“缔造现代:来自巴黎奥赛博物馆的艺术瑰宝”2025/10/15

蔚（jw）

上海浦东美术馆奥赛展，全称是“缔造现代:来自巴黎奥赛博物馆的艺术瑰宝”。这是巴黎奥赛博物馆迄今为止，在中国最大规模的展览，107件展品，绘画86件，其他是雕塑类。一共分5个单元:美的无限形式；从现实主义到自然主义；新绘画与印象派；超越印象派；纳比派；秘密与装饰之间。 这是让莱昂.热罗姆《玩斗鸡的希腊年轻人》，是1846年的布面油画，在我们面前的这两幅画，都曾在当时法国最重要的艺术展上大获成功。当时的评委特别挑剔，想要在那里展出的一定是符合一定的标准，比如描绘历史或神话故事，整齐的画面，雕塑般完美的人物。前面这两幅就是符合这以上规则的。 亚历山大.卡巴内尔，1823_1889年于1845年获得罗马大奖的第二名。这幅画的名字叫《维纳斯的诞生》，长久以来，他被视为最典型的且备受批评的陈腐学派画家。尽管反对当时的现实主义，但他也在传统主义的框架内有所创新。卡巴内尔的画作风格呈交替，呈现出两种面貌，时而承蒙拉斐尔或米开朗基罗，力量感十足，时而流露出18世纪早期艺术的余音，满是感官诱惑。在1863年官方的沙龙展引起轰动的这幅作品维纳斯的诞生，就是沿袭了第二条脉络。甚至模仿了那种由蓝白粉组合的配色。许多评论家认为这幅画展现的是基本生理感官而非灵魂的高贵热情，本应端庄典雅从海沫中浮现的女神，在画中却在海中辗转，全靠那经典的塑型与细腻的笔触才抵消了他姿态上的“不妥”！ 让巴蒂斯特·卡尔波的《玛蒂尔德公主》，1862年大理石作品。她是意大利国王长女，嫁给了拿破仑的侄子，雕塑上可以看到衣服的蕾丝边装饰的蝴蝶和葡萄叶，脸上皮肤的细腻光滑让人感觉很温和，而不是冰冷。 保罗.博得里《玛德莱娜·布罗昂》，布面油画，1860年。她穿着天鹅绒长裙，闪着光泽蕾丝袖口，丝绒的沙发，一副慵懒的神态，眼神带着一点俏皮自信！ 莱昂.博纳《帕斯卡夫人》，这位夫人也是当时的社交贵妇，和小仲马、福楼拜、莫泊桑交情深厚，这符合上一幅不同显得端庄大气，白色的缎面裙子边是黑色皮草。头上有王冠冠饰，闪亮的宝石装饰在手上，据说为了画出皮草的真实感，特意从俄国买的比较昂贵的动物毛画画笔。 埃内斯特.梅索尼埃的《绘画爱好者》，1860年木板油画。展示的是那个时期画画的真实状态:室内。 艾内斯特.梅索尼埃的《1814年法国战役》，和看陈逸飞画鲁迅一样，他也是画心目中的英雄，绘画离不开时代，听说穿着拿破仑的衣服借了马等等。进来还原当时的真实景象，但也有缺点，就是雪会反光，所以一直在室内画画的艺术家掌握的并不熟练。 让.保罗.劳伦斯的罗贝尔二世被逐出教会，这幅画好像一幕舞台剧从不同角度可以看出其中的情节。这个国王因为爱上了表妹，违背了教规，被逐出教会。国王落寞无助的眼神，国王表妹眼中有不安，害怕依赖，也有一丝坚定国王手中失败的账。权杖倒了，超过正常比例的蜡烛，教皇劝说无辜以后离去无奈的背影。 《维克多.雨果》，奥古斯特.罗丹，1897年，青铜。 《朱尔.达卢》奥古斯特.罗丹，1883年，青铜。 《于利斯.比坦》埃内斯特.迪埃，1880年，布面油画 《克里斯潘和斯卡潘》。奥诺雷.杜米埃，约1864年布面油画。 《受伤的男人(自画像）》，古斯塔夫·库尔贝。1844_1854年，布面油画。 古斯塔夫.库尔贝。《皮埃尔.约瑟夫.蒲鲁东》。1865年，布面油画 《拾穗者》 —让-弗朗索瓦·米勒1857年展示于官方沙龙。小说家兼记者埃蒙德·阿布写道：“远远望去，这幅画便吸引了你，以一种宏伟又宁静的气息。我几乎想说，它如同一幅宗教画。” 尽管这幅场景充满宁静和谐之美，其间的三位女性让人联想起古代浮雕或普桑的画作。但她们弯曲的脊背和变形的双手以及褴褛的衣衫实际上呼应了当时社会的紧张气息。值得一提的是，拾穗工作通常在监视下完成：骑着马的工头作为地主的代理人，允许人们拾取遗落在田间的麦穗。 《利勒亚当森林中的大道》。泰奥多尔·卢梭，1849年布面油画。 夏尔·弗朗索瓦.多比尼《春天》1857年布面油画 纳西斯.迪亚兹.德拉佩纳的《枫丹白露森林》，1846年布面油画 《洗衣妇》保罗·吉古，1860年，布面油画。 《挽袖子的农夫(一）》，朱尔.达卢，约1898年，青铜。 朱尔·巴斯蒂安_勒帕热的《干草》。 《摔跤手》亚历山大·法尔吉埃，1875年，布面油画。 埃德加.德加《佩罗蒂埃街歌剧院的舞蹈教室》 埃德加.德加1921_1931年。依次为《女按摩师》，镀色青铜小型组雕。《浴盆》，镀色青铜小铜像。《女人坐在扶手椅上擦拭身体左侧》，镀色青铜小雕像 《看台前的赛马》埃德加.德加，1866至1868.纸上油彩，裱于画布。 爱德华.马奈《女人和扇子》。 《苦艾酒》埃德加.德加，1875_1876年，布面油画。 《瓦尔泰斯.德.拉.比涅夫人》亨利.热尔韦，1879年，布面油画。 《罗歇·茹尔丹先生的夫人》阿尔贝·贝纳尔，1886年，布面油画。 卡米耶·毕沙罗《冬日里村庄一角的红色屋顶》 希斯莱的《马尔利港洪水中的小舟》让我念念不忘。非常和谐，清新细腻的笔触，描述的是1876年春天塞纳河那场可怕的洪水。云朵蓬松，低层大面积传递的情绪却不压抑，与蓝天相间更有一种舒朗感。画水也是他的一绝，这幅画中水波的流动涟漪，水面反射的天空，树木和建筑的倒影，灵动破碎，更有些望风的色彩。而穿行期间的人或独自滑行，或低声交谈，似乎都不慌不忙，让你根本看不到他们正经历一场大洪水。 西斯莱被认为是最纯粹，最坚定的印象派风景画家，他的佳作很多，本次展览还有一幅他的作品《砖场小路》。 《夏末的甘草堆》作者克劳劳德.莫奈。莫奈的干草堆系列共有25部作品，创作于1890年到1891年间，描绘了不同季节，不同时期的下一个主题。本作品是其中最具代表性的作品之一，它完美体现了印象派的核心理念并非在画干草堆这个物体本身，而是在画光线在干草堆上留下的“瞬间印象”。干草堆这一母题或许最能体现永恒的乡村风情，并折射出与之相关的法国社会面貌。自19世纪八九十年代起，莫奈专注于若干系列主题的创作，而干草堆正是最早令其名声大噪的系列之一。这些被视为法国国家象征的形象被笼罩在万千对比色调之中，呈现出不断变化的光线和时间。时间的尺度可以无穷小，也可以无限大，然而将两者结合在画中并非易事。1890年10月7日。他在给一个艺术家的信中说道:“我努力进行了许多尝试，想要呈现一系列各不相同的效果，但这段时间阳光退却的太快……我几乎无法跟上他的速度。要达到我追求的效果，必须付出巨大的努力，捕捉瞬间的感觉，尤其是光线四处弥散的氛围”。 保罗.塞尚《塞尚夫人肖像》。 《农家庭院》保罗·塞尚，1879年。辛勤劳作的人民真实写照。 《尚罗塞的塞纳河畔》奥古斯特·雷诺阿，1876年，布面油画。 雷诺阿的《乔治.夏庞蒂埃先生的夫人》，1876年到1877年的画作。雷诺阿与夏庞夫妇二人私交甚好。乔治·夏庞蒂埃不仅是自然主义家，尤其是左拉的重要出版商，还是艺术界的活跃人物。他开设了一家画廊，并推出了一本名为《现代生活》的杂志。夏庞蒂埃夫人的沙龙在此期间发挥了至关重要的作用。在1879年官方沙龙展出的那幅大幅尺画作中，雷诺阿描绘了夏庞蒂埃夫人与孩子们相伴的场景，现藏在纽约大都会艺术博物馆。而在这幅更早创作的画中，夏庞蒂埃夫人。以艺术赞助人的形象现身，嘴唇微抿，好像即刻要发表一番锐评，面露威严而不失温和！ 保罗·塞尚《黑城堡上方洞穴附近的岩石》，1904年，布面油画。塞尚生于艾克斯，卒于艾克斯，他希望将自己的作品镌刻在恒古不变、远离现代世界纷扰的文化与历史之中，他笔下的普罗旺斯是一片往复的熟悉之地，是一块每日、每生、每日写生的亲密地理空间。而地质学家、历史学家朋友们也的支持，也给了他不少启发。他对任何史前的蛛丝马迹都近乎痴迷。这幅塞尚晚期画作的视角逼近垂直，仿佛紧贴岩壁，使得岩块、植物和一角天空融为一个惊人的整体，呈现出宛如大洪水时代后的场景气息！ 保罗.塞尚《有洋葱的静物》，1896年到1898年，布面油画，塞尚觉得，画一棵蔬菜和画一个人同样重要。他对不同的水果和蔬菜充满兴趣，觉得每一个都有自己独特的个性。他曾说，他们带着各种的香气来到你面前，告诉你它们生长的田野，告诉你滋养它们的雨水，告诉你他们所见过的黎明。 《加布丽艾埃乐与玫瑰》奥古斯特·雷诺阿，1911年，布面油画。 《麦收》埃米尔贝尔纳1888年。 保罗·塞律西埃《布列塔尼式摔跤》1890年_1891年，布面油画。 《海景与牛》保罗·高更1888年 《塔希提的女人》 这是后印象派的重要人物高更的作品。这是他第一次来塔西提岛后创作的主角和他们身处的环境并没有给人温暖的感受，反而有一种警惕的隔绝感。如果你读过《月亮与六便士》，这里就是原型人物高更的作品。 《布列塔尼的农夫》，高更就是在这里找到了让他兴奋的原始和野性。 《戴帽子的自画像》在梵高作品的附近悬挂的昔日好友保罗高更的作品，高更的人生就像一部跌宕起伏的小说，从一名成功的股票经纪人转变成为一名印象派的画师，在为了实现“梦想”远赴南太平洋的法国殖民地塔西提岛生活。英国小说家威廉萨默赛特 .毛姆创作的《月亮和六便士》就是以保罗.高更的真实经历为原型。 《威廉·莫拉尔肖像》1894年作。极具特色的双面画作，正面为高更的自画像，背面为威廉.莫拉尔(高更的邻居），不知道高更有没有猜到自己这幅画会作为百年之后同时展出？ 《梵高在阿尔勒的卧室》。1888年，梵高来到法国南部的阿尔勒，梦想在此建立一个能让艺术家们共同生活创作的乌托邦。他租下了这间房子，并满怀热情的布置了自己的卧室，期待好友高更的到来，这幅画共有三个版本。均创作于1888至1889年，目前分别收藏于阿姆斯特丹的梵高艺术馆，芝加哥艺术学院以及巴黎的奥赛博物馆。三个版本中，第一个版本色彩最为鲜艳，表现出对未来充满期待。后两版本创作于1889年，在与友人高更争吵与住院之后。画作的色彩略有变化，墙面的淡紫色明显更加明显，透露出一种事过境迁的忧伤与怀念。(这幅画绘制于梵高在圣雷米疗养院养病时，彼时梵高经历了割耳事件，正试图在画布上重建内心的秩序，表达心中所向往的宁静感。） 梵高画过三幅《阿尔勒的卧室》(1889年），浦美奥赛展出的是第三版，也是我最喜欢的一幅。当我们在展场里凝视这幅卧室时，或许可以暂时放下 “天才的标签”，只把他当作一个 “渴望被爱、渴望被理解” 的普通人 ——他用色彩搭建的宁静，不仅是他的心灵出口，也是留给我们的、最温柔的共情入口。（这一段好感动呀）👍👍👍 自画像梵高在1887年巴黎创作了多幅自画像，这些作品标志着他艺术生涯中的一个重要探索和转型期，融合了印象派和新印象派(点彩派）的技法，然而谁能想到这三年之后(1890年）的7月，37岁的梵高在麦田中开枪自杀，他的逝世是艺术界的巨大损失。但他的作品却像他笔下的向日葵一样在他死后绽放出无比灿灿的光芒。 修拉的《模特背影》。第一眼就想到安格尔画作追求古典主义的严谨构图与形式上的美感。但修拉是用无数不同唇色小点画成的，与那些看起来像实拍照片的油画笔踩点营造的朦胧感，让人觉得这背影无限美好。 罗特.劳特累克《亨利.萨马里》，这是一位戏剧世家成员。 《花园中的女人》 红发年轻女子肖像夏尔·莫兰1889年。 《伊薇特·洁尔贝》莱昂内托·卡皮耶洛，1899年布面油画。 《让娜·卡皮耶洛》莱昂内托·卡皮耶洛，1895年布面油画。 安克坦《街上的女人》 纳比派，重构艺术表达的”先知”流派。他们吸收高更的综合主义，塞尚的结构思考，以及日本浮世绘的平面美学发展出纳比派。纳比派的画作具有装饰性，象征性的特点，重视主观表达，主张艺术不应复制现实，而需通过记忆与想象，以色彩和几何形状传递情感与思想。爱德华·维亚尔《费利克斯·瓦洛东》约1900年。画中人也是一位画家，嗯，不设防的日常感。瓦洛东坐在桌子上若有所思，没有刻意摆pose，像是被抓拍。第二是细节与空间感。第三，色彩对比。 爱德华·维亚尔《带绿色帽子的女人侧影》约1891年。这幅令人印象深刻的小画堪称纳比派早期风格的范本。没有光影塑造，没有空间纵深，完全靠色块的碰撞传递张力。 爱德华·维亚尔《在床上》1891年布面油画，这幅画是纳比派的代表作，也是奥赛博物馆中受欢迎的展品。维亚尔(1868_1940）年，一生珍藏此画从未在生前公开展出。尽管画中人的身份至今未明，但很可能是维亚尔身边的某个人，或是令他记忆深刻的场景。因此这件作品的地位非同一般。元素之间的对比令它尤为夺目，孩子的脸孔几乎被床单吞没，也许他做了一个愉快的梦，也可能正经历高烧的痛苦，画面效仿日本版画的风格，以圆润的线条贯穿其间，几条突出的水平线又将观者的视线宿命般的引回到基督教的十字架上，它的一部分被一段颜料色带斩断，这条色带也影响了画作的署名和日期标记。尽管至今没有解释，但这或许与当时流行的主题有关:在天主教医院治病甚至住院的孩子，维亚尔擅长捕捉日常生活的题材，将卧床休息这一普通场景转化为具有抒情性的画面，将艺术融入生活。 莫里斯.德尼《10月的傍晚）用于少女卧室的装饰板）》，1891年布面油画！青少年时期莫里斯德尼。(1870~1843），深受其所在教区圣日耳曼莱昂教堂后殿的影响，那里的荣光基督出自阿莫里杜阿尔。之首尤为夺目，令他难以忘怀。作为安格尔的学生。阿莫里.杜瓦尔极为极力倡导回归拉斐尔之前的艺术范式。这种对安吉利科修士的崇敬也深刻影响了德尼。但德尼的画笔不仅服务宗教场所，在描绘宗教题材与世俗场景时，他秉持一种“自然神圣化”理念，其绘画没有将纯粹的形式，宇宙中可被感知的存在对立起来。德尼曾以季节和女性生命历程的各个阶段为题创作四幅主画，这便是其中之一画作！以理想化的温柔大自然为背景，画面中央的粉衣女子是是画家后来的妻子玛尔特。 《穿蓝裤子的孩子》莫里斯德尼，1897年。 《拾穗者》让弗朗索瓦米勒，1857年。 《菫紫色海浪》(1895_1896），乔治·拉孔布。是游走在象征主义与纳比派之间的探索者。海浪似在翻滚涌动，要仿佛凝固在一般。象征着神秘，忧郁。作者大胆摒弃了海浪的现实色彩，用这种主观化的色彩赋予海浪全新的象征意义。 纳比派代表作家。博纳尔1894年创作的《白猫》。夸张的动物比例拉长的猫腿。 《梳妆的女人》费利克斯·瓦洛东，1900年，布面油画。 《脱睡裙的女人》费利克斯·瓦洛东，1900年，纸板油画。 《私密》皮埃尔·博纳尔，1891年，布面油画。 《格纹衬衫》皮埃尔·博纳尔，1892年，布面油画。 《女人与猫》皮埃尔·博纳尔，1912年，布面油画。 《梳妆》皮埃尔·博纳尔，1914年，布面油画。 皮埃尔.博纳尔《欢愉》