看《罗丹：现代雕塑艺术启承》～2025.10.8 上海罗丹艺术中心

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注：下面对作品的描述文字，来自罗丹艺术中心给作品标贴的二维码。 《罗丹石碑像》路易·马西特路易·马西特（1853-1920）是罗丹的学生、助手和员工之一。他先后在1893年至1910年和1916年至1918年期间师从罗丹并协助其进行创作。他为罗丹雕刻了许多汉白玉作品，包括《云中的保罗和弗朗西斯卡》和《秘密》等。他还经常在一年一度的沙龙上展出自己的雕塑作品。罗丹许多大型纪念雕塑作品都是未完成的，马西特也不例外，这件给罗丹制作的纪念碑雕像就是一件未完成品。这件作品的下半部分像一座被截顶的金字塔，而金字塔上方是罗丹的半身像。底座由一些人体雕塑作为装饰，呈现出从雕塑中呼之欲出的姿态，像是作者在向罗丹表达最后的敬意。此石膏像的另一个副本藏于巴黎的罗丹博物馆。 《酒仲女祭可》这件半身像中的年轻女子戴着一串串葡萄和葡萄叶，代表酒神女祭司，即专职于祭祀酒神巴克斯的女子，酒神巴克斯是与希腊酒神狄俄尼索斯相对应的罗马酒神。在神话中，酒神巴克斯是朱庇特和底比斯王之女塞墨勒的儿子，后来成为葡萄酒和庆典之神，也是舞蹈和愉悦之神。酒神女祭司们与酒神巴克斯、水泽仙女、山林之神、牧羊人和牧羊女共同庆祝，载歌载舞，赞美美酒，享受酒神巴克斯的盛宴，摆脱所有的烦恼。卡里耶﹣贝勒斯通过将女性塑造成古代神话人物，以更多样的方式表现美丽性感的年轻女子。如果将卡里耶﹣贝勒斯的《酒神女祭司》与罗丹另一件同名作品（1874年左右完成的陶土作品《酒神女祭司》，现存于纽约大都会艺术博物馆）进行比较，我们可以看出大师对其学生产生的巨大影响。罗丹为卡里耶-贝勒斯工作，并创作了与卡里耶﹣贝勒斯洛可可风格相似的作品。精致的头像，头部冠以藤叶和葡萄，延续的是18世纪的艺术风格，但罗丹后来放弃了这种风格。 阿尔伯特﹣恩涅斯特·卡里耶﹣贝勒斯《梳着辫子的年轻女子》1870年《梳着辫子的年轻女子》创作于1870年，虽是卡里耶﹣贝勒斯署名，作品也符合他整体的创作风格和题材选择，但是经过广泛的艺术史研究以及严谨的造型和风格分析，它被鉴定为罗丹的作品。《梳着辫子的年轻女子》刻画的是一位年轻女子的裸体半身像，她有着非常精致的发型，头发上装饰着一直延伸到右肩的花环。此外，不同于卡里耶﹣贝勒斯构想出的那些带有表情诱惑或者几分谄媚的女性形象，罗丹所刻画的女性形象表现出一种更加平和、内省的品质，不试图诱惑或取悦他人。 阿尔伯特﹣恩涅斯特·卡里耶﹣贝勒斯《苏醒》1870年卡里耶﹣贝勒斯受利摩日陶瓷制造局局长亨利·阿尔丹的委托（该制造局于1858年设立，1883年歇业）设计一对半身像。卡里耶﹣贝勒斯雕刻了两名年轻美丽的女子，一个闭着眼睛象征"沉睡"，而另一个象征"苏醒"。《沉睡》中的年轻女子闭着眼睛，胸前盖有一块毯子，而《苏醒》中的年轻女子朝右边看，睡衣正从右肩滑落。《苏醒》及《沉睡》这组作品大获成功，相关雕像后由塞弗尔国家陶瓷制造局生产。从1887年12月艺术家去世后的拍卖目录中我们可以看出，卡里耶﹣贝勒斯创作了许多其他陶土作品，而这一对雕像，即《苏醒》和《沉睡》，也在该拍卖目录中，编号分别是135和136。 阿尔伯特﹣恩涅斯特·卡里耶﹣贝勒斯《女半身像》1870年这件陶土材质的年轻女子半身像被简单地命名为《女半身像》，创作于1870年，虽是卡里耶﹣贝勒斯署名，作品也符合他整体的创作风格和题材选择，但是经过广泛的艺术史研究以及严谨的造型和风格分析，它被鉴定为罗丹的作品。《女半身像》描绘了一位穿裙子的年轻女性，她衣服的料子和褶皱的风格与卡里耶﹣贝勒斯作品中呈现的衣料风格有着显著的不同。此外，不同于卡里耶﹣贝勒斯构想出的那些带有表情诱惑或者几分谄媚的女性形象，罗丹所刻画的女性形象表现出一种更加平和、内省的品质，不试图诱惑或取悦他人。 阿尔伯特﹣恩涅斯特·卡里耶﹣贝勒斯，《夏》1870年这件陶土材质的年轻女子半身像创作于1870年，呈现了寓言式的、幻性的女性形象，代表四季中的《夏》。这件作品是卡里耶﹣贝勒斯署名，作品也符合他整体的创作风格和题材选择，但是经过广泛的艺术史研究以及严谨的造型和风格分析，它被鉴定为罗丹的作品。1870年是罗丹在卡里耶﹣贝勒斯工作室当学徒的第五个年头，我们可以明显地观察到罗丹当时正在创造、发展创新的风格特征和属于自己的造型词汇，这表明这位年轻的天才正试图逐渐摆脱其老师的影响。 阿尔伯特﹣恩涅斯特·卡里耶﹣贝勒斯《春》1865年卡里耶﹣贝勒斯创作了一系列充满寓意的少女半身像，她们性感迷人，光彩夺目，分别代表《四季》，她们的姿态和配饰能让公众认出她们象征的季节。在1887年12月卡里耶﹣贝勒斯去世后的拍卖目录中，第124至127号四座约60厘米高的半身像分别是《春》《夏》《秋》和《冬》。其中，这座《春》更大一些，高80厘米。这位赤裸上身的年轻女子有着浓密的头发，戴着鲜花，卷曲的头发垂在肩上，勾勒出她美丽的脸庞。这件作品是由彩色陶瓷制成的，卡里耶﹣贝勒斯对这种工艺非常感兴趣，与他同时期的其他雕塑家，如布德尔、卡米耶·克洛岱尔、杰洛姆、雷诺阿和罗丹等也对这种工艺很感兴趣。彩色雕塑在19世纪的法国非常流行，几乎所有的雕刻家纷纷尝试。2018年，奥赛博物馆为此专门举办了一场大型展览，题为"五彩斑斓：1850-1910年法国彩绘雕塑展"。 阿尔伯特﹣恩涅斯特·卡里耶﹣贝勒斯《爱》1865年在过去的几个世纪里，艺术家们研究古希腊和古罗马时期的艺术作品和文本，同时还研究基督教的宗教历史。这位守护着熟睡孩子的年轻女子代表维纳斯﹣﹣罗马神话中的爱神（对应希腊神话中的阿芙罗狄忒），她正在守护她的儿子爱神丘比特睡觉，长着翅膀的小孩代表丘比特。起初，卡里耶﹣贝勒斯是在19世纪50年代为英国明顿陶瓷制造局做了这个设计，后来他雕刻了同款汉白玉作品，还制作了很多同一主题的陶土雕塑。这组作品在很大程度上借鉴了文艺复兴时期的风格，比如佛罗伦萨艺术家本韦努托．切利尼（1500-1571) 这件壮观的双层储物柜于19世纪最后二十多年间由亨克尔．冯·多纳斯马尔克伯爵夫人（她更为人所知的名字为拉佩瓦侯爵夫人）委托制作，为装饰其位于普鲁士上西里西亚的诺伊德克城堡。这件家具很好地反映了法兰西第二帝国（1852-1870）时期的装饰艺术，该艺术风格为：善于从前几个世纪的作品中汲取灵感后融会贯通，形成一个新颖的艺术作品。该储物柜由上下两部分组成，庄重大方，材质为乌木及其它黑色木头，装饰有浅浮雕、蓝色方钠石板及彩绘珐琅。陈列柜整体衬托于大量镀金铜质装饰中，正面带有四个门和三个抽屉。柜子正面中间的两扇黑色胡桃木门上雕刻着高浮雕，左门上雕刻人物为骑孔雀的朱诺，右门上雕刻人物为猎杀完尼米亚猛狮后凯旋而归的赫拉克勒斯。储物柜底座呈黑色长方体，时有凸出部分，与储物柜总体建筑结构保持一致，整个底座置于扁平陀螺形脚之上。该储物柜上半部分形状优雅，建筑风格浓厚，由四根爱奥尼式柱子点缀，看似支撑起屋顶。柱子有凹槽装饰，其下端三分之一处雕刻有常春藤叶花环，环绕柱身。柱子支撑盖顶，盖顶中心为一个拱形门廊，门廊顶部断开，塑有镀金铜质的饰座。该饰座为一位带有翅膀的女人，站在岩石上，而岩石则被置于一个黑色木质底座上。柜子顶部为意大利风格平台，三面栏杆环绕，栏杆四角处有黑色火盆装饰。火盆带有手柄及镀金铜质花束，放置在蓝色方钠石板装饰的方形底座上。 卡里耶﹣贝勒斯绘制了许多装饰艺术品设计图，例如座钟，其中许多设计图已转化为精美的艺术品。但左图展示的这座精美陶俑并未被做成最终成品，陶俑描绘的是一位将孩子抱在膝上的母亲，前面跪着一位女子，似乎正在发出恳求，而母亲怀中的孩子正抚摸着女子的脸。该作品可能有两方面灵感来源，第一个灵感源自文艺复兴时期的宗教表现形式，特别是意大利艺术家拉斐尔(1483-1520)。这类宗教作品中的内容基本都是圣母和她的孩子耶稣以及一位恳求者，而与卡里耶﹣贝勒斯同时期的画家也有这样的组图方式，比如当时法国学院派绘画主要代表人物威廉·布格罗（1825-1905),无论是宗教场景还是世俗场景，他都大量描绘了带着孩子的女性形象。第二个灵感可能是以慈善为主题的表现形式，无论是在宗教还是世俗场景中，17世纪西方艺术家都常常以慈善这一美德为主题进行创作，19世纪布格罗的作品中也广泛应用了这种表现形式。例如，布格罗1877年的作品《圣母安慰我们》（现存于斯特拉斯堡美术馆）以及1878年的作品《慈善》（原存于史密斯学院艺术博物馆）。卡里耶﹣贝勒斯的这件陶土作品也旨在推崇18世纪法国陶土艺术，而当时的陶土雕塑家也很乐意设计钟表或装饰品。 卡里耶﹣贝勒斯创作了一尊非常大的汉白玉雕像，名为《秋》，此雕像高230厘米，现存于里尔美术宫（库存编号： SPBS 58)。另一件具有相同构图的汉白玉雕像于1904年在巴黎的卡鲁塞尔花园展出，不幸被毁于1964年。卡里耶﹣贝勒斯还雕刻了一座尺寸小一些的汉白玉雕像。这座雕像描绘的是一名站立着的年轻女子，浓密的头发上装饰有藤叶和葡萄，左脚踩在一个盛满葡萄的花瓶上，右手拿着一只装满酒的酒坛，往左手拿着的杯子里倒酒。因此我们可以看出，作品庆祝的是收获的秋季。人物头部侧倾，形象可爱，让人联想到18世纪法国艺术家艾蒂安．莫里斯．法尔孔奈（1716-1791)1757年创作的汉白玉雕像《浴女》，作品现藏于卢浮宫博物馆。卡里耶﹣贝勒斯的许多作品都表现了18世纪法国陶土作品的特点。与卡里耶﹣贝勒斯的诸多雕像一样，法尔孔奈的《浴女》也是由塞弗尔国家陶瓷制造局制作的。 半裸的酒神女祭司左臂抱着孩子，右手正在给小羊羔喂食，脚边有装满鲜花的篮子。这件作品的灵感源于18世纪法国精致的"法尔孔奈"风格以及古罗马艺术，作品中的酒神女祭司原本是酒神巴克斯的女祭司，罗丹是以截然不同的方式呈现这一人物的。在卡里耶﹣贝勒斯的这件作品中，酒神女祭司并没有呈现醉酒或舞蹈的姿态，而是夏天、收获、乡村、动物以及母性的化身。卡里耶﹣贝勒斯经常塑造抱着孩子站立的裸体女性人物，让人联想到让．古戎（1510-1567）等法国文艺复兴时期艺术家所描绘的希腊神话仙女。《田中归来》这件组合雕塑作品非常受欢迎，现存有好几尊同样大小的陶土副本，其中包括曾于2014年"卡里耶﹣贝勒斯展"展出的一尊，现存于奥赛博物馆。1887年12月，在卡里耶﹣贝勒斯去世后的那次拍卖会上，编号44的作品就是《田中归来》的另一尊陶土版本，高75厘米。 《水泽仙女》在1864年的沙龙上，卡里耶﹣贝勒斯展出了一尊巨大的汉白玉雕像，这座雕像十分受欢迎，卡里耶﹣贝勒斯后来用陶土又做了很多小型版本。"水泽仙女"是水中的仙女，日耳曼神话中的水上女神。受该传说的启发，1869年，俄罗斯作曲家柴可夫斯基（1840-1893）创作了歌剧《温蒂妮》（水泽仙女 Ondine 的音译）,1939年，法国作家让．季洛杜（1882-1944）创作了同名戏剧。与海妖（希腊神话和传说中住在海里的女妖）不同，这些仙女或水中精灵经在河流、池塘、瀑布和喷泉中出没。卡里耶﹣贝勒斯的《水泽仙女》一丝不挂地出现在池塘里，正用手把芦苇叶分开，彰显了18世纪法国陶土艺术的魅力。在2014年"卡里耶﹣贝勒斯展"的目录中有一件1864年创作的副本，目前是那什维尔私人藏品。 《拿破仑皇帝三世全身肖像》这幅拿破仑三世的全身肖像画尺寸巨大，高230厘米，视觉效果十分震撼，加上大面积的红色背景，体现了当权皇帝的威严。这幅肖像画画风端庄、笔触细腻，属于典型的古典主义风格。画作中央仿佛有一束光打进来，呈现出明显的明暗对比，一方面凸显画中内容的立体感，另一方面体现画中人物的尊贵身份。 亨利﹣纪尧姆．施莱辛格1814年8月6日出生于德国美因河畔法兰克福，1893年2月23日在法国塞纳河畔讷伊去世。1866年，他被授予荣誉军团骑士勋章，1870年获得法国国籍。在1870年至1871年普法战争期间，他搬到了伦敦。而后的整个艺术生涯中，他都在法国和奥地利两国之间往返居住。1865年，拿破仑三世和欧仁妮皇后在沙龙以25000法郎的价格购得亨利﹣纪尧姆·施莱辛格创作的"五感"系列，成为其私人收藏的一部分，这也象征着施莱辛格艺术生涯的巅峰。《五感》体现了这对皇室夫妇的品味。对欧仁妮皇后来说，施莱辛格借鉴了18世纪路易十六（1754-1793）统治时期的艺术和艺术作品，这是她关于其深深钦佩的玛丽﹣安托瓦内特王后（1755一1793）的动人纪念。施莱辛格以五种感官为主题的这一杰作，融入了中世纪的绘画传统。他的知识与艺术教育让他在创作这一系列作品时，联想到老扬·勃鲁盖尔（1568-1625)、彼得·保罗·鲁本斯（1577-1640）和伦勃朗．哈门松．范．莱恩（1606-1669)的作品。一直到19世纪，感官的主题都是通过复杂的拟人手法和大量的符号来表现的。 《五感之味觉》 《五感之嗅觉》 《五感之听觉》 《五感之视觉》 《五感之触觉》 《青铜时代》（大尺寸版本）,1877年《青铜时代》是罗丹第一件真正意义上的个人作品。当时罗丹为卡里耶﹣贝勒斯工作，因工作需要生活在比利时布鲁塞尔，《青铜时代》正是在这里创作完成的。此前，罗丹在意大利旅行期间，特别是在佛罗伦萨，亲眼看到了米开朗琪罗的作品而深受启发。《青铜时代》的造型灵敏且充满活力，是对模特的所有角度进行仔细研究的结果，模特原型是一名年轻的比利时士兵﹣﹣奥古斯特﹣涅特。罗丹不偏重任何视角，甚至去掉了所有外部属性以释放姿态，使雕塑得以在空间中展开。1877年，《青铜时代》在布鲁塞尔艺术圈展览期间，公众和媒体对罗丹如此大胆的创作既钦佩又困惑，他们指责罗丹是直接在模特身上翻模制作的这件雕塑，然而艺术家们为他作证。公众对罗丹才华的不认可使他很受伤，但他还是从这场争议中走了出来，并最终获得了公正对待。1880年，法国政府收藏了该作品的石膏版本，并订购了一件青铜铸件。正如罗丹所强调的那样，"这个人物具有所有神秘的、精巧的细微差别和现实的能量"。 《夏娃》（大尺寸版本）这件作品从1881年开始构思到最终向公众展示中间间隔了数年之久。为罗丹摆姿势的年轻意大利女模特其间失踪且再未回过工作室，于是罗丹将这件作品搁置一旁直至1899年。在这一年，一个罗丹于1883年创作的该作品的小尺寸版本获得了成功，罗丹因此决定以此作品当时的状态在比利时和荷兰展出。作品某些部分未完全完成，"表面粗糙不平"，但这并不妨碍公众对这件强烈且富有表现力的作品表现出热情。毫无疑问，这件雕塑的构思与《地狱之门》有关，并与其前一年创作的《亚当》的形象相呼应。作品的姿态展示了罗丹对米开朗琪罗的钦佩：夏娃的头垂在弯曲的手臂之间，让人联想到忏悔的夏娃，形象与米开朗琪罗在意大利罗马的西斯廷教堂天花板上绘制的夏娃相似。在这里，罗丹将偶然性视为创作中的一个重要因素。他后来坦言："我看到我的模特身上所发生的变化，却不知原因所在；我修改了轮廓，天真地追随着不断变大的身型持续变化。有一天，我得知她怀孕了，我明白了一切。肚子的轮廓几乎没有发生明显的变化……我当然没有想到要将一个孕妇作为诠释夏娃的模特；一个意外，对我而言是一个好的意外，就这么发生了，这对人物特点的塑造提供了独特的帮助。然而不久之后，我的模特变得越来越敏感，她觉得工作室太冷了；她来的次数越来越少，后来干脆不来了。这就是我的夏娃没有完成的因。"（艾蒂安·杜雅尔丹﹣博梅茨，1913年引用） 《罗密欧与朱丽叶》最初是15世纪的意大利传说，路易吉·达·波尔图（1485-1529)首次将其改编小说，名为《朱丽叶与罗欧》,于1535年他去世后出版，莎士比亚（1564-1616）不朽的悲剧《罗密欧与朱丽叶》是从这部小说中汲取的创作灵感。故事具体讲的是维罗纳市的两大家族，蒙太古家族和卡普莱家族，他们互为世敌。年轻的罗密欧·蒙太古戴着面具参加卡普莱家族舞会时，疯狂地爱上了朱丽叶，两人双双坠入爱河。双方家族间的仇恨导致罗密欧与朱丽叶碰到了重重困难，最终罗密欧决定服毒自杀，朱丽叶伤心欲绝，刺死自己。莎士比亚通过戏剧展现爱情最终败给命运的巨大悲剧。罗丹以他独特的艺术视角重新塑造莎士比亚悲剧中的英雄人物，作品中的罗密欧坐在长凳上，深情地拥吻怀里的朱丽叶。此雕像雕刻了二人拂晓离别时，在阳台上相拥的场景，不禁让人想起书中的诗句："黎明将至，夜晚的烛光依旧燃烧，站在浓雾弥漫的山顶上，二人尽情相拥，享受着这即将逝去的快乐。" 《皮格马利翁和加拉特亚》与同时代的所有艺术家一样，罗丹有着深厚的古典文化底蕴喜欢从神话中选择题材。这一展台上呈现的是一组以古代、现代爱情神话传说为主要题材的青铜雕塑作品。《皮格马利翁和加拉特亚》这件作品的主题取自古罗马作家奥维德的著作《变形记》，讲述的是雕塑家皮格马利翁爱上了他自己创作的雕塑加拉特亚，日夜祈求爱神赋予雕塑生命。罗丹的这尊雕塑，刻画的是加拉特拉似乎正在渐渐化为人形的动态时刻，而皮格马利翁倚靠在雕塑脚旁，似乎表现出惊异激动的表情。最终雕塑变成了美丽的女子，皮格马利翁如愿娶其为妻。我们常常听到一个表达"皮格马利翁效应"，就是源于这个故事，引申为如果我们积极鼓励，事情就会朝着我们期待的方向发展。对于艺术家来说，《皮格马利翁和加拉特亚》的故事也象征着一个永恒的谜题：艺术的真相是什么？怎么让艺活过来？ 《梳头的女人》曾在罗丹1900年的展览上展出，配有一段文字："这是一件坐姿人体雕像，身体前倾，头发垂落一旁。"不同观众看到这件作品会有不同的理解，有些认为这是一位坐在岩石上，头低垂、陷入沉思的女子，有些则认为这位女子刚出浴，正在梳妆。但不管是沉思还是出浴，梳妆的女子或头发垂落的女子通常代表爱情或形体之美。《梳头的女人》是一个日常题材的作品。这反映了罗丹所处的艺术氛围，"印象派"画家，如罗丹的好友莫奈、雷诺阿等，常常描绘日常场景，比如公园、池塘、舞会、海边沐浴的人等等，以此表现现代人日常的生活方式。罗丹在某个阶段是印象派雕塑家，这件《梳头的女人》就是典型的"印象派"题材。 《美狄亚》《美狄亚》呈现了爱的决绝与绝望。美狄亚是希腊神话中的人物，她是金羊毛的守护者埃忒斯国王的儿，嫁给了阿尔戈英雄领袖伊阿宋，后者率领阿尔戈号船队前往远方的科尔喀斯寻找金羊毛。在经历多重磨难后，美狄亚和伊阿宋逃到了科林斯城，在那里生下两个孩子。但之后伊阿宋移情别恋，爱上了科林斯国王的女儿安提贡尼，决定休妻娶她，让自己成为科林斯的新国王。伊阿宋与美狄亚断绝关系后，美狄亚由爱生恨杀死了自己的两个孩子，深陷报复和杀人的疯狂之中。罗丹塑造的《美狄亚》展示了她正转身离开刚被她自己屠杀的孩子的场景。美狄亚的面部表情和身体姿势都裏幽她内心的痛苦和愤怒，使得作品充满了情感。美狄亚的身体姿势赋予作品动感，使我们感受到她在瞬间的激情与决绝。在中国人的传统观念中，通常会在家中摆放体现吉祥、美好寓意的装饰。而西方艺术家们会把这些表现人性残酷一面的悲剧作为表现的主题，用来启发和警示后人。 《波吕斐摩斯》独眼巨人波吕斐摩斯是希腊神话中的人物，是海神波塞冬和仙女托俄萨的儿子，是一个巨大且食人的怪物，额头中央只有一只眼睛，以人肉为食。他因与奥德修斯的斗争而闻名，也因他对海仙女伽拉忒亚的爱慕之情而被人知晓。伽拉忒亚是海神涅柔斯和仙女多丽丝的女儿。正如希腊诗人忒奥克里托斯在《田诗》中所述，后来古罗马诗人奥维德（公元前43-公元17）在《变形记》中也写道，波吕斐摩斯爱上了伽拉忒亚，但她只钟情于阿喀斯，一位拥有无与伦比美貌的年轻牧羊人。后者是意大利农神法乌努斯和仙女西玛埃提斯的儿子。出于绝望的嫉妒，波吕斐摩斯用一块巨石压死了阿喀斯。这件雕塑的造型是罗丹在1888年创作的，描绘了波吕斐摩斯俯身踩在巨石之上，即将将之投掷出去的场景，作为《地狱之门》右门中央位置的波吕斐摩斯、伽拉忒亚和阿喀斯的群像的初步研究。此石膏件大约制作于1910年，底部题词并签名"致我亲爱的朋友勒费弗""罗丹"。 浴女坐像（佐巴洛夫浴女）《浴女坐像》也被称为《佐巴洛夫浴女》，因其曾被俄罗斯收藏家雅克·佐巴洛夫（1876-1941）收藏，他将其大部分雕塑收藏捐赠给了卢浮宫博物馆。1914年，可能是在罗丹的建议下，佐巴洛夫在法国银行家和艺术收藏家安东尼·鲁（1833-1913）去世后的拍卖会上购买了《浴女坐像》。这名浴女头发盘起，舒适地坐在一块岩石上，身体后倾。她双手半举，双腿微微分开，手里拿着毛巾，似乎是洗浴之后正在擦干自己的身体。 《永别》这件作品让人看了不禁动容，是以罗丹的缪斯和情人卡米耶．克洛岱尔（1864-1943）为模特制作的头像，充分呈现了罗丹的雕塑方式。这是一张卡米耶20岁时拍摄的照片，当时她和罗丹已热恋一年多。卡米耶是一位才华横溢的雕塑家，出身资产阶级家庭，她的弟弟保罗．克洛岱尔（1868-1955）是著名剧作家、诗人及外交官，也是法兰西院士之一。卡米耶于1883年成为罗丹的学生、情人、助理兼缪斯，同时也深刻影响着罗丹。两人的感情持续了十多年，直至1892年罗丹决定与之分手，这时的卡米耶也已小有名气，与罗丹分手后独立进行创作。但从1905年起，卡米耶开始出现精神紊乱，逐渐陷入疯狂状态。1913年，保罗决定让她住院治疗，卡米耶终生未出院，1943年10月19日她在该院逝世。《永别》石膏模型由三部分构成，分别是一块木头底座、卡米耶头像和一双似乎遮住嘴巴的手，这三部分通过一条围巾连接起来。这件作品给罗丹带来更多启发，他创作了另一件汉白玉雕塑作品《康复中的女人》，现存于巴黎罗丹博物馆，不过《康复中的女人》用起伏的波浪取代围巾来衔接不同部分。另外，罗丹不止一次使用卡米耶的头像进行组合创作。 《施洗者圣约翰胸像》罗丹在结识了一位名叫皮尼亚泰利的意大利农民后产生了创作这件作品的灵感。1880年，罗丹同时创作这件胸像和大型雕像《施洗者圣约翰》。这尊雕塑是罗丹的成名作之一，使他跻身于创新者的阵营。皮尼亚泰利来自意大利阿布鲁佐，他想在巴黎谋生。罗丹回忆道："我一看到他就十分欣赏他，他让我立刻想到施洗者圣约翰，一个与大自然相融合的人，一个圣人。"皮尼亚泰利随后宽衣站在模特的旋转台上，挺胸抬头，摆出傲然挺立的模样。罗丹不禁感叹："这是个行走的人！"罗丹通过这尊充满动感但不加修饰的雕塑体现施洗者圣约翰的形象。摄影师夏尔·米舍莱在罗丹工作室拍摄过该雕像黏土版的全身像。雕像头部保留了模特皮尼亚泰利本身毛发浓密、神采飞扬的模样。 奥古斯特·罗丹《乔治．莱格斯半身像》乔治．莱格斯（1857-1933）是法国重要政治人物，曾数次担任部长级职位，包括1898年至1902年间任公共服务部部长及美术部部长，此外，他还是律师及记者。他在1900年阿尔玛展馆的建造中发挥了主导用，还参与了《思想者》的募资活动，并公开主张在比隆宅邸建立罗丹博物馆。罗丹给他制作的半身像十分朴素，但雕像中的部长赤裸上身，没有衬衫领子和领带。在当时，雕塑家以这种方式塑造公众人物不为大众所接受。 《阿芙罗狄忒》1889-1913年这件作品起初是为1914年的戏剧《阿芙罗狄忒》而创作的布景雕像，这部戏剧改编自作家皮尔．路易斯(1870-1925）于1896年出版的小说《古代风俗》，一问世便因其放浪形骸的情节而大受欢迎，这部作品之后被多次改编成戏剧。此外，1906年，法国作曲家卡米耶．埃朗热（1863-1919）还将其改编成同名音乐剧，在巴黎喜剧歌剧院上演；之后在1912年，德国作曲家马克斯．冯．奥伯莱特纳（1868-1935）将其改编成歌剧，在维也纳上演。戏剧《阿芙罗狄忒》于1914年3月10日在巴黎文艺复兴剧院上演，舞台上放置的是石膏版《阿芙罗狄忒》雕塑，这件石膏雕塑在舞台上一直用到了1930年。为完成这件作品，罗丹从《地狱之门》中选取了一个人物进行放大，但整体结构简化，作品中的女子迈步时双臂在头顶相交，左脚在右脚后弯曲。2015年，法国罗丹博物馆决定将之浇铸成青铜雕像。 奥古斯特．罗丹《戴头盔的智慧女神》1888年，罗丹结识了澳大利亚画家约翰．彼得．拉塞尔(1858-1930）的意大利妻子玛丽安娜．马蒂奥科（1865-1908)，也称玛丽安娜·拉塞尔。她美丽优雅，富有古典气质，就像一尊希腊雕像，罗丹长期以她为模特进行创作，代表作有《智慧女神半身像》（古希腊智慧女神名为雅典娜，对应古罗马智慧女神密涅瓦）。1905年的一天，罗丹在工作室里看到一个断了一截的头部雕像，可能是在一次意外中摔坏的，罗丹决定给雕像配上罗马式头盔，于是《戴头盔的智慧女神》就诞生了。这件雕塑中的智慧女神戴着古代头盔，她的胸甲上装饰有蛇发女妖的头，蛇发纹路清晰。罗丹在好几年前曾根据同一位模特创作了另一个较小版本的智慧女神头戴花环及雅典卫城的帕台农神庙，这座神庙建造于公元前5世纪，用于纪念希腊神话中的智慧女神雅典娜。 奥古斯特·罗丹《巴尔扎克头像》约1894年1891年，法国文学协会委托罗丹为法国大文豪巴尔扎克（1799-1850）建造一座纪念雕像。于是罗丹前往巴尔扎克的家乡都兰搜集资料，巴尔扎克在那里写下了《山谷中的百合》(1836年著）等名篇。罗丹花了连续6年的时间给巴尔扎克的头像、身体、睡衣等做了很多设计，最终在1897年制成雕像，成为罗丹一生成就的至高点。不过最终的作品因为太过于前卫，在当时引起轩然大波，赞助商不接受罗丹创作的《巴尔扎克》。罗丹至死都拒绝出售该作品或将其铸成青铜雕像。直到1939年，这座青铜纪念雕像才竖立在巴黎拉斯拜尔大道上。巴黎的罗丹博物馆藏有数百件《巴尔扎克》过程稿，显示出罗丹十分重视这件作品。这些过程稿包括部分人体雕塑研究，仅针对头像，罗丹就做了许多设计，大多差别不大。在罗丹的雕像中，《巴尔扎克》非常有辨识度，尤其是这里展示的头发向右撇去的版本。此外，还有另一个面带微笑的有头像版本。 《吉甘蒂》吉甘蒂是当时住在巴黎的一位那不勒斯模特，在1885年前后为罗丹和卡米耶工作。的确，有好几尊刻有卡米耶签名的青铜雕像名称就叫《强盗头像》或《吉甘蒂》。这几尊雕像分别由银行家兼收藏家阿尔冯斯．德．罗斯查尔德（1827-1905）于1892年捐赠给里尔美术宫、1901年捐赠给兰斯美术馆、1902年捐赠给法国切尔堡托马斯．亨利博物馆。罗丹首先根据模特制作了全身像，然后分别制作了身躯、左臂等各个身体部位，罗丹典型的工作方式就是从完整的人物着手，然后对雕像进行切割、重塑，从而创作成新的作品或将其整合到组合雕塑中，这种不断尝试、创造的过程就是罗丹艺术的精髓。 《巴尔扎克纪念像》1891年，法国文学协会委托罗丹为法国大文豪巴尔扎克（1799-1850）建造一座纪念雕像。于是罗丹前往巴尔扎克的家乡都兰搜集资料，巴尔扎克在那里写下了《幽谷百合》(1836年著）等名篇。罗丹花了连续6年的时间给巴尔扎克的头像、身体、睡衣等做了很多设计，最终在1897年制成雕像，成为罗丹一生成就的至高点。不过最终的作品因为太过于前卫，在当时引起轩然大波，赞助商不接受罗丹创作的《巴尔扎克》。罗丹至死都拒绝出售该作品或将其铸成青铜雕像。直到1939年，这座青铜纪念雕像才竖立在巴黎拉斯拜尔大道上。《巴尔扎克纪念像》对于罗丹有极其重要的意义，他曾讲过："这件被人嘲笑、被人因为无法摧毁而刻意蔑视的作品，是我一生的成果，是我美学的支点。" 《阅读课》艾梅﹣儒勒·达鲁是一位法国雕塑家，1838年出生于巴黎一个以制造手套为业的新教徒家庭，他自小就接受世俗主义和热爱共和国的教育，这成为他一生都在坚守的价值观。他的才华让他很早就受到了让-巴蒂斯特．卡尔波（1827-1875）的关注，卡尔波让他入学"小美院"，在那里，达鲁与罗丹成了朋友。1854年，达鲁考入巴黎美术学院，后四次尝试角逐罗马大奖赛，但均未成功。1866年，达鲁与伊尔玛·维利耶结婚，两人于1867年喜获爱女乔治特。达鲁在1970年沙龙上展出了名为《绣花者》的雕塑作品，作品后来被国家收购。1870年战争爆发后，达鲁因参加公社起义被迫流亡伦敦。他在那里教授造型课程，在英国雕塑家群体中产生了巨大影响。直到1879年他被法兰西共和国赦免后，他才与家人回到巴黎。在巴黎，达鲁开始了辉煌的雕塑生涯。他获得了无数的公共委托，其中最负盛名的是《共和国的凯旋》，这件作品的创作从1879年开始至1899年结束。1902年，达鲁在巴黎去世。在成为父亲后，达鲁创作了许多室内家庭生活主题的作品，其中就包括1874年他流亡伦敦期间创作的《阅读课》。《阅读课》展现了艺术家对现实主义的掌握，巧妙地捕捉到母女之间的温情时刻。母亲坐在椅子上，左臂温柔地抱着女儿，右手拿着一本打开的书。女儿则靠在母亲身上，认真地阅读，母女俩在一起全神贯注地共同学习。这部作品彰显了浓浓的母爱，同时强调了家庭教育的重要性。 《费纳耶夫人柱上半身像》 1898-1900年莫里斯．费纳耶（1855-1937）是一位成功、富有的法国实业家，热爱艺术，喜欢收藏。他于1885年结识罗丹，并成为罗丹最重要的资助人。费纳耶先生向罗丹委任了他的妻子费纳耶夫人的半身像。费纳耶夫人闺名玛丽．科尔拉．德．蒙特罗齐尔（1869-1941)，罗丹为她创作的半身像体现出罗丹在整合头像和底座方面的大胆尝试，而这也是他在阿尔玛展馆所办展览的主要关注点。罗丹尝试将头像放置在不同高度的底座或圆柱上。通过这样的搭配，装饰有树叶和藤叶的底座彻底改变了费纳耶夫人肖像的视觉效果。她的头略微抬起，身上的披肩随意搭着，这种视角让雕像与观众产生距离，就好像她无法被接近一样。 《跪女像》朱利安．迪兰斯1849年出生于比利时安特卫普，1904年在布鲁塞尔逝世，是比利时与罗丹同时代最伟大的雕塑家之一。朱利安·迪兰斯出身于艺术家庭，4岁时全家搬到了布鲁塞尔。从12岁开始到1874年为止，他于布鲁塞尔皇家美术学院就读，学习了不同的课程。1870年左右，迪兰斯认识了罗丹。当时，比利时政府委托卡里耶﹣贝勒斯完成布鲁塞尔证券交易所的建筑内部装饰工作，罗丹和迪兰斯都在这座建筑的工地工作。后来迪兰斯成为罗丹的工作室助理，并成了他忠实的朋友。迪兰斯于1877年赢得了罗马大奖，并游历了整个欧洲，特别是意大利、法国和英国。从19世纪90年代起，他完成了许多公共委托。1898年至1901年间，迪兰斯在布鲁塞尔皇家美术学院任教。1904年12月24日，他因癌症在布鲁塞尔去世。这件青铜《跪女像》上刻有"朱利安·迪兰斯"的署名以及"1885年"这一年份，曾被命名为《墓碑人物》或《疲倦》。雕塑中的年轻女子闭着眼睛，跪在垫子上，仿佛正在祈祷。这一姿势也赋予了这座雕塑一定的宗教意义。迪兰斯的《跪女像》也许受到了洛伦佐．巴尔托里尼的《信上帝》(1836）的启发，该作品目前收藏于米兰波尔迪·佩佐利博物馆。《跪女像》体现了迪兰斯现实主义和自然主义的理念﹣-年轻女子闭着眼睛，表现出明显的平静神态，头微微向左倾斜，双臂放松地放在腿上。《跪女像》有多种版本，其中一个高98厘米的汉白玉版本现藏于比利时皇家美术博物馆，此外，还有一个高54厘米的青铜版本展现了一个身着长裙、头戴头纱的跪女形象。 《花瓶》皮埃尔﹣阿德里安·达尔佩拉特19世纪釉面粗陶器 《吻》儒勒·德布瓦约1915年釉面粗陶器 《马约尔夫人头像》阿里斯蒂德·马约尔约1905年石膏 《母亲头像》珍·巴尔德1920年陶土 《女人头像》埃米尔﹣安托万·布德尔1899年彩色石膏 《女儿头像》珍·巴尔德1920年陶土 《最初的摇篮》奥古斯特-亚森特·德贝1804年出生于法国南特，1865年在巴黎去世，是一名法国画家和雕塑家。德贝出身于佛兰德斯雕塑世家，他是雕塑家让-巴蒂斯特﹣约瑟夫·德·贝（被称为德贝父亲，1779-1863）的儿子，也是雕塑家让﹣巴蒂斯特﹣约瑟夫·德贝（被称为小德贝，1802-1862）的弟弟。1817年，奥古斯特-亚森特·德贝在沙龙上首次亮相，并于1823年获得了罗马绘画奖。在罗马待了7年后，他重回雕塑领域，并于1845年的沙龙上展出了这件名为《最初的摇篮》的雕（石膏版本高150厘米，目前保存在昂热的大卫博物馆），在公众中取得了巨大的成功，受到了包括泰奥菲尔．戈蒂耶和夏尔·波德莱尔在内的重要评论家的关注和评论。右图呈现的是德贝用汉白玉雕刻的一个缩小尺寸的版本，作品描绘了夏娃抱着两个孩子（亚伯和该隐）的形象，展示了第一个人类家庭和谐幸福的时光。波德莱尔评价道："艺术家德贝创造了这个名为《最初的摇篮》的雕塑群像。夏娃用双臂环绕住两个孩子，他们坐在她的一条腿上，她的双臂呈现出摇篮的形态。作品所展现的女性形象很美，孩子也很漂亮。我们尤其喜欢这件雕像的构图。" 阿尔弗雷多·皮纳《吻》1915年阿尔弗雷多·皮纳1887年出生于米兰，是一位意大利裔雕塑家，1939年入籍法国。阿尔弗雷多·皮纳最初在米兰布雷拉美术学院接受训练，1904年获得了国家雕塑大奖。皮纳在罗马待了大约3年，随后于1911年移居巴黎，并很快就在法国艺术家沙龙和秋季沙龙上展出作品。1913年，罗丹关注到了皮纳并邀请他加入自己的工作室，皮纳在工作室待到1917年罗丹去世为止。1914年，第一次世界大战开始，皮纳流亡蒙彼利埃。战争结束后，他于1920年返回巴黎，定居在蒙帕纳斯，他在曼恩街租了一间工作室，毗邻安托万·布德尔的工作室。20世纪20年代，阿尔弗雷多·皮纳在法国和他的祖国意大利之间往返，发展他的事业。在这段时间内，他取得了巨大的成功，并首次参加了威尼斯双年展。1920年对他的职业生涯和个人生活来说都是重要的一年，这一年他在巴黎的阿拉德画廊举办了回顾展，也发现了涅夫勒这块宝地。20世纪20年代末，他决定定居在涅夫勒卢瓦尔河畔的梅斯维斯。阿尔弗雷多·皮纳是罗丹最密切的追随者之一。杂志《现代艺术与生活评论》评论家克莱门特·莫罗在1921年秋季沙龙时期道，"当我看皮纳的作品时，对罗丹去世的遗憾就少了一些"。他的作品《献给但丁．阿利吉耶里的纪念碑》虽然从未问世，但被认为是他最知名的作品，其明显致敬了《地狱之门》。我们在皮纳的作品中发现了罗丹对其重要的影响，特别是在他的造型方式方面、在他对碎片的热爱以及和罗丹相同的主题中。不过，他在创作中会保留和发展具有个人特色的雕塑语言。本次展览展出的汉白玉版本《吻》就是一个很好的例子，这件作品创作的时间在1915年前后。1966年皮纳在卢瓦尔河畔梅斯维斯去世后，他工作室内的作品由法国政府收购，存放在卢瓦尔河畔拉沙里泰县博物馆。2023年，坐落于瓦尔齐的市立奥古斯特．格拉塞特博物馆举办了一场致敬皮纳的展览，名为"阿尔弗雷多．皮纳（1887-1966)：意大利和涅夫勒之间的雕塑家"。 《持弓女像》儒勒·德布瓦1851年出生于帕尔赛莱潘（曼恩﹣卢瓦尔省）,1935年逝世于巴黎，是一名法国雕塑家。他先在昂热美术学院接受教育，后进入巴黎美术学院学习，并于1875年首次在沙龙上展出自己的作品。儒勒．德布瓦于1878年结识了罗丹，两人维持了长达四十年的友谊与合作关系。1879年，德布瓦前往美国并在那里待了大约两年。返回巴黎后，德布瓦因缺少订单而放弃了雕塑事业。1884年，儒勒·德布瓦受雇于罗丹的工作室，两位雕塑家近距离合作，表现出深刻而真诚的相互钦佩之情。此外，德布瓦还创作了罗丹的半身像，其中包括一尊于1902年创作并保存在罗丹博物馆的出色的青铜半身像，以及一尊于1911年完成的石像，后者目前保存在帕尔赛莱潘的儒勒·德布瓦博物馆。儒勒．德布瓦长期以来默默无闻，然而罗丹在1903年的一封信中写道，他认为德布瓦实际上是"当时最伟大的雕塑家之一"。他甚至吐露："当我死后，德布瓦将成为最伟大的雕塑家。"《持弓女像》以彩色石膏制成，在1905年国家美术学院沙龙上展出并受到高度赞赏。德布瓦通过关注身体在运动中的动态，成功地革新了裸体习作这一传统体裁。德布瓦通过他卓越的塑形技巧和这件作品出色的造型品质，完美展现了他为造型研究付出的努力。 惠斯勒缪斯女神 THE WHISTLER MUSE 美国画家詹姆斯·麦克尼尔·惠斯勒（1834-1903）于1855年移居巴黎学习绘画。他与莫奈、雷诺阿、西斯莱等法国画家都有接触，还与亨利·方丁德拉图尔和阿尔冯斯·勒格罗成为朋友，之后于1859年定居伦敦。1903年惠斯勒去世后，罗丹应邀接替他担任国际画家、雕塑家和雕刻家协会主席一职，而这个协会正是惠斯勒本人于1898年创立的。1905年，罗丹受邀为惠斯勒创作纪念雕像，直到去世前他一直为纪念雕像不辍耕耘。1918年，罗丹去世一年多后该雕像才展出，但被英国委员会拒绝，因为委员会希望雕像上能有象征惠斯勒成就的"胜利之翼"但罗丹更愿意以缪斯女神的形象来塑造这一雕像，于是他请来英国威尔士女画家格温·约翰（1876-1939）作为这件雕像的模特。在这件作品中，罗丹使用了断臂和站姿人体雕像的形式，雕像的右腿靠在左腿正在攀爬的岩石上。罗丹有许多古代雕塑收藏，其中很多都有残缺或只是碎块。这可能反倒帮助他将自己不完整的雕塑想象为完整的、独立的艺术品。这尊雕塑在一定程度上体现出罗丹的艺术风格已逐渐成熟，彰显了雕塑的现代主义特色，他走在了当时前卫艺术的前沿，而与罗丹同时代的艺术家仅仅是效仿他。这种看似支离破碎实则合为一体的雕塑形式，体现了罗丹在艺术领域掀起的革命，他通过彻底改变观众的感知提出"另类艺术美学"的概念。 《哭泣的女孩》（也称为《掩面的女孩》)阿尔伯特·巴尔托洛梅，全名保罗-阿尔伯特-奥古斯特．巴尔托洛梅，1848年生于蒂韦尔瓦尔-格里尼翁，1928年逝世于巴黎，是一位法国雕塑家和画家。普法战争（1870-1871）结束后，年轻的士兵阿尔伯特巴尔托洛梅进入日内瓦美术学院，开始接受绘画训练，师从巴泰勒米．门恩。1877年起，他定居在巴黎。在巴黎，他遇到了埃德加·德加，两人成了亲密的朋友。在巴黎美术学院，巴尔托洛梅师从让﹣莱昂．杰罗姆，并于1879年至1986年间定期在沙龙上展示他的作品。1887年，巴尔托洛梅的第一任妻子普罗斯佩里．德．弗勒里去世，他悲痛万分。德加鼓励他为自己已故的妻子雕刻一座坟墓，让她永垂不朽。巴尔托洛梅先在瓦卢瓦地区克雷皮的布扬公墓为自己已故的妻子建造了坟墓，随后着手构思《逝者纪念碑》。这是一件能献给所有逝者的、更具普世意义的作品，没有宗教含义。他创作这座纪念碑大约用了10年时间，1899年，它在巴黎拉雪兹神父公墓被立起。随后，这座作品为他赢得了1900年世界博览会的雕塑大奖，并成为世纪之交象征主义运动的雕塑杰作之一。雅克·德·卡索写道："我们现在必须重视这位伟大的雕塑家，我们也许应该从他的艺术本质中认识到他是罗丹唯一且真正的竞争对手。"《哭泣的女孩》（又名《掩面的女孩》）采用彩色石膏制成，创作于1904年。这是巴尔托洛梅根据《逝者纪念碑》侧面的人物之一制作的缩小版作品，描绘了一个以胎儿的姿势侧卧着的小女孩，她将双腿靠在胸前，正在掩面哭泣。 《梦》1894年菲立克斯．苏莱斯，1857年出生于欧兹，1904年在家乡去世，是一位活跃于19世纪后期的法国雕塑家。菲立克斯．苏莱斯出身于一个不富裕的家庭，先是进入图卢兹美术学院学习，后进入巴黎美术学院，师从亚历山大．法尔吉埃（1831-1900)。苏莱斯于1881年开始长期在法国艺术家沙龙展出自己的作品，直到其1904年去世。《梦》创作于1894年，灵感来自19世纪末的象征主义运动，塑造了一名年长男子的头部。这名男子似乎正在睡梦中，他的长卷发和胡须与底座的形状融为一体。苏莱斯选择通过寓言的方式向观众传达梦的概念，以一个裸体的女性形象作为梦的代表﹣﹣她醒着、微笑着，整个身体倚靠在男人的脸上，并用双臂搂住他。 《夏尔．奥祖半身像》夏尔．奥祖（1859-1922）是一位法国律师和艺术收藏家。从19世纪80年代起至1922年去世为止，奥祖结识且资助了许多艺术家，其中包括达鲁、罗丹、卡尔波和儒勒．德布瓦。奥祖致力于为艺术家解决法律问题，是艺术家的坚定支持者，他和其中一些艺术家成了亲密的朋友。1884年，艾梅-儒勒·达鲁正处于自己艺术生涯的巅峰期，遇到了比他小21岁、刚刚开始职业生涯的年轻律师夏尔·奥祖。两人一见如故，相互钦佩，维持了近18年的友谊。这座夏尔·奥祖的半身像用白色汉白玉制成，呈现了这位中年律师身着都市装的肖像。雕塑的右侧有日期和署名，上面有法语题字，"致夏尔．奥祖""深表感激""1902年4月7日，达鲁"。仅几天后的1902年4月15日，艺术家在巴黎去世。 《思想者》（中尺寸版本）《地狱之门》是艺术家取之不尽、用之不竭的灵感和造型来源，罗丹经常将大型雕塑作品中的人物或人物组合单独拿出来作为作品展出。他最重要的题材都来于此，如《思想者》《乌戈林》《吻》（也称《保罗和弗朗西斯卡》）等。《思想者》最初被命名为《但丁》，后被称为《诗人》，最后以《思想者》这个名称为世人所知。本次展览展示的是《思想者》这件举世闻名的作品的原始尺寸版本，高度为72厘米。这个尺寸版本的《思想者》出现在《地狱之门》的楣板中央，作品中的人物似乎在沉思人类激情带来的折磨和戏剧性。造型方面，我们可以清晰地看到《思想者》是罗丹对自己所崇敬的西方古代艺术，特别是《贝维德雷躯干像》以及米开朗琪罗《朱利亚诺·德·美第奇像》的致敬。然而，《思想者》是在1903年的大尺寸版本被制作之后才真正成为一个具有象征意义和强大的人物作品，具有普遍影响力。"将人作为人性的象征来展现，粗犷而勤劳的人会在工作的过程中停下来思考，行使他区别于野兽的一种能力。"（罗丹） 《惩罚》这件作品的名称暗指古罗马三位掌管惩罚和复仇的"愤怒女神"，她们负责追捕罪犯。这件作品是体现罗丹创作方式的典型案例，即通过组合不同人物创作新的作品。此作品包括一个身体前倾的男性，他怀里抱着一名女子，身上还背着两名女子，仿佛正在逃亡。罗丹在1913年的沙龙中仅展出了男性的雕像，名为《惩罚（研究）》，创作于1904年至1906年前后，其石膏版本目前存于罗丹博物馆，但整个组合雕塑才构成作品《惩罚》。 《顶着瓦罐的女像柱》，约1883年在古希腊文明中，"卡里亚蒂德"专门指女像柱，她们代替梁柱用头和脚支撑建筑物，比如雅典卫城的伊利斯索斯神庙。后来罗马人采用了这种设计，以至于西方多数文明都逐渐效仿。罗丹巧妙地将这种站立、冷静的女性形象转变成疲惫不堪、身负重荷的形象。这个被石头压着的坐姿女子是罗丹为《地狱之门》设计的人物之一，她位于门的左上角，半遮半掩。这件作品明显受米开朗琪罗的影响，当时罗丹正仔细研究米开朗琪罗的作品，学习形体的对比。罗丹将这件作品视为他的得意之作，并在1883年3月向法国自由艺术协会展出其汉白玉版本的雕像，这大概是罗丹第一次将局部人物作为作品单独展示。之后，他还设计了很多其他版本，其中有一个几乎与这件作品一样，唯一的差别是其用瓦罐取代石头，就是此处的青铜版本的《顶着瓦罐的女像柱》；此外，石膏原稿版本的《女像柱》也在展览中呈现。 《乌戈林》《乌戈林》和《保罗与弗朗西斯卡》是《地狱之门》系列作品中最先完成的两件雕塑。但丁的《神曲》中，乌戈林的故事是最悲惨的情节之一：13世纪，比萨国的暴君乌戈林被判和他的两个儿子及两个孙子活活饿死。这一悲剧激发了法国画家德拉克罗瓦及雕塑家卡尔波等诸多艺术家的创作灵感，其中卡尔波还曾于1863年的沙龙展上展出青铜雕塑《乌戈林和他的四个孩子》。罗丹十分崇拜卡尔波，大概率从卡尔波的这件作品中受到启发，但他在卡尔波创作的基础上对乌戈林的动作做了调整，与其让乌戈林坐在地上满脸愁容，罗丹版本的乌戈林不如跪在地上匍匐前进，爬过身边饿死的孩子。这件作品在1900年的沙龙展上展出，编号76，旁边附有说明："他已经看不到身后已饿死的儿子，其他的孩子带着极度的绝望向他求救，而乌戈林，骨瘦如柴、筋疲力尽、神志不清，仿佛还剩最后一口气的野兽，跪在地上，已经饿得爬也爬不动了。" 《悲剧缪斯》罗丹非常欣赏维克多·雨果，他是当时法国著名诗人、作家和政治家。1883年，罗丹被引荐给雨果，雨果同意让罗丹给自己制作肖像，但不愿意专门摆姿势。于是，罗丹在雨果家的阳台上放了一把凳子，经常坐在那里观当时年逾80岁的雨果在客厅招待朋友，罗丹试图捕捉画面来制作雕像。这件未完成的肖像被铸成青铜件，在雨果82岁生日宴上展出。1889年，罗丹中标为巴黎先贤祠设计雨果纪念雕像，他提供的初稿作品塑造的是在根西岛流放期间的雨果，雕像中坐着的雨果被三个有象征意义的女性角色包围。虽然这个初稿版本在1890年被拒，但罗丹并没有放弃，在接下来的几年里他又塑造了两个版本。这两个新版本中雨果都是裸体站姿，身后有长着翅膀的精灵，但罗丹最终并没有采纳站姿版本。之后，罗丹重新在坐姿版本的基础上进行修改，并在1897年展出终稿石膏模型，终稿版本中的雨果被两个有象征意义的女性角色包围，分别来自作品《悲剧缪斯》和《内心之声》,《悲剧缪斯》凌驾于半裸的雨果之上，旁边是雕像《内心之声》。不过，在1900年阿尔玛展馆的罗丹个展中，展出的石膏模型只包括雨果和悲剧缪斯。在本次展览展出的青铜版本中，缪斯跪在其脚后跟上，身体前倾，右臂向后伸展，左臂略微抬起，微侧着头，雕塑将其扭曲的动作展现得淋漓尽致。 《费纳耶泉边的男人（无双臂，躯体倾斜）》费纳耶先生向罗丹订购了多件雕塑作品来装饰自己在巴黎西郊讷伊的别墅，罗丹还为其设计了喷泉，但始终没有完成建造，且目前无论在罗丹博物馆还是其他地方几乎都没有该喷泉的设计记录，具体内容我们也就不得而知了。罗丹经常在不同作品中使用此前创作的雕塑，这里展出的费纳耶先生的形象也曾在其他作品中被借用。罗丹博物馆藏有此雕像的一个陶土版本，但其上半身不是倾斜的，而是水平的。 奥古斯特·罗丹《吻，男性躯体》 奥古斯特·罗丹组合雕像，约1910年，从左至右：《女半人马和彩虹女神半身像》青铜《女半人马和绝望的少年》青铜《女半人马和女性半身像》青铜 和以往创作一样，罗丹对《加莱义民》中每个人物都进行了真人大小的人体雕塑研究，然后再设计其披上外衣的版本。雕塑过程中，罗丹用真的衣服直接在石膏体上塑造成型。这里展出的是《加莱义民》六人之一皮埃尔．德维桑的人体雕塑，罗丹为他塑造了一个无头无手的裸体版本。在最终的版本里，他衣衫褴褛，脖子上套着绳索。根据1886年前后罗丹工作室的一张照片，我们可以看到这个人物的塑造没有衣服和绳索的过程稿。 《吻》这件雕塑无疑是罗丹最著名的作品。根据但丁《神曲》中的描写，维吉尔和但丁参观地狱时遇到了恋人保罗·马拉泰斯塔和弗朗西斯卡·德．里米尼，他们因偷情被打入地狱，罗丹想要表现这对恋人亲吻的场景。弗朗西斯卡·德·里米尼爱上了自己的妹夫，她的丈夫吉昂乔托·马拉泰斯塔发现后将两人杀害。这组雕像本来是为《地狱之门》而设计的，但作品本身象征着充满激情的爱情。后来，罗丹认为它更能表现爱的幸福和感性◇不适合《地狱之门》的主题，于是在1886年将这组雕像从《地狱之门》上移除。这件作品后来以《吻》为名单独展出，成为罗丹最著名的代表作之一。法国政府于1888年委托罗丹制作了这个雕塑的汉白玉放大版本◇并在1898年的沙龙展上首次展出，同时展出的还有石膏版的《巴尔克》。原作品高85.5厘米，但罗丹让铸铜商勒布朗-巴伯迪耶纳浇铸了四种不同尺寸的青铜雕像（分别高71.1厘米、60.2厘米、40厘米和25.7厘米）。大型汉白玉版本的《吻》高181厘米，目前有四尊，分别藏于巴黎奥赛博物馆、伦敦泰特美术馆、哥本哈根新嘉士伯美术馆和费城罗丹博物馆。同样大小的青铜版本雕像有十二件，本次展览展出了其中一件，其他青铜雕像版本的《吻》存于世界各地，比如卡迪夫威尔士国家博物馆、巴黎杜乐丽花园、巴黎总理府、东京罗丹博物馆等。 奥古斯特·罗丹《阿波罗大战巨蟒》1898年青铜 奥古斯特·罗丹位于巴黎近郊工作室的照片 《雕塑中的罗丹》罗丹委托卡里尔为其1900年举办的艺术展设计海报，在这次展览中，罗丹共展出168件雕塑作品。这幅石版画描绘的是罗丹正在雕刻作品《苏醒》,此雕塑也在1900年阿尔玛展馆举办的艺术展上展出。这幅石版画也出现在洛伊斯·德尔泰尔于1913年出版的《雕塑画家图册》中，其中第39号作品就是卡里尔的。他于1900年创作了三幅画作，均命名为《雕塑中的罗丹（研究）》,尺寸大致为41厘米x33厘米。这些作品在鲁道夫·拉佩蒂的著作《尤金·卡里尔和他的绘画作品目录》中也被提及（伽利玛出版社，2008年，提及的作品编号分别是：946、947、948号），其中第948号作品现藏于巴黎奥赛博物馆（库存编号： RF 3097)，存于罗丹博物馆，其余藏品为私人收藏家持有。这幅石版画还有一件副本藏于罗丹博物馆（库存编号： G .7609)。尤金．卡里尔（1849-1906）是著名画家，也是亨利．马蒂斯和安德烈·德兰的老师。他于19世纪80年代与罗丹相识并成为好友。罗丹拥有卡里尔的许多作品，现也都藏于罗丹博物馆。在1906年卡里尔去世后，罗丹为卡里尔的家人提供了许多帮助。卡里尔成功地描绘了罗丹掌控材料、竭力创作的场景，从而展示了罗丹的一生。2006年东京国立西方艺术博物馆和巴黎奥赛博物馆举办"奥古斯特·罗丹与尤金·卡里尔大型展览",让人们更好地理解这位画家和这位雕塑家之间的友谊。艺术评论家卡米尔·莫克莱尔在1904年出版了一本关于罗丹的著作，在第143页他这样写道："卡里尔绝对是他最亲密的朋友，同时也是受他才华影响最大的人，他仰慕罗丹多年。" 《地狱之门第二版》青铜稿在1880年至1881年期间，罗丹为《地狱之门》制作了多个模型。《地狱之门模型（一）》的尺寸为23厘米x26厘米，是用蜡制成并固定在木板上的。《地狱之门模型（二）》是用粘土制作的，然后被铸成石膏模型，罗丹博物馆将之浇铸成青铜模型。这个模型看起来更像是浮雕而不是一扇门。从画面上来看，许多难以区分的受难人物环抱着一个像十字架的柱子。 《"地狱之门"第三版》青铜稿《地狱之门模型（三）》是用石膏制成的，之后由罗丹博物馆浇铸成青铜模型。与前两个版本的模型相比，此模型的尺寸要大得多，可以让人看清其结构。《地狱之门》作为门的总体外观已经显露出来，人物分布在中央的十字架周围，这个十字架很可能是门缝，而周围布满明显的浮雕。目前人们欣赏到的《地狱之门》由罗丹代理人兼罗丹博物馆首任馆长雷昂斯．贝内迪特于1917年修复。贝内迪特于1917年说服罗丹将石膏版本的《地狱之门》铸造为青铜版本，同年，罗丹去世。1919年，巴黎的罗丹博物馆正式向公众开放，观众可以看到大型石膏版的《地狱之门》，而如今罗丹博物馆花园中呈现的青铜版本《地狱之门》等到1928年才被铸造完成，罗丹生前并未能亲眼看到。 两只花瓶："自求生路"主题路易﹣罗贝尔．卡里耶﹣贝勒斯是阿尔伯特﹣恩涅斯特．卡里耶-贝勒斯的儿子，1848年出生于巴黎，1913年在巴黎去世，法国画家、雕塑家、陶瓷艺术家和青铜制造者。路易-罗贝尔．卡里耶﹣贝勒斯最初在其父亲的指导下接受艺术训练，随后进入巴黎美术学院，师从古斯塔夫．布朗热（1824-1888）和亚历山大．卡巴内尔(1823-1889)，之后作为画家在1870年的沙龙首次亮相。普法战争（1870-1871）结束后，年轻的士兵路易﹣罗贝尔恢复了他的艺术实践并将创作转向陶瓷领域。他在他的父亲自1875年以来一直领导的法国塞弗尔瓷器制造局工作，后来，他在舒瓦西勒鲁瓦瓷器制造局担任陶瓷造型设计师，并于1889年成为该制造局的艺术总监。这对红色釉面陶瓷花瓶由舒瓦西勒鲁瓦瓷器制造局于1898年制作，花瓶饰有儿童形象的底座和石像鬼造型的手，其灵感无疑来自艺术家的父亲在1862年设计的儿童撑举造型的花瓶，只不过路易-罗贝尔设计花瓶上儿童的动态造型明显不同于他父亲花瓶作品中儿童相对静态的造型风格。其花瓶底部的黄色小牌子上刻有法语的"自求生路"的字样。 奥古斯特·罗丹收藏的中国古董 在展馆中认真写生的学生