圣叙事浸润在温柔的诗意之中。

《摩西荆棘》

摩西在旷野遇见焚烧不毁的荆棘，聆听神的嘱托。画面中央，象征神性的荆棘裹着暖黄光晕燃烧，向右侧身着淡蓝长袍、专注聆听的摩西下达带领子民出埃及的指令。夏加尔以梦幻超现实手法，融合犹太神秘主义与立体主义灵感，用柔蓝与暖黄的诗意色彩营造神性氛围，以轻盈笔触和光影流动将无形神性具象化，让宗教叙事化作浪漫奇幻的视觉表达。

《以色列人渡过红海》

渡过红海是出埃及记的核心神迹，是以色列人脱离埃及奴役、实现救赎的关键转折。画面中，摩西身着明黄长袍立于左侧，举杖引航分海，带领以色列子民踏干地前行；中间堆叠的人群以红棕暖调呈现，既显逃亡的慌乱，又藏神佑的温柔；右侧暗红色块是被海水吞没的埃及追兵，形成鲜明对比。夏加尔以深蓝为整体基调，用细碎灵动的笔触，将这一史诗级神迹，融入他标志性的梦幻超现实风格中，让宗教叙事的庄严与浪漫诗意完美融合，凸显出埃及故事的核心张力。

《击石出水》

以色列人旷野缺水，摩西奉神命击石得泉。画面里，浅灰石头旁的摩西持杖抬臂，清泉自石下涌流而出，化作浅蓝、柔绿与粉调交织的彩带，在人群间缠绕飘动；围拢泉边的人们被暖光裹住，脸上尽是解渴后的安稳松弛。背景铺着暗调的蓝褐肌理，这正是夏加尔标志性的情感底色：旷野的荒芜藏在低饱和的蓝棕里，却被泉光的亮色轻轻冲淡，绝境里的干渴与甘甜在此撞出暖意，满是温柔的慰藉。

《十诫》

作为出埃及记的核心转折，以色列人踏过红海脱离奴役后，神在西奈山借摩西颁下十诫，为族群立下精神与行为的规诫：从此不再是慌乱逃亡的流民，要成有准则的共同体。画里，西奈山漫开暖黄主调的朦胧光晕，像裹了层软绒的光雾；摩西身形舒展于光中，托住泛着柔光的石版，石上字迹浸在流动笔触里，既带着诫命的分量，又裹着温柔的温度。左侧是挤作一团的以色列人群，衣褶里还沾着旷野逃亡的风尘；右侧是意象化的神性光纹，绕着石版轻缠，承载神性陪伴。夏加尔以暖黄浸软了诫命的威严，用超现实的色彩与流动感，把这从逃亡到立序的精神节点，织成了神性与世俗共生的灵性诗行。

雅歌情韵：爱与生命的礼赞

《雅歌》，又称《所罗门之歌》，是《旧约》里最浪漫的诗歌书卷，以“葡萄园”“百合花”为喻，歌颂兼具人间眷恋与灵魂向神性奔赴的纯粹之爱。夏加尔打破圣经主题的庄严感，以炙热色彩与漂浮形体，将经文中的爱化为轻盈滚烫的梦境；这组作品也藏着他对爱人的绵长情愫，让《雅歌》的诗意从文字里“活”成了看得见的温度。

在《爱如死之坚强》里，红雾中飞翔的蓝白配色恋人正应了《雅歌》里那句“求你将我放在你心上如印记，带在你臂上如戳记”，而飞马踏过色彩的模样，恰是“爱情，众水不能息灭，大水也不能淹没”的模样。夏加尔把对爱妻的执念融进颜料里，让恋人的轮廓软得像要融为一体，那些流动的色块，都是跨越岁月的深情，读着经文看画，就像看见爱真的能超越一切阻碍。

在《良人的私语》里，浓郁的红色调裹着依偎的恋人，耳边仿佛响起《雅歌》的私语：“我的良人在男子中，如同苹果树在树林中。我欢欢喜喜坐在他的荫下，尝他果子的滋味觉得甘甜。”画面里的互动感那样真，柔和的轮廓蹭着暖调色彩，就像恋人在田间青草处、溪水旁的亲密絮语，把经文中的甜，化作了看得见的温柔。

在《勿惊醒亲爱的》里，恋人与花卉、果实轻轻相拥，恰好映着《雅歌》那句“不要惊动，不要叫醒我所亲爱的，等他自己情愿”。温润的色调里，没有锐利的线条，只有彼此贴近的软态，就像经文中藏着的珍视，夏加尔用画笔把这份不忍惊扰的温柔画了出来，连果实的红晕都像带着小心翼翼的爱意。

在《所罗门的荣美》里，城市与建筑的意象从《雅歌》的炙热红雾中浮现，正应了“看哪，是所罗门的轿”的庄重。奇幻的形体裹在朦胧色彩里，既透着“他带我入筵宴所，以爱为旗在我以上”的尊贵，又藏着夏加尔对爱情最浪漫的执念，经文里的荣美与画中的温柔交织，让人想起爱里最珍贵的仪式感。

在《怀中的没药》里，浓烈的红雾裹着舒展的身影，正应了《雅歌》“我以我的良人为一袋没药，常在我怀中”的温柔~古时珍贵的香膏没药，贴身而带，香气绵长。画里女子陷在鲜花与柔色里，线条软得像要和红雾融成一片，连色彩的晕染都像那香膏的气息，把贴身相伴的眷恋揉成了看得见的温柔，和《雅歌》的深情及夏加尔对挚爱的执念，恰好相契。

其他圣经作品

另有六幅圣经主题作品未列入上述十七幅镇馆之宝系列，却是夏加尔宗教艺术创作中不可或缺的组成部分，让其圣经主题创作图景更为完整。其中涵盖旧约中的《雅各摔跤》、《大卫王》及四幅新约主题作品，延续了他标志性的梦幻色彩与意象表达，展现了其宗教艺术创作的完整脉络。

《雅各与天使摔跤》

雅各在雅博渡口与神的天使摔跤直至黎明，最终得神赐福。画作中，夏加尔用冷暖和交织的流畅线条，描绘了一场精神的交融而非肉体的对抗。雅各与天使的身形相互缠绕，背景是流动的浅灰色光影。画面中没有激烈的冲突，只有灵性的共鸣与对话，将圣经故事转化为一幕静谧而深邃的诗意场景。

《大卫王与竖琴》

此作是夏加尔以独特音乐性主题与视觉诗意为核心的杰出篇章。画面采用标志性的悬浮式构图，将弹奏竖琴的大卫王、怀抱婴儿的女子及飞鸟等元素融于超现实空间，打破时空界限。创作上运用红黄紫的浓烈撞色，人物面部与手部的白色高光暗喻神性启迪，质朴线条与悬浮结构相融，将犹太神秘主义与民间艺术质感完美结合，为旧约宏大叙事谱下一曲视觉的颂歌。

《背负十字架》：紫调背景里，橙色调的基督躬身负起十字架，右下角蓝衣圣母抱婴凝视的姿态，把悲戚揉进朦胧的色彩晕染中，连周围的模糊人影都像浸在安静的哀伤里。

《耶稣受难》：浓烈的红与暗紫裹住画面，十字架上的基督是视觉核心，背景里扭曲的色块与模糊的人群，让苦难的重量在画布上变得具体又缥缈。

《哀悼基督》：暖黄底色像一层柔纱，圣母怀抱着基督遗体，周围人物的轮廓融在松弛的笔触里，连空气都像浸着沉默的悲恸，是夏加尔擅长的“以柔化重”。

当悲恸的情绪落定，展厅里的《复活/天使报喜》，成了这组《新约》作品的希望收尾。这幅主画旁配着四幅同主题小幅作品，像给主画做的细节注解：黑白素描幅用松弛线条勾出淡色轮廓，晕染底色裹着晨雾般的朦胧，先铺了“复活”的轻透感；青绿色调幅里，基督身形从暗绿底色的色块中隐约冒出，是主画色彩藏形的迷你版；深蓝背景幅上，白翼天使的线条像道轻光划开幽蓝暗色，刚好对应“报喜”的轻盈；暖黄主色幅则以暖调底色裹着柔和形态，基督与天使的轮廓融在笔触里，探透了复活的温度。

而《复活/天使报喜》主画，则是把这些细节注解收束成完整的叙事：黄绿主色调里，基督的身形隐在柔和色块中，右侧飘逸的白翼天使划破暗色~轻盈的动态刚好衬出“复活”与“报喜”的希望感，是夏加尔标志性的“梦幻叙事”。这四幅画是一个连贯的系列，生动描绘了耶稣基督受难的核心情节：背负十字架 → 钉死十字架 → 众人哀悼 → 复活显现，这是典型的《新约》题材。

圣经题材，是贯穿夏加尔艺术生涯的精神主轴与创作巅峰。他于上世纪中叶倾力创作的这一系列作品，早已超越了宗教插图的功能，转而用瑰丽的色彩与超现实的梦境，将其升华为一部关于人类共通命运的视觉史诗~在其中，对神圣起源的敬畏、对现实苦难的悲悯，以及对永恒救赎的盼望，交织成了他最深邃动人的艺术乐章。

献给贝拉的爱

1909年，故乡维捷布斯克的风裹着夏加尔22岁的心跳，他撞见19岁的贝拉~这一眼，成了他毕生艺术的情感原点，也铺就了往后四十年爱意的底色。他后来所有的色彩、所有的浪漫意象，都始于此刻的心动。夏加尔三段婚姻里，唯有这份初见是他笔尖未掺半分杂质的光，唯有贝拉是他的毕生缪斯。

1915年7月7日，一份猝不及防的温柔，催生了夏加尔最动人的作品《生日》。这不是一幅寻常的生日画，而是他用独有的反重力悬浮，将心动画成了永恒。他光着脚，挣脱地心引力般飘向贝拉，半空中的吻未及唇间，却已抵达彼此灵魂深处~这是他专属的浪漫，不循写实章法，却比任何具象的拥抱都更炽热。桌角盛放的花、墙上垂落的柔纹、脚下蔓延的暖毯，都被他赋予了爱的脉搏，连光影都跟着雀跃，每一笔色彩，都是他攥着衣角、藏在心底的“非你不可”。

同年，夏加尔用画笔定格了他与贝拉的《婚礼》，将故乡维捷布斯克的犹太教堂，化作他们爱情最虔诚的见证。教堂的穹顶下，成簇的鲜花漫过角落，飞鸟掠过窗棂，拂动贝拉裙摆的柔光。她立在花影之中，白纱轻裹肩颈，夏加尔牵住她的手，指尖的温度顺着暖红叠柔蓝的颜料缓缓晕开~把故乡的风、教堂的静谧、誓词的郑重，尽数揉进这帧画面里。两人相视而笑的弧度里，藏着“余生只向你”的笃定，这座承载着他们初见心动的故乡教堂，成了爱情的温柔注脚，从此，他的笔底春秋，每一抹色彩都沾着她的温度，每一笔浪漫都连着故乡的根。

婚后烟火被夏加尔揉进画间：沉暗夜色铺就底色，红裙凝着明艳暖意，花束的斑斓与裙摆的亮色相映成趣，撞出细碎温柔。贝拉安然端坐，眉眼间皆是静好，瓷瓶流转微光，鲜果缀着莹润，在暗调映衬下愈显澄澈温润。他以细腻光影晕染寻常日常，让每一缕亮色，都成为“有贝拉在”的温柔注脚。四十年相伴恰如这帧画作：暗底托明艳，平淡烟火里的爱恋愈久愈亮，如《雅歌》挚诚，从未因岁月流转而褪色。

夏加尔毕生执着的悬浮爱情意象，在这幅画里有了最极致的表达。他牵着贝拉的手，一同浮过故土的上空，脚下是错落的屋舍、盛放的红玫，每一次“飞行”，都不是荒诞的想象，而是他刻进骨血的承诺：无论岁月颠沛，我都要牵着你，越过所有苦难。这份反现实的浪漫，专属贝拉，也只属于他对贝拉深入骨髓的情感。

这幅是夏加尔与贝拉婚后定居巴黎的作品～ 画面中若隐若现的埃菲尔铁塔，是巴黎生活的温柔注脚；那只红冠白身的大公鸡，是夏加尔从故乡维捷布斯克“驮”来的念想。童年院子里啼鸣的红公鸡，曾是家与热望的符号，此刻它褪去浓烈红羽，只留艳艳红冠作印记，成了连接故土与巴黎的柔软纽带。他与贝拉相拥而立，脚尖轻踮、未触地面，就这般温柔悬浮在公鸡身旁～背景里家乡的小棚、翩飞的禽鸟，也一同浸在这超现实的梦境中。红冠载着乡愁的轻响，白羽裹着巴黎的温软，夏加尔把对爱人的眷恋、对故土的牵念，一并织进巴黎的穹顶下，每一笔都藏着岁月的绵长与温柔。

另一幅描摹婚后时光的作品中，夏加尔以紫蓝红交织的叠影，将对贝拉的爱，画成了“你中有我、我中有你”的共生。他们依偎相依，没有清晰的轮廓边界，色彩相互浸润、彼此缠绕，一如婚后四十年的岁月，磨合中相守，陪伴中相融。没有张扬的表达，唯有色彩里的缱绻，藏着他心底的告白：贝拉早已不是他的爱人，而是他的骨血，是他艺术生命里永远无法分割的灵魂。

1944年贝拉离世后，夏加尔的画笔静了~不是倦怠，是悲恸攥住了手腕，整整三年，画布蒙着灰，他连蘸取颜料的勇气都没有。等思念终于熬成了绕指的柔，他才重新执起笔。这一次，他没描摹半分戚容，反而复刻了婚前的暖调：让贝拉的轮廓依旧是19岁初见时的温柔模样，红裙曳着光，眉眼裹着软。每一笔颜料里，都熬着化不开的思念；每一抹色彩中，都藏着“你从未离开”的执念。往后余生，他的笔依旧为她而落，爱意不散，温柔永存，将四十年深情，定格成永不褪色的画。

维捷布斯克故乡

维捷布斯克~这座沙俄时期的犹太聚居地（今属白俄），是夏加尔作为犹太裔的精神原乡。《家乡的木屋与动物》以青绿调铺展：画中歪扭的原木木屋，是他童年犹太贫民区的日常居所，蓝牛、公鸡是街区常见生灵，蓝牛暗合犹太文化神性与牺牲的隐喻，而清冷的青绿则是德维纳河畔雾与苔藓的色彩记忆。

这幅《家乡主题作品》以浓烈红调为基底，藏着故土的格局与隐痛：红既是犹太节日烛火、街巷红布的鲜活暖意，也暗喻童年犹太区大火、纳粹毁城的心底灼痛；画中木屋与东正教堂重叠相依，正是维捷布斯克“犹太会堂与教堂相邻”的真实模样，清晰映着沙俄时期犹太人“被隔离又共存”的特殊处境，每一抹红都裹着对故土的复杂心绪。

这幅《家乡主题作品》同样以红调铺陈乡愁，却更侧重日常的温度：安息日烛火的暖红、母亲围裙补丁的艳红、集市摊位的绯红被一一定格，画中劳作的身影，皆是父亲（鲜鱼搬运工）、母亲（杂货店主）那样的贫民区群像，没有宏大叙事，只把家乡的烟火日常、亲人的模样，都藏进这抹绵长的红调里，让乡愁有了具体的模样。

这两幅都是夏加尔“家乡梦境”里的马戏团热闹~明黄暖光裹着故土烟火，将村市节庆的鲜活揉进超现实漂浮感，满是乡野喧闹与浪漫。前一幅中，单手倒立者衣摆如翅，人群踮脚带欢喜红，画外小姑娘与妈妈的镜头，把画里杂耍鲜活和画外温柔缠在一起。后一幅红魔鬼小丑拉着缠藤小提琴，配悬浮裸女、递花姑娘与紫鸟，高饱和黄红撞出更浓烈的奇幻梦境。

《黑白调人群速写》

若说前幅两油画是家乡往日热闹的彩色剪影，这张1915年一战时期的黑白调人群速写，正是夏加尔身处家乡时，亲手记下的记忆素描写真：凌乱线条裹着攒动的人群，黑墨的浓淡里，像藏着炮火中家园的嘈杂声响。它和油画遥遥呼应~一边是故土的烟火底色，一边是战争的骤然劫难，两相映照，才更懂“没有战争，才有这样的烟火人间”。这，正是战争专题最想传递的深层力量。

另有两幅基督受难主题作品：《十字架主题速写》是创作草稿，以黑白线条解构基督受难，融入犹太贫民形象，用故乡视角赋予耶稣“牺牲”更普世的精神内涵；《宗教主题油画（基督形象）》是速写的色彩延展，以维捷布斯克的黄绿调为底色，借犹太神秘主义的奇幻意象，将这一“牺牲”的宗教命题锚定在原乡记忆中。

这些作品，从家乡日常符号到宗教精神命题，都是夏加尔以犹太身份为根脉，刻在精神里的“维捷布斯克印记”。

1939~1948二战流亡与创伤期

我们参观博物馆时，不仅有常规展览，还有《夏加尔：自由的呐喊》特展，由尼斯夏加尔国家博物馆、拉皮西纳博物馆等机构联合策划。特展是该巡展的最后一站，展出了大量借自芝加哥艺术学院、特拉维夫艺术博物馆等国际机构的首次公开作品，机会难得。

1939-1942年的《巴黎你好》，是夏加尔流亡前给这座城市的彩色告别：蓝调夜空铺就朦胧底色，变形的埃菲尔铁塔裹着软和的几何纹理，法国公鸡意象的红鸟蹭着悬浮的小人物~他用标志性的“超现实并置”，把巴黎的烟火气揉进宝石般的色彩里，连线条都浸着眷恋的暖。这是他流亡前最后一批明亮的作品，画布上的光，还没察觉到命运的沉暗。

而早在1938年，《白色受难》仿佛就已经替他摸到了这份沉暗的轮廓：灰调的画布像蒙着一层雾，基督的身影裹在挣扎的人群里，火焰舔着碎片、船只载着流亡的人～他把犹太民族的苦难提前凝在十字架的意象中，笔触里的慌，成了战争爆发前的一声轻叹，像一场提前写好的伏笔。

很快，这声叹就成了浸骨的痛：纳粹掌权后，身为犹太画家的夏加尔被划入“堕落艺术”名单，作品遭没收、展出受污蔑；他攥着对法国的眷恋不肯离开，却在维希政权的反犹政策里失去公民权，成了“没有归属的人”。1941年，经紧急救援委员会协助流亡美国的途中，他望着海面，恍惚见远处被运往集中营的同胞身影，只叹“空气里听不到他们被拖向焚炉的叹息”。流亡美国的七年里，战争的尖刺与1944年妻子贝拉的猝然离世，让他的画布褪去了暖调：《战争与受难》系列里，扭曲的线条、挣扎的人形，是他把同胞的痛苦攥进笔触的模样；他甚至一度停笔，转而用母语写诗，让文字接住画框装不下的悲痛。直到1948年重返法国，这段颠沛与失去，早已成了他作品里化不开的底色。

这组黑白作品正是夏加尔二战时期的创作～流亡期间他常以素描、版画记录创伤，色彩的褪去恰好对应了那段灰暗的岁月：画面里拥挤的人群、蜷缩的身影，藏着他对同胞命运的凝视，也成了他“以笔为刃”的温柔反抗。流亡中的夏加尔暂别了标志性的斑斓，用黑白线条定格时代的沉重：画里拥挤的人群、蜷缩的姿态，是他对同胞苦难的默记，连草稿的粗粝都裹着战争的温度。

这组也是夏加尔流亡时期的作品，以看似拥挤杂乱的线条藏着对故乡与信仰的回望：密集笔触裹着犹太社群日常与流亡思念，是灰暗岁月里偷留的故乡碎片；缠绕的身影，是战争年代里攥在笔尖的温柔乡愁。

1948-1985朝向光明的色彩重生

而当夏加尔带着流亡的底色重返法国，创痛终于在画布上开出了暖色调的花~这幅画作正是炽热的生命礼赞：温暖明亮的黄色天空裹着饱满的红，把家乡的烟火重新灌进画布。战后他笔下的红，早已不是战火的余烬，是和平年代鲜活到发烫的喧闹：骑马的身影、漂浮的村庄，把战争的尖锐记忆揉成了人间烟火的软和。

这幅画再次以奔放、炽热的红色主导全局，极具情感冲击力。夏加尔将红色运用到了极致～它不再是暴力的象征，而是转化为一种内在的生命激情。画面中奔腾的骏马与动态的人群，在红色的统一下，形成一股强大的视觉暖流。

这幅画展现了夏加尔对冷色调的极致掌控。画面以蓝绿色晕染的夜空为主导，弯月洒下细碎的光，人物与房屋宁静地嵌入风景。这种蓝，不再是战争的灰蒙，而是一种能裹着身心的安稳与松弛。他将故乡的宁静深深折进颜料里，展现出色彩抚慰心灵、营造平和时光的力量。

这幅创作于1968-1971年的作品，证明了夏加尔对色彩的理解超越了绚烂。他大胆地以黑、白、灰为主调，营造出强烈的戏剧性与悲怆感，仅以少量红色点缀。这种极简的色彩选择，凸显了受难主题的沉重与神圣。表明夏加尔的色彩天才不仅在于绚烂，更在于他知道何时需要克制，用近乎单色的力量直指人心，进行严肃的精神探索。

这幅画作中，夏加尔构建了一个神迹降临人间的瞬间。画面核心是那位悬浮的橙色天使，它并非神话人物，而是夏加尔笔下神性、启示与守护的化身。艺术家将其与象征乡土生命的牛、记忆中的村庄并置，打破了现实逻辑。在绘画上，他先用大面积的灰黑色调营造出庄重静谧的舞台感，再让天使的橙、牛身的黄等亮色如光芒般跳跃而出。这种深沉基底与神性亮色的极致对比，正是夏加尔独有的视觉魔法，他将深刻的信仰与乡愁，转化为一个可见的、充满希望的视觉奇迹。

这幅名为《太阳》或《环绕太阳的神祇》的作品，是夏加尔色彩哲学的巅峰体现。画面中，一位神祇在明媚的太阳光芒中飞翔，下方是熟悉的维捷布斯克小镇风景。夏加尔运用了极致饱和的色调：太阳与天空是炽热的铬黄与朱红，神祇的衣袍是纯净的雪白与天空蓝，而小镇屋顶则是沉稳的祖母绿与赭石色。这些看似冲突的颜色在他的笔下非但没有对抗，反而和谐地共鸣，共同谱写了一曲关于神性、故乡与生命的狂想曲。

这幅《黑色背景前的艺术家》，本就是晚年夏加尔的自我写照~持竖琴的人裹着故乡布料的纹路，悬浮的温柔是他一辈子的回望，黑底色里的鲜亮，是他把自己嵌进旧梦的模样。他的调色盘从不是装饰，是用色彩载着战争凛冽、失乡余温，在废墟灰浪里泊向和平的舟。

除了上述色彩浓烈、构图恢弘的油画作品，夏加尔的创作亦藏着灵动随性的另一面，他留下了诸多速写与手稿类作品，既是油画创作的灵感雏形，也是独立成篇的艺术表达，这两幅便是其中代表：第一幅以蓝色线条绘就，画面是头戴尖顶帽、持拐杖的佝偻身影，叠着背行囊的形象，线条松弛间带着荒诞的民俗质感；第二幅以黑线勾勒蜷缩的形象，点缀明黄、淡绿等色彩，构图松散梦幻，是他标志性的超现实速写风格。

夏加尔创作的多姿多彩

徜徉在博物馆，夏加尔的艺术魅力早已超越单一画笔，全方位彰显着他的多才多艺。展厅之内，一面蓝色系的玻璃装饰流光溢彩，画面中灵动的人物与意象，延续着他标志性的浪漫与奇幻，将玻璃材质与绘画创意完美融合，打破了传统绘画的边界。

循着指示牌来到博物馆的音乐厅，这里更是他多元艺术才华的集中展现。整面《创世纪》彩色玻璃窗便是匠心之作，蓝紫粉等斑斓色彩交织出圣经创世的恢弘图景，光线穿透时，整个空间都浸在梦幻的艺术氛围里；厅内的钢琴亦独具韵味，琴身绘有夏加尔风格的精美彩绘，将绘画艺术与实用器物巧妙结合，让日常器物也成为承载他艺术想象的载体。

漫步庭院，墙上的马赛克壁画同样出自夏加尔之手。他以细腻的拼贴手法勾勒出经典意象，色彩与构图兼具张力，将马赛克这一古老艺术形式赋予了全新的浪漫气质，尽显对不同艺术媒介的娴熟驾驭。

晚年的夏加尔，艺术视野愈发开阔，将彩窗艺术的浪漫铺向了世界各地的宗教建筑与公共空间：联合国总部的《和平之窗》，以澄澈蓝绿撞暖调金黄，将和平祈愿织进光线里，每一片玻璃都在光影流转中诉说着温柔与庄重；巴黎歌剧院的穹顶彩绘，打破传统穹顶的刻板感，用梦幻笔触勾勒飞鸟、繁花与跳动的音符，让音乐与色彩随天光在剧场穹顶缓缓流淌；耶路撒冷哈大沙犹太教堂的《十二支派》彩窗，将圣经故事与故乡维捷布斯克的意象相融，淡紫、奶白与浅金的晕染间，藏着挥之不去的乡愁与深沉的信仰。

除了这些世人熟知的彩窗杰作，他还为法国梅斯大教堂、兰斯大教堂等诸多知名宗教场所创作过彩窗作品——那些流光碎彩的玻璃，仿佛是把他画里的奇幻浪漫裁成了光的形状，每当光线穿透，整个空间便浸在静谧而灵动的艺术氛围里，每一件作品都美得令人沉醉。

他的艺术触角从未困于静态的画布与玻璃，更延伸至多元领域：曾为莫扎特《魔笛》、斯特拉文斯基《火鸟》等经典歌剧、芭蕾舞剧设计舞台布景与戏服，以其标志性的奇幻意象与色彩美学，打破绘画与戏剧的边界，展现出跨越媒介的艺术才情。

从博物馆到舞台，夏加尔以“不止于画”的才情，把颜料、玻璃、石片都化作创作的语言～以材质为骨、光影为魂，将乡愁与热爱织进油画、彩窗、壁画……的肌理里。那些奇幻意象与流光色彩，藏着他跨媒介创作的独特气质，也让每一件作品都盛着鲜活的艺术温度，这便是他最动人的模样。

拍摄:又见炊烟

撰文:又见炊烟

拍摄日期:2024年7月10日