艺术美学

宋英瑜

艺术的起源

中外艺术史上关于艺术起源的问题，从理论上进行了尊重探索，形成了许多不同的观点，产生了许多不同的体系，影响较大的，主要有以下五种。

‍一、模仿说

‍艺术起源于模仿。古希腊哲学家德谟克利特认为，艺术是对自然的模仿这是西方最古老的艺术起源理论，强调了艺术与客观世界的联系。

‍二、表现说

‍艺术起源于人类内心情感和思想表达的需要。强调艺术的本质是创作者内心世界的外化，而非对外部现实的模仿。

‍三、巫术说

‍艺术起源于原始民族的巫术仪式和活动。原始人通过绘画、舞蹈、咒语等企图控制自然、祈求狩猎成功。

‍四、游戏说

‍艺术起源于人类过剩精力的游戏冲动，是一种无功利、自由的活动。

‍五、劳动说

‍艺术起源于人类的生产劳动实践。劳动为艺术创造了主体（人）、对象（题材）和形式（节奏、韵律等）。

西方审美范畴

优美：呈现出单纯、静穆、和谐、完整的特点。优美是由古希腊文化培育出来的审美形态。

‍ 崇高：显示出一种“深邃感”蕴含着自我超越精神。崇高源自希伯来文化与西方基督教文化。

悲剧性：悲剧往往与死亡和痛苦相联系，然而，作为生理规律的死亡和作为心理现象的痛苦，本身并没有悲剧意义。死亡和痛苦的悲剧意义在于，它们以某种方式代表、体现和肯定了某种理想、某种价值。

喜剧性：与讽刺、嘲笑、幽默等概念相联系。喜剧性的表现形式多样，既有讽刺社会现象的深度喜剧，也有轻松愉快的通俗喜剧。

丑：不符合传统美的标准的事物的美。这种审美形态常常被认为是一种反叛传统美学标准的表现。

荒诞：主要表现了一些荒谬、无意义的事物或情境所具有的美。荒诞性的审美形态常常被认为是对传统审美标准的一种挑战和颠覆。

崇高与悲剧

内涵

悲剧：悲剧的内涵在于冲突、抗争与毁灭，体现人的本质力量的实践主体暂时被否定而最终被肯定，代表历史发展方向的实践主体暂时受挫折而终将获得胜利。

崇高：崇高主要体现的是人生实践中，由于主体的巨大力量，更多地展示着主体在实践中的冲突和对立状态，并且在这一对立冲突中，显示出的作为主体的人对自然、社会以及人自身的超越。

形式

悲剧：悲剧的形式通常是通过社会上新旧力量的矛盾冲突，显示新生力量与旧势力的抗争。

崇高：自然界的崇高以其数量与力量上的巨大引起人们的惊讶和敬赞，经常以突破形式美的形态展现，如锐角、方形、巨大等。

情感体验

悲剧：悲剧旨在引起观众的怜悯和同情，并唤起人们高尚的情感。

崇高：崇高感包括两种不同的感情，首先是恐惧，然后是惊奇和赞美。

尼采关于悲剧说

日神精神：以太阳神阿波罗为象征，代表造型艺术，用光明幻景掩盖痛苦，让人沉醉于个体完满的梦境，获得生活勇气，体现个体化原理

酒神精神：以酒神狄奥尼索斯为象征，代表音乐艺术，撕碎虚幻表象，展现世界本真，消解个体界限，使人回归万物统一的状态，体验自由与永恒生命的快乐

悲剧的起源与本质

悲剧源于日神与酒神精神的斗争与结合。从酒神节庆的狂欢幻觉，到萨提儿歌队的艺术模仿，再到戏剧形式的出现，酒神音乐不断向日神形象世界迸发，最终孕育出悲剧这一艺术顶峰

悲剧快感的来源

悲剧快感来自“形而上的慰藉”：通过个体毁灭引导人脱离现象，回归世界本质，与永恒生命合一，在审美层面赋予无意义的世界生成过程以意义，让人感受世界意志的生存快乐

悲剧的衰落

尼采认为苏格拉底开启的科学主义世界观是悲剧衰落的根源，其用抽象逻辑和经验主义回避世界无意义的本质，导致悲剧的形而上学信念崩塌。

中国雕塑美

1. 上古至秦汉

青铜时代（商周）： 三星堆的青铜神像、面具，以其夸张的双眼、巨大的双耳和凌厉的线条，展现出一种沟通天地的神秘与威严之美。

秦汉时期： 秦始皇陵的兵马俑，以其数量之巨、写实之精、气势之磅礴，展现了帝国一统的秩序与力量之美。每个俑像都独一无二，神情肃穆，组成了一支沉寂于地下的庞大军阵。

2. 魏晋南北朝至唐

佛教艺术的传入与融合 这是中国雕塑的黄金时代。从云冈石窟的浑厚雄健，到龙门石窟的秀骨清像，再到麦积山石窟的甜美微笑，佛教造像逐渐从印度的秣菟罗风格与中国士人审美相结合。

盛唐的丰腴与华贵： 唐代雕塑达到顶峰，以龙门石窟的卢舍那大佛为代表。身体曲线饱满流畅，衣纹如水波般垂下，整体气势恢宏，体现了大唐盛世的自信、开放与包容之美。

3. 宋元明清

宋代： 艺术重心转向世俗生活。山西太原晋祠的彩塑侍女像，身材窈窕，表情细腻，姿态自然，不再是高高在上的神祇，而是充满人间烟火气的女子，展现出一种温婉、写实的人情之美。

明清： 雕塑技法更趋精细繁复，但少了一些前朝的大气。如北京雍和宫的檀木大佛，工艺登峰造极，细节无比华丽，体现了宫廷的奢华与藏传佛教的艺术特色。

一、 核心哲学思想

1. “气韵生动”

这是中国画的最高准则，也是构图的终极目标。构图不是为了准确地再现物体，而是要安排出画面的“气”和“韵”，使整个画面充满生命律动和内在精神。构图中的疏密、虚实、开合，都是为了引导“气”在画中流转贯通。

2. “天人合一”的宇宙观

中国画家不是自然的奴隶，而是自然的合作者。构图体现的是画家心中对自然秩序的领悟，是主观情感与客观景物的交融。因此，画面是一个自足的小宇宙，山、水、树、石、人、屋各得其所，和谐共处。

二、 核心构图原则与手法

1. 散点透视法 / 动点透视法

2. 留白 —— “计白当黑”

3. 虚实相生

4. 疏密有致

5. 起、承、转、合

6. “S”形构图 / 之字形构图

总结

中国绘画的构图美学，本质上是一种 “心象”的布局。它不拘泥于视觉的真实，而追求意境和哲思的真实。通过散点透视、留白、虚实、疏密等手法，画家在二维平面上经营出一个气韵流动、可居可游的三维心理空间。这不仅是一种技艺，更是一种深刻的世界观和生命观的体现，让观者在尺幅之间，体验“卧游”之乐，感悟天地之无限。

婉约词派和豪放词派

婉约词派和豪放词派是中国宋词史上最具代表性、影响最深远的两个流派。

婉约词派

婉约词派是宋词的主流和正宗，其风格含蓄蕴藉，情感细腻委婉，内容上多描写个人际遇、男女情爱、离愁别绪，形式上讲究音律谐婉，语言圆润清丽。

主要特点：

1. 题材内容： 以“艳科”为主，专注于个人情感世界。常见题材有：

男女爱情、伤春悲秋、离愁别绪

2. 艺术风格：

含蓄委婉：情感不直接宣泄，而是通过景物、意象来烘托，讲究“意在言外”。

音律和谐：格律严谨，语言音乐性极强，读来朗朗上口。

豪放词派是宋词的一大革新，其风格恢弘雄放，境界开阔，突破了“词为艳科”的藩篱，将词的题材扩大到人生、社会、历史的广阔天地。

主要特点：

1. 题材内容： 无所不包，“以诗为词”。

家国情怀：抒发爱国热情，表达收复失地的壮志。

人生感慨：咏史怀古，探讨人生哲理。

田园山水：描绘壮丽山河，抒发旷达胸襟。

2. 艺术风格：

大气磅礴：气象恢弘，境界开阔，有阳刚之美。

不拘格律：为了表达内容的需要，有时会突破音律的束缚。

直抒胸臆：情感奔放，率真豪迈，不喜含蓄曲折。

语言奔放：多用宏大的意象、夸张的手法。

1. 节奏是格律的基础：

· 任何格律都是建立在人类对节奏的天然感知之上的。平仄的交替、押韵的间隔，本质上都是为了创造一种更精致、更稳定的节奏感。没有节奏感，格律就成了一堆僵死的条文。

2. 格律是节奏的升华和固化：

· 格律将自由、天然的节奏感，通过一套精密的规则固定下来，使之成为一种高度凝练、富有音乐美的形式。它是对节奏的“提纯”和“强化”。

· 例如，人们本能地觉得“哒-哒-哒-哒”有节奏，而格律则将其规定为“平-仄-平-仄”，并赋予其文化内涵和美学价值。

3. 对立与统一：

· 统一性：在格律诗中，格律与节奏是高度统一的。诗的节奏完全由格律所规定和体现。遵循格律，就能产生预期的、优美的节奏。

· 对立性/张力：在创作中，高明的诗人有时会在格律的框架内进行微妙的变奏，即在个别地方打破固定的平仄或节奏模式，以表达特殊的情感或突出重点。这种“破格”恰恰是在与格律的张力中，产生了更强烈的艺术效果。

中国山水画与西方风景画

表现手法：中国山水画注重笔墨，运用皴擦点染等技法表现自然神韵，追求意境和气韵，不拘泥于细节真实。西方风景画注重写实，强调光影效果、色彩运用和空间感，通过明暗对比和冷暖色调搭配营造氛围。

工具材料：中国山水画主要使用毛笔、墨、宣纸或绢，色彩上有水墨、浅绛、青绿、金碧等形式。西方风景画多用油画颜料、画布，也会使用水彩、粉彩等，色彩丰富且层次感强。

构图与空间：中国山水画采用散点透视，画面空间自由流动，以“高远”“深远”“平远”表现空间层次，构图讲究虚实结合，留白是重要手法。西方风景画采用焦点透视，强调空间深度和立体感，画面有明确的焦点和景深。

文化内涵：中国山水画深受道家、儒家思想影响，强调天人合一，常寄托画家的哲学思考与人生感悟，体现文人的审美情趣和精神追求。西方风景画受科学和人文主义影响，注重对自然的观察与再现，反映人对自然的探索与征服。

艺术理念：中国山水画追求“神似”，强调画家的主观情感与意境表达。西方风景画追求“形似”，注重对自然景物的真实再现，强调光影、色彩和质感的表现。