南京德基艺术博物馆《动静无尽：馆藏花卉主题艺术杰作展第三章节“花卉之外” 》观后感（上）

姚云

美篇昵称：姚云美篇号：3721412 请跟随我继续参观《动静无尽：馆藏花卉主题艺术杰作展》，我们现在走在的是“花卉之外”展厅。 进入20世纪，艺术中的花已然突破现实经验的边界与自然法则的桎梏，化身为通往心灵幽境与象征世界的独特媒介。 在这里，花不再仅仅局限于自然的意象，它成为了生命的自我宣言，以一种独特而又强烈的方式，映照出生命与宇宙的原初共鸣。每一朵花都仿佛蕴含着宇宙的奥秘与生命的真谛，在艺术的殿堂中绽放着永恒的光芒。 勒内·马格里特深受弗洛伊德心理学说的启迪，一头扎进梦境与潜意识的神秘领域。他大胆地将自然界中真实的花朵，替换成其绘画里屡见不鲜的天空与木纹意象，彻底颠覆了图像与意义之间传统的关联模式。在他的笔下，花挣脱了现实的枷锁，绽放成为一种超越尘世的神秘存在，宛如夜空中闪烁的星辰，散发着难以捉摸的魅力。 而在中国画家吴大羽的笔触之下，花则幻化为抽象的动势与澎湃的色彩能量。这些灵动的元素相互交织，共同营造出一种心灵与天地相互激荡、相互感应的灵光幻景。每一朵花仿佛都蕴含着无尽的情感与思想，在画布上跳跃、舞动，诉说着画家内心深处的故事。 与此同时，花在艺术中的象征意涵愈发丰富多元，犹如一座蕴藏着无尽宝藏的宝库。亨利·卢梭一生都未曾离开过法国的土地，他的创作灵感大多源自通俗读物的插图以及在巴黎植物园的细致观察。然而，他却凭借着稚拙而原始的笔触，在那一束束缤纷绚丽的瓶花之间，寄托了复杂而深沉的寓意，婉转而隐秘地表达着自己内心的情感。 夏加尔、莫兰迪、陶冷月、丘堤等艺术家笔下的花，更是与他们的人生经历、内心体验、文化传统以及所处的时代境遇紧密交织在一起。他们以象征的手法，将具象的花朵与抽象的心象、自然的形态与灵动的思绪完美地融汇为一体，创造出一个个独特而又富有魅力的艺术世界。 花的象征意义在当代艺术中得到了进一步的延展，它开始指向生命与存在的多重维度，宛如一面镜子，映照出生命的复杂与多元。吴冠中巧妙地运用人体与山水、花草的互喻共生，深入探寻生命的韵律与丰盈之美。在他的作品中，花不仅仅是一种自然的存在，更是生命活力与韵律的生动体现。 草间弥生则将童年幻视中的花转化为精神世界的显现，那些不断增殖与碎裂的花朵，如同她内心世界的碎片，在不断的重塑中展现出她对自我的深刻认知与追求。 大卫·霍克尼以花为镜，在色彩的强烈对比中，静静地凝视着生命的瞬息与绵延。他笔下的花，仿佛是时间的使者，记录着生命的每一个瞬间，又预示着生命的永恒。 花之诞 勒内·马格里特，比利时, 1898 - 1967 花之诞，1929，布面油画 比利时超现实主义大师勒内·马格里特以其标志性的视觉语言闻名，黑色圆顶礼帽、漂浮的云朵、神秘的烟斗与苹果等经典母题，在他笔下被赋予超现实的魔力，将日常物象转化为充满诗意的奇幻意象。 在《花之诞》这幅作品中，马格里特延续了他对"错置"手法的精妙运用，以花朵为核心意象，却将其置换为画作中反复出现的两个核心象征，细腻的木纹肌理与无垠的天空。这种颠覆性的图像重构，让花朵在现实与幻想的临界点上重生，彻底解构了传统图像与意义的固定关联，使其绽放为超越物质世界的神秘存在。 值得注意的是，这幅作品创作于马格里特启程拜访西班牙超现实主义巨匠萨尔瓦多·达利的旅途中。在罕见的创作自述中，马格里特破例在画布正面亲笔题写了作品名称，这一特殊举动暗示着作品的非凡意义，它不仅是艺术语言的实验，更是一份精心准备的礼物，献给达利挚爱的妹妹。这份跨越艺术流派的情谊，为《花之诞》增添了一层更为动人的创作背景，让这朵超现实之花在艺术史的长廊中绽放出独特的光彩。 无题106 吴大羽，中国，1903-1988 无题106，约1980，布面油画 “天壤间人眼目的，只藏揽于隐晦的势象，这势象之灵，冰清月洁，含着不具形质的质虚，比诸建筑的体势而抽象之，又感乐音形影到眼前，盈盈若无骨血的游戏，类乎舞蹈美的留其姿动于静止，抓住而留不予文字。”——吴大羽在1941年致冠中、朱慧鹏信中，首次提出“势象”理论，可视作中国抽象艺术的开创时起。 无题128 吴大羽，中国，1903-1988 无题128，约1980，布面油画 吴大羽是中国现代绘画史上一位先知式的艺术先觉者。他以诗性哲思提出"天地是心的外形"的深刻洞见，将笔触运动中妙造天然的“势"，与心灵同天地共鸣激荡而生的"象"熔铸为一，更广采建筑之构型张力、音乐之流动韵律、舞蹈之形神韵致、文字之精神气象，最终开创出既具奇崛灵幻之思、又含绵密稳健之质的"势象"美学体系，由此被尊为中国抽象艺术的奠基者。 《无题128》作为其晚期最具代表性的创作之一，以具有雕塑般量感的普蓝色为基调，通过点、线、面的精妙组织，使花的具象形态逐渐升华为抽象的动势与色块交响。 此作与《无题106》共同勾勒出吴大羽晚年艺术臻于化境的精神轨迹，不仅揭示了花之意象在其抽象语言建构中的核心地位，更印证了他对生命本质的深刻体悟，正如其所言："人生所要求的是我们人人懂得如何开发人生的花朵。"在这位艺术先知的笔下，花早已超越自然物象，成为人类精神绽放的永恒隐喻。 争艳 沙耆，中国, 1914 - 2005 争艳，1989，布面油画 享有"中国梵高"美誉的沙耆，早年负笈比利时求学，后因罹患精神疾病归国，隐居于浙江鄞县故里。虽长期为疾病所困，他始终坚守独立自由的艺术本心，创作热忱未曾消减，反在晚年迸发出惊人的艺术生命力。 《争艳》作于75岁高龄，是其融汇写实主义、印象主义、野兽主义与表现主义的集大成之作。远处田园、山峦与流云构成苍茫天然幕布，近景处红、黄、白、紫诸色菊花竞相怒放，以蓬勃之势争夺春光。 画面中花卉与背景山峦的比例刻意失衡，反而酝酿出超现实的诗意氛围。在自由奔放的笔触纵横间，既可见艺术家胸中喷薄的生命烈焰，亦能感知其对自然造化的赤诚礼赞。这幅晚年力作，恰似其艺术生命的炽热绽放，将内心激情与天地生机熔铸于绚烂画布之上。 兰芷 丁衍庸，中国，1902 - 1978 兰芷，1971，纤维板上油画 被誉为"现代八大山人"与"东方马蒂斯"的留日艺术先驱丁衍庸，以其非凡的艺术跨界能力著称，自由游走于油画、水墨、篆刻等多重媒介之间，笔下形象奇崛简括而夸张变形，最终淬炼出"跨越东西藩篱、游戏古今艺境"的独特美学范式。 这位生性狷介洒脱的艺术家，尤嗜描绘鬼神题材，其作品常氤氲着游离人神两界的神秘气息，仿佛在现实与超验的边界上起舞。 《兰芷》作为其晚年创作巅峰期的扛鼎之作，凝聚了丁衍庸艺术生涯的精华，笔法老辣遒劲而刚柔相济，设色明艳夺目且张力充盈。艺术家匠心独运地舍弃了传统花卉绘画中常见的器皿与根部描绘，令兰芷如离尘之仙株悬浮于虚空，呈现出漂泊无依的孤绝之姿，恰如其分地映射出他彼时超然物外的心境。 在楚辞文化谱系中，兰芷本就与"巫"的意象深度关联，既象征着高洁不渝的人格品格，又承载着通达天地神明的灵性力量。丁衍庸曾将此作郑重赠予弟子，其中既蕴含着对后辈品格修养的殷切期许，更寄托着一段超越技艺传承的精神托付——在那悬浮的兰芷间，我们仿佛窥见了艺术家对艺术真谛与生命境界的终极叩问。 兰花 刘抗，中国，1911 - 2004 兰花，1951，布面油画 作为"南洋画派"的奠基者，刘抗以非凡的艺术智慧将"书画同源"的中式美学精神，与南洋热带风土中涌动的原始生命趣味熔铸为一，开创出独具特色的艺术范式。 《兰花》正是其南洋风格的典范之作：这株浸润文人气质的幽兰，在热带骄阳的沐浴下焕发着蓬勃生机。 艺术家以不加矫饰的率意笔触勾画花瓣轮廓，任其自然流淌的痕迹与曲折而富韧性的花茎、微微倾斜的花盆形成巧妙呼应，共同编织出画面跃动的生命韵律。花瓣上跃动的光色与干刷笔触晕染的墨蓝背景相互映发，极简的造型语言与直率的用笔方式，剥离了一切矫饰，呈现出返璞归真的质朴美感，在这看似随意的挥洒间，热带阳光滋养的自然意趣正以最本真的姿态蓬勃生长，绽放出跨越文化藩篱的艺术生命力。 镜子 朱沅芷，中国，1906 - 1963 镜子，1945。布面油画 朱沅芷1906年出生于广东开平，15岁时便踏上了前往美国的移居之路。此后，他的足迹先后辗转于旧金山、巴黎与纽约。他是最早凭借个体之力，在欧美现代艺术语境中崭露头角的华人画家之一。 朱沅芷的绘画风格独树一帜，巧妙地融合了多种艺术流派的精髓。野兽主义那鲜明浓烈的色彩，在他的笔下肆意绽放，为画面注入了强大的视觉冲击力；立体主义严谨的形式结构，赋予作品一种理性而有序的架构；超现实主义对人类心理世界的深度探索，让画作蕴含着神秘而深邃的精神内涵；同步主义（Synchronism）独特的色彩交响，使色彩之间相互呼应、和谐共鸣。在他的画作中，这些元素相互交织、碰撞，营造出一种既冷峻逼真又梦幻抒情的独特张力。 《镜子》创作于朱沅芷旅居纽约的时期。画中，瓶花、果物与围巾静静陈列，它们与镜中的影像相互交融，界限却又清晰可辨。实物与镜像之间那微妙而错乱的关系，宛如一面镜子，映射出真实与感知之间那难以弥合的裂隙。同时，这幅画也如同一个窗口，折射出艺术家在多重文化经验交织下，内心经历的分裂与重组的精神状态，让观者在欣赏画作的同时，不禁陷入对自我认知和现实世界的深度思考。 三色堇 张荔英，中国，1906 - 1993 三色堇，1940 - 1947，布面油画 张荔英是素有“民国奇人”之称的张静江之女，自幼辗转巴黎、纽约与上海接受多元教育，1954年定居新加坡后，她不仅成为当地“六大先驱画家”之一，更以唯一女性身份跻身“南洋画派”先锋行列。 20世纪40年代战火纷飞，张荔英与丈夫陈友仁曾被日军软禁于上海。困顿岁月里，绘画成为她安顿心灵的出口。她将日常生活的细微片段凝练于画布之上，《三色堇》正是这一特殊时期的代表作。 在这幅作品中，张荔英以柔和的色调与温婉的笔触勾勒物象，虽未刻意追求极致的写实，却细腻保留了花卉与器物的细节与质感。画面色彩如低语般和谐交融，整体氛围典雅含蓄，流淌着温馨宁静的气息。背景中，古朴的床头板与案几以错落的形态层叠铺展，在小景深的处理下形成丰富的层次感，仿佛在动荡时局中悄然辟出一方属于心灵的精神净土，让观者得以窥见战乱年代里那份难得的从容与诗意。 蜀葵 丘堤，中国，1906 - 1958 蜀葵，1939，布面油画 丘堤作为“决澜社”核心成员、中国现代艺术的女性先驱，其艺术生涯始终贯穿着一条鲜明的脉络，将西方现代主义思潮创造性地转化为独具个人标识的艺术语言。1939年抗战烽火中诞生的《蜀葵》，正是这一艺术探索的典型延续。彼时山河动荡，她却以对形式语言的极致淬炼，在画布上坚守着艺术的自由品格与精神尊严。 该作以精湛的光影层次铺陈画面基底，辅以色块的概括性平涂，巧妙融汇了后印象主义对色彩关系的深刻洞察与稚拙艺术直率本真的表达特质，同时注入民间装饰艺术特有的质朴韵律与灵动生机。画中蜀葵，这一自传统文化便承载着坚韧品格与昂扬意气的意象，在丘堤笔下超越了单纯的植物形态，它既是自然生命的具象呈现，更是乱世中艺术家以花喻志的精神载体，以蓬勃绽放的姿态守护着美与自由的永恒价值。 值得注意的是，丘堤存世画作仅二十余幅，《蜀葵》作为其中极具代表性的创作，不仅因其艺术语言的成熟与创新而珍贵，更因凝结着特殊时代背景下艺术家对美学信念的执着坚守，而成为中国现代艺术史中不可多得的瑰宝。 秋光清絮 庞薰琹，中国，1906 - 1985 秋光清絮，1972，布面油画 庞薰琹作为中国首个现代艺术团体"决澜社"的创始人，同时也是新中国第一所工艺美术高等学府——中央工艺美术学院的缔造者。1972年，当他从中央工艺美术学院荣休之际，人生轨迹的转折促使他重新聚焦花卉题材，将其转化为情感表达与艺术探索的重要载体。 《秋光清絮》正是这一时期的杰出代表，画作中氤氲着印象主义特有的迷离光晕，笔触看似疏朗洒脱，实则内蕴沉静神韵。作品既展现出装饰艺术对形式美感的精妙把握，又流淌着如乐章般清新隽永的节奏与意蕴。 在特殊的历史时期，庞薰琹以菊花为精神载体，将文人风骨与艺术理想凝练于笔端，纵使身处逆境，他依然以温润而坚韧的笔触，在画布上镌刻下对美的执着，让艺术精神如秋菊凌霜，恒久绽放在人间。 端阳八景 陶冷月，中国，1895 - 1985 端阳八景，1921，布面油画 陶冷月作为"新中国画"运动的先驱者，以其独创性的艺术语言开辟了中国画现代化的新路径。他巧妙地将中国传统没骨画法与西方绘画的光影技法、空间透视原理相融合，成功营造出独具东方诗意的"冷月清辉"艺术境界。这一划时代的艺术探索，在其重要作品《端阳八景》中得到了充分展现。 该作品以精湛的写实技法，细腻刻画了石榴花、栀子花、菖蒲、艾草、粽子、大蒜、咸蛋和蚊香等八组典型端午风物。画家通过柔和的光影处理与精妙的质感表现，使这些寻常物象焕发出非凡的艺术魅力。在形式语言上，作品采用中国传统文人画特有的横卷式构图，将日常民俗元素升华为承载深厚文化意蕴的载体，赋予作品丰富的象征内涵。 尤为珍贵的是，《端阳八景》是目前所见最早署有"冷月"名号的作品，这一发现不仅印证了艺术家在创作此画同年（1920年代初期）立志艺术革新的重要转折，更因其特殊的创作背景而具有不可替代的美术史研究价值。该作品堪称陶冷月艺术转型期的典范之作，既展现了传统文人画的雅致格调，又彰显了中西融合的创新精神，为我们理解中国近现代绘画的革新历程提供了珍贵的视觉文本。 自有春晖满槐 苏天赐，中国,1922 - 2006 自有春晖满槐，1962，布面油画 中国当代杰出的油画家、美术教育家苏天赐，毕生致力于探索一条融合民族精神与现代审美的中国油画发展之路。在其丰富的艺术创作中，花卉题材始终占据着重要位置，而《自有春晖满槐》正是这一创作脉络中的巅峰之作。该作品巧妙地融汇中西绘画语言，在技法运用与审美意趣上实现了完美的平衡，以清新明丽的色彩和舒展灵动的笔触，生动地描绘了槐花绽放的盎然生机。 画面中，缀满花朵的枝条与鲜嫩绿叶在空间布局上疏密得当，既富于节奏变化又充满韵律美感。槐花花瓣以厚重而明亮的色彩层层叠加，展现出令人惊叹的质感表现力。整幅作品洋溢着诗意盎然的艺术意境，蕴含着对生命力量的热情讴歌，堪称苏天赐艺术生涯中最重要的代表作品之一，集中体现了其艺术创作的最高成就。 作品名称"自有春晖满槐"源自艺术家的座右铭"自有春晖满怀"，其中"槐"与"怀"的精妙谐音，不仅彰显了艺术家高超的语言智慧，更深刻地揭示了其人生追求与艺术理想的本质。以槐花的自然之美隐喻胸怀天下的艺术情怀，以春晖般的光明意象传递对美好生活的永恒向往。这一命名本身，就是苏天赐艺术哲学最为凝练的表达。 丁香 吴冠中，中国，1919 - 2010 丁香，1991，布面油画 中国第二代留法艺术大师吴冠中，毕生执着于油画民族化与水墨现代化的双向探索，开创了中国现代绘画的新境界。创作于特殊历史节点的《丁香》，正是其艺术生涯中极具意义的代表性作品，这幅诞生于1991年的花卉题材佳作，恰逢吴冠中荣获法国文化部颁发的法国文艺最高勋位之际。 这一年，因深切牵挂重病中的爱人而一度搁笔的艺术家，在偶然间见到妻子早年绘制的丁香花写生稿，那些承载着共同记忆的笔触瞬间唤醒了沉睡的创作激情。这幅在吴冠中创作历程中极为罕见的花卉主题作品，因而被赋予了非同寻常的情感重量。 画面中，艺术家巧妙运用传统水墨的笔墨精髓与留白艺术，以极具个人风格的笔调，或浓或淡、或聚或散，配合清新明快而又富有跳跃感的色彩处理，将丁香花这一传统文学中象征忧愁、思念与爱情的经典意象，转化为对四十五载风雨同舟的伉俪情深的深情礼赞。每一处笔触的起承转合，每一抹色彩的浓淡相宜，都诉说着这对艺术伴侣相濡以沫的深厚情感，使这幅作品超越了单纯的静物描绘，成为一段真挚爱情的视觉见证。 莲花 赵无极，中国,1920 - 2013 莲花，1952，布面油画 《莲花》是赵无极艺术生涯中至关重要的"克利时期"（1950年代初）的典型代表作品，生动展现了这位艺术大师如何在保罗·克利（Paul Klee）的深刻影响下，于西方现代艺术的语境中重新发现并创造性转化中国文化传统。 在这幅具有里程碑意义的作品中，莲花、果实与杯盏等传统物象被高度提炼为极富象征意味的视觉符号，它们如同远古文明留下的神秘刻痕，在温暖明亮的黄色背景衬托下，升华为一种飘渺而富有诗意的哲学思考。画面中若隐若现的红色与绿色点缀，与那些古朴而灵动的线性符号交织在一起，共同构筑出一个既空灵神秘又贯通古今的美学空间，在具象与抽象的边界上展开了一场跨越时空的对话。 1948年，赵无极怀揣艺术抱负抵达巴黎，最初致力于突破传统中国画的桎梏，积极向塞尚、马蒂斯、毕加索等西方现代主义大师学习。然而，艺术生涯的真正转折出现在1951年，当他在瑞士日内瓦首次亲眼目睹保罗·克利的原作时，克利作品中那些既蕴含东方意蕴又充满现代感的抽象线条与虚幻符号，使他豁然开朗，原来他所苦苦追寻的现代性，恰恰深植于中国数千年的文化传统之中。 由此，赵无极开始了自觉的艺术转向，有意识地从中国古代书法、绘画与青铜器等经典艺术形式中汲取养分，逐步构建起一种真正融汇中西文化精髓的独特艺术语言，最终成就了其独具一格的抽象表现主义风格。 保罗·克利《古铭文》（Ancient Inscription），水彩纸本，1919年创作。这件对赵无极产生深远影响的克利早期代表作，原为其私人收藏，后由赵夫人凡思娃（Françoise Marquet）捐赠予法国圣罗克疗养院美术馆（l'Hospice Saint-Roch）。 小型花卉静物 保罗·克利，瑞士，1879 - 1940 小型花卉静物，1926，木板油画、水粉 作为现代艺术史上最具语言创新性与风格多变性的艺术大师之一，保罗·克利自幼便对自然世界怀有深切而持久的热忱，植物题材也因此成为贯穿其艺术生涯的重要母题。 20世纪20年代，克利执教于德国包豪斯学院期间，凭借其对几何形式的非凡想象力与独到运用而闻名，逐渐形成了一种游走于抽象与具象、叙事联想与象征主义之间的独特艺术语言。《小型花卉静物》正是这一创作阶段的典型代表，集中展现了克利对艺术表达边界的突破性探索。 在这幅作品中，克利巧妙地将植物的自然生长动态与基本的几何形态相互关联，创造出一种介乎具象与抽象之间的视觉语言。 画面中的具象元素几近消隐，艺术家仅通过灵动飘逸的线条与精炼的几何构造来暗示花卉的形态与生命力，这种高度提炼的表现手法，不仅折射出他对现实世界的深刻观察，更构建起一种充满哲思的寓言式视觉诠释。通过对自然形态的几何化解构与重构，克利赋予这些平凡的花卉静物以超越物质层面的象征意义，使其成为通向更深层精神世界的视觉桥梁。 绣球花与柠檬 塔玛拉·德·蓝碧嘉，波兰，1898 - 1980 绣球花与柠檬，约1922，布面油画 塔玛拉·德·蓝碧嘉被誉为"装饰艺术女王"，是20世纪重要艺术运动在绘画领域最具代表性的杰出人物。1922年，她以惊艳之姿亮相巴黎秋季沙龙，由此正式登上艺术舞台，而《绣球花与柠檬》正是这一关键创作时期的典型作品。 在这幅充满先锋精神的画作中，蓝碧嘉以极具个人特色的艺术语言重新诠释了静物主题。画面中的绣球花、叶片与柠檬被解构为简练而富有张力的几何块面，呈现出如钻石切面般璀璨夺目的质感效果，这种处理方式既保留了物象的基本识别特征，又赋予其强烈的现代形式感。背景中，艺术家运用浓郁饱满的群青色调，通过表现织物柔软的褶皱与丝绸般华丽的光泽，与前景中几何化的花卉静物形成微妙而精妙的对比关系。 这幅作品鲜明地展现了蓝碧嘉对立体主义形式语言与装饰艺术美学理念的创造性融合，她将现代艺术的结构性探索与装饰艺术追求的华美质感完美结合，既体现了对当时艺术潮流的敏锐把握，也预示了她日后日趋成熟且极具辨识度的个人艺术语言的形成。通过这种独特的视觉表达，蓝碧嘉不仅重新定义了静物画的表现可能，更为装饰艺术运动注入了前所未有的绘画性活力。 澄澈(蓝色、黑色、红色和紫色) 娜塔莉·杜尔伯格&汉斯·博格 瑞典，1978 & 1978 澄澈(蓝色、黑色、红色和紫色)，2015，混合媒体，旋转平台 娜塔莉·杜尔伯格与汉斯·博格是当代艺术界备受瞩目的艺术组合，两位艺术家均于1978年出生于瑞典。他们的合作作品《澄澈（蓝色、黑色、红色和紫色）》创作于2015年，是一件运用混合媒介创作、依托旋转平台进行展示的装置作品，体现了他们对材料创新与观展体验的深度探索。 在艺术风格上，杜尔伯格与博格以奇幻而超现实的视觉语言著称，其创作始终聚焦于人性本质、内在欲望与潜意识世界等深刻主题。 这件题为《澄澈》的作品本身即构成了一个充满张力的视觉隐喻。作品名称所暗示的纯净通透之感，与蓝、黑、红、紫等浓烈而富有情感重量的色彩形成鲜明碰撞。旋转平台的动态设计使作品呈现出持续变化的视觉效果，观众的视角随着平台的转动而不断更新，进而在这种色彩的交织与视觉的流动中，引发对内心情绪波动、复杂精神状态，以及现实与虚幻边界等哲学性问题的思考。 这件作品不仅传递出艺术家对人类心理与存在状态的深刻洞察，更展现了他们对多元媒介融合的实验精神以及对沉浸式艺术体验的前瞻性探索，彰显了杜尔伯格与博格在当代艺术语境中独树一帜的创作理念与视觉表达。 本文介绍了参观南京德基艺术博物馆《动静无尽：馆藏花卉主题艺术杰作展第三章节“花卉之外”》展厅中的十七幅作品，下篇将继续为您介绍该展厅中的其他作品，请静候。 <a href="https://www.meipian.cn/5hfz92tz" target="_blank" style="font-size:22px; color:rgb(176, 79, 187);">南京德基艺术博物馆《动静无尽：馆藏花卉主题艺术杰作展第一章节“异花授粉” 》观后感</a> 是<a href="https://www.meipian.cn/5hhbh9xq" target="_blank" style="font-size:22px; color:rgb(176, 79, 187);">南京德基艺术博物馆《动静无尽：馆藏花卉主题艺术杰作展第二章节“先锋园艺” 》观后感（上）</a> <a href="https://www.meipian.cn/5hjo75uf" target="_blank" style="font-size:22px; color:rgb(176, 79, 187);">南京德基艺术博物馆《动静无尽：馆藏花卉主题艺术杰作展第二章节“先锋园艺” 》观后感（下）</a>