徐秀珍的美篇

徐秀珍

今天2025年10月1日，一个全国上下特别喜庆的日子，也是我最最激动兴奋的日子，不懂艺术的我，随孩子们走进了荷兰🇳🇱阿姆斯特丹梵高博物馆。这门票啊是一票难求。全世界爱好艺术画画的作家、文人墨客都会蜂拥而至。女儿非常聪明，昨晚就在网上加价定票。现场又买了随身听翻译，使得我如虎添翼，看不懂画画的我，眼前呈现的是一幅幅身临其境充满生机活力的画卷。精心鉴赏居然全部读懂了画卷。

文森特·梵高，他是一位充满传奇与悲剧色彩的艺术家，生于（1853-1890）荷兰一个牧师家庭，被誉为艺术史上最富影响力的艺术家之一，其作品以鲜艳色彩、强烈笔触和情感张力著称。

早年从事过画廊销售、教师和传教士等工作，但因性格敏感与社会格格不入。

走进梵高博物馆，一层的展厅几乎全部是梵高的自画像，带着这个问题，随身的翻译且听且知晓。在巴黎的两年里，梵高创作了超过20幅自画像。这主要有两个原因：1. 经济拮据：请不起模特，画自己是最经济的选择。2. 技术练习：自画像是他练习捕捉人物神态、研究光影和实验新笔法的绝佳途径。他把自己的脸当作一块“试验田”，不断的摸索创新。

1886年移居巴黎，受印象派与日本浮世绘影响，艺术创作与风格也逐渐明亮，1888年前往法国阿尔勒，创作进入黄金期，代表作《向日葵》《黄房子》《夜间咖啡馆》均诞生于此。

这幅画创作于梵高艺术生涯中至关重要的巴黎时期（1886-1888年）。当时他来到了艺术之都巴黎，接触到了印象派、点彩派等新兴绘画潮流，这极大地冲击了他早期那种阴暗、写实的荷兰风格。这幅自画像正是他狂热探索新风格和色彩的完美见证。

梵高27岁开始正式学画，到37岁去世，真正的创作生涯只有短短10年。但他却在这十年间，创作了超过2000幅作品。想想看，这是何等狂热的热爱与执着！他不是一个天赋异禀的神童，而是一个用勤奋、鲜血和生命去叩问艺术之门的苦行僧。他的起点或许和我们一样低，但他的坚持却超越了凡人。

梵高博物馆（8号）展厅主题是《兄弟和挚友们）最重要的看点就是梵高的弟弟（这位长胡子的名叫提奥（Theo）他是梵高艺术生涯的支柱。他不仅是梵高的弟弟，更是他一生中最重要的支持者、知己和艺术经纪人。他无条件地信任文森特的才华，在经济上和情感上给予了哥哥巨大的支持。两人之间长达数百封的书信。

这位女士是梵高的弟媳，她手中怀抱的婴儿就是梵高的侄子，名叫 小文森特·威廉·梵高。正是这位侄子，继承并守护了伯父的遗产（即梵高的大量画作和信件），并最终将其捐赠，成立了阿姆斯特丹的梵高博物馆。

这是《吃土豆的人》画，这幅画是梵高早期（1885年）在荷兰纽南时期的代表作。五位在昏暗灯光下吃土豆的农民，他们围坐在一张小桌旁，分享着简单的食物，体现出一种在贫困生活中相互依存的家庭温暖和团结。画中梵高并没有将他们描绘得可怜或悲惨。而是将人物的姿态和表情刻画得庄严和虔诚。唯一的光源来自头顶那盏简陋的油灯，照亮了人们的脸庞、手和桌上的土豆。

麦田稻地的农作，也是梵高早期的作品。

1886年梵高移居巴黎，受印象派与日本浮世绘影响，艺术创作与风格也逐渐明亮，创作进入黄金期，代表作《向日葵》《黄房子》《夜间咖啡馆》均诞生于此。《向日葵》是梵高最喜欢的一幅画。梵高对黄色极其痴迷。在他眼中，黄色代表着友谊、希望、光明与快乐。

我记得语音导览里，有句话让我很感动：前来参观美术馆的每一个人，都帮梵高实现了他另一个理想，他说过“我始终希望自己不要孤独的为自己作画”。感谢女儿女婿带着什么都不懂的我们来到这里，看了一幅幅生动的画作，有了自己对梵高作品的理解，给予我属于自己的独特的能量。

这次参观，我个人最喜喜欢的两幅画是《杏花》和《向日葵》。《杏花》是梵高在精神病院时，得知自己弟弟的儿子出生，而且弟弟一家为新生儿起名为Vincent，（就是用了梵高的名字命名）。为了庆祝侄儿幸福降临，他画了这幅《杏花》。当时他的精神状态时好时坏，有时甚至不能支持他创作。在这种备受煎熬的状态下，他为新生的侄子创作出宁静又充满希望的作品。彻底体现了他灵魂的底色是纯粹，热烈，热爱生命，热爱艺术。

《卧室》描绘了梵高在法国阿尔勒的居室，生活的点点滴滴，色彩鲜明，极具感染力。

这是他画的“盛开的桃花”，副标题“Souvenir de Mauve”意为“纪念莫夫”。安东·莫夫是梵高的表兄，也是他艺术上的重要引路人，但后来二人关系破裂。莫夫在1888年3月去世，梵高在一年后画下此作，作为对他的悼念。

如果说《杏花》是为家人而画，《桃花》是为逝者而画，那么《梨树》更像是为自己而画，为春天本身而画。仔细看树干几乎位于画面正中央，构图非常独特。向四周蓬勃地分叉生长，充满了一种天真、朴拙的趣味。

阿尔勒附近的吊桥，这幅画创作于1888年是梵高艺术生涯中非常重要且迷人的作品，画中的吊桥原名“朗格卢瓦桥”，是一座可以开合让船只通过的吊桥。梵高被这座桥的古朴造型和机械结构所吸引，在短短几个月内为它创作了多幅油画和素描。完美体现了他到达法国南部阿尔勒后，在艺术上迎来的突破性转变。

这是文森特·梵高1888年在滨海圣玛丽附近的海景

这是一幅对梵高而言充满个人情感与家庭记忆的作品。创作于1884年，修改于1885年。这幅画的核心主题是：《离开尼厄嫩教堂的信众》，但远不止是一张简单的教堂风景画。这幅画还有一段非常传奇的经历：曾遭窃且失而复得：这幅画原本由梵高博物馆收藏，但在2002年12月7日不幸被盗。幸运的是，在13年后的2016年1月，意大利警方在那不勒斯附近找到了它。这幅画最终在2017年3月重新回到了梵高博物馆的展厅。所以，这次我能亲眼见到它，真的是件非常幸运的事。

这幅画有一个非常特别的地方，最初的画面上教堂前只有一位农民，但在大约1885年时，梵高将其修改为一群正在离开教堂的信众，并为枯树加上了树叶。更重要的是，这些信众身着丧服，是梵高为了纪念他于1885年3月突然去世的父亲。因此，这幅画不仅是一幅风景写生，更承载了梵高对父亲的复杂情感。

梵高笔下的这幅“鞋”画，我第一感觉是“纹理厚重、饱经风霜”，画的边上是荷兰语和英语说明又看不懂，好在有Deepseek助读了解到，梵高购买这双二手鞋 “并非为了穿，而是专门为了画它” 充当的模特。博物馆引导我们关注点在于：“你可以看出它们饱经风霜”，而 “文森特从中看到了巨大的美” 。这双鞋上的每一道褶皱、每一块污渍，在他眼中都不是丑陋的，而是一个个动人的故事，是生活本身的真实写照。

这是一个被精心设计的艺术主题。梵高通过这双特意寻来的破旧鞋子，来表达他对“生活痕迹”与“苦难之美”的独特敬意。他运用了充满活力的笔触和色彩，为这个沉重的主题注入了强烈的生命力和艺术感染力。梵高最伟大的地方之一，就是他能为最平凡、最卑微的事物赋予尊严和光辉。他把这些别人眼中破旧的、该被丢弃的鞋子，郑重其事地请上画布，用最饱满的笔触和最浓烈的色彩为它们“立传”。这正应了博物馆说明的那句话：“他从中看到了巨大的美” 。这是一种深刻的、人道主义的美学观。

展厅里的这幅画，画名为：《画向日葵的梵高》，是他的朋友，法国后印象派画家保罗·高更为他创作的肖像画。这幅画创作于 1888年12月，当时高更应梵高之邀，来到法国阿尔勒，梵高极度崇拜高更，邀请他来阿尔勒同住，希望共同创造一个艺术家共同体。共同生活后，两人在艺术理念上产生了巨大分歧。梵高主张对着自然写生，而高更则认为应该依靠记忆和想象力进行创作。这幅《画向日葵的梵高》，恰恰就是高更艺术理念的实践。

在高更看来，梵高是一个充满激情、甚至有些狂热的人，高更把梵高头发和胡子都画成了红色。正是体现梵高内在火焰般性格的外在象征。

鸢尾花是梵高在1889年自愿入住精神病院，在精神状态好的时候创作的《鸢尾花》名作，笔触愈发扭曲奔放，充满生命力与挣扎。

《麦田上的鸭群》是梵高生命中最后一年——1890年，在法国奥维尔小镇创作的。金黄色的麦田在风中摇曳，展示了强大的生命象征（丰收），一群鸭子在麦田上空匆匆飞过。似乎要逃离即将来临的暴风骤雨。

麦田上的鸭群》不仅仅是一幅风景画，它是梵高灵魂的直接显影。它向我们展示了一个极度敏感的天才，如何在精神的重压下，依然能捕捉并赞美这个世界最原始、最蓬勃的生命力。他在描绘自然，更在描绘他自己的内心——那是一片同样充满风暴、光芒、希望与绝望的“风景”。梵高生命中晚期的作品同样看得我心里久久不能平静。