<p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><span style="color:rgb(176, 79, 187);">美篇名: 贰零壹八的夜</span></p><p class="ql-block"><span style="color:rgb(176, 79, 187);">美篇号: 318887</span></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">上海浦东美术馆《缔造现代：来自巴黎奥赛博物馆的艺术瑰宝》展览，难得一见，这里汇聚了众多艺术史上教科书级别的经典作品。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">这是奥赛博物馆有史以来，在华规模最大也是全球唯一的。这次展览最吸引的是可以近距离欣赏艺术巨匠的巅峰真迹。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">重点关注的有: 梵高的内心世界，如《自画像》。米勒的经典场景，如《拾穗者》。印象派光影实验，如莫奈《夏末的干草堆》。高更的异域追寻：如《塔希提的女人》。其他大师作品，如雷诺阿《钢琴前的女孩》、塞尚《塞尚夫人肖像》、修拉《模特背影》等，构成从学院派到纳比派的完整艺术史脉络。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">除了画作，展览设计也颇具匠心。设计由法国知名设计师操刀，灵感于奥赛博物馆标志性建筑内景。复刻了奥赛标志性大钟等元素，营造出置身巴黎塞纳河畔的沉浸式氛围。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">这次展览通过五大单元，从学院派、现实主义到印象派、后印象派，系统地呈现1848年至1914年，法国艺术从古典走向现代的路径。这种策展方式能更好理解不同流派的延续与转化。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">展览共呈107件法国奥赛博物馆的珍贵馆藏。包括86幅绘画和21件雕塑。观赏总是难以概全，有的展品前人头攒动，无法细品，也是一点遗憾。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲让-莱昂·热罗姆</p><p class="ql-block">《玩斗鸡的希腊年轻人》 </p><p class="ql-block">1846年，布面油画</p><p class="ql-block">1873年购得</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲亚历山大·卡巴内尔</p><p class="ql-block">《维纳斯的诞生》 </p><p class="ql-block">1863年，布面油画</p><p class="ql-block">原为拿破仑三世私人收藏，1879年经司法裁定转归法国国家博物馆管理</p> <p class="ql-block">亚历山大卡巴内尔长久以来，被视为典型且备受批评的“陈腐学院派画家”。尽管他反对当时的现实主义，但他在传统主义框架内也有创新。卡巴内尔的风格交替呈现两种面貌:时而承袭拉斐尔或米开朗基罗，力量感十足； 时而流露出18世纪早期艺术的余音，满是感官诱惑。</p><p class="ql-block">1863年官方沙龙展引起轰动的《维纳斯的诞生》便沿袭第二条脉络，甚至模仿那种由蓝、白、粉组合的配色。评论家认为，这幅画展现的是基本的生理感官，而非灵魂的高贵热情。本应端庄典雅地从海沫里浮现的女神，画中却在海沫中辗转，全靠经典的塑形与细腻笔触，才抵消她姿态的“不妥”。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲埃内斯特·梅索尼埃</p><p class="ql-block">《1814年法国战役》 </p><p class="ql-block">1864年，木板油画</p><p class="ql-block">1909年阿尔弗雷德·肖沙尔遗赠</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">1861年，埃内斯特·梅索尼埃当选法兰西艺术院院士。他投身受尊敬的历史画领域。这幅三年后完成的画以快照般的方式，捕捉了一场国家悲剧，将观众带回拿破仑首次退位前最后战斗中。</p><p class="ql-block">画面展现了难以言喻的时刻:虽然拿破仑和标志性的灰色大衣尚未完全退出历史舞台，却已然步入传奇的殿堂。</p><p class="ql-block">通过这幅杰作，再现法国军队在沙皇亚历山大一世领导的联军面前，做出抵抗的最后时刻。泥雪覆盖的荒凉平原上，布满深深车辙，象征无法逃脱的命运正在迫近。拿破仑独自挑头，行进在参谋部前方，依然时刻准备投入战斗。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲让-保罗·劳伦斯</p><p class="ql-block">《罗贝尔二世被逐出教会》 </p><p class="ql-block">布面油画</p><p class="ql-block">1875年法国政府在官方沙龙展从让-保罗·劳伦斯处购得</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">让-保罗·劳伦斯偏爱宏大的尺幅，擅长通过空间布局与留白处理，以及突如其来的加速感，营造戏剧性效果。这幅作品在1875年官方沙龙展亮相，便被法国政府购藏。</p><p class="ql-block">画作描绘了几位主教未能成功劝说“虔诚者”罗贝尔二世放弃与勃艮第的贝尔特（与国王拥有共同的曾祖父母）的婚姻后，愤然离去的情景。宗教仪式中使用的巨型蜡烛倒落在地，余烟袅袅，烛头指向受到贬斥的君主，象征来自教宗的谴责。与之类似，代表王权的权杖被弃于罗贝尔的脚边。他色若死灰的面庞，展露出这对被逐出教会的夫妇的沮丧与痛楚。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲让-巴蒂斯特·卡尔波</p><p class="ql-block">《玛蒂尔德公主》 </p><p class="ql-block">1862年，大理石</p><p class="ql-block">1905年玛蒂尔德公主遗赠</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲莱昂·博纳</p><p class="ql-block">《帕斯卡夫人》 </p><p class="ql-block">1874年，布面油画</p><p class="ql-block">1915年购得</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲青年时期的莱昂·博纳，是埃德加·德加的挚友。他创作近600幅肖像，涵盖政要、金融巨头和艺术名流。画中人的身份和社会地位通常一目了然，画作规格与人物地位息息相关。这幅尺寸极大的作品描绘了帕斯卡夫人，一位金融家的遗孀，是享有盛名的女演员，她与小仲马、福楼拜和莫泊桑交情深厚。画中的帕斯卡夫人身着镶黑色皮草白色缎面长裙，双眼炯炯，手臂姿态威严，被左拉赞为“壮丽无比”。头上的冠饰更加深了给观众的印象，她不仅是舞台上的女王，还是1875年官方沙龙展的焦点。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《维克多·雨果》 </p><p class="ql-block">1897年，青铜</p><p class="ql-block">1906年由法国政府购得</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲被誉为现代雕塑奠基者的奥古斯特·罗丹，青年时便对维克多·雨果满怀敬仰。1883年，罗丹终于见到这位诗人。这次会面促使罗丹创作他的第一尊雨果胸像，并与朱尔·达卢胸像一同亮相1884年官方沙龙展。那件雕塑，雨果苍老的面容得到升华，神情坚毅，目光锐利，额头宽展，身着紧扣的现代风格服装。本次展出的版本，蓝本是1885年雨果去世后，罗丹设计的纪念碑。雨果的胸膛充满英雄气概，象征毫不动摇的力量；低垂的头颅与紧闭的双眼，反映出雨果深邃活跃的思想。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲亨利·方丹-拉图尔</p><p class="ql-block">《迪堡一家》 </p><p class="ql-block">1878年，布面油画</p><p class="ql-block">1921年亨利·方丹-拉图尔之妻保留用益权的捐赠</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">亨利·方丹-拉图尔是19世纪五六十年代现实主义画派领军人物，坚持严谨构图与沉静的色调。1870年后，肖像画成为他拓展人脉的关键领域。1878年的官方沙龙展上，方丹-拉图尔被评论家称为“才华近乎天启，令公众叫绝”。</p><p class="ql-block">这幅作品描绘了画家妻子一家（妻子站在后排）。该肖像画的气质酷似夏尔丹笔下的静谧与亲昵:“这些人物轻声谈论着生活中的小事与感受。”方丹-拉图尔的创作既不迎合家人，也不讨好公众。画中各处，还闪现方丹-拉图尔的朋友马奈的画作《阳台》的影子。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲现实主义继承了“真实生活”的浪漫主义传统，这一点在社米埃的《克里斯潘和斯卡潘》 中生动展现--艺术家以戏谑的姿态描绘了两位演员的舞台形象。在绘画和雕塑领域，现实主义发展出多种表达形式。最初的现实主义画家们，如库尔贝、米勒，始终恪守原则。一大批艺术家虽与这些先辈并肩，积极响应“客观性”这一要求，但在具体实践中则会作出调整，使画作更温和地融入传统规范的框架。要理解这一点，只需对比亚历山大·法尔吉埃的《摔跤手》与库尔贝1853年完成的同主题画作，后者显得更为激烈。 官方沙龙展相当欢迎这种温和保守的现实主义，尤其重视记录乡间风情的作品一因为在工业化浪潮的冲击下，一部分乡村世界可能就此消失。从乡村主题到东方场景，从现代享乐到偏远地区保存较好的宗教仪式，描绘现实世界的画家们也扩大着题材范围。 </p><p class="ql-block">19世纪70年代末，具有社意义的大型画作迅速兴起。1879年，当共和主义者获得选举胜利之后，此类画作更是大量涌入公共空间。当时的法国政府成员茹费理倡导自然主义绘画，这一主张与左拉的“自然主义小说”相呼应。该流派有时会讽刺共和国的动荡不定(例如玛丽·巴什基尔采夫的《一次碰头》),但更多的是赞美普通民众，这些人物体现了劳动、家庭和博爱的价值观。随着20世纪的到来，一些艺术作品更加直白，或揭露社会不公，或表达政治诉求。然而，对贫困者和无产阶级命运的同情，常常不过是一种体面的感伤情怀罢了。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲奥诺雷· 杜米埃</p><p class="ql-block">《克里斯潘和斯卡潘》 </p><p class="ql-block">1864年，布面油画</p><p class="ql-block">1912年卢浮宫之友协会通过亨利·鲁阿尔的子女捐赠</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲亚历山大·法尔吉埃</p><p class="ql-block">《 摔跤手》 </p><p class="ql-block">1875年，布面油画</p><p class="ql-block">1995年奥托·克劳斯·普赖斯捐赠</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲保罗·吉古</p><p class="ql-block">《洗衣妇》 </p><p class="ql-block">1860年，布面油画</p><p class="ql-block">1912年保罗·罗森贝格捐赠</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲玛丽·巴什基尔采夫</p><p class="ql-block">《一次碰头》</p><p class="ql-block">1884年</p><p class="ql-block">现藏于巴黎奥赛博物馆</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">《一次碰头》1884年巴黎沙龙展出，为画家赢得了荣誉奖。这幅画是她艺术生涯巅峰期的代表作之一。她的创作以现实主义风格为主，擅长描绘现实生活场景。不幸的是，她于1884年因肺结核去世，年仅25岁。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲泰奥多尔·卢梭</p><p class="ql-block">《利勒亚当森林中的大道》 </p><p class="ql-block">1849年，布面油画</p><p class="ql-block">1910年阿尔弗雷德·肖沙尔遗赠</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲夏尔-弗朗索瓦·多比尼</p><p class="ql-block">《春天》 </p><p class="ql-block">1857年，布面油画</p><p class="ql-block">1856年法国政府委托绘制购买</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">与泰奥多尔·卢梭一样，多比尼也对后来印象派画家产生显著的影响。他的影响来自其经验主义的风格，以及19世纪50年代起获得的商业成功。全景式构图突破了传统绘画的限制，将自然的力量引入画面之中。</p><p class="ql-block">《春天》展现万物复苏、生命绽放的季节，麦苗是绿色，苹果树已开花。1857年，有人将这幅毫无矫饰的画作与乔治·桑洋溢着乡村质朴魅力的小说相提并论。小说家兼记者埃德蒙·阿布总结:“多比尼的这幅画，像透过窗户看到的春之微笑。”</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲纳西斯·迪亚兹·德拉佩纳</p><p class="ql-block">《枫丹白露森林》 </p><p class="ql-block">1846年，布面油画</p><p class="ql-block">1910年阿尔弗雷德·肖沙尔遗赠</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲让-弗朗索瓦·米勒</p><p class="ql-block">《拾穗者》</p><p class="ql-block">1857年</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲《拾穗者》是米勒最负盛名的代表作，是艺术史里程碑的作品。它集中体现了米勒的艺术风格和人文关怀。这幅画最直接歌颂了劳动者的坚韧，同时毫不掩饰地揭示社会底层人民的贫困。在当时，“拾穗”是贫苦农民被允许的、用以糊口的权利，但背后是无尽的辛酸。该画1857年巴黎首次展出时，引起上层社会评论家的强烈不满和抨击。他们认为这幅画是在“鼓吹社会主义”。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲埃德加·德加</p><p class="ql-block">《看台前的赛马》 </p><p class="ql-block">1866-1868年，纸上油彩裱于画布</p><p class="ql-block">1911年伊萨克·德·卡蒙多伯爵遗赠</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">马是德加的一大爱好。少年时起，德加的速写本就画满了骑行队列和动物的形态。到19世纪60年代末，现代赛马愈发引起德加的关注，他的目光逐渐转向新建的跑马场赛事接连上演，吸引着大批观众。德加尤其偏爱描绘赛马开始前的准备，因为这正是展现比赛紧张与期待氛围的关键时刻。骑师们身穿所属马房和马主的彩色制服，马匹会成为严格审视对象。德加视观众为有能力评估每匹马胜算的懂行爱好者。整幅画洋溢着如舞蹈编排场景的优雅。赛场的柱杆和现代工厂的烟囱在地平线竖立排列，线条的内在动态营造出视觉的节奏美感。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲克劳德·莫奈</p><p class="ql-block">《路易-若阿基姆·戈迪贝尔先生的夫人》 </p><p class="ql-block">1868年，布面油画</p><p class="ql-block">1951年通过加拿大的匿名捐赠资金购得</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲亨利·热尔韦</p><p class="ql-block">《瓦尔泰丝·德·拉·比涅夫人》 </p><p class="ql-block">1879年，布面油画</p><p class="ql-block">1906年瓦尔泰丝·德·拉·比涅夫人捐赠</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲阿尔贝·贝纳尔</p><p class="ql-block">《罗歇·茹尔丹先生的夫人》 </p><p class="ql-block">1886年，布面油画</p><p class="ql-block">1921年罗歇·茹尔丹的夫人捐赠</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲詹姆斯·蒂索</p><p class="ql-block">《L.L.小姐肖像画》 </p><p class="ql-block">1864年，布面油画</p><p class="ql-block">1907年公开拍卖购得</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">詹姆斯·蒂索是德加和马奈的好友。1860年前后，蒂索凭借中世纪和文艺复兴余韵、散发古朴和感伤色彩的画作声名鹊起。1864年起，艺术生涯迎来了转折，开始以辛辣笔触评判当时的风尚，这一特点贯穿于他的肖像画和风俗画中。在他笔下，这两种体裁的界限常常是模糊的。这幅画中的年轻女子，虽置身其社会地位相符的环境中，但挑畔的神态却与传统资产阶级肖像画惯例和礼仪相去甚远。无论是她稍显随意的坐姿，还是略微侧首显露的风情，都难称端庄。裙摆间若隐若现的粉色便鞋，更凸显这位佚名画中人的独立精神。从此以后，无拘无束的巴黎女性成为蒂索画作中的常见主题。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲阿尔弗雷德·史蒂文斯</p><p class="ql-block">《沐浴》 </p><p class="ql-block">约1873年，布面油画</p><p class="ql-block">1926年莱昂·莱尔米特遗赠</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲阿尔弗雷德·西斯莱</p><p class="ql-block">《马尔利港洪水中的小舟》 </p><p class="ql-block">1876年，布面油画</p><p class="ql-block">1911年伊萨克·德·卡蒙多伯爵遗赠</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">阿尔弗雷德·西斯莱，师从夏尔·格莱尔，这位画家既遵从古典传统，又对外光派风景画实践持开放态度。他的画室青昧更明亮的色调，正是在这里，西斯莱结识了莫奈和雷诺阿。他的早期绘画受到米勒、库尔贝和卢梭等人的影响。尽管首次向官方沙龙提交参展画作遭拒绝，西斯莱1868年获得了接纳并受好评。第一次印象派展览期间，他笔下的恬淡作品中常被描述为“英式风格”的细腻空气感，吸引了许多目光。在1874年底至次年春季期间，西斯莱离开卢沃谢讷，搬到马尔利勒鲁瓦，与他的大家庭住了两年。这幅画中，他以轻快敞亮非戏剧化方式描绘了1876年春天那场可怕的洪水。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲阿尔弗雷德·西斯莱</p><p class="ql-block">《马尔利勒鲁瓦镇的砖厂小路》 </p><p class="ql-block">约1876年，布面油画</p><p class="ql-block">1894年古斯塔夫·卡耶博特遗赠</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲奥古斯特·雷诺阿</p><p class="ql-block">《加布丽埃勒与玫瑰》 </p><p class="ql-block">1911年，布面油画</p><p class="ql-block">1925年菲利普·冈尼亚为纪念父亲而捐赠</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲奥古斯特·雷诺阿</p><p class="ql-block">《读书的女人》 </p><p class="ql-block">1874-1876年，布面油画</p><p class="ql-block">1894年古斯塔夫·卡耶博特遗赠</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲奥古斯特·雷诺阿</p><p class="ql-block">《乔治·夏庞蒂埃先生的夫人》 </p><p class="ql-block">1876-1877年，布面油画</p><p class="ql-block">1919年卢森堡博物馆之友协会与图尔农夫人(原名若尔热特·夏庞蒂埃)共同捐赠</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">雷诺阿与夏庞蒂埃夫妇私交甚笃。乔治·夏庞蒂埃是自然主义小说家的重要出版商，还是艺术界的活跃人物。他开设一家画廊，并推出名为《现代生活》杂志。夏庞蒂埃夫人的沙龙在此期间发挥至关重要的作用。在1879年官方沙龙展出的那幅大尺幅画作中，雷诺阿描绘了夏庞蒂埃夫人与孩子们相伴的场景（现藏于纽约大都会艺术博物馆）。而在这幅更早创作的画中，夏庞蒂埃夫人以艺术赞助人形象现身，嘴唇微抿，好像将要发表一番锐评，面露威严而不失温和。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲保罗·塞尚</p><p class="ql-block">《黑城堡上方洞穴附近的岩石》 </p><p class="ql-block">约1904年，布面油画</p><p class="ql-block">以作品抵偿债务，1978年</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">塞尚生于艾克斯，卒于艾克斯，他期望自己的作品镌刻在亘古不变、 远离现代世界纷扰的文化与历史之中。他笔下的普罗旺斯是一片常常往复的熟悉地，是一块每日写生的亲密地理空间，而地质学家朋友们的支持也给他不少启发.....安托万-福蒂内·马里翁便是其中之一，他对任何史前的蛛丝马迹都近乎痴迷。这幅塞尚晚期画作的视角逼近垂直， 仿佛紧贴岩壁，使得岩块、植物和一角天空融为一个惊人的整体，呈现出宛如大洪水时代后的场景气息。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲保罗·塞尚</p><p class="ql-block">《农家庭院》 </p><p class="ql-block">约1879年，布面油画</p><p class="ql-block">1894年古斯塔夫·卡耶博特遗赠</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲克劳德·莫奈</p><p class="ql-block">《贝勒岛荒野海岸的岩石》 </p><p class="ql-block">1886年，布面油画</p><p class="ql-block">1894年古斯塔夫·卡耶博特遗赠</p> <p class="ql-block">在莫尔比昂湾的心脏地带，贝勒岛和荒无人烟的海岸线激发了莫奈心中复杂的情感。1886年秋天来到贝勒岛，他便迫不及待地想与亲朋好友分享布列塔尼给他的深刻感受。10月11日， 莫奈写信给卡耶博特:“我现在身处一个绝美荒凉之地，有令人生畏的岩石滩，还有一片五光十色、不可思议的海洋；总之，我兴奋至极，但也不知所措，因为我已经习惯了在拉芒什海峡（法国人对英吉利海峡的称呼）作画，并且有一套自己的方法，但大西洋却完全不同。”</p><p class="ql-block">在这一时期，莫奈的作品风格发生了转变，形体更凝练，布局更具张力，同时还能看出日本版画大师铃木春信和葛饰北斋的影响。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲克劳德·莫奈</p><p class="ql-block">《维特伊的教堂》 </p><p class="ql-block">1879年，布面油画</p><p class="ql-block">1973年马克斯和罗茜·卡加诺维奇捐赠</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲克劳德·莫奈</p><p class="ql-block">《阿让特伊的塞纳河》 </p><p class="ql-block">1873年，布面油画</p><p class="ql-block">1951年阿尔贝·夏庞蒂埃博士及夫人捐赠</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲克劳德·莫奈</p><p class="ql-block">《夏末的干草堆》 </p><p class="ql-block">1891年，布面油画</p><p class="ql-block">1975年通过加拿大的匿名捐赠资金购得</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">“干草堆”这一命题或许最能体现永恒的乡村风情，并折射出相关的法国社会面貌。自19世纪八九十年代起，莫奈专注于若干系列主题的创作，而“干草堆”正是最早令其名声大噪的系列之一。这些被视为法国国家象征的形象，被笼罩在万千对比色调之中，呈现出不断变化的光线和时间。时间的尺度可以无穷小，也可以无限大，然而将两者结合在画中却并非易事。1890年10月7日，在致艺术评论家古斯塔夫·热弗鲁瓦的信中，莫奈写道:“我努力进行了许多尝试，想要呈现一系列各不相同的效果，但这段时间，阳光退却得太快，我几乎无法跟上它的速度。.....要达到我所追求的效果，必须付出巨大的努力，捕捉瞬间的感觉，尤其是光线四处弥漫的氛围。”</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲卡米耶·毕沙罗</p><p class="ql-block">《冬日里村庄一角的红色屋顶》 </p><p class="ql-block">1877年，布面油画</p><p class="ql-block">1894年古斯塔夫·卡耶博特遗赠</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">画家兼收藏家古斯塔夫·卡耶博特收藏的所有毕沙罗画作中，这幅无疑是毕沙罗最钟爱的。在1877年第三次印象派展览上备受赞誉。冬季凋零的树木如帷幕般占据了画面前景，透过它们看到紧密相依的房屋，杳无人烟，这反而突显了它们质朴的守护。评论家阿梅代·德屈布写道:“俏丽的画作，藏在森林中的小房子，坚定和简洁的笔触令人耳目一新。”</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿</p><p class="ql-block"><span style="font-size:18px;">《钢琴前的女孩》</span></p><p class="ql-block">约1892年</p><p class="ql-block">艺术流派： 印象派</p><p class="ql-block">布面油画</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲保罗·高更</p><p class="ql-block">《海景与牛》 </p><p class="ql-block">1888年，布面油画</p><p class="ql-block">1923年维塔利伯爵夫人为纪念其兄居伊·德·肖莱子爵的捐赠</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲保罗·高更</p><p class="ql-block">《艺术家肖像》(正面)； </p><p class="ql-block">《威廉·莫拉尔肖像》(背面) </p><p class="ql-block">1893-1894年，双面布面油画</p><p class="ql-block">1966年通过加拿大的匿名捐赠资金购得</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">第一次从塔希提岛归来后，如同他职业生涯每一个重要阶段，高更绘制了一幅自画像。画中的他面容疲惫，身穿当地民俗服装。眼前这幅自画像背面，是高更为他邻居，瓦格纳追随者，音乐家威廉·莫拉尔绘制的肖像。画中的莫拉尔神情恍惚，背景以蓝色为基调-这种表现手法似乎预示1901年毕加索“蓝色时期”的艺术风格。 </p><p class="ql-block">高更创作时从未考虑两幅肖像同时展出的场景，因此我们如今所见的莫拉尔肖像呈上下颠倒之状。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲保罗·高更</p><p class="ql-block">《艺术家肖像》(正面)； </p><p class="ql-block">《威廉·莫拉尔肖像》(背面) </p><p class="ql-block">1893-1894年，双面布面油画</p><p class="ql-block">1966年通过加拿大的匿名捐赠资金购得</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">第一次从塔希提岛归来后，高更绘制了这幅自画像。画中的他面容疲惫，身穿当地民俗服装；其中还以镜像翻转形式，纳入了他不久前完成的杰作《死亡的幽灵在注视》。这幅自画像还展现了高更位于蒙帕纳斯中心地带维钦托利路上的画室兼公寓的景象。墙壁按照梵高的建议涂上黄色，墙面装饰的塔希提岛主题画作色彩绚丽。</p><p class="ql-block">值得注意的是，这幅自画像的背面，绘有高更的邻居， 瓦格纳的追随者 音乐家威廉·莫拉尔的肖像。画中的莫拉尔神情恍惚，背景以蓝色为基调-这种表现手法似乎预示了1901年毕加索“蓝色时期”的艺术风格。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲文森特·梵高《自画像》 </p><p class="ql-block">1887年，布面油画</p><p class="ql-block">1947年雅克·拉罗什保留用益权的捐赠</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">梵高的自画像可被视作他与精神分裂症持续抗争的证明。1886年至1888年间，梵高寓居巴黎。在此之前，他从未绘制过任何自画像，无论素描还是油画。而在1890年5月中旬离开普罗旺斯地区圣雷米的精神病院后，他也不再绘制自画像。这位年逾三十的荷兰画家抵达巴黎进入科尔蒙的画室后，决定以绘画作为表自我主张的方式。最早的几幅自画像便完成于此时期。1887年春，梵高开始采用点彩派的技法，描绘了自己身着翻领夹克、目光炯炯的样子。同年年底，他进一步简化画面，增强纯色对比，在面部周围营造出一种光晕效果。埃米尔·贝尔纳将之称为“燃烧的脸”。前往阿尔勒之后，梵高仍延续了这种创作手法。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲路易．安克坦 </p><p class="ql-block">《街上的女人》</p><p class="ql-block">约1890年，布面油画</p><p class="ql-block">1935年路易·安克坦遗孀捐赠</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲亨利-埃德蒙·克罗斯</p><p class="ql-block">《发丝》 </p><p class="ql-block">约1892年，布面油画</p><p class="ql-block">1969年购得</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲乔治·修拉《模特背影》 </p><p class="ql-block">1887年，木板油画</p><p class="ql-block">1947年通过公开拍卖购得</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">无论是修拉去世后，在家中发现的版画和照片，还是他早年临摹稿，都证明这位年轻艺术家对安格尔风格的偏爱。创作《泉》的安格尔惯于用富有表现力的形变手法，这令修拉领悟到，可以在精简形式与凝练效果基础上创作绘画。本画作是尺幅更大的《模特》(藏于费城巴恩斯基金会)的预备习作，灵感取自安格尔的《瓦平松的浴女》着重描绘女子背部上缘与后颈的柔美曲线。尽管1879年邂逅了印象派绘画，但修拉仅汲取该流派明亮的色调、日式风格的布局以及灵动的构图，却坚定地拒绝追随其对转瞬即逝印象的捕捉。运用他自创的技法，修拉将笔触化为密集排列的纯色小点。他相信，经由视觉混合生成的色调所展现的更高强度与明度，将为古典传统注入新生。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲保罗·西涅克</p><p class="ql-block">《井边的女人·作品238》 </p><p class="ql-block">1892年，布面油画</p><p class="ql-block">1979年购得</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">保罗·西涅克曾频繁出入无政府主义者的圈子，20世纪时又与共产主义者保持紧密联系。他渴望构建更加“和谐”公正的社会，并将这份期许寄托于艺术之上。自1893年起，他决定每年都在圣特罗佩居住一段时间。1892年5月，当他来到普罗旺斯时曾向母亲坦露:“我从昨天起安顿下来了，沉浸在喜悦之中.....我拥有的东西足以让我创作一生，我刚刚意识到这就是幸福。”他在南法期间的画作似乎也向我们传递这些话语。</p><p class="ql-block">在1893年的独立艺术家沙龙展上，他曾以《井边的年轻普罗旺斯女子（用于昏暗处的装饰板）》为题，展出过这幅代表作。和谐的主题与明亮的镉黄色调似乎在向买家承诺:这幅画定能驱散忧郁，令眼前的景象和心情都明朗起来。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲西奥·范·里斯尔伯格</p><p class="ql-block">《罗斯科夫港口》 </p><p class="ql-block">1889年，布面油画</p><p class="ql-block">1982年购得</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲保罗·西涅克</p><p class="ql-block">《阿维尼翁·傍晚(教宗宫)》</p><p class="ql-block">1909年，布面油画</p><p class="ql-block">1912年在独立艺术家沙龙展上从保罗·西涅克处购得</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲康斯坦丁·默尼耶</p><p class="ql-block">《黑色之地》 </p><p class="ql-block">约1893年，布面油画</p><p class="ql-block">1896年购得</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">康斯坦·默尼耶于1880年首次造访博里纳日地区。这片工业区位于比利时蒙斯城附近，烟煤开采和加工需要数千工人与大量设备。“黑色之地”正是当时对这片工业区的形象化称呼。然而默尼耶并未在这幅画中描绘任何矿工的身影。放眼望去，只有无边无际的工厂和烟囱，拉煤的火车穿梭其中。创作雕塑时，默尼耶歌颂工人与劳动；创作绘画时，他则描绘一个人类受制于工业生产冷酷法则的世界。大地色系的阴郁之中，只有极少的几种色调挣脱了沉抑的气氛。 默尼耶与其友西奥·范·里斯尔伯格同为新印象派在比时的代表人物。尽管该流派的技法常被批评过于冷峻，但在这幅画中，却反而为画面注入了生命力。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲马克西米利·吕斯</p><p class="ql-block">《圣米歇尔堤岸与巴黎圣母院》 </p><p class="ql-block">1901年，布面油画</p><p class="ql-block">1981年克里斯蒂安·休曼捐赠</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲莫里斯·德尼</p><p class="ql-block">《穿蓝裤子的孩子》 </p><p class="ql-block">1897年，布面油画</p><p class="ql-block">1987年购得</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲爱德华·维亚尔</p><p class="ql-block">《在床上》 </p><p class="ql-block">1891年，布面油画</p><p class="ql-block">1941年爱德华·维亚尔通过凯尔-格扎维埃·鲁塞尔先生及其夫人遗赠</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">这幅画是纳比派的代表作，也是奥赛博物馆备受欢迎的展品。维亚尔一生珍藏此画，从未在生前公开展出。尽管画中人的身份至今未明，但很可能是维亚尔身边的某个人，或是令他记忆深刻的场景。因此，这件作品的地位非同一般，元素之间的对比也令它尤为夺目。孩子的脸庞几乎被床单吞没，也许他做了一个愉快的梦，也可能正经历高烧的痛苦。画面效仿日本版画的风格，以圆润的线条贯穿其间；几条突出的水平线又将观者的视线宿命般地引回到基督教的十字架上，它的一部分被一段颜料色带斩断。这条色带也影响了画作的署名和日期标记。尽管至今没有解释，但这或许与当时流行的主题有关:在天主教医院治病甚至住院的孩子。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲费利克斯·瓦洛东</p><p class="ql-block">《脱睡裙的女人》 </p><p class="ql-block">1900年，纸板油画</p><p class="ql-block">1991年购得</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">瓦洛东的作品中可以看到一种“无声的窥探”，虽然时常令人反感，但不会伤人。1900年前后，瓦洛东时而绘制气氛紧张的画作，时而雕刻相当幽沉的版画。他常用幽暗的光线展现私密生活的瞬间，此手法源自他精湛的版画技艺。画中女子可能是他的妻子加布丽埃勒，她正准备脱下长睡裙。衣物洁白的光辉在画面其他部分的柔和色调中尤为突出。瓦洛东的笔下的居室中，家具仿佛会说话，紧闭的门似乎也隐藏着某种信息。画家邀请我们窥视那些本应隐藏的私人时刻。1900年，艺术家购入了一台柯达口袋相机，开始尝试摄影。他的妻子乐于参与拍摄，在平凡的日常生活中为他提供灵感。 </p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲皮埃尔·博纳尔</p><p class="ql-block">《格纹衬衫》 </p><p class="ql-block">1892年，布面油画</p><p class="ql-block">1968年购得</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">19世纪末，格纹面料在前卫艺术圈风靡一时，艺术赞助人米西亚和塔代·纳坦松夫妇的衣橱便是例证。博纳尔的这幅画作表明，对格纹的嗜好已经渗入社会各个阶层。博纳尔显然乐于在桌边年轻女子的红色衬衫与常见的格纹桌布之间制造有趣的视觉混淆。瑞士收藏家汉斯·汉洛瑟认为，在这幅画中看似与画作平面融为一体的“小方格”，正是博纳尔从浮世绘中汲取的钟爱元素一，在表面效果上做文章。 </p><p class="ql-block">与艺术家追求的视觉趣味不谋而合。这种来自日本文化的影响还体现在画作类似传统日式挂轴的构图和扁平的透视上。画中人如灵巧猫爪股的手势，则体现了画家的幽默。猫是博纳尔笔下室内场景的常驻角色.也是赋予画作猫式戏谑的关键所在。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲阿里斯蒂德·马约尔</p><p class="ql-block">《夏娃》 </p><p class="ql-block">约1900年，青铜</p><p class="ql-block">1992年迪娜·维耶尼夫人捐赠</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲皮埃尔·博纳尔</p><p class="ql-block">《白猫》 </p><p class="ql-block">1894年，纸板油画</p><p class="ql-block">1982年购得</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">无论是像纳比派的批评者那样，将“形变”视为缺陷，还是将其视为纳比派的美学标志，这一表现手法无疑是博纳尔和维亚尔在1890年之后极力推进的视觉语言中的核心要素。马奈和东方画家都曾多次以夸张的手法描绘猫的身形构造，这激励了后继者们在这一题材上不断寻求突破。虽然博纳尔更钟爱狗，但他却对猫倾注了极大的创作热情，用画笔捕捉猫咪玄妙莫测的神态与身姿，以及它们在感到满足时令人忍俊不禁的表情。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲皮埃尔·博纳尔</p><p class="ql-block">《梳妆》 </p><p class="ql-block">1914年，布面油画</p><p class="ql-block">1922年购得</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲皮埃尔·博纳尔</p><p class="ql-block">《欢愉》 </p><p class="ql-block">1906-1910年，布面油画</p><p class="ql-block">以作品抵押债务，2007年</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">1906年，博纳尔受塔代·纳坦松前妻米西亚的委托，为她与新婚丈夫爱德华兹位于伏尔泰堤岸的公寓装饰餐厅。这幅作品是博纳尔为此创作的首个重要系列。该系列由四幅画构成，结合了古代田园牧歌的艺术传统、圣经中的大洪水典故，以及极具开放性的东方主义灵感。画作中洋溢着浓郁的梦幻色彩和丰盈的色调。其中，只有两幅进入了奥赛博物馆的收藏。</p><p class="ql-block">此《欢愉》带我们重温童年和少时的无忧无虑，勾起博纳尔对年轻岁月的回忆。画作中央的水池似乎在向周围嬉戏的人们承诺永恒的青春，而狗和猫则在旁守望，默契相伴。前景中，一个男人的侧影隐约可辨，或许是画家的分身，已然开始追忆似水年华。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">▲阿里斯蒂德·马约尔 </p><p class="ql-block">《地中海》</p><p class="ql-block">1984年，青铜</p><p class="ql-block">1986年迪娜·维耶尼夫人捐赠</p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">马约尔致力于重拾并革新古代传统雕塑的语言。最著名的作品《地中海》象征他口中的“拉丁”价值观。这种价值观体现为一种阳光、感性，甚至带有情色意味的艺术追求，以此塑造的身体既是肉欲而真实的，也是理想化的。</p><p class="ql-block">《地中海》1905年秋季沙龙展上亮相时，用一个中性标题《女人》，但无疑表达了内省，甚至忧郁的主题。这座雕塑最初由马约尔亲手以石材雕刻而成，后被转雕为大理石版本。最后，在曾担任艺术家模特并成为其遗嘱执行人的迪娜·维耶尼的推动下，这件作品在1984年获得了新生，拥有了这件铜铸版本。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><span style="color:rgb(176, 79, 187);">编辑: 贰零壹八的夜</span></p><p class="ql-block"><span style="color:rgb(176, 79, 187);">摄影: 贰零壹八的夜</span></p><p class="ql-block"><span style="color:rgb(176, 79, 187);">文字: 作品的注解，均选自于展馆官方文字内容。</span></p>