202506美国芝加哥艺术博物馆的欧洲展厅

YuHong

芝加哥艺术博物馆是一座杰出的建筑艺术杰作，宏伟的外观，宽敞的展厅和精美的室内装饰，为来自世界各地的参观者营造出一个优雅舒适的艺术氛围。无论你是钟情于古典大师的杰作，还是对当代艺术的创新充满好奇，这里都能令你大饱眼福、满载而归。

我们参观完艺术博物馆一楼的中日韩展厅，就从博物馆主楼梯登上二楼，这里是1900年之前的欧洲艺术展区，有许多欧洲印象派与后印象派艺术的经典之作。

主楼梯是天井式设计，四面摆放着多座人物雕塑和建筑构件，多为已经消失的芝加哥标志性历史建筑的美丽残片。

这扇哈特韦尔纪念窗是由艾格尼丝·诺普罗特和蒂芙尼工作室设计制造的，代表了20世纪初期蒂芙尼工作室的顶峰时期。哈特韦尔纪念窗是对蒂芙尼工作室“用玻璃绘画”技术的一次集大成展示，通过使用闪光玻璃、乳白玻璃、纹理玻璃等不同类型的玻璃和创新技术，创造出丰富的色彩和独特的视觉效果。

蒂芙尼工作室由路易斯·康福特·蒂芙尼创立于1838年，以其对色彩的革新使用和对光影效果的探索而闻名。此纪念窗原本为罗德岛普罗维登斯中央浸礼会教堂（后成为普罗维登斯社区教堂）所拥有，2018年，为了更好地保护这件艺术品并向公众开放，教会决定将其搬迁至芝加哥艺术学院。

下午的欧洲艺术展厅里人不太多，没有与大中型旅游团相遇是很幸运的。展区很大，由于参观时间已不多，我们只能走马观花式浏览，看到喜欢的画作雕塑就匆匆拍下来。

‌乔治·修拉的《大碗岛的星期天下午》‌（1884年）是芝加哥艺术博物馆的镇馆之宝之一，画前的观众总是络绎不绝。这是一幅点彩画法代表作，描绘了巴黎郊外的休闲场景。‌‌

这次参观没有看到古斯塔夫．卡耶博特的《巴黎街道 雨天》，这幅画是博物馆的镇馆之宝之一。原因是此画被纳入艺术学院即将举办的"古斯塔夫．卡耶博特：描绘他的世界"展览，该展览将于2025年6月29日至10月5日在雷根斯坦大厅展出，所以已经被移出原来的展厅。

这是我在8年前参观时拍下的照片

格兰特．伍德（美国人，1891年﹣1942年）的桦木板油画《美国哥特式》也是博物馆的镇馆之宝之一，由于其所在的美国艺术展厅现处于闭馆修整状态，所以也将8年前拍的照片放在这里。

1930年8月，格兰特·伍德访问了在爱荷华州的爱德伦，他在那里看到一座建于19世纪80年代的普通住宅，其建筑风格属于卡彭特哥特式。这座房子激发了这位画家的创作灵感，他想象它的居住者是一对与世隔绝的维多利亚时代夫妇，坚守着旧有的价值观，或者如他所描述的那样，是"美国哥特式人物"。于是伍德请他的牙医 B . H ．麦基希医生和他的妹妹南．伍德作为农夫和他未婚女儿的模特，创作了这幅画。他将男子与一把长柄铁叉搭配在一起以暗示他的劳动，而在女子身后放置室内植物象征着她的家庭生活。1930年12月，这幅《美国哥特式》在艺术学院展出时，立即引起了轰动，最终成为20世纪最具标志性的画作之一。

这是景观画家乔塞·德·莫珀尔二世创作的气势磅礴的全景画作《有游客的山间小路》（约1610-1625年），大自然的壮丽景色与宏大的视野融为一体。画面右侧，旅行者与农民们在丘陵地貌的道路上赶路或驻足休憩，画面也是人生旅程的一种视觉隐喻。这反映了当时描绘日常生活的绘画作品越来越受欢迎的趋势。

杰拉德．特．博尔赫（荷兰人 1617年﹣1681年）的油画《音乐课》，创作时间大约是1670年。杰拉德·特·博尔奇擅长创作小型肖像画和日常生活场景画，这类作品如今被称为"风俗画"。他成熟的风俗画描绘的是"上流社会"的主题：军官和优雅的年轻女子交谈、演奏音乐或交换信件。在这里，一位女士正在弹奏一件双头琵琶，男士大概是她的音乐导师，正为她打拍子。正如特博尔奇作品的常见风格那样，人物之间的确切关系仍充满了令人难以捉摸的模糊性。

勒内·奈恩兄弟（法国 17世纪）的这幅油画《圣杰罗姆》创作于1642年，描绘的是四世纪的学者塞姆·杰罗姆，在荒野山洞里全神贯注地研读《圣经》，并将其译成了拉丁文。

皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿（1841-1919）的布面油画《弹钢琴的女子》，大约创作于1875年。在19世纪中叶，钢琴已是家庭音乐演奏中最受欢迎的乐器，几乎成为上层社会家庭中的必备品。从画中女子随意穿着的长袍和内衣（一件用淡白色织物覆盖着蓝色内衣的服装）来看，雷诺阿笔下这位年轻的巴黎女子正在为自己或家人演奏。

　　‌皮埃尔·雷诺阿的油画《露台上的两姐妹》‌，色彩鲜活，是一幅印象派的杰出作品。‌‌

埃德沃德．马奈（法国人 1832-1883年）的油画《女子阅读》，创作于1879/80年。这位女士的面部仅通过在白色底漆画布上快速涂抹几笔的方式完成，就像化妆一样。背景是一幅他之前画过的画作，很可能描绘的是贝尔维尤，那是靠近巴黎的一个郊区，他常去那里休息。

文森特·梵高（荷兰人1853年-1890年）的《自画像》，创作于1887年。这幅自画像中浓烈的色彩和充满活力的笔触或许暗示了画家内心世界的动荡不安。文森特·梵高曾多次遭受抑郁和焦虑的困扰，他尝试以牧师、教师和艺术品经销商的身份确立自己的职业地位，屡屡受挫后才投身绘画。他的这幅作品遵循了新印象主义的色彩理论，即认为颜色的对立色（如蓝色和黄色，或者红色和绿色）并排放置时会产生一种强烈的视觉效果。但对于其他艺术家而言基于科学的冷静客观性的方法，在梵高手中却变成了一种情感表达的语言。在这里，背景的蓝绿色衬托出了画家头发和胡须的橙红色，使他那引人注目的表情更加突出。

让·弗朗索·瓦拉斐利 （法国人 1850-1924年）的《巴黎圣母院》，创作于1890/95年。

在19世纪70年代，一群年轻的艺术家（后来被称为印象派画家）重新定义了绘画应具备的特质。当时，普通人和普通场景并不被视为重要的创作主题，而画作应当呈现出艺术家经过长时间精心创作才完成的效果。印象派画家对这些传统观念持有异议，他们在选题和风格上的选择都违背了官方艺术体系的严格规定。

这些艺术家之所以团结在一起，是因为他们都热衷于描绘自己日常生活中所见的现代世界﹣﹣尤其是巴黎、其郊区以及乡村中的公园、大道和公共空间。他们鲜艳的色彩和松散、富有触感的笔触旨在表明他们是在户外创作，而非局限于工作室之中。印象派画家的成功为后来的艺术家们提供了更多的自由，让他们能够选择自己感兴趣的题材，并尝试新的风格。

《荞麦的收获》

‌《睡莲池》与《干草堆》系列‌是克劳德·莫奈（法国 1840-1926年）的印象派经典之作，记录了光线变化，都是博物馆的镇馆之宝之一。

油画《睡莲池》创作于1917/19年。在第一次世界大战期间，由于长期身体欠佳以及对第二任妻子去世的悲痛，克劳德·莫奈数年未作任何创作，后来却开始了一段高强度的工作时期。他建造了一个大型工作室，改善了自己的花园，并开始创作一组大型的睡莲画作，这些画作后来献给了法国政府。与此同时，他还创作了一组19幅较小的油画，其中包括这幅作品。

克劳德．莫奈的《麦垛（秋季）》1890/91

克劳德．莫奈《麦垛（夏末时节）》

《麦垛（日落 雪景效果）》

克劳德．莫奈 麦垛

克劳德．莫奈（1840-1926年）油画《佩蒂特克鲁泽河》

象征主义最初于19世纪80年代作为一种法国文学运动而兴起，随后很快被一群年轻的艺术家所接受。这些艺术家摒弃了印象派对可见世界的关注，转而认为艺术应当主要反映情感和思想。这场运动的重要先驱人物包括皮埃尔·塞西尔、普维斯·德·夏万尼斯和阿诺德·博克林等艺术家，他们从神话、宗教和文学的视觉呈现中找到了新的、个人的意义。画家和雕塑家如奥迪隆·雷东、埃马纽埃尔·弗雷米特和让·约瑟夫·卡里埃等人的暗示性意象常常包含着奇幻的生物，这些生物的混合特征借鉴了当时关于进化论和物种混合的理论。还有一些艺术家，如爱德华·蒙克，则发展出了一种极具个人风格的创作方式，其中融入了表现主义的线条和强烈的色彩，以唤起现代生活的焦虑情绪。作为一种艺术运动，象征主义具有很强的国际性，传播至欧洲和北美各地。与印象主义不同的是，它并未倡导单一的风格，象征主义艺术家们追求极具个性且多样的目标。

埃德瓦尔德·蒙克《窗边的女孩》

创作于1944年

亨利．德·图卢兹·劳特累克（法国人，1864-1901年）是蒙马特区的典型记录者，蒙马特是巴黎北部边缘的一个充满自由派气息的地区，在19世纪末以其低廉的租金和热闹的夜生活而闻名。除了舞厅、歌舞表演场所和咖啡馆音乐会之外，当地的费尔南德马戏团也是这位艺术家最喜欢描绘的对象。最初，马戏团只是在蒙马特山脚下搭建了一系列帐篷，但到19世纪80年代托卢兹·劳特累克观看表演时，它已成为一个受欢迎的永久性景点。其持续不断的演出、粗俗的色彩和恶作剧般的乐趣，为艺术家独具表现力的线性风格增添了色彩，这幅画很可能是为了给马戏团本身做装饰而创作的。

皮埃尔·普维斯·德·夏瓦内（爱

尔兰 1824-1898年）油画《神圣的林园》，艺术与缪斯的挚爱之作，创作于1884-1889年。

这片宁静的景致中那些模糊不清的神话人物，旨在唤起人们对艺术过往的诗意想象。画面中央的人物象征着三种造型艺术：建筑、绘画和雕塑。他们周围环绕着古希腊时期的九位缪斯女神。这幅画的色调柔和、灰暗，整体风格较为平淡，让人联想到罗马的壁画。事实上，皮埃尔·普维斯·德·夏瓦内斯是当时法国的首席壁画艺术家，他在1884年的沙龙（由政府主办的艺术展览）上首次展出这幅画作，凭借此作而声名鹊起。这幅画本身是他在法国里昂的美術館楼梯处创作的一幅壁画的缩小版。那幅作品是乔治·修拉创作的大型壁画《星期天在大塔杰》(1884年）的灵感来源之一，该作品现陈列在240号展厅。

《渔夫一家》系列故事

汉斯．托马《阿波罗和马斯亚斯》

费利克斯·爱德华·瓦洛顿（1865年-1921年）的这幅油画创作于1899年，展现了他对家中日常生活的观察。在一个明亮的红色房间里，加布里埃尔夫妇看着他们的女儿戈尔米恩在地板上玩耍，画家运用了大面积的纯色将画面中的元素划分成不同的形状，比如床的红色和孩子的浅色睡衣等，呈现出一种简约而优雅的风格。

亨利·凡坦·拉图尔（法国人 1836-1904年）的油画《爱德华．马奈》，创作于1867年。身着精致服饰、手持一支优雅的拐杖的法国革命派艺术家爱德华·马奈出现在一片简洁的背景前，这背景让人联想到当时的照片肖像。

埃德沃德．马奈（法国 1832-1883年）油画《朗查普赛马场的赛事》（1866）

埃德沃德·马奈描绘了一幅气势磅礴的场景，众多的马匹和骑手们直直地朝着观者冲来。与那些总是从侧面描绘赛马、只展现马的侧影的传统体育艺术家不同，马奈通过这种令人震撼的视角营造出了广阔的空间感。这幅画记录了比赛的最后时刻，马匹冲过终点线，终点线处的圆顶横杆便是明证。尽管马奈对描绘现代生活的种种乐趣很感兴趣，但赛车并非他所钟爱的创作主题，这幅画是这位艺术家仅存的两幅与此主题相关的作品之一。

让·巴蒂斯特·卡米勒·科罗（法国人 1796-1875年）木板油画《中断阅读》，大约创作于1870年。这幅作品是为私人展览而创作的，科罗特让他的模特身着他在意大利购买的服装进行拍摄。她低垂着书（很可能是一部小说），眼神涣散，这表明她的思绪已经让她分心了。她弯腰驼背的姿势，双肩向内弯曲，一只手臂支撑着头部，进一步将她与外界隔绝开来，凸显了她的自我沉思。尽管柯罗几乎从未展出过他的人物画作，而是更倾向于展示浪漫风格的风景画，但这些作品后来却成为了他最具影响力和知名度的作品之一。

让·巴蒂斯特·卡米勒·科罗创作于1868-1870年的画布油画《受伤的欧律狄刻》

　　让·勒昂 ·杰罗姆（法国人，1824-1904年）的画布油画《舞会后的决斗》，创作于1857年左右。这幅画描绘的是发生在巴黎的一场真实决斗后的场景，决斗的双方分别是前警察局长和一位当选官员。这场战斗之所以声名狼藉，不仅是因为参与战斗的两人身份显赫，还因为他们在决斗时身着盛装，那是他们当晚参加舞会时所穿的服装。受伤的那个人装扮成了皮埃罗，这是意大利滑稽剧中的典型忧郁小丑形象。而获胜者（站在画面右端）则装扮成一位印第安人，他丢下了武器以及他头饰上的部分羽毛。

让·勒昂 ·杰罗姆的画布油画《马车比赛》，创作于1876年。让·勒昂·杰罗姆声称，他创作这幅描绘罗马卡西姆马库斯竞技场赛车比赛的画面，是基于考古研究所得出的成果。这幅画最初由纽约一家百货公司的巨头购得，反映了19世纪时杰罗姆那精雕细琢且往往富有戏剧性的作品，在美国富有的收藏家中所受到的广泛喜爱。

朱尔斯．约瑟夫．勒菲弗（法国人，1836-1912年）画布油画《塞拉利》，创作于1874年。

一位身着裸色衣裙、光彩照人的女子慵懒地躺在昏暗的室内，周围摆放着水果、纺织品以及其他奢华物品。对于欧洲观众来说，这些物品大致会让人联想到中东地区。这幅画的场景设定和标题暗示她是一位后宫中的舞女。对于19世纪的欧洲艺术家而言，描绘裸体女性形象是学术训练的重要组成部分，也是衡量艺术水平的标准。想象中的后宫场景﹣﹣一个历史上作为女性居住区且禁止男性进入的空间﹣﹣为这幅裸体画提供了叙事背景，也迎合了欧洲观众的性幻想和殖民主义情结。

威廉·阿道夫·布格拉乌（法国人 1825-1905年）的画布油画《浴者》，创作于1884年。

查尔斯·亨伦·约瑟夫．科迪尔 (法国人 1827年﹣1905年）青铜雕像《非洲的维纳斯》

1851年，巴黎国家历史博物馆的人类学展厅委托制作了这件作品的复制品以及阿卜杜拉的肖像，这是科尔迪尔在19世纪中叶关于美学和殖民主义的论述，以及伪科学的种族理论的完整记录。

查尔斯·亨伦·约瑟夫．科迪尔

青铜雕像《达富尔人民的赛义德·阿卜杜拉》

古斯塔夫．莫罗（法国人,1826-1898年）的画布油画《赫拉克勒斯与勒梅纳斯蛇怪》，创作于1875-76年。

希腊英雄赫拉克勒斯被赋予了12项艰巨的任务，其中第二项任务是杀死勒梅纳斯的水怪，这是一只拥有多个蛇形头颅的水怪。在描绘这一情节的画作中（该画作于1876年在巴黎沙龙展出），古斯塔夫．莫罗尽情展现了他对恐怖场景的喜好。在一片沼泽般的景色中，赫拉克勒斯正与这条水怪对峙，四周散布着受害者破碎且腐烂的尸体。莫罗为这幅画中的几乎每一个人物和细节都绘制了大量草图，甚至还曾在巴黎动物园现场绘制了蛇的草图。

爱德华．约翰．波因特（英 1836年﹣1919年）画布油画《这个节日》和《黄金时代》，创作于1875年。

画布油画《下午茶》（约1880

年）

帕斯卡尔·阿多尔夫·让·达尼亚讷·布沃雷（法国人，1852-1929年）画布油画《来自布列塔尼的女士》，创作于1886年。

普朗西斯．博宁（1817-1887年）的《女仆》，大约创作于1875年。

这类描绘日常生活的画作在19世纪的法国非常流行，当时这个国家正经历着快速的工业化和城市化进程，观众们喜欢那些将传统乡村生活浪漫化的画面，因为这些画面给人以质朴和美德的印象。普朗西斯．博宁经常创作类似18世纪法国艺术家让．西蒙．夏丹的作品风格的风俗画，后者也赞美了家庭劳动的崇高价值。

朱尔斯·布雷顿（法国人,1827-1906年）画布油画《云雀之歌》，创作于1884年。

一位孤独的农妇女孩停下手中的活计，倾听远处一只云雀的歌唱。她对这大自然之美的一刹那所产生的情感反应，因身后缓缓升起的太阳所散发的光芒而更加明显，这光芒将整个景色都笼罩在金色的光辉之中。朱尔斯·布雷顿擅长描绘乡村地区的田园生活场景。他出生在法国北部的库里耶尔乡村，对那里的人们钦佩不已，因为他们富有创造力并且与大自然紧密相连。他以理想化的风格描绘这些人物，从而获得了极高的声誉。

康斯坦特．托里翁（法 1816-1865）画布油画《通往市场之路》，创作于1858-1859年。

两名男子跟随一位背着孩子骑在驴背上的女子，一起赶着羊群前往当地的市场，右侧有一只狗警戒着。他们从清晨朦胧的氛围中走出来，小路上尘土飞扬。康斯坦特·托里翁在他的职业生涯后期，被誉为动物画家。

这件达卢（1838-1902年）制作的石膏模型《巴克斯抚慰阿里阿德涅》，曾在1892年一年一度的巴黎沙龙（一项由政府主办的艺术展览）上展出，之后还作为一座大理石雕塑的原型，该大理石雕塑现收藏于马萨诸塞州威廉斯敦的克拉克艺术学院。雕塑描绘了希腊神话中的一幕：酒神巴克斯在纳克索斯岛上发现被遗弃的公主阿里阿德涅，并爱上了她。这位神衹温柔地唤醒了少女，而一个调皮的人半神试图用一串葡萄来分散这对情侣的注意力。

汉斯．雅各布．奥埃里（Swiss .1782-1868）《双胞胎兄弟路德维希和埃米尔·舒尔特斯》创作于1818-19年。这幅画专注于兄弟俩采集和绘制花朵，记录他们周围的世界，就像汉斯·雅各布·奥克里那样以精确的笔触进行记录一样。奥埃里的构图体现了启蒙运动的精神，这是欧洲的一场倡导对自然进行理解和观察的思想文化运动。

马丁．罗尔贝（丹麦人，1803-1848年）画布油画《年轻神职人员阅读》，创作于1836年。

弗朗茨．路德维希．卡特尔（德国人 1778-1856年）油画《罗马斗兽场内部》，创作于1823年。

一束阳光照亮了一群身影，这些身影在罗马宏伟的罗马斗兽场建筑群中显得极为渺小。这座建筑在数百年间一直破败不堪，直到1822年开始进行修复工作。画面前景中，一位可辨认出是建筑师朱塞佩．瓦莱迪耶的男子微微躬身，向左侧穿着红色长袜的卡里奥尔．孔萨利维主教呈递设计图。在背景中，两名工人抬着一个装满罗马斗兽场深处碎石的袋子，这形象地展现了该项目所涉及的劳作场景。

保罗·让·弗兰德里翁（法国人，1811-1902年）卡片上的油画《罗马帕拉蒂尼山上的皇宫》，创作于1834年。

这幅画作的文字说明我没有拍到，误拍了此画旁边另一幅画的文字说明，但翻译后感觉这段文字有助于我们了解那一段有关奴隶制的历史状况，所以还是贴在这幅画这里吧：

阿尔伯特．辛德勒（奥地利人，1805年-1861年）的油画《埃马纽埃尔·里奥的肖像》，创作于1836年。最近的研究确认了画中人物的身份为埃马纽埃尔．里奥，此前人们只知道他是一名园丁兼号手。他是一名拥有非洲血统的巴西奴隶，约在1820年被送往维也纳的弗朗西斯一世皇帝处。抵达维也纳时，里奥大约只有十岁，他被送入了一所精英私立学校，在那里他学习了法语、意大利语、绘画，尤其擅长音乐。弗朗西斯培养了他的天赋，在他毕业时送给他一把法国号。尽管里奥在音乐方面很有天赋，但他却被安排到皇家园林工作。在这幅创作于皇帝去世一年后的画像中，里奥手持他钟爱的乐器，正凝视着弗朗西斯的画像，画像下方挂着弗朗西斯赠予他的金表。这幅画的深情并不能很好地反映出其主人公在维也纳处境的不稳定，而这种不稳定在弗朗西斯去世后愈发严重。在余生中，维也纳的官员将里奥调往欧洲各地的不同职位，当他在反抗时威胁他进行强制兵役，并且在19世纪40年代末，讨论将他送回巴西或非洲。

克里斯蒂安·丹尼尔·劳赫（德国人，1777-1857年）镶嵌有银片和红宝石的青铜制品《骑鹿少女 》，创作于1837年之后。

欧仁．德拉克洛瓦（法国，1798-1863年）油画《猎狮行动》，创作于1860-61年。

1832年，欧仁．德拉克洛瓦加入了一支前往法国殖民地阿尔及利亚的外交使团。在这为期六个月的旅程中所见到的景象和经历，为他余下的职业生涯提供了动力，使他的画作呈现出一种逼真的效果，而那些游历较少的同行画家则缺乏这种效果。这位艺术家在海外的日记中表达了他对阿拉伯文化的赞赏，甚至将其描述为优于法国大革命后的文化。然而，在诸如这幅画这样的作品中，他迎合了欧洲人对阿拉伯世界的暴力幻想。德拉克洛瓦从未亲眼目睹过狮子狩猎，但他巧妙地将风景、伊斯兰服饰和动物园动物的研究结合起来，以戏剧性的强度将这个故事生动地呈现出来。

欧仁．德拉克洛瓦油画《吉奥乌尔的战斗》创作于1826年。这幅色彩斑斓的画作灵感源自拜伦所著《东方故事》中的一首诗，这是一部广受欢迎的浪漫主义系列作品。这首诗以及这幅画作都体现了19世纪欧洲人对充满奇幻色彩且往往带有暴力情节的中东、北非和亚洲文化描绘的兴趣，这种兴趣强化了殖民主义的意图。尽管欧仁．德拉克洛瓦直到1832年才访问北非，但他在职业生涯早期就已经开始创作东方题材的作品。这位艺术家的法国观众会对他选用如宝石般色彩来描绘画面中主要人物那闪闪发光、镶有金色边饰的长袍和飘动的长裙这一选择持接受态度。然而，德拉克洛瓦并没有准确地描绘拜伦诗中17世纪战斗者的着装，而是借鉴了拿破仑．波拿巴在1798至1799年在埃及军事行动期间土耳其、埃及马穆鲁克战士所穿的服饰风格。

约瑟夫．马洛德·威廉．特纳（英国人,1775-1851年）油画《小船捕鱼场》

在这幅巨作中，备受赞誉的英国风景画家约瑟夫．马洛德．威廉．特纳围绕着他一直感兴趣的一个主题展开创作：大海。画面左侧，一艘大型渔船正与一位小贩进行交易，这位小贩站在右侧阴影处的一艘小船上，举起手臂示意。该主题和低视角借鉴了17世纪荷兰海洋画作的传统，但此作品也体现了特纳对大气和光线的戏剧性效果的日益浓厚兴趣。在远处，画家描绘了一艘蒸汽驱动的船只，其身后留下一团黑色烟雾，这暗示着海上新时代的到来。

这件陶像是约瑟夫．戈特（英，1786年﹣1860年）为他的赞助人乔治．班克斯制作一座大理石肖像而精心制作的，大约是在1828年。乔治．班克斯是一位富有的约克都布商，他坐在一把古希腊风格的克利斯莫斯椅上，这种椅子在18世纪晚期被新古典主义艺术家发扬光大。陶像传达出一种现代的轻松与亲切感。

欧仁·德拉克罗瓦（法国人，1798-1863年）这幅生动的草图是欧仁·德拉克洛瓦创作《自由引领人民》时所做的前期素描，该巨作现收藏于巴黎卢浮宫博物馆。草图画面中央，象征性的自由女神高高矗立在倒下的叛乱者之上，引领着革命的冲锋。这一场景是为了纪念1830年7月的"光荣日"，当时法国民众在巴黎街头奋起抗争，试图推翻国王查理六世，因为他推行的专制政策以及国家的经济衰退令民众深感不满。德拉克洛瓦于1830年10月开始绘制这幅最终作品，并写信给他的兄弟说："虽然我没有为自己的国家而战，但至少我会为她作画。"

安托万．路易．巴耶（法国人，1795年-1875年）青铜雕像《罗杰和安吉莉卡登上马背》约于1840年设计，约于1884年铸造。这尊青铜雕像描绘的是《疯狂的奥兰多》中的一幕，这是意大利文艺复兴时期的一部骑士史诗，其影响一直延续到19世纪。在这部作品中，骑士罗杰骑着一只飞马去营救被锁在岩石上、即将被海怪吞噬的安吉莉卡公主，这是罗杰救出公主飞奔而去的瞬间，他们身后是被海浪环绕着的战败的怪物。

这个雕塑是作为一座壁炉架的组成部分而设计，大约在1840年由法国国王路易菲利普的次子安托万．蒙彭西埃公爵委托制作。在巴里耶的生前以及之后的很长一段时间里，这个组合体都不断地被重新塑造。

弗朗西斯科·何塞·德戈雅·卢西恩特斯·西班牙（1746-1828年）油画《冬景》，约创作于1786年。

人们被暴风雪困在一条结冰的公路上，还带着一头被宰杀的猪。弗朗西斯科·德·戈雅通过荒芜的树木、大面积的冷灰色和白色以及斜向的笔触（这些笔触展现了急速的降雪过程）捕捉到了这一场景的寒冬氛围。这幅小画作是戈雅为绘制描绘四季的大型织锦画而创作的一系列作品之一，这些织锦画是为西班牙埃尔帕多皇家宫殿的一间餐厅而定制的。这幅画将被放大至真人大小，然后由西班牙皇家织锦工厂的织工们进行制作。

菲利普·雅克·德·卢瑟伯格（法国人，1740-1812年）布上油画《法老军队的覆灭》，创作于1792年。

皮埃尔·雅克·沃莱尔（法国人，1729-1799年）画布油画《维苏威火山的喷发》，创作于1771年。

在这幅气势恢宏的画作中，意大利维苏威火山的火山口喷出炽热的岩浆，沿着山坡蜿蜒流向那不勒斯湾。一群充满活力的人们凝视着这一壮观景象，他们渺小的身形凸显出火山的庞大。维苏威火山在1707年至1794年期间共喷发了六次，同一时期，人们对庞贝古城（即维苏威火山在公元79年摧毁的那座著名古城）进行了首次系统的发掘。维苏威火山的神秘魅力既令人惊叹，又令人恐惧，使其成为18世纪欧洲艺术和文学中常见的主题。这类绘画在旅游市场中极具吸引力。

理查德．韦斯托尔（英，1765-1836年）油画《大卫·加里克饰演李尔王》约1815年。大卫·加里克是18世纪英国最具影响力的演员之一，他以威廉·莎士比亚《李尔王》中的主角形象出现，并多次在舞台上饰演这一角色。这部剧讲述了李尔王在放弃权力并将其王国分割给两个女儿之后精神崩溃的故事。在这幅画像中，这位演员头戴麦穗和野花编织的王冠，以此呼应剧中一个著名的场景：国王在暴风雨中怒吼，命令它不得伤害自己。

本杰明．韦斯特（英国人，出生于美国,1738年-1820年）油画《普罗克里斯之死》1770年创作，1803年重绘。

庞普科·巴托尼（意大利人，1708-1787年）油画《和平与战争》创作于1776年。庞普科·巴托尼以肖像画作以及众多宗教和历史题材的委托作品，成为那个时代最杰出的罗马雕塑家。他这幅作品融合了路易斯科艺术与情色艺术的元素，同时结合了新流行的新古典主义风格，赢得了评论家们对作品优雅创新性的高度赞誉。其中，代表神马尔斯的形象被一种象征和平的橄榄叶图案所环绕。

弗朗索瓦﹣约瑟夫·博西奥（1768-1845年）青铜雕像《风信子一一等待投掷铁饼的时刻》约在1824年创作。他在法国的雕塑界有着极为辉煌的职业生涯。

哈西恩特是一位英俊的青年，深受希腊神阿波罗的喜爱。他在学习投掷铁饼时不幸丧生，阿波罗在悲痛之中，让哈西恩特的鲜血长出了花朵。这座雕塑预示了这位年轻人即将离世的命运，展现了他在投掷铁饼前那轻盈而优雅的休憩瞬间。

胡伯特．罗伯特．弗伦

奇（1733-1808年）油画《古庙》，创作于1787-1788年。

这个画廊里有四幅由胡伯特．罗伯特创作的大幅画作，是为法国梅雷维尔的让·约瑟夫·拉博德侯爵所委托创作的，目的是为他在那里的城堡中的一个客厅进行装饰。这些画作被布置在房间的四周，展现出古典建筑的幻想景象。罗伯特作为建筑废墟的画家备受追捧，这一题材迎合了18世纪晚期人们对古物的喜好。他在意大利的十多年的旅行和研究经历，使他对古代知识有了深入的了解。

让·安托万．乌东（弗朗索瓦，1741-1828年）是18世纪最杰出的雕塑家之一，尤其擅长制作肖像半身像。这尊伯爵夫人大理石半身像创作于1780年，处理手法在洛可可式肖像画的亲切交谈氛围与新古典主义的简洁庄重之间找到了平衡。

安东尼奥．卡诺瓦的巴黎雕像（1809年）《希腊利古里亚人》

这尊雕像代表着卡奥贝．德．库西这位杰出的年轻领袖。

乔瓦尼·安东尼奥·卡纳尔（意大利人，1697年-1768年）油画《威尼斯：圣马可港》，创作于1740年。这幅画描绘的是意大利威尼斯的城市中心区域，即所谓的"海湾区"，由海湾和主要港口组成。船只和贡多拉穿梭于画面之中，运载着商业货物，并通过运河系统为威尼斯居民提供出行服务。卡纳莱托在其一生中因绘制威尼斯的画作而备受赞誉。他细致入微地描绘了建筑物和船只的缆绳，并巧妙地展现了光线和反射对建筑和水面产生的复杂效果。这些作品受到外国收藏者的青睐，尤其是英国收藏者。

弗朗切斯科．加尔迪（意大利人，1712-1793年）画布油画《圣马可广场，包括圣马可大教堂和钟楼》创作于1773-1780年。

弗朗索瓦．布歇（法国人，1703-1770年）油画《分享葡萄的牧羊人》，创作于1747年。这幅画取材于1745年的一部关于一位年轻牧羊人对一位牧羊女萌生爱意的滑稽剧。这对情侣会互相分享葡萄，这种水果与酒神巴克斯（快乐之神）有关。弗朗索瓦·布歇以田园主题创作的画作是他对18世纪法国艺术最具影响力的贡献，这些充满生机且充满趣味的乡村生活幻想，主要是为富有的金融家和贵族们提供私人欣赏之用。

艺术家安蒂的一幅作品

有些展厅是专门展示宗教艺术品的

安东尼奥·德·埃斯特·伊拉（利亚人，1754-1837年）是尼采古典雕塑家安东尼奥·卡诺瓦的当代追随者，这座大理石浮雕宗教作品更倾向于古典风格的再现，而非佛罗伦萨雷马维努雕塑的风格。

安德烈亚．德拉·罗比亚（意大利 1435-1525年）釉面陶土制品《对基督幼子的崇拜》，创作于1479年之后。这件作品具有简约优雅的风格和宁静、沉思的氛围，非常适合在家中进行个人的虔诚祈祷。安德烈亚·德拉·罗比亚创造的这类宗教作品广受欢迎，在他的工作室里被大量生产，仍有几十件作品留存至今。

不知名的古巴艺术家制作的带有镀金装饰的多色木质制品，约创作于1765年至1800年期间。这幅耶稣受难场景描绘十分逼真，受难者的血迹伤痕以及痛苦扭曲的表情，将人物的痛苦生动地展现了出来。此外，哀悼者的双眼是反向绘制的玻璃，赋予它们一种逼真的光泽。服装上的镀金装饰采用了埃斯托法多工艺，这是一种模仿金线刺绣的技法。这件作品规模较小，很可能原本是为私人场合设计的，比如家庭、修道院或修道所。

这项研究重新解读了埃斯基普拉斯的基督大型雕像群。该雕像群于1595年开始创作，旨在为危地马拉的一座圣坛服务，至今每年仍有数百万信徒对其顶礼膜拜。虽然此作品的创作者身份不明，但其雕刻风格和色彩装饰使其与18世纪拉丁美洲最重要的雕塑生产中心之一的危地马拉风格联系在一起。

在15世纪和16世纪期间，南欧（意大利、西班牙和葡萄牙）的住宅里出现了大量新的物品和设计创新，许多源自伊斯兰人从东南部地中海地区带来的手工艺技术。在陶瓷领域，这包括使用白色锡釉和铜光泽，在木工方面，有精细镶嵌工艺以及家具中加入可抽出抽屉的做法。纺织工匠也开始采用源自土耳其和波斯的图案和深红色染料。

一些本地创新成果得以发展，比如意大利中部地区搪瓷陶瓷（被称为"玛乔利卡"）上丰富的金属色效果，以及威尼斯玻璃的半透明质感。这种玻璃制品不仅在欧洲和地中海地区备受赞赏并被大量出口，贵族和富裕商人也会将其与黄金和白银制品一同使用和展示，认为它们与他们的财富和品味同等重要。

15世纪末和16世纪初的意大利威尼斯玻璃制品

在贸易和工业蓬勃发展的推动下，17世纪时年轻的荷兰共和国热衷于通过举办派对、享用优质的进口葡萄酒以及奢华的瓷器来尽情享受其新获得的财富。新兴的中上阶层展现传统意义上的财富特征比如银器，同时也拥有了诸如进口中国瓷器、当地仿制品（代尔夫特陶器）以及精美吹制玻璃器皿等新式奢侈品。

这是荷兰陶艺家阿里．德．米尔德在18世纪初制作的茶壶，是欧洲最早制造的茶壶之一。他是仿制中国宜兴的红陶壶，这些陶壶从中国大量进口，以满足当时新兴的饮茶偏好者的需求。阿里杰．德·米尔德这种模仿风格获得巨大成功，为不断壮大的荷兰消费阶层提供了更实惠的国产茶壶。这个壶的壶盖上镶嵌着一个小型的银质福尔图娜女神雕像，这或许是对荷兰贸易繁荣的一种有意的庆祝。

钢、铜和象牙雕刻的刀叉

描绘亚当和夏娃的釉陶器

银色的玻璃茶（咖啡）具与调料罐架

维也纳工坊是一个由富有前瞻性的艺术家和设计师组成的联盟，总部设在维也纳，早期的作品简洁而几何线条分明，如这件调料罐架所示。这个架子是该工坊制作的一系列物品之一，包括篮子、托盘、花瓶甚至家具，均由带有网格图案的金属薄片制成。工坊的艺术家们摒弃了任何对历史设计的参考，创造了简单而优雅的造型，他们的前卫作品受到了维也纳知识精英的青睐，而非普通大众。

由里夏德·里默施密德（德国人，1868-1957年）设计的带盖的汤罐，由莱因霍尔德·梅尔克巴赫制作（德国人，活跃于20世纪）

这些产品可能是由克里斯托弗．德雷瑟（英国人，1834-1904年）设计的，材质为骨瓷、珐琅和镀金。克里斯托弗．德雷瑟在各种媒介中设计了价格实惠且实用的家居用品，并与英国各地的工业制造商合作，其中包括领先的陶瓷生产商米顿公司（英国品牌，成立于1793年）。德雷瑟为该公司设计了许多产品，引入了抽象的几何装饰，并采用了非洲的图案和形式。例如，展出的月形瓶的形状源自中国陶瓷，而其装饰风格则具有日本特色。德雷瑟在设计理论方面的作品、著作和演讲使他赢得了作为19世纪末最具影响力的欧洲设计师之一的声誉。

"鱼与波浪"花盆和葫芦花瓶

陶艺家塔西莱．多阿特（法国人，1851-1938)在著名的塞夫勒国家瓷器厂担任设计师和装饰师期间，学习了烧制瓷器黏土和金属釉料的复杂工艺。他创作出自己最具前卫风格的作品，包括这个约1907年制造的大型花瓶，他摒弃了传统的西方风格，转而融入来自中国和日本陶瓷的元素，如渐变的色彩、浓郁的釉色等。

塔西莱．多阿特制作的"贝壳星与海藻"花盆（装饰花瓶），色彩斑斓的红色表面是通过对颜料用量的精确控制而实现的。

弗朗切斯科·丹图里诺是意大利人，他创作的这个有签名和日期的锡釉陶器容器在宴会期间被用作冷却葡萄酒的容器，会被放置在摆放水罐、杯子和其他饮具的餐桌上的一端。

欧洲展区的家具用品很有特色，这张躺椅制作于1900-1906年间，设计者为约瑟夫．霍夫曼（奥地利人,1870年至1956年），制作人是雅各布与约瑟夫·科恩（维也纳，1849-1914年），使用强化复合板和金属材料制作。

桦木和木质复合板制作的侧椅，同样由约瑟夫·霍夫曼设计，由雅各布与约瑟夫·科恩制造。

此款酒柜由爱德华．戈德温于1867年设计，约于1876年制造，使用乌木色的胡桃木、玻璃以及镀银的钢质材料。爱德华．戈德温最初采用哥特复兴风格，但从19世纪60年代起，他逐渐受到日本文化的影响，开始收集日本艺术品，并通过浮世绘版画和西方出版物研究日本的建筑和陈设。受到这些资料的启发，同时又对当时市面上的商业家具感到不满，戈德温创作了简约的设计作品，比如这款酒柜，其结构支撑部分成为了主要的装饰元素。戈德温称，作品的主要美学效果是通过"单纯地将实体与空间组合起来"实现的。1867年，戈德温为自己的家制作了这款酒柜的首个版本。

这件独特的艺术品融合了绘画、雕塑和木工技艺，是由保罗．高更（弗朗斯，1848-1903年）和他的同时代年轻画家埃米尔．伯纳德（弗朗西斯，1868-1941年）共同创作的。他们的艺术探索常常以友好的竞争精神进行，挑战了以美学为基础的纯艺术与注重实用性的装饰艺术之间的等级划分。伯纳德雕刻左侧的面板，可能还雕刻了底部的面板。两位艺术家都融入了法国布列塔尼乡村活的动物、树木和人物元素，这些元素他们也用在了自己的画作中。右侧面板上的人物形象灵感来源于高更前一年前往法属马提尼克岛的旅行。这次旅行影响了他后来离开法国的决定，最终使他前往了塔希提岛。

这架1897年制作的钢琴由马凯．休．贝利．斯科特（英国人，1865-1945年）设计，由约翰．布罗德沃德父子公司（英国企业，成立于1728年）制造，使用橡木、乌木、象牙、珍珠母以及铜色材料制成。钢琴的整体设计充分体现了明暗对比的美学理念，尤其是其底部交替排列的乌木和橡木面板，巧妙地呼应了钢琴的琴键设计。

美国和欧洲的工艺美术设计师（包括弗兰克．劳埃德．赖特和约瑟夫．霍夫曼，他们的设计作品就在附近展出）打造出了堪称完美艺术品的房间，其中的固定装置、家具、织物和墙面装饰都经过精心设计，以形成和谐的整体。那么，一款普通的、市售的立式钢琴又如何能与精心规划的绘画室或音乐室相融合呢？音乐评论家约翰． E ．伦西曼在1894年写道："要让（立式钢琴）变得优雅，似乎就像让一头大象成为家庭宠物一样不可能。"这一难题促使英国设计师麦凯．休．贝利．斯科特等人设计出与现代室内风格相得益彰的立式钢琴。

博物馆二楼南部的德国展厅展出的是乔治． F ·哈丁博物馆的遗产，收藏的几乎所有武器和盔甲藏品都是由乔治· F ·哈丁 (1868-1939）整理完成的。

哈丁是一位勇敢的芝加哥政治家和房地产巨头，以一位现代封建领主的形象示人。1927年，他在南区的家中扩建了一座城堡。受到传说中的亚瑟王和沃尔特·斯科特的《艾凡赫》等作品的启发，哈丁对哥特式和文艺复兴时期的艺术、家具、织物、雕塑以及尤其是武器和盔甲情有独钟。他收集了超过一千件这些物品，其中一些是直接从西班牙和德国的宫殿和城堡中获得的。1939年哈丁去世，他将自己的藏品和住所作为"献给公众的礼物"留给了后人，从而建立了一个博物馆，该博物馆一直运营到1965年大楼被拆除。几十年来，这批藏品一直处于无人管理的状态，一部分藏品被陈列在兰多夫街和密歇根大道的原约翰·克雷拉尔图书馆大楼内。1982年，一项法院批准的协议将哈丁的藏品赠予了芝加哥艺术学院，这一决定符合哈丁本人的心愿。爱德森家族基金会则为武器和盔甲藏品和展厅提供了慷慨的支持。

展厅墙壁上以及入口处摆放的武器和盔甲的排列方式有着悠久的历史渊源。这些被称为"全副武装装备"（源自希腊语" panoplia "，意为战士的全套盔甲和装备），反映了古代战士在胜利后从战败者手中夺取武器和盔甲，并将其作为战利品四处炫耀的习俗。这些武器随后会像"武器奖杯"那样被用于装饰古希腊和古罗马的神庙以及公共建筑的墙壁。这个传统在文艺复兴时期得以复兴，并在19世纪的哥特式复兴运动中再度兴起，当时欧洲各地的宫殿、家族庄园和军械库中都摆放着各式武器。

墙壁上的羊毛与丝织挂毯的设计者是朱斯图斯·范·埃格蒙特，由杰拉德．佩曼斯（弗拉芒人）的作坊制作而成（约1639年-1729年期间），布鲁塞尔弗拉芒地区现为比利时。画作描述的是《凯撒与克利奥帕特拉的故事》中的《克利奥帕特拉与安东尼共进晚餐》。

挂毯前这两位正在格斗的选手，正进行一场始源于16世纪的步战比赛。参赛者保持着英姿飒爽的姿态，要将钝化的长矛或长剑刺向对手的头盔和左肩，脸罩上方的额头是攻击的主要目标，每次击中都会获得分数。这些竞技比赛的场面与骑马比武的场面一样盛大，比赛既可以在室内举行，也可以在室外进行。参赛者的入场仪式包含演讲、颂歌、花车巡游、烟火表演、击鼓以及吹号等元素。早期的歌剧就起源于这种戏剧性的运动。

展厅中这座人马盔甲立像均产自德国纽伦堡。纽伦堡这座城市以大量采购高品质弹药和通用盔甲的贸易而闻名。这些盔甲中的大部分在1519年至1521年间装备了一支为对抗波兰而作战的重骑兵部队。这位身着盔甲、手持长剑、正全神贯注地投入激烈战斗的骑士是一名骑马的侍卫。在16世纪，像这样专业的士兵队伍被训练成以队列形式迎面冲击敌人，使用长矛和剑进行战斗。

这种普通的盔甲是一种竞赛运动装备，马具、鸵鸟羽毛披肩以及精美的刺绣裙摆彰显了骑士的身份地位。通常这些配饰的价值甚至高于盔甲本身。角力比赛是盛大的活动，这些比赛最初是作为军事训练而设立的，但到了16世纪中叶，它们完全变成了竞技活动。在此期间，贵族们会展示他们最出色的马匹、盔甲和服饰。

带有巴托利家族徽章（西班牙瓦伦西亚或是马尼塞斯）的铜质光泽陶器制品

这把德国产的手持宝剑高七英尺，重13磅，可能是帕绍钢铁厂的产品，制造于1500-1520年期间。它的唯一用途就是在礼仪游行中将剑柄朝上举着，以此象征城市、国家或君主的权力。在现代时代，它们的仪式性背景逐渐失去重要性和记忆价值，于是便成了奇珍异宝，甚至成为有关巨人和民间英雄传说的素材。

步兵装甲与护盾的设计旨在保护上半身，并便于头部活动。开放式头盔则配备了全视野和良好的通风装置。为了提供更全面的保护，护臂还配备了大型（圆形）盾牌，将其紧贴在身体两侧。盾牌中心的尖刺和花瓣设计用于拦截并分散攻击者的刀剑攻击。

萨尔茨堡的大主教由罗马天主教会任命，但他们却像世俗的王公一样统治着这个富裕的地区。王子大主教沃尔夫·迪特里希·冯雷廷诺有一位有孩子的合法情人，参与马术比赛，还拥有一支装备精良的侍卫队，侍卫队所使用的装备包括戟、盾牌和步枪。展柜中这种土耳其风格的盾牌在当时颇为罕见，是由威尼斯工匠为一项规模近400件的大型订单所制作的；步枪是200支中的一支，是当时军事装备的前沿产品，用于骑马时射击。1612年，在与邻国巴伐利亚公爵进行的一场未获成功的战争之后，冯雷廷诺被免去了大主教的职务，由他的侄子马库斯·西蒂库斯·冯·霍恩内姆斯接任。

精美的头盔和防护衣

保镖防护盾和轮动枪机步枪

枪械制造师为瓦伦丁．克莱特（德国人，1556-1603年）

长柄戟与长柄斧上都有精美的图案

瑞士卫队在梵蒂冈为教皇提供保护的历史超过500年，他们是自文艺复兴时期以来仍在现役的极少数保镖队伍之一。瑞士卫队的制服款式在不同时期有所变化，但颜色一直鲜艳夺目，如这件盔甲装饰精美，采用了深蓝色和金色的图案，是几百年前从梵蒂冈军械库流失文物中的一部分。护胸甲侧面的一个标记似乎是代表17世纪教皇乌尔班八世家族的家族徽章。这款头盔开创了这种设计的先河，上面有教皇尤利乌斯三世的肖像和纹章，其年代比这护胸甲要早约70年。

萨克森的选帝侯是德国最有权势和最富有的诸侯之一。他们拥有一支由数百名侍卫组成的卫队，这些侍卫全都装备精良，符合当时最时尚的风格。这些侍卫驻扎在德累斯顿，军械库保存着数百件武器，这些武器保存状况极佳。

萨克森的选帝侯保留了欧洲较为奢华的一支侍卫部队，每一位继任的选帝侯都会下令制作一系列装饰有其个人标志或纹章的武器。卫队使用的长剑、短剑和匕首安装在像德累斯顿的安东．舒克这样的刀匠制作的刀柄上，开创了宫廷风格。虽然这些刀刃是在德国索林根制造的，但许多刀具上都刻有伪造的意大利标记，以彰显其品质。

这本《剑术学院》是那个时代内容最为丰富详尽的著作之一，书的作者吉拉德．蒂博尔特（佛兰芒人，约1574-1627年），是为贵族成员以及其他寻求自卫技能指导的富人而编写，它是一本关于剑术的循序渐进的指南。

卫队官员配备镶有银质铭牌的剑和匕首，马甲被漆成黑色，并带有镀金蚀刻图案，以与卫队的黑金制服相匹配。

卫队拥有超过100名骑马和徒步的卫兵，骑马的卫兵手持一对轮枪（或称为"炮筒枪")，而徒步的卫兵则携带诸如这种长戟和长柄战斧之类的长柄武器。

法国国王路易十三时期的"威勒洛克手枪"，约1615年制造。这把罕见且制作精美的轮式枪机手枪产自西班牙加泰罗尼亚地区，枪机、枪管和枪身均覆盖着繁复的枝叶和交织图案，这些图案雕刻在坚硬的钢铁上面，在金属表面之下是木质的内芯。在顶部枪机和枪管之间，有一块磨损的平面，上面刻有"245"字样，这是法国路易十三御用枪柜的库存编号。这位国王被称为"路易·火枪手"，是著名的枪械收藏家，他在10岁时就会花费数小时来射击和擦拭他的枪支。由于国王对枪械的痴迷，外国要员们经常向他赠送奢华的枪支，这把手枪可能是西班牙国王菲利普四世赠送的礼物。

这是维利亚库兹在1634年绘制的油画《菲利普四世肖像》，西班牙的菲利普四世国王由他的副官陪同，带着一支猎枪去捕猎。

这把制作精良的轮式枪机步枪，是奥地利东部施蒂里亚的查尔斯公爵（弗朗茨一世之子）的结婚礼物，枪托的底部有查尔斯家族的徽章与他的母亲玛利亚·安娜·巴伐利亚的徽章。步枪由奥地利人汉斯·帕乌玛格纳设计，使用钢、果木和鹿角，制造于1571年。

这支轮动式步枪的枪身有令人惊叹的美丽图案

轮动式步枪在狩猎领域被广泛使用至18世纪，因为这种火枪的点火速度比后来出现的更简单的燧发枪快一两秒，在狩猎鹿类动物时，这一点差别十分重要。因为鹿类动物非常敏感，它们会在子弹射出枪膛之前就对点火声做出反应，后来的轮动式火枪中，轮子就被隐藏在镇板之下。轮动火枪的装饰性镶嵌工艺，使用了包括雕刻的珍珠母贝、银质和鹿角材质，以及其复杂的S形和 C 形卷曲图案，体现了新兴的洛可可风格。

这个枪柜里排列了五支类似的步枪，曾为萨克森的几位公爵和丹麦国王所使用。这一款轮枪的独特设计体现在粗犷与精致、自然与人工、猎人与猎物之间的对立关系，从某种意义上说，就是这种对立关系构成了其整体的美学特征。它的鹿角状枪托表面镶嵌着天然鹿角制成的薄片，这些薄片的形状与传统德国步枪的轮廓相契合。与此形成鲜明对比的，枪托的靠背处安装着一幅珐琅彩绘图案，描绘的是罗马狩猎女神狄安娜。这是唯一一支由创意枪托制造商埃利亚斯·贝克尔签名的步枪。

这是施蒂里亚公爵查尔斯的轮式枪机步枪以及步枪上的轮式枪机装置，制作者斯托克马肯·汉斯·帕乌格特纳（奥地利人，活跃于1556年至1582年），使用钢、果木和鹿角制造。

汉斯·帕乌格特纳在鹿角镶嵌图案中精心雕刻了各种奇思妙想的元素，包括追逐猎犬、兔子、大象头状的卷曲图案以及一只正在卖鸡蛋的母鸡（图案位于镶嵌物的背面）。他还描绘了古典历史和神话中的场景，比如被囚禁的克利奥帕拉自杀身亡，一只毒蛇正咬着她的胸部。在脸颊处，王子帕里斯决定哪位女神是最美丽的，这一决定导致了特洛伊城的毁灭。尽管这些关于爱情、美丽和自我牺牲的故事带有某种预示意味，但它们表明这把步枪是一份结婚礼物。

这款独特的轮式枪锁因内部机械设计受到青睐，还因在隐藏于枪管底部的部位进行了雕刻和装饰，受到那些自行拆卸和保养枪支的枪支收藏者们的喜爱推崇。

这把轮式枪机步枪属于神圣罗马帝国皇帝利奥波德一世，他的肖像雕刻在枪托的侧面，周围环绕着一只双头鹰，这是帝国的象征。帮助利奥波德一世登上皇位的几位王子领袖的肖像则排列在其展开的翅膀两侧。这把步枪可能是为纪念最近在与波斯帝国的战斗中取得胜利而制作的，这场胜利得益于这些选帝侯们的协助。这把步枪的制造年份为1664年，那一年与奥斯曼苏丹签署了和平条约。枪匠迈克尔．哈斯（德国人，活跃于1650年至1701年），构造师约翰．格奥尔格．马赫尔（德国人，1604-1680年）。

这是一个王室枪械柜（1570-1830年）

贵族和其他富裕阶层的人士将奢华的枪支视为美的象征、机械的奇珍异宝，以此来彰显自己的地位。在这种竞争性的收藏文化中，便产生了"枪柜"这一概念。这是一种布置精美的私密房间，收藏者会在其中检查、保养和展示自己最精良的武器。这些房间通常设在豪华的狩猎小屋内，主人会为客人（包括男性和女性）提供狩猎活动中使用的精选枪支。这里展出的大多数枪支都存放在枪柜之中，有些枪支甚至带有诸如神圣罗马帝国皇帝利奥波德一世、萨克森·维玛尔·艾森纳赫公爵、列支敦士登亲王以及英国摄政王乔治四世（后来的国王）等显赫统治者所刻下的编号标记。

来自斯特拉斯堡（阿尔萨斯属德国，后归法国管辖）的三轮锁手枪（16毫米﹣20毫米）使用钢材、黄铜以及樱桃木制造。

带刺刀的燧发手枪和乔治四世（后来的国王）亲王的双管燧发步枪和猎枪（大约在1820年）

自16世纪以来，带有旋转枪管的多发枪就已经存在了。两百多年后，伊莱沙．科利尔利用新的工艺制造出这种手枪中的五发弹膛，由此产生的单枪管设计比理查德．康斯特布尔用手工部件组装的四发枪管手枪更轻便、更符合人体工程学。这两种手枪都为旅行者提供了一种快速射击的自卫解决方案。枪匠是理查德．康斯特布（美国籍，活跃于1817年至1851年），费迪南德．布雷舍（波西米亚人，活跃于伦敦，1811-1815年）。

上面是一对约1680年制造的燧发枪套式手枪，枪匠是文森佐．马里尼（意大利人）。

下方是1670-1680年间生产的燧发枪 ，枪匠是格里特．拉森德（荷兰人）。

这些表演手枪及枪械件套装虽然能够正常使用，但不是用于实际射击，而是以其工艺制造的典范，在首届世界博览会（即1851年和1862年在伦敦举办的博览会以及1855年在巴黎举办的万国博览会）上，通过展示去吸引参观者的目光和想象力。乌木和钢铁制成的这些枪械融合了数个世纪的制造风格，从哥特式和文艺复兴时期的卷曲藤蔓图案，到充满活力的巴洛克和洛可可风格的动物与人物形象，将复兴式设计与尖端的枪械制造工艺完美结合。设计者兰伯特．约瑟夫．多纳伊（比利时人，1826-1871)，制造者巴黎路易·朱利安·加斯汀·雷内特公司（1812-1885)。设计师、枪械制造者、雕刻师以及银匠们共同合作制作了这些枪支，为他们所在的巴黎公司赢得了国际声誉。

狩猎是宫廷生活中最重要的社交活动之一。无论是贵族男性还是女性，都会因其狩猎技巧和表现而受到评判，同时也会因其装备的华丽程度而受到考量。诸如镶有黄金装饰的精良长剑、精心镶嵌的弩箭以及绣有丝绸的狗项圈等精美物品，都彰显了主人的等级和威望。

到了16世纪，狩猎的习俗和仪式以及所有相关装备都已高度专业化。熊、野猪、雄鹿、狐狸、兔子和家禽是人们最常捕杀的猎物，狩猎活动还包括捕鱼和捕蛙。有专门的书籍详细描述如何布置营地、如何识别猎物的排泄物以供检验等狩猎有关事项。

这是猎物战利品（雄鹿头部）与各种狩猎器械

弩、弹丸弩、弩用绞盘（卷轴器）

布伦瑞克·吕内堡公爵的萨克巴德与猎杀叉子

弯刀

在中世纪的欧洲，剑仅在战争、仪式或出行时才会佩戴。到了16世纪，这种情况发生了变化，因为带刃武器已成为了日常服饰的一部分，既用于自卫，也作为身份的象征。

折剑作为一种专为平民使用的新式剑种应运而生。其名称源自西班牙语" espada ropera "，意为"长袍剑"，这一名称清晰地表明了其具有时尚用途的特点。作为一种剑种，折剑的特点在于其长而窄的剑身以及带有铁条的复杂剑柄，这些铁条用于保护手部。短剑既可以用于切割，也可以用于刺击，不过这种武器的高手们逐渐更倾向于采用刺击的方式。富裕阶层的成员会请专业的剑术师来传授他们剑术技巧。一些高手还开办了学校，甚至出版了自卫指南。

到17世纪中叶，时尚潮流和自卫技巧方面出现了新的趋势，这要求出现更短、更轻便的武器，这些武器不仅便于携带，而且设计也更为简单。这些小剑的剑身坚硬如针，形状细长，专为精准刺击和格挡对手的剑而设计。还有一种剑柄样式发展起来，其中两个肾形的形状形成了一个钢质屏障挡在手前，而一个 D 形护手则保护着指关节。

就像之前的小弯刀一样，短剑也成为17世纪至18世纪一种时尚配饰。专业的刀匠们开设了店铺，让绅士们根据自己的财富和品味，挑选符合自己精致宫廷服饰风格的剑柄设计。刀匠们运用了各种金属加工技术：锤打钢片、镀金、铸造银器、镶嵌黄金、蓝钢处理、抛光钢片，或者将这些技术加以组合使用。

自14世纪早期黑火药火器问世以来，大炮便成为了威力强大的武器。它们能够摧毁堡垒的墙体、击倒密集的步兵队伍，并击沉橡木船，这些在那个时代堪称超级武器，给文艺复兴时期的君主和军事将领带来了既喜悦又恐惧的感受。利用这些武器的威力和杀伤力成为一门令人着迷的学问。贵族们和专业工程师们仔细研究弹道的角度与火药量、枪管尺寸以及弹丸尺寸之间的关系，试图以此来提高武器的效能。

火炮的制造本身就是一种艺术形式。专业的炮匠会用青铜铸造出巨大的火炮，并在炮身精心雕刻出精细的细节。通常，他们会先制作出小型火炮，征求贵族主顾的批准，然后再制作出完整的火炮。这些小型火炮不仅具有实用性，还可以作为致敬用的炮或供宫廷娱乐使用的玩具。

展品柜里还陈列着17世纪奥地利火炮的葡萄弹、分裂弹（投射物）和各种测量仪器工具等，制作非常精美。在文艺复兴时期，一群新兴的专业军事工程师、建筑师和高级炮手合作，将制造复杂的组合式武器和工具作为智力的练习。图中这种匕首分度圆规，闭合时可用作自卫用的匕首，或用作测量大炮炮管内径的尺子，以确定炮弹的尺寸；展开时有一个铅垂线会落下，形成一个用于调整火炮水平和测量距离的圆规。工程师和炮手们使用这样的炮管水平仪来测量炮弹飞行轨迹的角度，并预测其落点位置。这种设计将科学、技术、工艺和美学完美地融为一体。

图中还有一本枪械技艺学校使用的教材，书的作者约瑟夫．弗特滕巴赫是一位军事顾问、数学家、舞台设计师以及军事工程师。他在这本书中详细介绍了有关炮兵射击、投掷手榴弹及其他爆炸物、防御工事设计、甚至为娱乐活动制作烟花等方面的知识。书中配有图表和插图，旨在传授如何以谨慎的态度掌握这些危险技能。