明明的美篇—《奥赛展.浦东美术馆》我来啦！

明明

2025年10月5日在女儿的安排下，中午聚餐后给了我一个惊喜，让我与她一起参观缔造现代：来自巴黎奥赛博物馆的艺术瑰宝（全球唯一一站）。艺术的美好是：不需要解释，不需要懂得、你只需要当下的感受。生活需要一点“看不懂”的浪漫，（浦东美术馆）我来啦！ 展厅分布：2楼、3楼陈列奥赛藏品，涵盖梵高，高更、等很多大师真迹。这次展览在上海很火爆，正好碰上国庆假期，所以年轻人和小孩居多。虽然我不懂艺术，但我能感受到艺术的魅力不仅能创造美，更能让我们在生活中发现美、欣赏美！无法抗拒真迹带来的冲击感，光与影的变幻，色块的堆积，五彩缤纷的色彩，瞬间都会折成自己遐想的片段，对某一种形状，某一种颜色、往往有超出现实和本质的理解。用几个小时的时间，走进名人的画里，走出自己的烦恼。 　　在这场以“缔造现代”为主题的画展，在二楼展览入口位置，最先看到的是两件带有旧世界范式的作品。一幅是让-莱昂.热罗姆《玩斗鸡的希腊人》（1846年），另一幅是亚历山大.卡巴内尔《维纳斯的诞生》（1863年）。这两幅画是一批完全受法国学院传统影响的作品，它们拥有理想化的裸体形象，古典神话人物和完美构图方式—只是这些画几乎与现实生活毫无相干。当时的美术还停留在描摹万物，宣扬理性与道德感的技艺，主要服务对象是王权和贵族。 这幅《维纳斯的诞生》希腊题材作品，简单的背景，突出的主题，便是在巴洛克以及洛可可风格背景下对文艺复兴画作最美好的“复刻”，但他又比弗洛伦萨画派画的更柔美，女体更凸显圆润又有骨的美，淌洋在海面上的维纳斯让人觉得惬意又慵懒，五个小天使在上方，动作各不相同，更显得灵动活泼又可爱。 　　《迪堡一家》作者：亨利.方舟_拉图尔1878年创作亨利.方舟._拉图尔是19世纪法国现实主义画家，以细腻的肖像画、静物画和群体肖像闻名。他的作品介于传统学院派与印象派之间，他始终保持独特的写实风格。《迪堡一家》这幅群体肖像画是方舟.-拉图尔典型的家庭肖像作品之一。他擅长通过严谨的构图和细腻的笔触捕捉人物的神态与家庭氛围。这幅作品描绘了画家妻子一家（妻子站在后排）。画面中家庭成员以庄重的姿态排列，背景简洁，突出人物间的互动。能感受到家人之间的情感联结。 　　从来没有艺术细胞的我，小时候喜欢跳橡皮筋，算24点、看小人书，更别提对美术音乐有什么造诣。但还是特别喜欢看画展，所以只要有机会去国外旅游，都会去不同的国家看展览。很多次看展都会被震撼和感动。马奈、莫奈、梵高、高更、德加、米勒，这些遥远的名字在此刻只有咫尺。百年以前的色彩，笔触仍鲜活生动地通过视觉神经直达敏感的大脑。停顿、矗立、聆听、长久的凝视，挪不开腿的事，在美术馆并不明亮的空间是重复发生的事情。看完美术馆展览有一个深深的感触：好的作品能够打动人心的地方，一方面在于技术层面，对光影和构图的把握、笔触的细腻流畅、色彩的灵动表现、细节上丰富的刻画。另一方面在于作家强烈真挚的主题表达，连同高超的技术融为一体倾泻画卷上，因此他们的作品展现出独特的风格，能够穿越时空，即便到了数百年后的今天，依旧焕发着蓬勃纯粹的艺术感染力，可以与观者隔空对话。 　　《克里斯潘和斯卡潘》作者：奥诺雷.杜米埃这幅画描绘了两个来自17世纪法国喜剧的传统人物：克里斯潘和斯卡潘，他们都是狡猾，机智的仆人形象，源自法国剧作家莫里哀的作品。在画中，可以看到斯卡潘身体前倾，带着一副狡黠，窃笑的表情，仿佛正在低声向坐着的克里斯潘奉献一条妙计。杜米埃捕捉了这两个角色夸张的表情和动态，拿捏的恰到好处。他不仅画出了两个喜剧人物，还画出了他们的“灵魂”，人物的表情刻画得栩栩如生，画面充满了动感和鲜活的生命力。仿佛下一秒就要直接开口说话。 　　这是米勒的一幅《拾穗者》1857年的布面油画。米勒出生于诺曼底的一个农民家庭，是19世纪法国最杰出的以表现农民题材而著称的一位法国现实主义画家。这幅著名的油画，现藏于巴黎奥赛博物馆。这幅作品是19世纪现实主义艺术的代表作之一，深刻反映了农民生活的艰辛与社会阶层的不平等。画面描绘了三位农妇在收割后的麦田中弯腰拾取残留麦穗的场景。她们的动作缓慢而疲惫，表现出繁重体力劳动的艰辛。一辈子只画农民的米勒，用另一种极其庄重的方式，把底层劳动者摆上了艺术的殿堂。 　　《春天》作者：弗朗索瓦作者这幅《春天》是以法国乡村为背景，捕捉春季的生机勃勃、绿意盎然、展现了万物复苏，生命绽放的季节。如诗如画的田间生机无限。每一株青草，都以那笔尖下的磨痕，轻轻挥洒，麦苗仍是绿色，苹果树已然开花🌼。便绘出了一片生机盎然的绿意世界。在这幅绿意盎然的田野里，我们仿佛能听到大自然的呼吸，能感受到生命的脉搏。 　　克劳德.莫奈的《夏末的干草堆》是其著名的“干草堆”系列中的作品之一。干草堆是法国吉维尼乡村常见的景象，莫奈被它们在自然光下的色彩变化所吸引。他通过这一平凡主题，探索光线、季节和天气对色彩的微妙影响，展现了印象派“捕捉瞬间”的核心理念。体现了他对光影变化的极致追求，使光影的变化营造出一种宁静而梦幻的氛围。 　　审美，从来就不是简单地区分美与丑，而是一种融合了艺术感知、文化底蕴与生活洞察的复合能力。它关乎我们如何看待世界，如何理解情感，又如何在纷繁的现实中捕捉那一抹动人的色彩与诗意。走进展厅的那一刻，像被按下了暂停键。莫奈的光影在画布上流动，梵高的笔触里藏着抑郁的情绪。西涅克点彩画让色彩充满了魔幻的力量。 《在咖啡馆》作者：埃德加.德加埃德加.德加是法国印象派的有名画家，以描绘芭蕾舞演员、赛马场景和巴黎都市生活而闻名。德加是银行家的儿子，所以一生大多数是在富裕的状态下度过的，但这幅《在咖啡馆》确实是在他最艰难的日子中诞生的。1874年德加的父亲去世，他为儿子留下了天文数字的债务。为了还债，德加不得不废寝忘食地创作作品并签下大批订单。1876年《在咖啡馆》问世了，这幅作品在沙龙展中获得了极高的赞誉。画中主角的落魂潦倒被刻画的生动传神，或许就是德加自己那段时光的感受投射。在这之后德加慢慢摆脱了经济债务，并且在艺术圈也获得了声望。 　　这次观赏了奥赛特展被《一次碰头》油画很是吸引，作者玛丽，巴什基尔采夫，是这次特展里的唯一一位女性艺术家。这幅画画的是街上碰面的六个不同年龄的小男孩。画面中光影效果很美，笔触温柔又细腻，画面表达了孩子们正围着一起讨论着我们看不清楚的事，他们表情不一，各有想法，从孩子的穿着打扮看得出应该是工人家庭的孩子。其实，1882年法国教育法案的“见证”—当时规定孩子必须接受义务教育，不用花钱，原来百年前的法国就有免费教育了！总而言之，这幅画面通过一个生动有趣的儿童生活场景，巧妙地传递了艺术家对社会阶层（平民孩子）和性别平等（边缘化的女孩）的深刻观察与思考。真的太宝藏了！细节控掌握的太棒啦！👍 　　保罗.吉古（1834—1871）是19世纪法国风景画家，其艺术生涯短暂却独具特色。虽然这幅《洗衣妇》画面不是被广泛关注的对象，在奥赛展厅中的转角处我还是被震撼到了。这幅画让我感受到了光线的魅力，真实的气息、洗衣妇戴着宽大的帽子，身体前倾、带有一种生活的温柔感，有时候一个背影也很打动人。作者仅凭一个背影的细致描绘，便展现出这名女性在洗衣时的专注和力度。 　　《枫丹白露森林》作者：纳西斯.迪亚兹.德拉佩纳作者1837年在枫丹白露写生时结识并跟随卢俊学习，属于巴比松画派，画风间接影响过印象派的雷诺阿。枫丹白露森林有多幅作品，此乃是其中之一。这幅画以墨绿与赭石交织的主题色调构成的，捕捉了夕阳穿透枝叶的金色。一种悠然的田园风光扑面而来，仿佛能闻到绿叶的清香，听到牛群的低鸣，光和影在这里交错，自然的生命力跃然纸上。 　　上海浦东博物馆-奥赛“缔造现代”画展《花园中的女人》作者：亨利.德.图卢兹-劳特累克。图中的朱斯蒂娜是画家的一位重要朋友和模特。也是蒙马特地区著名舞蹈学校（也是非正式的妓院）老板娘。作家通过她得以接触到蒙马特夜生活中形形色色的人物，包括舞者，、艺术家和底层社会的女性。画中的模特笑容姿态僵硬，略带疲惫。略显空洞的面容无声地表达出内心的孤独感，红色领子搭配绿色裙子很有亮点。 不用飞巴黎，终于能来打卡来自巴黎奥赛博物馆超五十位艺术家百余件馆藏真迹了，魔都就能打卡顶级艺术殿堂！百件殿堂级真迹！梵高、莫奈、米勒、高更、德加、马奈等等，简直就是神仙打架阵容哈！看印象画派里的人物画，皮肤看着就跟真人似的—白里透红，神韵生动传神，美感令人惊叹。再看画里人物穿的丝绸裙子，光打在画上美极了，像阳光☀️照在上面，好像能欣赏到布料的纹理。还是有点遗憾，就是人太多了，没法静静欣赏哦。 　　喜欢高更的画作，色彩超级鲜艳亮丽，每一笔都像是在诉说的一个故事。喜欢他作品中的那种原始感和对大自然的热爱和向往。这幅《海景与牛》创造与1888年的布面油画中，最显眼的地方就是那头黑牛，它静静地待在翠绿的草地上，仿佛在专注地看着什么，牛静静的站着，仿佛是一个观察者。与广阔的大自然在对话。 《塔希提的女人》画中两位塔希提女人，一个穿粉色长裙，一个着蓝色背心红色大花裙，安静坐在地面，这是高更理解的逃离文明，回归自然的理想化生活，这是内心的期待，真实，看起来很像的那种真实，已经不重要了。高更的灵感之源是原始，他前往塔希提寻找末被污染的“纯真”，从西方文化中汲取视觉符号，启发后来的野兽派与原始艺术潮流。体现了高更“异域情调”和“原始主义”的追求。 　　这次《缔造现代：来自巴黎奥赛博物馆的艺术瑰宝》大展共展出了雷诺阿的五幅作品。雷诺阿印象派最重要的画家之一，这幅《钢琴前的女孩》以其明亮，温暖的色彩，对光影巧妙处理以及充满生活气息和愉悦感的主体而闻名于世。画中的两个女孩，前方端坐着女孩正翻着琴谱，专注弹奏着，另一位神态轻松侧头看着琴谱，她们似乎正愉快地边弹边交流，空气中弥漫着温馨与快乐。能感受到画面中流淌出的音乐旋律和少女的专注，两个女孩仿佛沉浸在自己的世界里，那种温馨画面很打动人心。 　　作者：阿尔弗雷德.西斯莱《马尔利港洪水中的小舟》这幅画描绘的是巴黎西郊塞纳河畔的马尔利港洪水泛滥的景象。天空湛蓝，云朵柔软、仿佛一切烦恼都被风带走。小舟上的人影并不慌忙地矗立着……灾难的景象被西斯莱用宁静的心境展现的如此淋漓尽致。西斯莱的画风更为柔和恬淡，带有细腻的空气感。画的天空和水真是一绝！ 　　〈塞尚夫人肖像〉作者：保罗.塞上塞尚是法国后印象派的核心代表，被誉为“现代艺术之父”。他早期参与印象派活动，后转向探索主观表达，主张以几何结构重构自然，强调色彩与形体的和谐关系。由于塞尚古怪的脾气，固执的性格，没有人愿意给他当模特，她成了塞尚最常用的模特。塞尚为夫人画了29幅肖像画，她却没有在一幅作品中微笑过。据说，塞尚画画对模特极为苛刻，要求模特长时间的坐着不动，让他慢慢推敲琢磨，“如苹果般静止”，稍有移动变会训斥。 　　《罗斯科夫港口》作者：西奥.范.里斯尔伯格这幅《罗斯科夫港口》是范.里斯伯格在接触了乔治.修拉的理论后，进入新印象主义艺术生涯早期时期的代表作之一，也是奥赛博物馆收藏的后印象派杰作之一。画面完全由密集的、微小的纯色点构成。这是一幅超有氛围感的画，画面上像被撒了无数颗细碎的宝石，波光粼粼，远处的小岛若隐若现，海面上有几艘小船，慢悠悠地飘在海上，特别喜欢这幅画，不同的颜色相互交叠交织，极富韵律感。这里的颜色没有忧郁和沉寂，有的只是柔柔的，软软的、给人一种亲近的梦幻之感。 《圣米歇尔堤岸与巴黎圣母院》作者：马克西米利安.吕斯来到浦美奥赛博物馆真的是太开心啦！好看！爱看！错过了二刷。巴黎圣母院泛着金橘色的光泽非常协调。塞纳河边上有老人、孩子、贵妇、情侣、调皮的孩子，马车踢踏的脚步响彻五彩缤纷的石板路。这幅作品虽然不是作者最有名的代表作，它描绘了巴黎圣母院的黄昏时分也同时展现了最浪漫的街景生活。 　　在奥赛博物馆艺术的长廊里，遇见了《梳妆的女人》画家瓦洛东的静谧之美。女子在画中穿着一款粉色的长裙，精致的在镜中专注的整理着头发，背景里，壁炉上摆放着造型复古的钟表🕰️和装饰品。椅子上有一堆慵懒散落的衣物。整个画面透着一种不被打扰的氛围，仿佛私密的空间被瞬间定格。 　　这次真的是多亏了女儿知道我喜欢看画展，有幸参观了奥赛博物馆，大饱眼福了！站在这些画面前，不是要你懂，而是要你感动。我是临时获悉来这里观看奥赛展，所以也没有做任何准备，更没有花太多时间停留与解读。但是站在每一幅作品面前，当我按下手机的一瞬间，真迹的细节无可比拟。这些画挂在深色的墙壁上，没有玻璃罩的保护，精美的画框🖼️并不会喧宾夺主，这次参展获得最大的体会就是，藏品如此丰富的奥赛博物馆，全部没有拉警戒线，每一幅画看起来触手可及，简直是细节控的福音。 　　《高更自画像》作者：保罗高更高更是一位热衷于创作自画像的艺术家。在自画像中，高更身着深色的传统外套，戴着帽子，表情严肃，脑袋转向一侧，但目光却坚定地注视着观看者。营造出一种沉着坚毅的形象。高更的自画像是一部用视觉语言写就的字传，他的自画像不仅是个人形象的记录，更是他内心世界，艺术理念和精神追求的宣言。 　　浦美奥赛展有一幅倒着的画，在画前根本不理解为什么？后来有人在解说，原来这是高更自画像的反面，也就是说用同一幅画板画了正反面两个画像，由于高更当时处于穷困潦倒的状态，他经常在同一张画布的正反两面作画。正面为高更自画像，反面画的是他的一位邻居：音乐家威廉.莫拉尔画的肖像。画里的莫拉尔神情恍惚，整个背景还以蓝色为主调。不过高更当初画的时候，根本没考虑过要让两幅肖像同时展出，也没特意调整方向。所以我们现在看到的莫拉尔肖像，和正面的高更自画像其实是上下颠倒的状态，也算是这幅作品里一个特别的小插曲哦！ 　　这幅作品是梵高的的自画像，创作于1887年，是其众多自画像作品之一。画面中最瞩目的还是一双直视观众的眼睛。梵高用旋转的笔触描绘瞳孔👁️，蓝绿色调中带着灼热的忧伤，既脆弱又坚定，眼神蕴含着复杂情绪。身着带有纹理的西装，搭配绿色领结，背景色彩为深沉的绿色如漩涡般流动，和人物主体相呼应，背景的笔触不是疯狂的的象征，而是情感的表达与释放。这不是普通的肖像，而是一个灵魂的赤裸呈现。他用真诚在作画，他的每一笔都是对生命的拥抱，即使在最黑暗的时刻，依然用色彩在点缀着美好！2021年新冠猖獗，在家里无聊，获悉零基础小白可以跟着网上学世界名画。跟着老师画了好几幅梵高的作品。其中，向日葵🌻是我的最爱。它们有的盛开，有的低垂、有的即将凋谢、有的色彩浓烈的像要燃烧🔥。当我们凝视梵高的《向日葵》，那扑面而来的，是被色彩与笔触点燃的炙热灵魂。低头找到自己的根，抬头找到自己的光。每朵向日葵都是自己的太阳🌞，你也是！ 　　名画《白猫》收藏于巴黎奥赛博物馆。作者：皮埃尔.博纳尔.1894年创作的纸板油画。《白猫》是作者最著名、也是最迷人的画作之一。这只拥有白色大长腿的猫咪，看起来像刚刚从睡梦中醒来，伸了一个大大的懒腰，作者特地把它的腿画的特别长，以营造出猫咪伸，伸展身体并抖动尾巴的感觉。这个姿态捕捉猫咪在日常生活中一个常见的瞬间，充满了生动的即视感。作者没有将猫咪理想化，而是真实地描绘了猫咪身体扭曲时带来的幽默感。“听说猫咪的字典里没有焦虑哈”。 　　这幅《欢愉》作品是皮埃尔.博纳尔的作品1906年博纳尔受塔代.纳坦松前妻米西亚的委托，为她于新婚丈夫爱德华的公寓装饰餐厅。这幅作品是博纳尔为此创作的首个重要系列。该系列有四幅画构成，结合了古代田园牧歌的艺术传统，圣经中的大洪水典故，以及极具开放性的东方主义灵感。画中以花园喷泉为中心，人物、孩童、动物在梦幻中穿梭，《欢愉》融合多种元素，追求独特视觉趣味和情感表达。整个画面充满野趣的动物与鸟类纹样。画面既有奇幻的乌托邦氛围，又有艺术创作的美感。 《井边的女人》作者：保罗.西捏克1892年完成。很喜欢这幅画的色彩搭配。近距离观看了色彩的笔触，眼睛一下子被西捏亮丽的点彩吸引，柠檬黄、紫罗兰、灰蓝色的小点在画布上雀跃，每一点都是色彩宣言，近观可见原色色点，远观这些色点自动混合，形成璀璨的光影效果，作者的点彩笔触自由活泼，透过画布传出的点彩魅力，不仅捕捉了点彩的视觉效果，更呈现出独特的色彩层次和光感。 我站在作品前，色彩像是有了温度，虽然我不懂画，但是我喜欢欣赏。23年去美国在华盛顿国家美术馆几个小时不出来。这些画家以艺术之心感悟生命之美，是一种生活的智慧，这是对生命的尊重和热爱。它让我们在快节奏的现代生活中，放慢脚步，用心感受周围的一切。当我们学会用艺术的眼光看待世界，生命便不再是单调的重复，而是一场充满惊喜与感动的奇妙之旅。一直喜欢有光的地方，它让我像信这个世界任何事情都会有转机。光所到之处，万物便有了灵魂与菱角。只愿每一天都承载着温暖和健康。 　　《格纹衬衫》作者：皮埃尔.博纳尔《格纹衬衫》这幅画创作于1892年，是博纳尔早期风格成熟的典范之作。画中的人物是博纳尔的妹妹安德雷.博纳尔，也是他经常描绘的模特。这幅画表达了是一个极其简单的惬意生活状态。安德雷身穿一件鲜艳的红色格子衬衫，强烈的红色格纹占据了视觉中心，其色彩鲜艳明亮，这种主观化的色彩处理直接反映了兄妹之间的亲密感情。很喜欢这幅《格子衬衫》画，特别有生活气息，白猫受惊的样子真实极了。画中与夸张的手法描绘猫的形象及身型构造，如灵巧猫爪般的可爱手势，都体现了画家的有趣与幽默。 　　“时代逸飞”陈逸飞回顾展是浦东美术馆于2025年4月至10月的举办的重磅展览，为纪念陈逸飞诞辰80周年。陈逸飞曾说：艺术家都是游戏者，游戏的乐趣在于过程，而不在结果。能干自己想干的事，是人世间最大的幸福。他是一位非常敏锐，引领潮流的人。他用东方之美感动了世界。将东方文化与西方古典艺术相结合，中西合璧，成为一个时代的艺术代表。《时代逸飞》恰如其分！ 他有很多的才华，很多的梦想、创作了很多的美、穿越了好几个时代。今年是陈逸飞诞辰80周年，以此为契机，用来自世界各地藏家，机构的80幅作品，全方位呈现了这位上海艺术大师的创作生涯。有观众说：今年看过的展览里，没有比这场更“上海”的了。 　　1992年，陈逸飞大师的作品《夜宴》首次登上佳士得图录封面，画作尺幅高1.37米，宽2.08米，以198万港元被邵逸夫竟得，创下了当年油画拍卖的最高纪录。被邵逸夫珍藏了30年，构图灵感来源于中国古画《韩熙载夜宴图》。油彩画是陈逸飞大师难得一见的音乐主题人物群像。画面中，五位乐师姿态各异，共同构成了一幅精致饱满，诗意盎然的艺术画卷。大师的画笔穿梭于过去与当下，构建出一个充满理想的艺术世界。 　　这幅《浔阳遗韵》画作大师是以唐朝诗人白居易的《琵琶行》为灵感，融入了大师在周庄偶遇琵琶评弹的经历，为观众呈现了一个音乐与情绪流动的时空，一个欲语还休的时刻。这个画面上，他有他一个独特的东方之美，以三位着深衣女子为主体，在深邃的黑色背景中拨琴吹箫，其衣饰富丽却无艳色，面容现代却情韵古雅。 　　1997年的《丽人行》是陈逸飞“仕女”系列中的杰出作品，塑造了富有东方情韵的理想丽人形象。《丽人行》描绘了四位身着传统服饰的女性，她们手捧鸟笼，步伐轻盈、仿佛在花园的角落轻舞。画面中的细腻笔触与和谐的色调，巧妙地交织在中国古典美学与现代结合，传递出一种优雅、从容的气质。正如荣格所言：“真正的美丽，不在于外表，而是隐诺于灵魂之深处。” 　　1990年代起，陈逸飞开始创作“仕女”系列作品。他将东方美学元素（如水墨意境、戏曲服饰等）与西方古典油画技法相融合，以另一种文化视角重新追忆并想象海派文化。陈逸飞在描绘女性人物时，常常通过细腻的笔触和深邃的意境，这种凝视感鲜活地体现于他的画中，她们真实，恣意、平和、大雅，风韵，等等，这些作品意向层次升华，能唤起观者对怀旧和理想化的情绪。 　　陈逸飞创作的这幅周庄双桥油画，不仅链接了江南的过去与现在，更架起了中国文化走向世界的桥梁。站在画前，周庄确实是一个细细品味的地方。这里有着浓厚的文化底蕴，有着美丽的自然风光，更有着难以忘怀的江南水乡特色。老街旧巷，白墙黛瓦、写满岁月痕迹。古镇里，一半诗意、一半烟火、一条小街、一段故事。陈逸飞已故20年，知名学者和作家余秋雨先生在陈逸飞的墓碑上写道：“他曾以中国的美丽，感动过世界。”道出了陈逸飞对中国水乡的发展作出的特殊贡献。 　　人的生命、人的生活应该像流水，虽然它有高峰低谷，撞上中流顽石会溅起无数水花，但它很快就又继续向前涌流…… 陈逸飞 所以我也特别喜欢山水画作品。这个世界不能没有水，水是生命之源，是万物生长的基础。我喜欢水能净化万物，无论世间万物多脏，它都能敞开胸怀无怨无悔地接纳，然后慢慢净化自己。水💦雾似飘渺，却有着最为自由的本身。聚可成云结雨，化为有形之水，散可无影无踪，飘忽于天地之间。人生的最高境界，是像水一样的活着！ 我是一个艺术小白，在新冠病毒封闭期间，因为关在家里无聊，只是简单的在线上学习了油画与素描。所以除去特别有名的梵高，莫奈、高更、毕加索等等。自己对很多画家的生平及在艺术生涯中的了解知之甚少，这次来到这里观赏很有感触。觉得欣赏真迹最有趣的地方在于，可以凑到最近，凝视色彩，笔触和机理，甚至仿佛闻到颜料的气味。就算不懂，直觉也会感到震撼。近看和远看区别如此之大，近看不过草草几笔，远看却细节满满。近看以为杂乱无序，远看竟浑然天成。才明白其实每一笔都不随意，高明的画家是真高明。伟大的画家是真伟大。这世间最美好的自由，莫过于在自己有限的生命里，做自己喜欢的事，享受时间的过程，用热爱慢慢勾勒出自己喜欢的生活形状。这张照片是在美术馆的三楼打卡的，站在这里的刹那，整面巨幕落地窗正对外滩，万国建筑群尽收眼底，拍照氛围感十足。再次感谢女儿给了我这次机会，没有错过这场与伟大灵魂零距离的邂逅。再见！奥赛！