从华盛顿国家艺术馆说起：第二十展厅：意大利文艺复兴时代（拉斐尔）

Tieq lu （陆铁强）

　　华盛顿国家艺术馆的第20展厅相当精彩！它一共有5幅拉斐尔的作品，还有拉斐尔的老师佩鲁吉诺的3幅作品。

艺术史一般将拉斐尔的生平分期为三期：早年，乌比诺时期（1483-1504），也就是21岁之前；中期：佛罗伦萨时期（15041508），即21岁到25岁之间；成熟期，罗马时期（1508-1520），即25岁到37岁。很可惜，他是英年早逝，

此展厅中的5幅画，其中3幅是在佛罗伦萨画的，2幅是在罗马画的。早年的，一幅也没有。拉斐尔最大的特点是集大成，他能把同期画家的优点拿来，融会贯通，化为自己的东西，不得不说，文艺复兴时期他的画最美，没有之一。我就按年份来逐个来看一下他的这五件杰作。

第一幅是《小考帕圣母子》，作于1505年（22岁），是刚到佛罗伦萨的作品。

　　我喜欢比较，来与同期或之前的其他大师们相同主题的作品作一比较。米开朗基罗有《圣母子》的雕塑，但是没有画作。达芬奇倒是好几幅，然而，将圣子抱在怀里的圣母似乎只有一幅。

下面这幅画是达芬奇创作于约 1478–1480 年（26岁），被认为是达·芬奇在独立成为艺术家后最早创作的作品之一。现藏于俄罗斯圣彼得堡冬宫博物馆。

　　这两幅画同样是好画，其区别还是蛮大的。一幅是在室内，另一幅在野外，明显拉斐尔的画看上去更明朗，也更舒服。注意它的背景，拉斐尔画的圣母左侧是很典型托斯卡纳的风景，右侧据说是佩鲁贾（Perugia）城外的的一座San.Bernardino 小圣堂，这座教堂还在，但是从网上看现在这座教堂的照片（下图）看，除了圆顶之外还有点像，可能画中圆穹顶是拉斐尔凭空加出来的，因为几何中的圆顶象征圣母的纯净与神性中心。

　　在这幅画中，圣母圣子都画得很美，在这方面是拉斐尔的天赋，但需注意的是尽管如此，圣母圣子祂们的眼神中都有一种说不出的深沉，圣子模样尽管很可爱，但是眼神并不天真。

反过头来达芬奇的画，尽管圣母子头上都有光环，但祂们两人的形象以及相互关系的人情味明显要超过拉斐尔的画，即使圣婴手中握着一朵十字花（象征十字架），脸上神情也较严肃，但是，圣母看着圣子，完全沉浸在一种母爱的喜乐之中。有意思的是，整个画面暗暗的，尽管从圣母的右上方看到一扇窗，但明显光是从左方射来，所以，整个画面还是多少带有达芬奇画中的那种“神秘感"

　　再来介绍第二幅画《圣乔治屠龙》

　　此画作于1506年，也就是23岁拉斐尔还没在佛罗伦萨的时候。此画的主题可能大家都知道，圣乔治在利比亚的塞利纳解救一位被龙威胁的公主，斩杀恶龙，拯救了城镇人民，成了中世纪骑士理想的化身：勇气、信仰与牺牲精神的象征。所以，在拉斐尔笔下显示了人文理想化的英雄形象：圣乔治代表信仰战胜邪恶；龙象征罪恶、异教与混沌；公主象征纯洁的信仰与被拯救的人性。这是一幅很小的画，长宽都没超过30厘米。类似的小画，之前波提切利，达芬奇，以及他的老师佩鲁吉诺都画过，但是它是最小的一幅。不清楚它是不是华盛顿国家艺术馆中最小的油画，但我肯定，它是这里所有意大利画里是最小的一幅油画。但是尽管很小，但是气势倒蛮大的。画呈对角线式构图，圣乔治与战马呈强烈的斜线动态。只见圣乔治俯身向前，手持长矛刺入龙口，披风在身后飞扬；白马昂首扬蹄，恶龙扭曲倒地；公主在右侧远景中虔诚祈祷，与前景激烈的搏斗形成宁静的平衡。应该说，这个主题是相当暴力的，但是拉斐尔摒弃了血腥与恐怖，而强调英雄的理性与内在信念。其中龙虽然张口咆哮，但其造型并不显得非常可怕。而英雄圣乔治表情镇定，体现"胜利源于信仰而非暴力"；而背景中具有托斯卡纳风光的塔楼与宁静远景、这些都象征秩序重建与人文世界的安宁。

除了这幅画的内容与画法之外，它的历史背景也相当有意思。因为在此前一年，乌尔比诺公爵圭多巴尔多•达•蒙特
费尔特罗（Guidobaldo da Montefeltro）被当时的英国国王封为"嘉德勋章骑士"。嘉德勋章是英王授予外国君主或贵族的最高荣誉之一。于是，公爵委托拉斐尔画了这幅画（象征骑士理想与信仰），作为外交礼物给英王送去，算是送给当时英王亨利七世的王子（后来的亨利八世）。下图的这位胖子就是亨利八世。

这位国王八卦故事特别多，娶了6个老婆，休了两个，杀了两个，病死了一个，最后一个老婆，幸亏亨利八世先去世了，否则弄不好又要被砍头了（因为后来两者关系也很坏）。但是，在英国历史上，他是一个重要人物，在他手下，与罗马天主教分裂，今天的英国圣公会（英国国教）就从那时开始。而且，他的女儿就是以后的伊丽莎白一世，一代英主，英国从此走上了世界舞台。所以，拉斐尔的这幅画贝能与英国国王亨利八世能挂钩起来，艺术与历史在这里碰面了。

回过头来再看这幅画，拉斐尔如何巧妙地把圣乔治战龙的故事与"嘉德骑士精神"合而为一。

首先，圣乔治恰好是英格兰守护圣人，这个主题本身合符义理，而且嘉德勋章的专属颜色：深蓝。其骑士制服传统上包括：一条 深蓝色天鹅绒披风（mantle）；金色镶边；胸佩圣乔治十字章（red cross of St. George）；腿上缠蓝带（即嘉德带，garter）。

拉斐尔的画中圣乔治的斗蓬呈深蓝色，在阳光下泛青紫光，内衬金线或金边，披在右肩上，随风飘扬。最巧妙的是，圣乔珀莱雅治左腿的小腿处，盔甲护胫外侧有一圈窄窄的深蓝带，而马匹上的金色滚边并有“HONI”字母（非常小，需用心看，否则很容易漏掉），“Honi”这是嘉德勋章的座右铭（Honi soit qui mal y pense 古法语，意思是”“心怀不轨者当蒙羞。”）的开头4个字母。这正是这条嘉德带。【下图红圈内有拉斐尔的签名，绿圈就是嘉德带。】

　　故事继续讲下去，那位得到嘉德勋章，并且托拉斐尔画这幅图的公爵是什么样的人呢？我们来看下面这张图。

《乌比诺公爵蒙特费尔特罗父子》

　　委托拉斐尔画图的就是画中的那个小男孩。这幅画，我很熟悉，在克拉克先生的《文明》第五章中就有这幅插图，并写了一大段关于他的父亲（费德里科·达·蒙特费尔特罗 1422年6月7日－1482年9月10日），他就足坐着读书的那位。书中赞扬他对意大利文艺复兴的贡献。拉斐尔的父亲就是在他宫庭里当画师，拉斐尔从小跟着他父亲出入的宫廷，拉斐尔与图中的小孩年龄差不多，所以两人交情不错，以后拉斐尔的成长与他的提携与保护是分不开的。

下面这幅图昰以后拉斐尔给这位年轻的乌尔比诺公爵圭多巴尔多·达·蒙特费尔特罗（前图的小男孩）画的肖像画。

　　下面是这位公爵的夫人伊丽莎白塔·贡扎加。这幅画也是拉斐尔画的。她是贡扎加家族出来的。贡扎加家族的宫廷就在曼托瓦。她本人极富教育与才智，是整个乌尔比诺宫廷的灵魂。历史学家评论：她以“理性、节制、优雅”的人格塑造了乌比诺宫廷的精神气质。

这位乌尔比诺公爵圭多巴尔多·达·蒙特费尔特罗从小身体很弱，多病，但是，文化艺术修养也极好，所以在他宫廷里也汇集了一大批有才之士，是欧洲最典雅的宫廷文化中心之一。

其中就有乌比诺宫廷里的学者与诗人巴尔达萨雷·卡斯蒂利内 ，其代表作《侍臣》。这是一本有历史意义的书。克拉克《文明》一书中讲到：“神圣罗马帝国的皇帝查理五世（Charles IV）在他的床边只有三本书：圣经，马基雅维利（Machiavelli ）的《王子》和卡斯蒂利奥内的《侍臣》。在以后的一百多年间，它一直是人们心目中良好风度的典范。”

当年佛罗伦萨的朱利亚诺·德·梅迪奇（Giuliano de’ Medici, 1479–1516）【洛伦佐·美第奇之弟】也曾在蒙特费尔特罗宫廷避难多年，并且带来佛罗伦萨的文化艺术。

所以说，这个宫廷充满了文艺复兴时期人文主义思想文的气氛，除了佛罗伦萨外，它们是意大利文艺复兴时代的另一个发源地。但是，他不像他父亲（军人）那样强悍，所以在15世纪末-16世纪初那时凭拳头行事的时代就很吃亏，所以他的后半生多灾多难，最后36岁就生病去世了。而且没有后代，乌比诺公国就此消失了。

　　第三幅画《尼科利尼-考珀圣母》是拉斐尔在1508年（25岁）那年画的，其中“尼科利尼与考珀”是捐曾经收藏这幅画的不同家族。

拉斐尔自1504来到佛罗伦萨，4年之后，就是在完成这幅的那年年去了罗马。要知道，米开朗基罗在1504年在佛罗伦萨．雕成《大卫》，而达芬奇在1506年左右完成了《蒙娜丽莎》。所以说，在这段时间内，我们所说的文艺复兴时期的“三杰”都荟集在佛罗伦萨，可以想像当时那里的艺术氛围是多么浓郁多彩，多么充满了活力。拉斐尔本身就善于学习，所以在那里如鱼得水，从其他大师们那里获得了更多的东西。

我来将这幅画与前天相同主题的那幅《小考珀圣母》比较一下。毫无疑问，它们都是好画，但是我还是问自己，如果两者比较，更喜欢哪幅？我更喜欢后面的这一幅。在上一幅中，无论是圣母，还是圣子都有点因袭着之前的传统，在祂们的眼神里都带有一丝忧郁，小基督的面容尽管画得很美，但是祂的神情依然是有种“小大人”的感觉。而这幅画中的小基督的面容，眼神似乎更像“儿童”，当然，细看还是会觉得与一般的小天使不一样，毕竟是一幅圣画。而且小基督的动作也同样，显得更加天真活泼。即便圣母的表情也比之前的柔和的多。所以说，这幅画中的“人情味”更浓，更体现了从“人性”中看到“神性”，用母与子的“爱”来创造一种世界的平静与永恒的和谐。

我也是好奇，想从网上看看，之后的拉斐尔的“圣母子”像是否都是如此，一看倒也不是，即便是最有名的《西斯廷圣母》（1512-1514），尽管非常美，而且高贵。但是，圣母子俩的表情还是带着一种忧郁。

　　有意思的是，下面一幅是在公元1508年他画的《圣母圣子图》，它最有人情味。

　　1508年是拉斐尔离开佛罗伦萨，前往罗马的那一年，这是他绘画生涯中是一件非常大的事情。当时他年仅25岁，真是“春风得意马蹄疾”，可能心情特别好。

第四幅《阿尔巴圣母》是拉斐尔于1511年（28岁）在罗马创作的，也就在完成梵底冈的几幅巨作（包括《雅典学院》）的同一年，比著名的《西斯廷圣母》略早一些。这是他绘画生涯中最辉煌时段所创作的一幅画。

而这幅画最初可能是为卡拉法（Carafa）家族委托画的，但17世纪由阿尔巴公爵收藏，所以其命名就来自于此。这个幅西优美而大气，十分舒展，不仅能感受到画中表现出一种神性，又展示艺术中人物与风景中“美”的魅力，毫无疑问，这是华盛顿国家艺术馆中最好的作品之一。

具体让我们看一下。画中有圣母玛利亚、婴孩耶稣和施洗约翰。小施洗约翰手中拿着一根芦苇制成的细长十字架，并将它递给耶稣。这根十字架是画面中所有人物目光聚集的焦点，也是最核心的象征物，直接预示了耶稣未来的受难和救赎的象征。圣母的姿态和沉思的表情暗示她可能正在思考两个孩子未来的命运，尤其是耶稣将面临的牺牲。拉斐尔通过目光和手势，暗示了人物之间深刻而复杂的内心羁绊。拉斐尔巧妙地在一个圆形空间内，将三个人物组织成一个稳定的金字塔形或螺旋形结构，这种和谐与平衡感是拉斐尔艺术的标志。

背景画得相当出色，典型的意大利乡村风光，这为神圣的主题增添了人文主义的，清新，宁静和亲切感。

　　蓝衣下露出一条红衣的，这一细节蛮有意思，这是一种色彩的平衡。

画面上色彩既丰富而又很融洽，而且使我惊讶的是500年前的作品看上去像新的一样。其象征意义：圣母身着的红色象征着以后基督的受难。蓝色象征着真理、纯洁和神性。小耶稣的赤裸象征着纯洁和无罪的状态，强调了基督的无瑕疵。施洗约翰则裹着他标志性的动物皮毛（褐色/棕色），暗示他在旷野苦修和禁欲主义的生活。

如果细着的话，左面底下的淡黄色的蒲公英象征着基督的受难，也就是他在去世前所经历的痛苦。

　　右面圣母脚下的花朵：那些小小的蓝色紫罗兰象征着圣母玛利亚的谦卑。

　　尽管这幅画很明亮，还是赋予人物一种雕塑般的体积感，而是具有一种理想化的光泽。这种光线效果突出了人物形体的完美与优雅，正在是文艺复兴盛期“理想美”的最好体现。

　　第5幅是《宾多·阿尔托维蒂像》（Bindo Altoviti）。

此画约在1515年（他去世5年之前所画）完成。艺术馆网上有介绍，译文如下：

“这位肖像中的人物是一位佛罗伦萨银行家兼艺术赞助人，居住在罗马。画中人物那种精致而优雅的描绘，在拉斐尔现存的肖像作品中独树一帜。画面中弥漫着一种含蓄的感性魅力，这在拉斐尔男性肖像中极为罕见。人物的姿态所流露出的诱人气息，以及他神态间的高雅风度，都因那非凡的光线处理而更显突出，光线赋予肌肤以温润的光泽，并以柔和的阴影轻抚其面容。整幅肖像反映了画家对威尼斯绘画的兴趣与吸收。”

　　我感兴趣的是最后一句话，该如何理解？在此馆中其他4幅画中都能见到，拉斐尔深受他的老师佩鲁古诺与其他佛罗伦萨传统的画家影响，无论是圣母，还是圣乔治，都是强调线条的清晰、体积的结构感与理性的构图，而且人物通常被明晰地界定在空间中，而背景常常是具体的，也是明亮的。然而，在这幅画中，拉斐尔不再以线条为主，而是以光与色的渐渐融合来塑造人物，皮肤泛着温润光泽，衣料与背景之间过渡自然，面部的阴影相当柔和。这种光色的感性化的渲染不是佛罗伦萨的风格，而是威尼斯画派的核心特征。表现这种威尼斯画格的主要人物是乔尔乔内。乔尔乔内与拉斐尔几乎是同时代。乔尔乔内（1477–1510） 比拉斐尔1483–1520） 大6岁。

下面是乔尔乔内的作品。

乔尓乔内：《年轻男子肖像》1505辛

乔尔乔内：《睡着的维纳斯》1510年

　　尽管当时交通不十分方便，但威尼斯与罗马之间的距离毕竟还不是太远，双方会有接触，可能还很频繁。再加上拉斐尔是一位极其善于学习，有集众人之力的才能，所以，不奇怪从这幅画中看到威尼斯画派的影响。乔尔乔内是一位十分抒情的画家，拉斐尔这幅画中，抒情的成份非常“乔尔乔内”，在当时罗马，或者佛罗伦萨的艺术家作品中並不多见。

本文到此结束。外行看画，妄加评论，难免有胡说八道之处，敬请诸位谅解！