南法（10）～海风萦绕的昂蒂布毕加索博物馆

又见炊烟

昂蒂布，这座沉淀了2600年岁月的地中海古城，曾是纪德望帆觅句、莫泊桑枕浪构思、海明威描摹海风的文人秘境。而毕加索的驻足，以画布、陶瓷、雕塑等多元艺术创作，为它注入不朽的艺术灵魂～让这座千年小城挣脱地域局限，每一寸肌理都浸着艺术光芒，在世界艺术长河中熠熠生辉，终成无可替代的艺术地标。

巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso，1881～1973），20世纪现代艺术的核心人物：早年接受系统美术教育，1900年赴巴黎发展，艺术生涯跨越近80年，创作总量超6万件，涵盖绘画、雕塑、陶艺、版画等多种形式，是艺术史上罕见高产且风格多变的大师。65岁时，他逃离了巴黎艺术圈的压抑喧嚣，昂蒂布没有纷扰，只有海风裹着阳光漫过码头与街角咖啡馆，恰好接住了历经世事的他。

1946年，毕加索从巴黎来到昂蒂布，受格里马尔迪城堡馆长邀请，将城堡一角用作工作室：仅2个月就完成23幅油画、44幅素描，离开时把这批作品全数留在了城堡；两年后，他又向这里追加了1947~1948年在瓦洛里斯陶艺坊创作的78件陶瓷作品。1966年，这座城堡正式成为“昂蒂布毕加索博物馆”。

毕加索的才华，藏在他永不枯竭的风格迭代里。从蓝色时期的忧郁沉潜，到立体主义的大胆解构，他始终在打破自我、重塑表达；而昂蒂布的地中海风情，恰好成了他创作里最温柔的转折～消解了立体主义的尖锐，让他跳出复杂解构的框架，用舒展线条、明亮色彩铺陈画面，把海风的松弛都揉进了作品的肌理里。

这份裹着海风的松弛，藏着二战后的疗愈底色：毕加索曾说"在昂蒂布我才找回自由"。经历过战争压抑，他不再用作品承载沉重，转而把码头的白帆、咖啡馆的阳光都画进了画面里，用日常的鲜活消解创伤的沉郁～这是对过往的无声治愈，也是对和平的细腻珍视。正如他所言“艺术是清除灵魂日常尘埃的仪式”，昂蒂布的海与风，正是这场仪式里最温柔的背景音。

而昂蒂布毕加索博物馆，既是他全球四座专属馆中最具生活气息的那一座，也让2600年的海风，永远停驻在了这些舒展的线条与明亮的色彩里。

博物馆展品

如今馆内245件毕加索专属藏品，以他在城堡时期的油画、素描，及1947~1948年的陶瓷作品为核心，搭配后期通过遗孀捐赠、馆方收购补充的雕塑等作品，覆盖多品类，完整呈现了他风格鲜明的一段创作历程。

毕加索画作

作为馆内核心展品，毕加索旅居时的画作，是他这段创作期松弛灵动风格的浓缩。按照我对他的粗浅理解，本文将按静物、农牧神等主题排序，展示他与小城的艺术缘分。从温情家庭写照到神话狂想，再到极简线条抓形态，每幅都藏着专属联结。就像这幅作品：随性几何线实则是骨架式表达，用三角、椭圆剥去复杂，让极简线条成了独有的艺术语言。

生命礼赞三部曲

《两个小孩》（原名《弗朗索瓦丝·吉洛、帕洛玛和克劳德》），作为毕加索晚期立体主义的代表作品，这幅画藏着他少有的家庭温情：以几何色块拼接出妻子与一双儿女的形象，红、黄、蓝等亮色碰撞出孩童的天真感，软嫩的轮廓搭配跳脱色彩，把日常的生活暖意化作鲜活耐看的艺术。这幅画常现身各大展览与画册，连画中女儿帕洛玛后来成为知名珠宝设计师，都有说她灵动的审美灵感，正源于童年时这幅画的启蒙。

《生命的喜悦》是毕加索在昂蒂布时期创作的2米石棉水泥板油画，也是他晚年天真主义风格的鲜活注脚。画布上，以情人弗朗索瓦丝为原型的舞者挥鼓起舞，棕发随节奏飞扬；两头圆眼山羊蹭着脚边跳跃，两侧半人半羊的牧神吹笛伴奏，背景中黄色帆船歪立蔚蓝海面～他抛却复杂技法，只用儿童般直白的线条勾勒万物，每一笔都浸着战后重生的雀跃，将对生命的炽热热爱，画成了能让人笑出声的狂欢画面。

《尤利西斯与塞壬》是博物馆的镇馆之宝，也是毕加索在昂蒂布时期创作的4.5米巨幅壁画巅峰作。他以立体主义巧思重构《奥德赛》经典桥段：画面中心人脸嵌船身的怪趣形象，是被绳索固定的英雄尤利西斯；周遭游弋的鱼形、振翅的鸟形色块，是化作海妖的塞壬。地中海蓝与向阳暖黄撞出明亮海风，背后藏着战后温度，将抵御诱惑的勇气与重获生机的轻快揉进画布，成为他地中海时期最具代表性的作品。

静物/静物混搭系列

毕加索曾直言：“塞尚是我们所有人的父亲。” 塞尚这位立体主义的启蒙者，用多视角色块解构苹果、追求物体本质的思路，正是毕加索的灵感源头；而毕加索从不是单纯模仿，更把这份拆解逻辑从塞尚的理性结构，变成了自己晚年满是生活烟火气的表达。以下9幅静物，就是他承师道，又破师法的最佳印证。

这些静物，基本都是毕加索1946年昂蒂布时期的创作，也是他对塞尚块面解构的柔化示致敬。

塞尚以冷硬几何块拆解静物、解物之骨，毕加索承其核心，却用沙色灰调弱化锐利感，让鱼与水壶的切面裹满南法餐桌的松弛生活气，把立体主义的先锋感，调成贴近日常的轻量版表达。可以说，塞尚的块面是为了看清物体，毕加索的柔化块面则是为了传递情绪。

这两幅静物，是毕加索对塞尚结构逻辑的生活化转译：塞尚执着用理性块面解剖物体本质，毕加索则在框架里加了生活温度：棕灰调物件藏着塞尚多视角思路，却用柔和线条换掉冷硬棱角，把理性疏离感换成餐桌物件的温润质感；墨绿底器皿延续塞尚色块排布逻辑，却用暖调色彩裹住结构感，让先锋立体主义成了日常温柔摆件。

这两幅作品里，毕加索在塞尚基础上注入色彩自由，完成超越式创新：塞尚色块偏冷静克制，毕加索却打破克制：红底西瓜用红黄绿撞色呈现，既留塞尚块面逻辑，又让色彩亮如南法阳光，比塞尚的苹果更具生命力；拼贴器皿以拼贴质感色块拆解，暖棕底裹着黄绿与深蓝，既是塞尚结构基底的延续，又融入晚年自由的表达，成了独有的融合风格。

这幅已是毕加索的自我风格，仅留塞尚拆解思路做底色：塞尚的拆解始终围绕物体本质，毕加索却更重趣味表达～他用几何线勾红纹水壶的轮廓，这正是塞尚的结构思路，又在背景藏入巴西星纹；塞尚的结构思路，此刻成了毕加索玩转异域趣味的创作工具。

这幅是系列里唯一将植物花瓶与海鲜装饰结合的作品：清透蓝紫几何色块勾勒花茎叶片，搭配通透玻璃花瓶；下方以红褐纹理、齿轮状轮廓呈现海鲜（海蜇类）元素，打破了同系列纯植物静物的设定，色彩柔和雅致，是兼具轻量解构风格与混搭趣味的独特存在。

这三幅作品是毕加索的“静物外壳+人像巧思”：表面是静物的色块与结构，却悄悄把人脸轮廓、眼部细节甚至趣味人像藏进了解构里～有的是块面里露眼睛，有的是形态里显人脸，还有的藏着“骑着的人+头顶小人”的画面。它们没丢静物的载体属性，却用混搭打破了题材边界，越品越能读出藏在细节里的鲜活巧思。

塞尚的解构核心是拆解后还原本质：最典型的就是画山时，把山体拆解成一个个理性色块，最终拼合出的仍是山的完整现实轮廓，不脱离事物本身。但毕加索是拆解后重构趣味～顺着塞尚的块面思路，却把人像意象揉进静物结构里，拆解后完全不回归物品原貌，反而藏着人脸、小人等彩蛋式细节，把冷静的结构逻辑变成了充满探索感的游戏。

海洋生物系列

在昂蒂布的这段创作期里，毕加索以立体主义为底色，把海洋生物（龙虾、章鱼）、静物、人物、神话形象（比如农牧神）都拆解成线条、色块与几何～剥离具象肌理，只留最生动的形态，每一类主题都藏着他松弛的创作感。

毕加索拿立体主义做基底，把龙虾、章鱼、鱼这些海洋生物，拆解成线条、色块与几何块面的组合。他剥离生物的具象肌理，只留最生动的形态符号，让海鲜既带着海洋的鲜活感，又成为画布上独特的艺术语言～从烟火气的厨房龙虾，到灵动的章鱼，再到风格多元的鱼，每幅作品都是用线条写海洋的大胆尝试。

毕加索笔下的龙虾，是生活与抽象的双重表达：红棕相间的尖刺色块构成龙虾形态，搭配藤编纹理的篮子、半透明玻璃瓶，像刚从市场拎回的食材被摆上厨房案头，尖锐色块里裹着松弛的生活烟火；紫褐色调重构龙虾，尖刺线条更夸张，蓝白曲线背景勾出流动感，把海鲜搬进抽象空间，让尖锐色块与柔曲线条碰撞出艺术张力。

这幅作品里，毕加索用简洁线条与色块，把章鱼拆解成椭圆、曲线与几何块面，蓝紫、粉白的色彩裹着海洋的灵动，再点缀海草般的绿色纹理，让章鱼的鲜活感，在立体主义的抽象趣味里清晰落地。

这两幅鱼作，是毕加索笔下海洋气质的双面镜：上方这一幅，暖黄底色裹着极简线条勾出的鱼形，彩刺海星像随手点染的童趣，天真笔触里藏着对形态本质的精准提炼，像把南法海滩的阳光揉进了画布；下方这一幅，又沉进深棕黑调的蜷曲轮廓里，柔叠的暗色块裹着深海的静谧，仅漏出的一点蓝调光斑，让沉寂里又漫开隐秘的灵动～从明亮到沉静，他用鱼写尽了海洋的多面模样。

农牧神系列

农牧神是希腊罗马神话里的半人半兽林间精灵～人身、羊蹄配弯角，既有山野的原始野性，又爱嬉戏吹笛、自在随性，自带松弛又蓬勃的生命力。这份野性与自由共生的特质，恰好戳中了战后渴望生命复苏的毕加索，成为他宣泄情绪、表达治愈心境的绝佳载体。这几幅作品像是一组轻快的变奏，把神话、静物、符号都裹进了昂蒂布时期的暖色调里，每一笔都写着战后复苏的松弛与生命力。

蓝绿色调的农牧神，几何色块拼出弯角与五官，暖黄背景消解了神话的距离感；紫绿撞色的那幅更浓烈，女性曲线揉进破碎构图，让野性在色块碰撞里漫开。

暖橙底色像晒透的山野阳光，大农牧神裹在松软的线条里，周围挤着几个圆脑袋小萨堤尔～有的露半张笑脸，有的只翘着弯角，像把一整个嬉闹的族群都揉进了这方画里。稚拙的线条没半分规矩，倒把神话里的野趣，变成了能攥在手里的松弛日常。

这幅画法就不一样了，毕加索把农牧神拆成了几何碎片～弯角、眉眼、身形都成了拼块，再七扭八拐地嵌回轮廓里。碎开的形状没丢半分笑意，反而像把半人半羊的特质揉成了更跳脱的模样，怪诞又透着股软乎乎的温柔。

《萨堤尔、农牧神与持三叉戟的半人马》，也被称作《农牧之舞》，是毕加索1946年在昂蒂布马尔迪城堡创作的作品。画中三个角色是三类不同神话形象：萨堤尔是农牧神分支（长山羊腿），中间是广义农牧神（林神形象），半人马是独立神话角色（人上身马下身）。这张专属说明牌上，清晰标注了它的创作年份与材质，附带的老照片还记录了作品的创作过程。

这幅三联作品的氛围感与单幅素描、油画完全不一样～它用蛋彩技法配炭笔绘在3块纤维板上，拼接后是完整的群像：左幅萨堤尔叼着烟斗吹奏，中幅农牧神踮脚起舞，右幅半人马持着三叉戟凑趣。单幅作品多是聚焦一个形象做细腻刻画，而这三联拼在一起，既保留了利落线条的张力，又多了群像互动的热闹感，像把一段生动的场景直接铺在了眼前，也是毕加索在城堡时期很有特色的代表作之一。

动物系列

1946年的昂蒂布，是毕加索的动物写生场，连他的画室都浸着生灵的气息。画作与画架堆叠的工作室里，立体派草稿随处散落，裹满创作的烟火气；那些鲜活的动物，便从这暖意萦怀的空间里，跃进了画框。

海边的风裹着沙岸的暖，毕加索把昂蒂布的浪、牧歌和神话，都揉进了这一幅里～看，那是马的躯体，却顶着农牧神带角的头颅，嘴角噙着支笛子似在轻吹，南法田间的调子像顺着笛孔飘进了海风里。背景的帆船正随着浪轻轻晃，赭黄沙岸的肌理裹着马蹄，深蓝海水的波纹贴着马身，立体主义的折线让四肢都沾着风的松弛，连马尾的弧度，都像跟着笛音、浪声一起舒展的老友。

白日褪去，昂蒂布的夜成了猫头鹰的主场。画里的它更像位自在的夜居者～深棕是身后树桩的沉静，灰调裹着月光的朦胧，圆眼亮得像两粒凝住的星，身前还端着只绘了纹样的盘子，里头盛着的海鲜模样鲜活，活脱脱把自己的晚餐都摆进了画里，这拟人般的慵懒劲儿，裹满了南法夏夜的松弛。

博物馆外墙巨幅海报和室内照片里，毕加索抱着的正是这只猫头鹰，足见它在他心中的分量。他早将这小家伙视作“家人”，养在工作室陪自己创作；不管是未上色的初稿还是成品，几何块拼出的轮廓、和家猫同款的圆眼，连端着餐盘的姿态，都藏着他把“家人日常”揉进画笔的温柔私心。

不止林间海边，田间公牛也成了他的伙伴。暖黄底色是沙原暖意，深棕牛角裹着陶土厚重，立体主义解构让笑脸曲线沾着田园松弛，分明是他把街头田间的生灵当做“家人”，才将烟火气拆成温柔色块。对毕加索而言，这些动物从不是冰冷素材，而是他封进立体主义色块里的南法风、光与鲜活“家人”，让昂蒂布的生灵永远留在画中。

人物肖像系列

这9幅肖像，是毕加索后期风格的凝练呈现。他在后期（含昂蒂布时期）的创作中，褪去了早期立体主义的尖锐张力，将几何块面重构的核心转化为更柔和的语言，同时融入超现实意象。这些肖像正是此阶段风格的集中体现，主要呈现两种创作思路。

第一类是柔和化的立体主义表达，毕加索以几何块面为核心创作逻辑，延续立体主义对形象的拆解与重构，同时在线条、色彩上更显温润。这两幅作品是该风格的经典呈现：第一幅以条纹元素搭配红棕、蓝白块面构建人物形态，指尖线条圆润流畅，既保留立体主义的空间张力，又弱化了尖锐感；第二幅以暖红色块勾勒人物神情，线条舒展柔和，五官与肢体的错位排布，延续了立体主义重构形象的核心特质。

这三幅在此基础上拓展创新：一幅采用极简素描风格，灰调线条将人物凝练成简洁几何形，排线替代发丝纹理，肩颈线条倾斜，整体氛围松弛自然；一幅以蓝、红、白色块搭配曲线切割画面，蓝色调柔化了躯体轮廓，符号化造型中仍清晰可见立体主义的结构逻辑；还有一幅在几何块面中融入网格肌理，让结构感与细节质感相互呼应，达成和谐统一的视觉效果。

第二类是毕加索融合超现实意象的创作探索，他以柔和块面为基础框架，融入神话、动物等丰富意象，让肖像创作更具深层表达维度，这两幅侧重神话符号的运用：第一幅将农牧神的弯角元素融入块面结构，肢体被装饰纹理包裹，传递出自然与人类联结的创作理念；第二幅以螺旋纹饰替代传统弯角造型，细腻线条缠绕其间，实现立体主义结构与超现实意象的有机融合。

最后两幅聚焦毕加索意象共生的表达：一幅以轻盈线条描绘裸身人物与羊的组合，将生命共生的构想直观呈现在画面中；另一幅以蓝帽搭配红棕块面分割面部，轮廓自带雕塑般的质感，既延续立体主义的块面逻辑，又通过超现实意象的加入，进一步拓展了肖像创作的表达边界。

这张1968年的黑白照片，是毕加索与友人的四人合影，配文里的“Picasso”字样，加上旁侧的肖像作品，刚好定格了他艺术社交里的一个瞬间。

在毕加索博物馆展区中，还陈列着一些胡安·米罗的作品，比如这幅《白猫》，作为与毕加索同代的创作者，米罗的作品也侧面映照着那个时代艺术探索的鲜活气息。

雕塑和陶瓷

毕加索的创作从不止于画布，雕塑也是他艺术表达的延伸～1902年到20世纪60年代初的40余年间，他留下了650余件雕塑作品，题材涵盖人物、动物与静物。这些作品与他的绘画创作一脉相承，是他艺术探索里的重要部分。就像眼前这尊头像，五官被拆解成棱角分明的几何块面，粗粝肌理里裹着跳脱的想象，标志性的毕加索式变形，一眼便觉熟悉。

这尊雕塑是同一作品的两个角度，就摆在农牧神主题的画作旁，反差感很有意思：从侧面看，扭转的肢体带着松弛的动态，肌肉线条被简化成流畅的弧面，又悄悄嵌进几何轮廓里，既保留了人体的力量感，又透着股不按常理来的俏皮。

　　换个角度能更清楚看到肢体的衔接感~没有繁琐装饰，只用利落的造型撑住了舒展劲儿，连肩颈扭转的弧度、衣纹褶皱的走向都带着极简巧思，和旁边画里的农牧神搭在一起，刚好衬出毕加索把经典玩出新意的路子。

除了绘画和雕塑，毕加索在陶艺领域也极具开创性，晚年在昂蒂布时，他常泡在村坊的陶艺坊里，把捏陶土当日常消遣，连画笔里的立体派棱角、速写里的稚拙感，都揉进了这些瓶瓶罐罐里，创作了大量充满童趣与想象力的陶瓷作品。

博物馆里专门辟了个展厅放他的陶瓷：两面墙嵌满彩绘陶盘，每个盘上都顶着张怪表情。有的眯着眼撇着嘴，有的把五官挤成一团，像把速写本直接拓在了陶土上，满墙的童趣快溢出来。此外，还有以鸟类等为造型的陶瓷作品，融入了毕加索鲜明的风格。

一转身更有意思：架子上的瓶罐都长了“人形”～有的扭着身子、顶着圆眼睛，连个水壶都画了夸张的五官；旁边那只陶公牛，脑袋圆得像卡通玩偶，憨得让人想笑。我盯着那只长眼睛的水壶看了好一会儿，头一回觉得大师作品能这么亲切，像闯进了他捏陶土时的游戏现场。

展柜里的器皿更放得开：有的把瓶身扭成不规则的弧度，有的用黑褐颜料画满跳跃的色块，连陶土粗糙的纹路里，都裹着昂蒂布的阳光和松弛。站在这儿才懂，他哪里是在做陶艺，明明是把日常的轻快都揉进了陶土，让这些器皿沾了生活的温度。

毕加索绝对是多才多艺的艺术全才，他还擅长版画，探索过石版画、铜版画等多种技法；甚至在舞台设计和拼贴艺术上也有突破性贡献，能把日常物品转化为独特的艺术表达。可以说，他几乎在当时所有主流艺术形式里，都留下了极具个人风格的探索痕迹。

站在毕加索画过这片海的窗前，风裹着咸意撞进来～蓝得发晃的海面晃着船影，连石墙都浸在暖光里。盯着窗棂裁出的这片蓝，才算懂了他说的“这里的阳光把形状都融化成了颜色”，原来画里那团热烈，本就是这窗景熬出的底色。

顺着暖光往博物馆文创馆走，脚步不自觉慢了下来，刚迈进门，木架上的画册就先勾走了视线。毕加索的主题书堆得格外显眼，封面上的线条像没收住的笔触，狂得扎眼。随手掀开一页，居然撞进他和马蒂斯的手稿对谈：歪歪扭扭的批注里，两位大师像课间传纸条的学生，把艺术该长什么样的想法都揉进了纸页的褶皱里。指尖蹭过架上的陶瓷摆件，釉色里裹着和展厅里一样的艺术气，仿佛把大师的创作碎碎念都封进了这些小巧的物件中。

在货架的各种文创里扒出这幅《白色农牧神》拓印画时，标签上“全球仅350份”的字样格外打眼。想起展厅墙上那幅原作，便干脆让它独占镜头。暖橙纸底上的白线条，把农牧神画成了晒瘫的毛球，犄角歪得没个正形，颜料边缘的手作晕染毛边，像刚从展厅的画框里溜出来一般。揣进包里时，画纸窸窣作响，像把展厅里的艺术气息也一并裹了进来。

博物馆外

顺着人流走出博物馆，先踏入的是临海的露台，这里常年摆着雕塑作品，也是毕加索当年常停留的角落。海风裹着咸湿的气息瞬间涌来，地中海的湛蓝铺展在眼前，码头的渔船泊在波光里，阳光洒在波浪上，碎成一片晃动的金光。脑中联想起展厅里拍到的那张照片：毕加索坐在昂蒂布的石质器物上，背景正是这片舒展的海岸，照片里的风好像穿过相框，与此刻拂过脸颊的海风轻轻相拥。

沿海石墙，一排细瘦的青铜雕塑撞入视野。这是瑞士雕塑家阿尔贝托·贾科梅蒂的作品，有的直愣愣站着，躯体细得像被海风削扁的芦苇；有的弓着背，细胳膊蜷在身前，像在凑着听浪；还有的踮着脚尖往前探，细腿绷得紧紧的，看着要往石墙外挣似的。金属表面在阳光下泛着暖光，顺着石墙往海边铺，和远处的蓝融成一片，风一吹，连这些细架子都像要跟着晃。

尤其是那尊跃动的青铜人形，堪称整场存在之诗的灵动注脚。金属肌理在阳光下泛着暖光，双腿被塑造成芦苇般的细条，脚尖踮起时带着不顾一切的轻盈，上半身前倾的弧度里，藏着要扑进浪涛的冲动。它没有饱满的肌肉线条，却用极致的纤细把“跳跃”的张力拉到极致：仿佛下一秒就要挣脱石墙束缚，让脆弱的躯体在蓝天下、浪声里，划出最顽强的生命弧线。

贾科梅蒂和毕加索做了二十多年朋友，俩人总泡在工作室里抬杠，今天你说艺术要瘦成线，明天我偏画胖成球的农牧神。难怪这雕塑的极简线条，和刚收的《农牧神》画稿像沾了同一片地中海的风～一个把形削到极致，一个把意揉得松软，倒像俩老伙计隔着几十年，在风里碰了碰杯。

我举着《农牧神》拓印画靠在雕塑旁，海风把画纸吹得贴紧手心。身后是贾科梅蒂的瘦芦苇立在蓝天下，手里是毕加索的软毛球沾着墨香～这趟逛展像中了彩：把大师的二十年交情、地中海的咸风，还有撞见艺术时的心跳，都裹在画纸里，揣回了生活里。

昂蒂布古堡外，海风裹着棕榈香漫过石墙，毕加索的雕塑立在明晃晃的阳光里。陶土留着指腹的纹路，石块上的蓝白涂鸦像被风晕开，把立体派色块揉进了地中海的松弛。临海步道飘来半段吉他声，和雕塑旁的小花撞在一起，艺术也沾了几分日常的鲜活。

古堡角落的雕塑藏着毕加索的随性～陶土碎屑混进石材肌理，几何块面裹着海边的光，涂鸦线条带着未干的颜料细尘。米罗的金属雕塑绕着爬藤，里希耶的青铜映着蓝绿色海面，石墙成了露天展厅，每一步都踩着创作即日常的自在。

这处雕塑活像小孩搭的石砖积木～红砖与灰白石材错着叠成高柱，砖面还沾着斑驳的旧痕，细金属杆像根隐形牙签串起整堆积木块。粗粝又松垮，恰好和古堡石墙融在一处，连砖缝里的浅绿青苔，都和步道石缝的苔藓染成了一个色调。

古堡旁的昂蒂布圣母无染原罪大教堂，也常被称为昂蒂布大教堂，是一座融合了多种建筑风格的历史古迹，拥有色彩斑斓的立面和丰富的宗jiao艺术品，是昂蒂布老城区的重要地标之一。

暖黄色的老墙面泛着哑光质感，墙皮的颗粒感裹着日晒的温度，中间嵌着块浸满岁月的古罗马残碑，拉丁文铭文的刻痕里缠满墙灰，指尖碰上去该是糙糙的凉；下方的猫头鹰浮雕还凝着千年前的线条，纹路里积着时光落的细尘。墙根却戳地立着台现代停车缴费机，银灰外壳泛着冷硬的塑料光，和老墙的温润质感透着股微妙的反差。亦古亦今，像把千年时光揉碎了，融进这座小城的烟火气里。

再把镜头转向海港～蓝天下白帆挤在清透的海里，缆绳浸着地中海的光。毕加索当年画里的蓝与白，就是这港口的颜色：他把陶土捏进松弛，把海风探进雕塑，连如今的帆影，都是他画布上没干的颜料。

昂蒂布的日常，本就是他画过的那片蓝。而这份把港口画成日常的松弛，恰好应了他的话：“我14岁的时候，就能画得像拉斐尔一样好！但却花了一生的时间去学习如何像小孩子一样作画。”昂蒂布的海风，正是让他找回这份孩童般纯粹的温柔底色～把最普通的蓝与白，画成了最动人的艺术，风一吹，还带着颜料未干的温软。

拍摄:又见炊烟

撰文:又见炊烟

拍摄时间:2024年7月7日