缔造现代—来自巴黎奥赛博物馆的艺术瑰宝———2025.09.24

於春莲

这个展是在浦东美术馆举行的，一直想去浦东美术馆参观，只因票价太贵没成行，这次是想看这个展览，享受了老人打八折，提前几分钟进场，和老年大学同学享受夜场八折一起去的。 缔造现代———来自巴黎奥赛博物馆的艺术瑰宝"是浦东美术馆与奥赛博物馆精诚合作的结晶。展览汇集众多杰作，全面呈现1848年至1914年间法国艺术的宏大画卷，并在策展中特别凸显绘画与雕塑展品在社会乃至政治层面的深刻意涵。在向库尔贝、马奈、莫奈、高更、梵高、博纳尔等杰出艺术家致敬的同时，本次展览还意在揭示奥赛博物馆近四十年前的创立在国际博物馆界所引发的革命性影响。1986年，这家由火车站改造而成的全新展览机构，以其独树一帜的理念引发了诸多深度讨论；此后其他博物馆纷纷效仿，使这场因奥赛激起的论愈发热烈。艺术作品因此不再自我封闭，而是主动照亮孕育并赋予其意义的时代。中国素来对法国的现实主义和自然主义青睐有加，展览"缔造现代"期望借由奥赛博物馆的珍贵馆藏，将这份对"真实"的钟情延展至那个时代更多不同的艺术表达之中。 诸多学院，诸多学院派描摹万物最卓越的样貌、刻画思想的最高境界﹣﹣这两条原则曾长期被视为美术的终极追求，也是美术教学的根基所在。意大利文艺复兴意欲重振古希腊的理想范式，将历史画推举为所有绘画体裁之首。在文艺复兴之后的数个世纪里，一度被奉为知识殿堂且顶尖艺术家云集的"学院"，逐渐沦落为研究人体比例的"画院"。在法国，浪漫主义率先与古典理念决裂，拒绝呈现过于完美的人体比例。之后，库尔贝和马奈采取了更为激进的做法。作为学院派代表人物，热罗姆和卡巴内尔也无法避免受到正在兴起的现实主义的影响。他们看似延续着古典理念，但实际上，其作品中的理想范式只剩幻影，对古典的诠释也显得相当现代。 我们面前的两幅画都曾在当时法国最重要的艺术展上大获成功，展览的评委特别挑剔，想要在那里展出必须符合一些标准，比如：描绘历史或神话故事、整齐的画面、雕塑般完美的人物。面前两幅画的画家其实已经在试着改变这些过时的规矩了，而接下来展览中更"现代"的艺术家们﹣﹣几乎打破了所有这些规则！像米勒、马奈、莫奈这些现在非常有名的画家，都曾因不按老方法画画而被拒绝参展过。如果你是他们，你会怎么做呢？ 让﹣莱昂·热罗姆《玩斗鸡的希腊年轻人》1846年布面油画 1873年购得 亚历山大．卡巴内尔《维纳斯的诞生》1863年布面油画原为拿破仑三世私人收藏，1879年经司法裁定转归法国国家博物馆管理亚历山大．卡巴内尔（1823-1889年）于1845年获得罗马大奖第二名。长久以来，他被视为最典型且备受批评的"陈腐学院派画家"。尽管反对当时的现实主义，但他也在传统主义的框架内有所创新。卡巴内尔的画作风格交替呈现出两种面貌：时而承袭拉斐尔或米开朗基罗，力量感十足；时而流露出18世纪早期艺术的余音，满是感官诱惑。1863年官方沙龙展上引起轰动的作品《维纳斯的诞生》便沿袭这第二条脉络，甚至模仿了那种由蓝、白、粉组合的配色。许多评论家认为，这幅画展现的是基本的生理感官，而非灵魂的高贵热情。本应端庄典雅地从海沫中浮现的女神，在画中却在海沫中辗转，全靠那经典的塑形与细腻的笔触，才抵消了她姿态的"不妥"。 肖像，从对外形象到私人剪影肖像在19世纪的展览与照相馆中占据主导地位。这一艺术体裁持续发挥着它自古以来的作用：使画中人永存于后人的记忆之中。自1789年法国大革命及其引发的社会剧变以来，人们愈发需要以具体方式对外展现自身的形象，并运用复制技术来推动个人形象的传播。为了应对日益增长的肖像需求，一套标准化、公式化的肖像流程应运而生，这使得媒体开始呼吁艺术家以更具想象力的方式描绘人物及其生活环境。彰显当下时代的每个细节，突出容貌体态的每个特征，乃至人物风尚，变得至关重要。随着名人时代的到来，艺术家们逐渐开始呈现业界同仁﹣﹣诗人、画家和雕塑家。罗丹为文豪维克多·雨果与雕塑家朱尔．达卢所作的雕像，以及埃内斯特·迪埃描绘海滨画家于利斯·比坦户外作画情景的画作，皆在此陈列。与此同时，歌剧及戏剧明星在画中张扬地表现自我，与金融大亨及政界要人不相上下。 保罗·博德里《马德莱娜·布罗昂》1860年布面油画 1900年画中人速赠 莱昂．博纳《帕斯卡夫人》1874年布面油画 1915年购得青年时期的莱昂·博纳（1833-1922年）是埃德加·德加的挚友。他创作了近600幅肖像，描绘对象涵盖政要、金融巨头和艺术名流。画中人的身份和社会地位通常一目了然，其画作规格与人物地位息息相关。这幅尺寸极大的作品描绘了帕斯卡夫人﹣﹣一位金融家的遗孀，也是享有盛名的女演员，她与小仲马、福楼拜和莫泊桑交情深厚。画中的帕斯卡夫人身着镶有黑色皮草的白色缎面长裙，双眼炯炯，目光深邃，手臂姿态威严，被左拉赞为"壮丽无比"。头上的冠饰更是加深了她留给观众的印象﹣﹣她不仅是舞台上的女王，还是1875年官方沙龙展的焦点。 奥古斯特．罗丹《维克多．雨果》1897年青铜 1906年由法国政府购得被誉为现代雕塑奠基者的奥古斯特·罗丹（1840-1917年），自青年时代起便对维克多·雨果满怀敬仰。1883年，罗丹终于见到了这位诗人。这次会面促使罗丹创作了他的第一尊雨果胸像，并与朱尔·达卢胸像（亦在本次展览中呈现）一同亮相于1884年官方沙龙展。在那件雕塑中，雨果苍老的面容得到了升华：神情坚毅，目光锐利，额头宽展，身着紧扣的现代风格服装。本次展出的版本与最初的胸像大为不同，其蓝本是1885年雨果去世后罗丹为其设计的纪念碑。由于功能转变，雕像的外观亦随之演变。雨果的胸膛充满英雄气概，象征着毫不动摇的力量；低垂的头颅与紧闭的双眼，则反映出雨果深邃活跃的思想。 奥古斯特．罗约1883年镀色青铜，铸造而成1906年由法国政府购得 方丹﹣拉图尔先生终于为他想表现的人物找到了［………]最自在的姿态，[……］最契合的光影效果。菲利普．比尔蒂，1878年 亨利·方丹﹣拉图尔《迪堡一家》1878年布面油画1921年亨利·方丹·拉图尔之妻保留用益权的捐赠亨利·方丹﹣拉图尔（1836-1904年）是19世纪五六十年代现实主义画派的领军人物，始终坚持严谨的构图与沉静的色调。1870年之后，肖像画成为他拓展人脉的关键领域。在1878年的官方沙龙展上，方丹﹣拉图尔被评论家们称为"才华近乎天启，令公众叫绝"。这幅作品描绘了画家妻子一家（妻子站在后排）。该肖像画的气质酷似夏尔丹笔下的那种静谧与亲昵："这些人物轻声谈论着生活中的小事与感受。"方丹﹣拉图尔的创作既不迎合家人，也不讨好公众。正如欧仁·韦龙所言："恐怕再难找到一位画家，能够如此蔑视布景、姿势和矫饰。"在画中各处，还闪现着方丹﹣拉图尔的朋友马奈的画作《阳台》的影子。 你试过在户外写生吗？跟在室内画画有什么不同吗？1841年，美国画家约翰·戈夫·兰德发明了可以拧上盖子的金属颜料管！从此，艺术家们就能够把颜料装进包里随身携带，还能让它们不容易干掉。可别小看这个不起眼的发明，它大大改变了画画的方法。艺术家们终于能舒舒服服地走出工作室画画，从此，阳光的明暗、风雨的方向，都会出现在他们的画里！每一次科技进步都会带来新的艺术可能，你认为现在的人工智能会带来怎样的艺术变化呢？ 埃内斯特·迪埃《于利斯．比坦》1880年布面油画1896年由法国政府购得 对历史的偏爱法国人一直相当钟爱历史写作。19世纪，该领域出现了重要的转折，这得益于人们开始系统性地挖掘国家档案，并重关注那些能够预示现代世界的事物。1789年法国大革命引发的时代变革，使得收集并分析过往历史的工作变得尤为迫切。学者们努力理解并阐释各个时代如何发展独特的风俗习惯、社会结构，以及从中衍生的服饰风尚。艺术家同样涉猎广泛。例如埃内斯特·梅索尼埃，他既能以平实轻松的方式描绘路易十五统治时期的风尚，又能转而展现《1814年法国战役》中失败的悲壮。当法兰西第二帝国的观众们看到此作时，他们会想起拿破仑一世首次被流放前最后几场战役的神圣时刻﹣﹣那之后拿破仑军队又曾高举皇鹰战旗短暂归来，但最终还是陨落了。每一个细节都旨在使观众相信画中的场景曾真实上演。 埃内斯特·梅索尼埃《绘画爱好者》1860年木板油画1909年阿尔弗雷德·肖沙尔遗赠 你能看出画面中是什么季节吗？梅索尼埃擅长用细致入微的画法还原历史场景，这幅画描绘了拿破仑皇帝带领军队行进的时刻。为了准确还原细节，艺术家查阅了许多历史书，购买了同样毛色的马用来观察细节，还亲自跑到冰天雪地里去感受寒冷。他甚至还想从博物馆借来拿破仑穿过的灰色外套，只可惜没成功。让我们像艺术家一样认真！仔细观察天空的颜色、军队的气势和将军们的表情，你猜想拿破仑接下来的战斗……是胜利还是失败了？ 埃内斯特·梅索尼埃《1814年法国战役》1864年木板油画1909年阿尔弗雷德·尚沙尔遮颇1861年，埃内斯特·梅索尼埃（1815-1891年）当选法兰西艺术院院士。他投身于最受尊敬的历史画领域﹣﹣这幅三年后完成的画作以快照般的方式捕捉了一场国家悲剧，将观众带回拿破仑首次退位前的最后战斗之中。画面展现了一个难以言喻的时刻：虽然拿破仑和他标志性的灰色大衣尚未完全退出历史舞台，却已然步入传奇的殿堂。通过这幅杰作，梅索尼埃再现了法国军队在沙皇亚历山大一世领导下的联军面前，做出抵抗的最后时刻。泥雪覆盖的荒凉平原上，布满深深的车辙，象征着无法逃脱的命运正在迫近。拿破仑独自挑头，行进在参谋部前方，依然时刻准备投入战斗。请带着1864年官方沙龙展观众的心态观赏此画，如他们一般畅想另一种结局。 让﹣保罗·劳伦斯《罗贝尔二世被逐出教会》1875年布面油画1875年由法国政府在官方沙龙展上从让﹣保罗·劳伦斯处购得让﹣保罗·劳伦斯（1838-1921年）偏爱宏大的尺幅，擅长通过空间布局与留白处理，以及突如其来的加速感，来营造戏剧性的效果。这幅作品在1875年官方沙龙展上一经亮相，便被法国政府购藏。画作描绘了几位主教未能成功劝说"虔诚者"罗贝尔二世（996-1031年在位）放弃与勃艮第的贝尔特（与国王拥有共同的曾祖父母）的婚姻后，愤然离去的情景。宗教仪式中使用的巨型蜡烛倒落在地，余烟袅袅，烛头指向受到贬斥的君主，象征着来自教宗的谴责。与之类似，代表王权的权杖也被弃于罗贝尔的脚边。他那色若死灰的面庞，展露出这对被逐出教会的夫妇的沮丧与痛楚。 让﹣巴蒂斯特．卡尔波《玛蒂尔德公主》1862年大理石1905年玛蒂尔德公主遗赠 从现实主义到自然主义现实主义继承了"真实生活"的浪漫主义传统，这一点在杜米埃的《克里斯潘和斯卡潘》中生动展现﹣﹣艺术家以戏谑的姿态描绘了两位演员的舞台形象。在绘画和雕塑领域，现实主义发展出多种表达形式。最初的现实主义画家们，如库尔贝、米勒，始终恪守原则。一大批艺术家虽与这些先辈并肩，积极响应"客观性"这一要求，但在具体实践中则会作出调整，使画作更温和地融入传统规范的框架。要理解这一点，只需对比亚历山大．法尔吉埃的《摔跤手》与库尔贝1853年完成的同主题画作，后者显得更为激烈。官方沙龙展相当欢迎这种温和保守的现实主义，尤其重视记录乡间风情的作品﹣﹣因为在工业化浪潮的冲击下，一部分乡村世界可能就此消失。从乡村主题到东方场景，从现代享乐到偏远地区保存较好的宗教仪式，描绘现实世界的画家们也扩大着题材范围。19世纪70年代末，具有社会意义的大型画作迅速兴起。1879年，当共和主义者获得选举胜利之后，此类画作更是大量涌入公共空间。当时的法国政府成员茹费理倡导自然主义绘画，这一主张与左拉的"自然主义小说"相呼应。该流派有时会讽刺共和国的动荡不定（例如玛丽．巴什基尔采夫的《一次碰头》)，但更多的是赞美普通民众，这些人物体现了劳动、家庭和博爱的价值观。随着20世纪的到来，一些艺术作品更加直白，或揭露社会不公，或表达政治诉求。然而，对贫困者和无产阶级命运的同情，常常不过是一种体面的感伤情怀罢了。 奥诺雷·杜米埃《克里斯潘和斯卡潘》约1864年布面油画1912年卢浮宫之友协会通过亨利·鲁阿尔的子女捐赠 古斯塔夫·库尔贝《受伤的男人（自画像）》1844-1854年布面油画1881年通过公开拍卖购得古斯塔夫·库尔贝（1819-1877年）在法兰西第二共和国末期凭借巨幅画作《奥尔南的葬礼》成为一位举足轻重的艺术家﹣-他以塑造英雄的尺寸描绘普通人。不过，描绘现实并不意味着要抹杀自己的个性，盲目照搬外部现实。库尔贝坚定地为每一幅画打上自己的"个性"烙印，并宣称："能够按照我自己的品位将我所处时代的风俗、思想和风貌转化为艺术，简而言之，创造鲜活的艺术，这就是我的目标。"自画像的创作贯穿了库尔贝的一生。在这幅画的创作过程中，库尔贝曾改动了构图﹣-他以决斗者的形象出现，剑和血迹清晰可见，但是艺术家既没有给出理由，也没有展现情节。现实主义并不试图解释一切。 古斯塔夫·库尔贝《皮埃尔﹣约瑟夫·蒲鲁东》1865年布面油画1958年埃马纽埃尔·福雷﹣弗勒米埃的夫人与苏珊·埃内吉小姐保留用益权的捐赠 赛奥多尔•卢梭《利勒亚当森林中的大道》1849年布面油画1910年 夏尔﹣弗朗索瓦·多比尼《春天》1857年布面油画1856年法国政府委托与泰奥多尔·卢梭一样，多比尼(1817-1878年）也对后来的印象派画家产生了显著的影响。他的影响来自其经验主义的风格，以及自19世纪50年代起获得的商业成功。全景式构图突破了传统绘画的限制，将自然的力量引入画面之中。《春天》展现了万物复苏、生命绽放的季节，麦苗仍是绿色，苹果树已然开花。1857年，有人将这幅毫无矫饰的画作与乔治·桑洋溢着乡村质朴魅力的小说相提并论。小说家兼记者埃德蒙·阿布总结道："多比尼先生的这幅画，就像透过窗户看到的春之微笑。" 不同品种的树，有什么不一样的地方？你喜欢什么样子的树？古老的橡树和那些欣赏它们的艺术家们，为法国以及今天所有到访的游客守护着枫丹白露森林。1861年，卢梭和其他当地的画家们，担心人们为了种植商业价值更高的松树而砍伐橡树，就向皇帝求助。于是，拿破仑三世下令，将1000公顷的林地（差不多有800个浦东美术馆那么大！）指定为"艺术保护区"，保护了这一自然景观。橡树虽然商业价值低，却受到艺术家保护你觉得"有价值"到底是什么意思呢？ 纳西斯·迪亚兹·德拉佩纳《枫丹白露森林》1846年布面油画1920年阿尔弗富础·雨沙尔雕 保罗．吉古《洗衣妇》1860年布面油画1912年保罗·罗森贝格捐赠 朱尔·达卢《挽袖子的农夫（一）》约1898年青铜雕像1990年海关查扣 当你很累的时候，都会做些什么？展厅中央的《拾穗者》和这幅《干草》都向我们展示了在农田里干活的人们。你看，画中的两个农夫正在休息，远处是他们刚刚完成的工作：割草、振草、还把干草捆成了一个个草堆。那个时候还没有机器能够帮忙。这些工作全靠人力完成。不管是烈日还是暴雨，他们都得在田里干活。仔细观黎而中农妇的表情，你觉得此刻的她正在想些什么呢？ 朱尔·巴斯蒂安﹣勒帕热《干草》1877年布面油画1885年鑫法国政府购得朱尔·巴斯蒂安﹣勒帕热（1848-1884年）虽然英年早逝，但在19世纪70年代末就已声名鹊起。这幅《干草》在1878年官方沙龙展上大获成功，极大地推动了他的成名。他被左拉称为"库尔贝与米勒的继承者",其作品绝非乏味的田园牧歌，而更像是关于法国乡村的史诗。虽然师从卡巴内尔，但他很快摆脱了老师的影响，将古典绘画技巧运用于大众主题。在这幅画中，男人在小憩，年轻女人神情发怔，面容憔悴，可见扎草垛的工作有多累人。除了一丝不苟地追求细节，巴斯蒂安﹣勒帕热还接纳了当时的现代性。正如左拉1879年评论的那样，巴斯蒂安﹣勒帕热受到马奈和印象派画家的影响，甚至还融入了日本主义的大胆美学。 让﹣弗朗索瓦·米勒《拾穗者》1857年布面油画1890年波默量夫人保留用益权的捐赠让﹣弗朗索瓦·米勒（1814-1875年）来自诺曼底一个较为富裕的农民家庭。他在直率的现实描摹中融入了对古代大师的崇敬以及对画面和谐的追求。1857年展示于官方沙龙的这幅杰作正是最佳证明。小说家兼记者埃德蒙·阿布写道："远远望去，这幅画便吸引了你，以一种宏伟又宁静的气息。我几乎想说，它如同一幅宗教画。"虽然这个场景充满和谐之美，其间的三位女性让人想起古代浮雕或普桑的画作，但她们弯曲的背、变形的双手和简陋的衣衫实际上呼应了当时社会的紧张气氛。值得一提的是，拾穗工作是在监视下进行的：一个工头骑着马，他是地主的代理人，允许人们拾取遗落田间的麦穗。 亚历山大·法尔吉埃《摔跤手》1875年布面油画1995年奥托·克劳斯·普赖斯捐赠 你平时和小伙伴们都在哪儿碰头？喜欢一起玩些什么？画面中，男孩们正围在一起讨论着一件我们看不太清楚的东西，他们表情不一，各有想法。磨损的衣服、木栅栏和破掉的海报说明他们来自贫穷的街区。对于那时的法国小孩来说，街头是他们交朋友、玩游戏、分享故事的重要场所。黑色罩衫表明他们是学生，1882年颁布的教育法案让孩子们必须去上学，而且不用花钱！你的校服跟他们的罩衫，有什么不一样？你觉得什么颜色的校服最酷？ 玛丽．巴什基尔采夫《一次碰头》1884年布面油画1885年购得 新绘画与印象派1876年第二次印象派展览期间，著名作家兼艺术评论家埃德蒙·迪朗蒂出版了一本小册子，其中他倾向于使用"新绘画"这种说法。这个词的好处在于，它能够涵盖自库尔贝以来的所有艺术革新之声。迪朗蒂还提到了其他许多人，如方丹﹣拉图尔、阿尔弗雷德·史蒂文斯、马奈和德加。迪朗蒂认为，这些艺术家打破了"画室与日常生活之间的隔阂"。在他看来，与其强调这些画家之间的差异，不如关注他们的共同点﹣-拒绝将绘画与周围现实割裂开来。从此，绘画必须以"天真""真诚"和"自然"的方式，真实地再现当代的风俗、服饰时代背景。作为巴尔扎克与左拉的崇拜者，迪朗蒂呼吁画坛发起一场如同法国文学那样重塑整个领域的变革。 詹姆斯．蒂索 《 L . L ．小姐肖像画》1864年布面油画1907年通过公开拍卖购得詹姆斯·蒂索（1836-1902年）是德加和马奈的好友。1860年前后，蒂索凭借浸染中世纪和文艺复兴余韵、散发古朴和感伤色彩的画作声名鹊起。自1864年起，其艺术生涯迎来了一个转折：他开始以辛辣的笔触评判当时的风尚，这一特点贯穿于他的肖像画和风俗画之中。在他笔下，这两种体裁的界限常常是模糊的。这幅画中的年轻女子，虽置身与其社会地位相符的环境中，但那挑衅的神态却与传统资产阶级肖像画的惯例和礼仪相去甚远。无论是她稍显随意的坐姿，还是略微侧首显露的风情，都难称端庄。而裙摆间若隐若现的粉色便鞋，更凸显了这位佚名画中人的独立精神。从此以后，无拘无束的巴黎女性成为蒂索画作中的常见主题。 阿尔弗雷德·史蒂文斯《沐浴》布面油画1926年莱昂·莱尔米特遗赠 十九世纪后半段，法国裙子的流行样式发生了很大变化。下面是三种不同时期的裙子风格，按时间顺序排列。你能看出来它们分别对应哪一幅画吗？①裙摆宽大，优雅浪漫，柔美庄重的贵族样式。②裙后鼓起，贴身硬挺，装饰堆叠的都市时尚。③自然飘逸，轻盈流动，轻松自在又自信舒适。你觉得哪一幅画里的裙子最好看？哪一条看起来最舒服？ 克劳德·莫奈《路易﹣若阿基姆·戈迪贝尔先生的夫人》1868年布面油画1951年通过一笔来自加拿大的匿名捐赠资金购得 亨利·热尔韦《瓦尔泰丝·德·拉·比涅夫人》1879年布面油画1906年瓦尔泰丝·德·拉·比涅夫人捐贈 阿尔贝·贝纳尔《罗歇·茹尔丹先生的夫人》1886年布面油画1921年罗歌茹尔丹先生的夫人捐赠 德加画过很多幅画来展现芭蕾舞演员练习时的样子。你觉得，他为什么不画她们在舞台上的演出，而是画排练的过程呢？芭蕾舞演员在跳舞时，看起来轻盈优雅、毫不费力，但实际上她们每天都要练习、非常辛苦！除了画画，德加还制作了芭蕾舞者的雕塑，你在展厅中央的展台上就能看到它们！是不是发现雕塑的脸上没什么细节？这是因为德加最在意的，是腿和手臂的动作，以及整个身体的姿势。选一个你喜欢的雕塑动作，别动，让小伙伴猜猜你模仿的是哪一个？*注意安全！不要撞到作品和其他人哦！· 埃德加·德加《佩列蒂埃街歌剧院的舞蹈教室》1872年布面油画1911年伊萨克·德·卡蒙多伯爵遗赠1870年前后，德加开始尝试描绘芭蕾。在此之前，赛马题材已使他熟练掌握如何捕捉瞬时运动中的形体。描绘舞蹈场景时，希望在有限的画布上呈现丰富的瞬间。在这幅画中，芭蕾舞女们正在排练：当其他人在把杆上热身时，画面左侧的一位女孩正准备起跳。处于显眼位置的是芭蕾舞大师路易·梅朗特，这位权威人物拿着一根打节拍的传统手杖。与即将起跳的女孩形成呼应，德加描绘了一旁的同伴：她正坐着按摩自己线条优美的双腿。雅致的地面和墙壁为环绕成圈的舞者们提供了完美的背景﹣﹣画作的和谐美感，令人联想到华托和维米尔作品的气息。 马奈与德加，亦敌亦友在被马拉美称为"印象派之父"之前，爱德华·马奈（1832-1883年）曾被誉为"委拉斯开兹的继承人"。《奥林匹亚》在1865年展出后引发的丑闻，促使马奈开始描绘巴黎生活和上流社会海滨出游的场景，这让他的画作看似少了几分挑衅。 很早以前，马奈就开始与埃德加·德加（1834-1917年）"较劲"。德加虽师从一位安格尔弟子，但1865年后"皈依"现实主义。从那时起，德加建立了带有情感张力的、苦涩而细腻的风格，逐渐确立了其独特的艺术语言。两位画家相识于当时流行的音乐晚宴。他们偏爱共同的主题，关注政治时事，善于融合肖像画与风俗画。此外，他们始终忠于自己的交游圈，这在两人的社交生活和绘画作品中都有体现。为展示画家间繁复错杂的联系，他们的好友詹姆斯·蒂索、阿尔弗雷德·史蒂文斯等人的作品亦在本单元中呈现。 埃德加·德加1921-1931年1931年在埃德加·德加后代和埃布拉尔家族的慷慨帮助下购得1.《女按摩师》镀色青铜小型组雕2.《浴盆》镀色青铜小雕像3.《女人坐在扶手椅上擦拭身体左侧》 镀色青铜小雕像 你注意到一匹躁动不安的马了吗？早在1850年，法国人就很爱看赛马了。德加喜欢画赛马，他通过画笔记录当时流行的活动，同时又能描绘他真正热爱的东西：身体的运动。在这幅画里，他就像站在赛马场的中间，准备和马儿一起冲出去！他描绘了好多个层次：近处，两个骑手朝着不同的方向；中间左侧是满满当当的观众；最远处，那匹紧张的马儿，好像快要控制不住自己了！比赛就要开始了﹣﹣你是不是也有点紧张呢？ 埃德加·德加《看台前的赛马》1866-1868年纸上油彩，裱于画布1911年伊萨克·德·卡蒙多伯爵遗赠马是德加的一大爱好。从少年时期起，德加的速写本里就画满了骑行队列和动物的动态。到19世纪60年代末，现代赛马这一主题愈发引起德加的关注，他的目光逐渐转向新建的跑马场﹣﹣赛事接连上演，吸引着大批观众。德加尤其偏爱描绘赛马开始前的准备阶段，因为这正是展现比赛紧张与期待氛围的关键时刻。骑师们身穿所属马房和马主的彩色制服，马匹本身则会成为严格审视的对象：德加视观众为有能力评估每匹马胜算的懂行爱好者。整幅画洋溢着如同舞蹈编排场景般的优雅。赛场的柱杆和现代工厂的烟囱在地平线上竖立排列，其线条的内在动态营造出视觉上的节奏美感。 爱德华·马奈《埃米尔·左拉》1868年布面油画1918年埃米尔·左拉的夫人保留用益权的捐赠这幅肖像展现了画中人与马奈之间的意气相投。年轻的左拉一心想凭自己最早的几部小说以及犀利的报刊文章一举成名，在1866年的官方沙龙展期间，他曾为备受争议的马奈辩护。同时，左拉尖锐批判卡巴内尔的艺术，坚称唯有现实主义美学才能契合当下的需要。1867年的世界博览会巩固了二人的友谊，于是马奈创作了这幅左拉的肖像，并于1868年的官方沙龙上展出。画作展示的左拉，既是文学的创作者，也是马奈的捍卫者：侧面姿态让人想起文艺复兴时期的伟人像，而沐浴在光线中的宽阔前额则象征着左拉非凡的写作能力。屏风来自马奈的画室，反映了巴黎先锋派对日本主义艺术风格的推崇。此外，这幅画还致敬了委拉斯开兹的《巴克斯的胜利》和马奈最具争议性的《奥林匹亚》。 这幅画中藏着一些来自遥远东方的灵感﹣﹣背景里漂亮的团扇！1853年日本的港口重新开放，日本版画开始进入法国，在1867年巴黎世博会上还举办了大型的日本传统艺术展。艺术家们开始从日本版画里学习新东西，比如大胆的裁剪、平面的图案和明亮的色彩，扇子、屏风、和服、武士等元素也经常出现在他们的作品中。你能够在旁边《埃米尔·左拉》的画像里找到更多的日本元素吗？ 爱德华·马奈《女人和扇子》1873-1874年布面油画1930年埃内斯特·鲁阿尔夫妇捐赠1873年末，马奈开始频繁出入钢琴家兼诗人妮娜·德·卡利亚斯的沙龙，她常把各界人士集聚一堂。1874年初，马奈开始在位于圣彼得堡街4号画室为妮娜·德·卡利亚斯绘制肖像。画中的妮娜身穿阿尔及利亚风情的服装，悠闲地斜躺在沙发上，姿态宛如戈雅笔下的自由女性。她直视观众，面孔展现出难以言喻的表情，介于魅惑的微笑与感伤的娇嗔之间。一只可爱的白狗俏皮地呼应了《奥林匹亚》中的黑猫。背景中的日式风格延续了《埃米尔·左拉》肖像画中的屏风元素。马奈的书信记录表明，这幅"充满幻想的人物"未完成状态是他有意为之的，其创作初衷并非为了参加官方沙龙展。 埃德加·德加《在咖啡馆》1875-1876年布面油画1911年伊萨克·德·卡蒙多伯爵遗赠德加在这幅画中对人物、场所和物件同等重视，虽然场景明确，但整体意图仍耐人寻味。已知的是，德加并非直接描绘自己在咖啡馆里看到的情景，而让两个朋友﹣﹣女演员埃伦·安德烈和画家兼版画家马塞兰·德布坦作为模特提前摆好造型。不过，他没有明确两人的关系。女人面前放着一杯苦艾酒，男人面前放着一杯啤酒。德加有意凸显了这张巴黎"快照"中的第三个主角：酒精﹣﹣它所带来的欢愉和潜在的不幸后果……这两位顾客似乎互不理睬，各怀心事。虽然艺术史曾草草将画中人物认定为妓女和嫖害，但他们的命运并没有定论。在当时享受波希米亚式生活的艺术家群体中，人们的关系往往暧昧不清、难以定义。 爱德华．马奈《上啤酒的女招待》1878-1879年布面油画1959年依据与日本签订的和平条约入藏卢浮宫博物馆 爱德华·马奈《海滩上》1873年布面油画1953年保留用益权的捐赠 古斯塔夫·卡耶博特《开花的树》1882年布面油画2019年玛丽·让娜·多雷勒遗赠 克劳德·莫奈《维特伊的教堂》1879年布面油画1973年马克斯和罗茜·卡加诺维奇捐赠 克劳德．莫奈《贝勒岛荒野海岸的岩石》1886年布面油画1894年古斯塔夫·卡耶博特遗赠在莫尔比昂湾的心脏地带，贝勒岛和它那荒无人烟的海岸线激发了莫奈(1840-1926年）心中复杂的情感。1886年秋天来到贝勒岛后，他便迫不及待地想与亲朋好友分享布列塔尼带给他的深刻感受。10月11日，莫奈写信给卡耶博特："我现在身处一个绝美荒凉之地，有令人生畏的岩石滩，还有一片五光十色、不可思议的海洋；总之，我兴奋至极，但也不知所措，因为我已经习惯了在拉芒什海峡（法国人对"英吉利海峡"的称呼）作画，并且有了一套自己的方法，但大西洋却完全不同。"在这一时期，莫奈的作品风格发生了转变，形体更为凝练，布局也更具张力，同时还能看出日本版画大师铃木春信和葛饰北斋的影响。 卡米耶·毕沙罗《图尔﹣杜﹣荣格尔小道和穆西先生的家，卢沃谢讷》约1869年布面油画1972年恩里克塔·阿尔索普代表爱德华多·莫拉尔博士遗赠 卡米耶·毕沙罗《冬日里村庄一角的红色屋顶》1877年布面油画1894年古斯塔夫·卡耶博特遗赠在画家兼收藏家古斯塔夫·卡耶博特（1848-1894年）收藏的所有毕沙罗（1830-1903年）画作中，这幅无疑是毕沙罗最为钟爱的。它在1877年第三次印象派展览上备受赞誉。冬季凋零的树木如帷幕般占据了画面前景，透过它们可以看到紧密相依的房屋，杳无人烟﹣﹣这反而突显了它们质朴的守护。评论家阿梅代·德屈布写道："俏丽的画作，藏在森林中的小房子，坚定和简洁的笔触令人耳目一新。" 你觉得画里的风景是在哪个季节？是早上、中午、下午，还是天快黑的时候？大约在1890年，莫奈开始以"系列"的方式画画。他会挑选一个主题，比如干草堆、白杨树、大教堂或池塘里的睡莲，然后画很多很多张。他常常在不同时间、不同季节、不同天气里画同一个地方。这样，我们就能看出光线和颜色是怎么随着时间慢慢变化的了。你也可以使用莫奈的方法，在不同的时间和天气下拍摄同一个地方，这样你也有了自己的系列作品！ 克劳德·莫奈《阿让特伊的塞纳河》1873年布面油画1951年阿尔贝·夏庞蒂埃博士及其夫人捐赠 克劳德·莫奈《夏末的干草堆》1891年布面油画1975年通过一笔来自加拿大的匿名捐赠资金购得"干草堆"这一母题或许最能体现永恒的乡村风情，并折射出与之相关的法国社会面貌。自19世纪八九十年代起，莫奈专注于若干系列主题的创作，而"干草堆"正是最早令其名声大噪的系列之一。这些被视为法国国家象征的形象，被笼罩在万千对比色调之中，呈现出不断变化的光线和时间。时间的尺度可以无穷小，也可以无限大，然而将两者结合在画中却并非易事。1890年10月7日，在致艺术评论家古斯塔夫·热弗鲁瓦的信中，莫奈写道："我努力进行了许多尝试，想要呈现一系列各不相同的效果，但这段时间，阳光退却得太快，我几乎无法跟上它的速度。[……］要达到我所追求的效果，必须付出巨大的努力：捕捉瞬间的感觉，尤其是光线四处弥漫的氛围。" 奥古斯特·雷诺阿《加布丽埃勒与玫瑰》1911年布面油画1925年菲利普．冈尼亚为纪念父亲而捐赠 保罗、塞尚《有洋葱的静物》1896-1898年布面油画1929年奥名斯待滁尔兰渔院 保罗．塞尚《黑城堡上方洞穴附近的岩石》约1904年布面油画以作品抵偿债务，1978年塞尚生于艾克斯，卒于艾克斯，他期望将自己的作品镌刻在亘古不变、远离现代世界纷扰的文化与历史之中。他笔下的普罗旺斯是一片他常常往复的熟悉之地，是一块每日写生的亲密地理空间，而地质学家朋友们的支持也给了他不少启发……安托万﹣福蒂内·马里翁便是其中之一，他对任何史前的蛛丝马迹都近乎痴迷。这幅塞尚晚期画作的视角逼近垂直，仿佛紧贴岩壁，使得岩块、植物和一角天空融为一个惊人的整体，呈现出宛如大洪水时代后的场景气息。 奥古斯特·雷诺阿《乔治·夏庞蒂埃先生的夫人》1876-1877年布面油画1919年卢森堡博物馆之友协会与图尔农夫人（原名若尔热特·夏庞蒂埃）共同捐赠雷诺阿与夏庞蒂埃夫妇二人私交甚笃。乔治·夏庞蒂埃不仅是自然主义小说家（尤其是左拉）的重要出版商，还是艺术界的活跃人物。他开设了一家画廊，并推出了一本名为《现代生活》的杂志。夏庞蒂埃夫人的沙龙在此期间发挥了至关重要的作用。在1879年官方沙龙展出的那幅大尺幅画作中，雷诺阿描绘了夏庞蒂埃夫人与孩子们相伴的场景（现藏于纽约大都会艺术博物馆）。而在这幅更早创作的画中，夏庞蒂埃夫人以艺术赞助人的形象现身，嘴唇微抿，好像即将要发表一番锐评，面露威严而不失温和。 柔软的沙发、安静的卧室、阳光下的公园……你最喜欢在哪里看书呢？19世纪中期，越来越多巴黎的女性学会了识字和阅读，这不光出现在当时的文学作品中，连画家们也开始画下女性读书的瞬间。沉浸在知识中的女性不再是过去画面中被"观看"的对象，也不再只是母亲、妻子或艺术家的灵感来源，而是认真、独立、具有文化品味的现代女性。为什么读书的样子会让人觉得安静又充满力量？ 奥古斯特．雷诺阿《读书的女人》1874-1876年布面油画1894年古斯塔夫·卡耶博特遗赠 雷诺阿曾对我说过一句相当中肯的话，（他说，）塞尚的作品中有一种难以言说的东西，那感觉就像庞贝古城的遗迹，既此粗犷，又无比动人。———毕沙罗谈及塞尚，1895年 奥古斯特·雷诺阿《尚罗赛的塞纳河畔》1876年布面油画1894年古斯塔夫·卡耶博特遗赠 保罗．塞尚《农家庭院》约1879年布面油画1894年古斯塔夫·卡耶博特遗赠 你会跟小伙伴或家人一起听音乐、唱歌吗？雷诺阿喜欢用明亮的颜色画出温暖欢乐的世界，最拿手的是用色彩画出光的感觉。他用羽毛一般轻巧的笔触，一点点地把颜色叠在一起，让它们流动、融合，就像在画面上"跳舞"一样！靠近看，你会发现很多小点、小线、小色块。但只要你退后几步，哇﹣﹣画面一下子变得柔和又连贯，好像真的有光在画布上闪动和跳跃！除了色彩和笔触，你还看到了哪些小物件，让场景显得温暖愉悦？ 奥古斯特·雷诺阿《钢琴前的女孩》1892年布面油画1892年法国政府从奥古斯特·雷诺阿处购得在诗人马拉美领导的集体倡议下，这幅画作成为雷诺阿首件被纳入法国国家收藏的作品。创作完成当年，这幅兼具精致线构与细腻色彩的画作，便正式亮相卢森堡博物馆﹣﹣那时该博物馆专门展示当代艺术。雷诺阿绘制过不下六件类似作品，而本幅画作是其中最为知名的版本，至今仍备受欢迎。它不仅展现了眼前的景象，仿佛还能传递画中的声音，同时调动视觉与听觉享受。马奈、德加等画家也喜欢描绘这种感官交织的体验。 保罗·塞尚《塞尚夫人肖像》1885-1890年布面油画以作品抵偿债务，1991年即便是人物画，包括为妻子奥尔唐斯绘制的肖像，塞尚仍遵循着自己独特的艺术法则：简化的线条，以及通过细蜜笔触构建的色调变化。这幅肖像整体呈现出一种质朴而简约的美感。背景仅以从棕绿到天蓝的色调略作装点。画中的奥尔唐斯直面观者，面部被描绘为几近完美的椭圆。她安然自若地占据画面空间：整幅画作洋溢出一种生活静谧的氛围， 埃米尔．贝尔纳《塞尚坐在《大浴女》前》1904年银盐摄影8.2x10.7厘米奥赛博物馆藏埃米尔．贝尔纳自1886年起便与高更交往密切，随后逐渐倾心于塞尚的艺术创作，并多次为其撰写评论文章。1904年，他专程拜访塞尚。这张如今已成经典的照片，拍摄于塞尚位于洛维丘陵的画室﹣﹣该画室坐落在艾克斯郊外的一处山坡上。 超越印象派英国艺术评论家罗杰·弗莱于1911年提出了"后印象派"这一概念，用以囊括在印象派之后兴起的各个主要独立绘画流派。这些流派的艺术家们对印象派或继承或反对，但都宣扬自身更为坚定的主体性，并认为莫奈和毕沙罗等人的美学实践只是以被动的姿态再现对象。在多次与印象派艺术家共同展出后，保罗·高更最终加入了象征主义阵营。该非正式团体的艺术家唯一的共识是，反对任何形式的现实主义。与此同时，图卢兹﹣劳特累克和他所在的圈子采用了一种带有戏谑意味的综合主义。与其说他们旨在割裂与现实世界的联系，不如说他们注重打破传统图像的陈规。相比之下，修拉和新印象派则更为关注如何用更系统的方法再现经典作品中美的理想范式。 逃离：高更与梵高1888年，保罗·高更与文森特·梵高在普罗旺斯的阿尔勒共同度过了两个月，但这段时光未能消弭两人在性格和审美上的差异。保罗·高更（1848-1903年）曾当过水手，也做过股票经纪人。1876年，他开始跟随毕沙罗学画；三年后，作为新人加入了印象派团体。然而，印象派对经验主义的着很快引发了高更的不满，他转而投身于创作主体性更为鲜明的绘画形式。19世纪80年代末，高更首次来到布列塔尼，结识了埃米尔·贝尔纳和保罗·塞律西埃，他的创作生涯由此转折。他感到自己心中有一个"野蛮"，这促使他拥抱了原始主义。至于梵高（1853-1890年），他对极端的象征主义形式持怀疑态度，且仅在荷兰北部和法国游历。起初他跟随家人从事艺术贸易，后来前往博里纳日，向那里的矿工传福音。但他在艺术、文学和宗教领域的卓越学识，最终促使梵高放弃了传教事业。此后，他开始描绘工人和穷人，这些创作受到米勒和巴斯蒂安﹣勒帕热作品的启发。自1886年起，梵高在巴黎接触到印象派和新印象派，由此开启了对色彩运用的探索。身患遗传性精神分裂症，他将绘画作为对抗疾病的武器。 看看这幅画和对面墙上的《塔希提的女人》，画中人物的衣服各有什么特点？"在布列塔尼，我就像穿越了一样，"高更曾说，"我觉得自己越来越不像周围的人，他们对于现代工业世界的喜爱让我感到讨厌……我爱布列塔尼，在那里我找到了原始和野性。"不管是在布列塔尼，还是塔希提，高更一直希望能够从更加原始质朴、充满异域风情的文化中找到特别的艺术表现力。你更向往与自然为伴、简单淳朴的原始村庄，还是习惯于科技便利、日程紧凑的现代都市？ 保罗．高更《布列塔尼的农妇》1894年布面油画1973年马克斯和罗茜·卡加诺维奇捐赠 保罗·高更《塔希提的女人》，又名《沙滩上》1891年布面油画1923年维塔利伯爵夫人捐赠早在1889年8月，高更就向埃米尔．贝尔纳坦露了自己"追寻未知的强烈渴望"。最终，他选择前往塔希提岛，并于1891年6月抵达。他的首次旅居历时两年，其间创作了大量以女性为主题的绘画。高更对当地居民及其传统，乃至毛利艺术的遗存进行了深入研究。尽管其画作并直接反映当地的殖民状况，但也没有滑向那种未来明信片上常见的田园牧歌式的美化。在这幅画中，黄色的沙滩和写意式的潟湖波浪之间，有两个沉默的女人，一个穿着当地的帕雷欧裹身裙，另一个穿着一种由传教士引入的连衣裙。高更还从德拉克洛瓦描绘后宫场景的画作中汲取灵感，借鉴其舞台化的人物布局，用以意指一种深入内心的隔绝感。 埃米尔．贝尔纳《麦收》1888年布面油画1965年购得费尔南．科尔蒙热衷于以自然主义展现充满活力的题材，正是在他的画室中，年轻的埃米尔·贝尔纳（1868-1941年）结识了梵高等人。不过，1888年，在布列塔尼的蓬塔旺（又称阿旺桥），贝尔纳转而与高更结盟﹣﹣两年前，他们正是在蓬塔旺相识并互生敬意。从一开始，贝尔纳就追求高度凝练的形式美和具有宗教仪式感的构图，这一特点在他描绘参与崇高的田间劳作的男人和女人时尤为突出。虽然高更后来自称分隔主义之父，但这一手法其实很大程度上来自阿旺桥画派的共同实践，而埃米尔·贝尔纳后来成为该流派的著述人。 画面中正在进行的是法国布列塔尼地区的一项古老的摔跤比赛，参赛者必须光脚上阵，穿上特制的白色亚麻衬衫和黑色裤子。比赛的目标是把对手摔倒，让他的双肩同时着地。冠军的奖品可能是一个苹果派，或是一只胖胖的羊！如今，这项运动作为法国的非物质文化遗产，仍在布列塔尼的节庆和集市上举行。看看他们的动作，你觉得谁快要赢了？ 保罗·塞律西埃《布列塔尼式摔跤》1890-1891年布面油画1984年亨丽埃特·布塔里克小姐遗赠 保罗．高更《和平与战争》1901年橡木浮雕，有颜料痕迹，带金色点缀2002年购得 保罗·高更《蒂呼拉》（正面）;《夏娃》（背面）约1892年柏氏灰莉木面具，部分彩色，带金色点缀1951年于克，德·蒙弗雷夫人保留用益权的捐赠 保罗·高更《海景与牛》1888年布面油画1923年维塔利伯爵夫人为纪念其兄居伊·德·肖莱子爵的捐赠 保罗·高更《艺术家肖像》（正面）《威廉·莫拉尔肖像》（背面）1893-1894年双面布面油画1966年到过一起来自加泉大的服名机遣资血则得第一次从塔希提岛归来后，如同他职业生涯每一个重要阶段，高更绘制了一幅自画像。画中的他面容疲急，身穿当地民俗服装。在我们眼前的这幅自画像背面，是高更为他的邻居，瓦格纳的追随者﹣﹣音乐家威廉·莫拉尔绘制的肖像。画中的莫拉尔神悄恍惚，背景以蓝色为基调﹣-这种表现手法似乎预示了1901年毕加索"蓝色时期"的艺术风格。高更在创作时从未考虑两幅肖像同时展出的场景，因此我们如今所见的莫拉尔肖像呈上下颠倒之状。 正面 反面 我画了我的卧室。色彩平铺，但笔触粗放，颜料厚墙壁用了淡丁香紫，地板为柔和、略显褪色的红，椅子和床则是铬黄色的［……]。我想表达一种绝对的休息［……]。梵高致高更，1888年 文森特·梵高《梵高在阿尔勒的卧室》1889年布面油画1959年依据与日本签订的和平条约移交1888年2月19日，梵高登上了开往阿尔勒的火车。他南下的原因众多：一方面，他与弟弟提奥都看好这个阳光充沛、充满异国情调之地所蕴含的艺术商机；另一方面，他也相信那里的环境对自己的健康大有裨益。对身处巴黎的梵高而言，南法如东方般耀眼，又更易抵达，也许还能吸引高更的到来。10月中旬，他给高更寄去一封信，随信附有一幅描绘自己卧室的草图，并详细描述了画作的色彩：除了被罩醒目的红色，画中其余的颜色柔和克制。正如梵高所说，这是一幅简单的画，试图"表达一种绝对的停息"，但加剧的透视效果却为画面注入了一丝不安的情绪。最终，他与高更的情谊也在阿尔勒以悲剧收场。 仔细观察这幅画，你觉得梵高是一个什么样的人？"人们常说﹣﹣我也是这么认为的﹣﹣想要真正了解自己很难，但要画出真实的自我也同样不容易。"这段话出自梵高在1889年9月写给弟弟提奥的一封信，简短却深刻。通过自画像，梵高不仅仅是在展示他的外貌，还试图通过画面展现自己的内心世界，让大家更深入地了解他。如果给自己设计一幅自画像，你最想让别人看到你的哪一面？爱笑的你，勇敢的你，还是安静思考的你？ 文森特·梵高《自画像》1887年布面油画1947年雅克·拉罗什保留用益权的捐赠梵高的自画像可被视作他与精神分裂症持续抗争的证明。1886年至1888年间，梵高寓居巴黎。在此之前，他似乎从未绘制过任何自画像，无论是素描还是油画。而在1890年5月中旬离开普罗旺斯地区圣雷米的精神病院之后，他也不再绘制自画像。这位年逾三十的荷兰画家在抵达巴黎并进入科尔蒙的画室后，决定以绘画作为表达自我主张的方式。其最早的几幅自画像便完成于该时期。1887年春，梵高开始采用点彩派的技法，描绘了自己身着翻领夹克、目光炯炯的样子。同年年底，他进一步简化画面，增强纯色对比，在面部周围营造出一种光晕效果。埃米尔·贝尔纳将之称为"燃烧的脸"。前往阿尔勒之后，梵高仍延续了这种创作手法。 亨利·德·图卢兹﹣劳特累克《亨利·萨马里》1889年纸板油画1947年雅克·拉罗什保留用益权的捐赠 亨利·德·图卢兹﹣劳特累克《朱斯蒂娜·迪厄勒》，又名《花园中的女人》1889年纸板油画1959年依据与日本签订的和平条约移交以《女性形象研习稿》为题，这幅画作似乎曾于1889年的独立艺术家沙龙展上展出，作品名反映了图卢兹﹣劳特累克敏锐的现实洞察力。评论家费利克斯·费内翁以同样富有力量的文字评价过这幅作品﹣﹣他指出画中人的面庞并不讨喜，而背景则绿得夸张。在色彩运用上，这幅画作罕见地如此贴近图卢兹﹣劳特累克的好友梵高的风格﹣﹣后者常以极富表现力的手法，演绎大胆醒目的配色。画面中央的朱斯蒂娜·迪厄勒展现出强烈的存在感，然而她的姿态略显僵硬，甚至有些别扭﹣﹣这一印象因那双粗糙的大手而愈加突出。劳特累克以该花园为背景所描绘的女性，大多仅知其名；唯有朱斯蒂娜的姓氏被记录下来﹣﹣借由这幅肖像，劳特累克力图揭示她的内心世界。 夏尔•莫兰《红发年轻女子肖像》1889年布面油画1888年购得 19世纪末，巴黎街头到处都贴着五颜六色的海报，用来宣传演出和商品，非常热闹。卡皮耶洛所画的海报颜色鲜艳。线条简洁、人物动作夸张有趣，看一眼就会被吸引住！看到这两位穿着时尚的女士了吗？她们是当时非常有名的演员和歌手，卡皮耶洛的作品向我们展现了那个时代巴黎街头的创意与活力。回忆一下现在街头出现的广告和海报，它们靠什么来"抓住"你的注意力？ 莱昂内托·卡皮耶洛《让娜·格拉涅尔》约1895年布面油画1979年菜园内托·卡皮耶洛的儿炮莫妮克·卡皮耶洛捐赠从19世纪80年代到第一次世界大战（1914-1918年）期间，色彩艳丽、线条简洁但更具视觉冲击力的海报图像大量涌现，逐步重塑城市空间，一场视觉革命已然开启。意大利利沃诺人莱昂内托·卡皮耶洛（1875一1942年）抵达法国后，为这场革命作出了重大贡献。他还向欣欣向荣的讽刺报刊投稿。这幅描绘女演员让娜·格拉涅尔的画作笔法简练，可与他1898年刊载于《笑声》周刊的一幅彩色插图相较。同样，在完成本次共同展出的《伊薇特·吉尔贝》之后，他于1899年为该刊物创作了另一幅同主题漫画。此前，图卢兹﹣劳特累克已描绘过这位唱词艺人兼歌手吉尔贝，她那标志性的长黑手套与举世无双的戏谑姿态早已广为人知。 莱昂内托·卡皮耶洛《伊薇特·吉尔贝》约1899年布面油画1979年莱昂内托·卡皮耶洛的儿媳莫妮克·卡皮耶洛捐赠 路易．安克坦《街上的女人》约1890年布面油画1935年路易·安克坦遗孀捐赠 图卢兹-劳特累克与蒙马特文化早在1886年，亨利·德·图卢兹﹣劳特累克（1864-1901年）就意识到巴黎北部蒙马特高地上不断扩张的娱乐场所蕴含的诗意与商业潜力。蒙马特及周边地区的各类演出场所、舞厅、咖啡馆和小酒馆人头攒动、川流不息。该地区能有这样的经济效应，新闻出版界与图像艺术领域同样功不可没。图卢兹﹣劳特累克在费尔南·科尔蒙的画室结识了路易·安克坦，两人成为密友，在这些最能展现人们真实面貌的场所观察人类行为。在艺术实践中，劳特累克与安克坦都追求形式上的综合与鲜亮的色彩表达。图卢兹﹣劳特累克的人生轨迹并不寻常。他出生于图卢兹伯爵家族，这个家族政治立场保守，从骑马到狩猎，无不遵循贵族社交传统。作为家中幸存下来的独子，尽管图卢兹﹣劳特累克追随福兰和德加，成为一位描绘恣情纵欲的狂欢与舞蹈的画家，但他从未背弃自己的贵族身份，也未将自己塑造成批判都市罪恶或富人腐化的控诉者。他接受了古典艺术教育，但早在1883年至1884年就曾高呼："马奈万岁，革命万岁！"1886年初，他与埃米尔．贝尔纳和梵高等科尔蒙画室的新成员建立了友谊。 路易．安克坦《亨利．萨马里》约1890年布面油画2010年购得1888年，在谈到路易·安克坦（1861-1932年）的绘画作品时，评论家埃德蒙·杜雅尔丹提出了一个具有前瞻性的美学概念："画家的创作将会趋近于逐格绘画，类似掐丝珐琅，其技法可称为'分隔法'。"杜雅尔丹使用"分隔主义"一词时，借鉴了珐琅和彩绘玻璃的视觉效果。安克坦很可能是经由密友图卢兹﹣劳特累克结识了亨利·萨马里。这幅肖像堪称萨马里形象的典范之作，画面由平整的色块构成，几乎没有体积感和阴影效果，展现了这位戏剧世家成员的优雅气质。那双极具穿透力的蓝眼睛，让人想起其姨妈﹣﹣马德莱娜·布罗昂在保罗·博德里笔下的模样（展出于第一单元）。劳特累克于1889年为萨马里绘制的法兰西喜剧院舞台肖像，同样在本展区呈现。 新印象派：修拉及其艺术团体"点彩派"历程丰富、影响深远，并不局限于乔治修拉(1859-1891年）一人。作为该流派的领军人物，修拉曾接受传统绘画训练。他既欣赏普桑和安格尔，也倾慕皮维·德·夏凡纳，同时他深受乐观的集体主义精神的感召，逐渐形成了一个小团体，而保罗·西涅克（1863-1935年）则是该团体最卓越的著述人。修拉和西涅克推崇精简的形式与动态的构图，他们摒弃颜料的混合，转而采用笔笔分开的技法，将纯色排列在画布上，同时依据互补色理论，使颜色相与有成。笔触与色彩经过分解，排列于白色画布之上，在观者的眼中交融，唤起与画面主题相符的情感。对修拉和该团体而言，画作主题必须具有现代性。1887年至1888年间，梵高受到新印象派的吸引；修拉英年早逝后，该流派继续发展演变，1890年前后又传至比利时（以西奥·范·里斯尔伯格为代表）及荷兰。西涅克当时是梵高的好友，后来逐渐成为新印象派的有力领导者。马克西米利安·吕斯（1858-1941年）为该流派注入了更强烈的社会责任感和激进色彩；而亨利﹣埃德蒙·克罗斯（1856-1910年）则有所不同，他时而展现亲密关系的甜蜜，时而以绚丽的画面与地中海明亮炽烈的光线一争高下。 将风景综合为一种确定的样貌，以延续它带来的感觉，这就是新印象派想要努力达成的效果。费利克斯·费内翁，1886年 乔治·修拉《模特背影》1887年木板油画1947年通过公开拍卖购得无论是修拉去世后在其家中发现的版画和照片，还是他早年的临摹稿，都证明这位年轻术家对安格尔风格的偏爱。创作了《泉》的安格尔惯于使用富有表现力的形变手法，这令修拉领悟到，可以在精简的形式与凝练的效果基础上创作绘画。本画作是尺幅更大的《模特》（藏于费城巴恩斯基金会）的预备习作，灵感取自安格尔的《瓦平松的浴女》--着重描绘女子背部上缘与后颈的柔美曲线。尽管在1879年邂逅了印象派绘画，但修拉仅汲取了该流派明亮的色调、日式风格的布局以及灵动的构图，却坚定地拒绝追随其对转瞬即逝印象的捕捉。运用他自创的技法，修拉将笔触化为密集排列的纯色小点。他相信，经由视觉混合生成的色调所展现的更高强度与明度，将为古典传统注入新生。 亨利﹣埃德蒙·克罗斯《发丝》约1892年布面油画1969年购得 保罗·西涅克《井边的女人，作品238》192年布面油画1979年购得保罗，西涅克曾频繁出入无政府主义者的圈子，20世纪时又与共产主义者保持紧密联系。他渴望构建更加"和谐"公正的社会，并将这份期许寄托于艺术之上。自1893年起，他决定每年都在圣特罗佩居住一段时间。1892年5月，当他来到普罗旺斯时曾向母亲坦露："我从昨天起安顿下来了，沉浸在喜悦之中［………］我拥有的东西足以让我创作一生﹣﹣我刚刚意识到，这就是幸福。"他在南法期间的画作似乎也向我们传递出这些话语。在1893年的独立艺术家沙龙展上，他曾以《井边的年轻普罗旺斯女子（用于昏暗处的装饰板）》为题，展出过这幅代表作。和谐的主题与明亮的镉黄色调似乎在向买家承诺：这幅画定能驱散忧郁，令眼前的景象和心情都明朗起来。 不妨试着先从远处观看画面，再慢慢走近它。大多数画家会先在调色盘上混合出自己想要的颜色，再涂到画布上。但新印象派的画家们有自己特别的方法，他们直接把混合前的纯色小点点排列在画布上。我们的眼睛一看，就会自动把这些颜色"混"在一起，这就叫作"光学混合"！正是这种手法，使画面看起来格外亮丽，有时候甚至像水彩一样轻盈透亮。手机、平板和电视的屏幕其实也是由无数的小点点组成的，它们通常只有三种颜色。原来我们的眼睛每天都在帮助我们进行调色！ 保罗·西涅克《阿维尼翁·傍晚（教宗宫）》1909年布面油画1912年在独立艺术家沙龙展上从保罗·西涅克处购得 西奥·范·里斯尔伯格《罗斯科夫港口》1889年布面油画1982年购得 马克西米利安·吕斯《圣米歇尔堤岸与巴黎圣母院》1901年布面油画1981年克里斯蒂安·休曼捐赠 你能看到工厂烟囱冒出的浓烟吗？如果你在画作中，你觉得周围空气闻起来是什么味道的？工业发展让城市变得不一样了，工厂逐渐变成了日常所见的一部分。那时候的画家不再只画大自然的风景，而是开始画一些新出现的机器和烟囱。为了描绘这片庞大、阴沉但又引人注目的矿区，艺术家使用棕色、黑色和黄色，营造出一系列泥土的色调，并用砖块的红色进行点缀。画中没有画出任何人物，如果要加上矿工的话，你会使用什么颜色？ 康斯坦丁·默尼耶《黑色之地》约1893年布面油画1896年购得康斯坦丁·默尼耶（1831-1905年）于1880年首次造访博里纳日地区。这片工业区位于比利时蒙斯城附近，烟煤开采和加工需要动用数千工人与大量设备。"黑色之地"正是当时对这片工业区的形象化称呼。然而，默尼耶并未在这幅画中描绘任何矿工的身影：放眼望去，只有无边无际的工厂和烟囱，拉煤的火车穿梭其中。创作雕塑时，默尼耶歌颂工人与劳动；创作绘画时，他则描绘一个人类受制于工业生产冷酷法则的世界。大地色系的阴郁之中，只有极少的几种色调挣脱了沉抑的气氛。默尼耶与其友西奥·范·里斯尔伯格同为新印象派在比利时的代表人物。尽管该流派的技法常被批评过于冷峻，但在这幅画中，却反而为画面注入了生命力。 我期望未来将有一个纯净的团体，唯由笃信的艺术家所构成，他们挚爱美与德，在作品与行止之中，注入那难以言说的气质—我称之为"纳比"。塞律西埃致莫里斯．德尼，1889年 爱德华·维亚尔《戴绿色帽子的女人侧影》约1891年纸板油画以作品抵偿债务，1990年 爱德华．维亚尔《在床上》1891年布面油画1941年爱德华．维亚尔通过凯尔﹣格扎维埃·鲁塞尔先生及其夫人遗赠这幅画是纳比派的代表作，也是奥赛博物馆中备受欢迎的展品。维亚尔(1868-1940年）一生珍藏此画，从未在生前公开展出。尽管画中人的身份至今未明，但很可能是维亚尔身边的某个人，或是令他记忆深刻的场景。因此，这件作品的地位非同一般，元素之间的对比也令它尤为夺目。孩子的脸庞几乎被床单吞没，也许他做了一个愉快的梦，也可能正经历高烧的痛苦。画面效仿日本版画的风格，以圆润的线条贯穿其间；几条突出的水平线又将观者的视线宿命般地引回到基督教的十字架上﹣﹣它的一部分被一段颜料色带斩断。这条色带也影响了画作的署名和日期标记。尽管至今没有解释，但这或许与当时流行的主题有关：在天主教医院治病甚至住院的孩子。 阿里斯蒂德·马约尔《地中海》1984年青铜1986年迪娜·维耶尼夫人捐赠马约尔（1861-1944年）致力于重拾并革新古代传统雕塑的语言。他最著名的作品《地中海》象征了他口中的"拉丁"价值观。这种价值观体现为一种阳光、感性，甚至带有情色意味的艺术追求，以此塑造的身体既是肉欲而真实的，也是理想化的。《地中海》在1905年秋季沙龙展上亮相时，使用了一个中性的标题《女人》，但它无疑表达了内省，甚至忧郁的主题。这座雕塑最初由马约尔亲手以石材雕刻而成，后被转雕为大理石版本。最后，在曾担任艺术家模特并成为其遗嘱执行人的迪娜·维耶尼的推动下，这件作品在1984年获得了新生，拥有了这件铜铸版本。 画面里哪些地方看起来像傍晚？哪里又体现出十月这一季节？这幅画是德尼为一个女孩的卧室创作的四幅画作之一。浓郁的色彩和简单的曲线让画面充满了宁静祥和的氛围，像是在进行一场重要的仪式。就连小猫也缩成一团，安详地进入了梦乡。四幅画作包含了四月、七月、九月和十月，虽然没有画冬天，但很多人觉得它们代表了季节的循环。如果用一幅画来装饰你的卧室，你希望里面画了哪些内容？（还记得前面我们看到的梵高的卧室吗？) 莫里斯·德尼《十月的傍晚［用于少女卧室的装饰板］》1891年布面油画2005年通过日经集团协调的赞助购得青少年时期，莫里斯·德尼（1870-1943年）深受其所在教区﹣﹣圣日耳曼昂莱教堂后殿的影响。那里的《荣光基督》出自阿莫里-杜瓦尔之手，尤为夺目，令他难以忘怀。作为安格尔的学生，阿莫里-杜瓦尔极力倡导回归拉斐尔之前的艺术范式。这种对安杰利科修士的崇敬也深刻影响了德尼，但德尼的画笔不仅服务宗教场所。在描绘宗教题材与世俗场景时，他秉持一种"自然的神圣化"理念。其绘画没有将纯粹的形式与宇宙中可被感知的存在对立起来。德尼曾以"季节和女性生命历程的各个阶段"为题创作四幅组画，这幅便是其中之一。画作以理想化的温柔大自然为背景，画面中央的粉衣女子是画家后来的妻子玛尔特。 莫里斯·德尼《穿蓝裤子的孩子》1897年布面油画1987年购得 乔治·拉孔布《堇紫色海浪》1895-1896年布面油画1988年购得 爱德华·维亚尔《费利克斯·瓦洛东》约1900年纸板油画，裱于装有格栅支架的木板上1953年卡尔·德雷富斯遗赠 费利克斯．瓦洛东《梳妆的女人》1900年纸板油画1903年秋季沙龙展上从费利克斯·瓦洛东处购得 费利克斯．瓦洛东《脱睡裙的女人》1900年纸板油画1991年购得瓦洛东（1865-1925年）的作品中可以看到一种"无声的窥探"--虽然时常令人反感，但不会伤人。1900年前后，瓦洛东时而绘制气氛紧张的画作，时而雕刻相当幽沉的版画。他常用幽暗的光线展现私密生活的瞬间，此手法源自他精湛的版画技艺。画中女子可能是他的妻子加布丽埃勒，她正准备脱下长睡裙。衣物洁白的光辉在画面其他部分的柔和色调中尤为突出。瓦洛东的笔下的居室中，家具仿佛会说话，紧闭的门似乎也隐藏着某种信息。画家邀请我们窥视那些本应隐藏的私人时刻。1900年，艺术家购入了一台柯达口袋相机，开始尝试摄影。他的妻子乐于参与拍摄，在平凡的日常生活中为他提供灵感。 费利克斯．瓦洛东《提睡裙的女人》1904年青铜1992年购得 我不属于任何流派；我只想创造属于自己的艺术。皮埃尔·博纳尔，1891年 皮埃尔•博纳尔《私密》1891年布面油画1992年购得 皮埃尔．博纳尔《格纹衬衫》1892年布面油画1968年购得19世纪末，格纹面料在前卫艺术圈风靡一时，艺术赞助人米西亚和塔代·纳坦松夫妇的衣橱便是例证。博纳尔的这幅画作表明，对格纹的嗜好已经渗入社会各个阶层。博纳尔（1867-1947年）显然乐于在桌边年轻女子的红色衬衫与常见的格纹桌布之间制造有趣的视觉混淆。瑞士收藏家汉斯·汉洛瑟认为，在这幅画中看似与画作平面融为一体的"小方格"，正是博纳尔从浮世绘中汲取的钟爱元素﹣﹣在表面效果上做文章，与艺术家追求的视觉趣味不谋而合。这种来自日本文化的影响还体现在画作类似传统日式挂轴的构图和扁平的透视上。画中人如灵巧猫爪般的手势，则体现了画家的幽默。猫是博纳尔笔下室内场景的常驻角色，也是赋予画作猫式戏谑的关键所在。 这个展厅的画里一共躲藏了5只小猫，你能把它们都找出来吗？这只拥有白色大长腿的小猫，看起来像是刚刚从睡梦中醒来，伸了一个大大的懒腰！博纳尔特地把它的腿画得特别长，以营造出猫咪伸展身体并抖动尾巴的感觉。很久以前的法国，只有贵族才能够养猫，到了博纳尔画这幅画的时候，猫已经成为了很多法国家庭里受人喜爱的宠物了。你早上醒来的第一件事，都会做些什么呢？ 皮埃尔·博纳尔《白猫》1894年纸板油画1982年购得无论是像纳比派的批评者那样，将"形变"视为缺陷，还是将其视为纳比派的美学标志，这一表现手法无疑是博纳尔和维亚尔在1890年之后极力推进的视觉语言中的核心要素。马奈和东方画家都曾多次以夸张的手法描绘猫的身形构造，这激励了后继者们在这一题材上不断寻求突破。虽然博纳尔更钟爱狗，但他却对猫倾注了极大的创作热情﹣﹣用画笔捕捉猫咪玄妙莫测的神态与身姿，以及它们在感到满足时令人忍俊不禁的表情。 皮埃尔·博纳尔《女人与猫》约1912年布面油画1965年埃娃·格布哈特·古尔戈男爵夫人遗赠 皮埃尔·博纳尔《欢愉》1906-1910年布面油画以作品抵押债务，2007年1906年，博纳尔受塔代·纳坦松前妻米西亚的委托，为她与新婚丈夫爱德华兹位于伏尔泰堤岸的公寓装饰餐厅。这幅作品是博纳尔为此创作的首个重要系列。该系列由四幅画构成，结合了古代田园牧歌的艺术传统、圣经中的大洪水典故，以及极具开放性的东方主义灵感。画作中洋溢着浓郁的梦幻色彩和丰盈的色调。其中，只有两幅进入了奥赛博物馆的收藏。此处的《欢愉》带我们重温童年和少时的无忧无虑，勾起博纳尔对自己年轻岁月的回忆。画作中央的水池似乎在向周围嬉戏的人们承诺永恒的青春，而狗和猫则在旁守望，默契相伴。前景中，一个男人的侧影隐约可辨，或许是画家的分身，已然开始追忆似水年华。 皮埃尔·博纳尔《梳妆》1914年布面油画1922年购得 阿里斯蒂德．马约尔《夏娃》约1900-1901年青铜1992年迪娜·维耶尼夫人捐赠 从浦东美术馆镜台上看到的外滩夜景！