<p class="ql-block">由于昨晚花80元在浦东美术馆参观了“来自巴黎奥赛博物馆的艺术瑰宝”展，凭这票今天可以免费参观罗丹雕塑展。</p> <p class="ql-block">参观由此乘电梯上四楼，然后沿着斜坡，展馆顺坡而下。</p> <p class="ql-block">远处的世博园！</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹———1840年出生于法国巴黎，1917年在巴黎近郊的默东去世，与古希腊雕塑家菲狄亚斯和文艺复兴时期雕塑家米开朗琪罗并称为"西方雕塑艺术的三大高峰"。19世纪的欧洲，新古典主义风格盛行。罗丹凭借其对真实和自然的不懈追求及其开创性的创作表达手法和</p><p class="ql-block">雕塑语言，完成了对古典主义传统的超越，开辟了现代雕塑的新的发展方向，被誉为"现代雕塑之父"，并与他的学生及后辈安托万·布德尔和阿里斯蒂德·马约尔并称为欧洲雕刻"三大支柱"。</p><p class="ql-block">展览共包括6个主要章节和2个特别章节，汇集百余件真迹展品，全面梳理罗丹的艺术生涯，呈现其上承19世纪新古典主义、下启20世纪现代雕塑的艺术风格，探索罗丹对现当代艺术发展产生的持续且深刻的影响，展现罗丹艺术生命的延续。</p> <p class="ql-block">《罗丹石碑像》———路易·马西特（1853-1920）是罗丹的学生、助手和员工，他先后在1893年至1910年之间，以及1916年至1917年罗丹去世这一年期间师从罗丹并协助其进行创作，为罗丹雕刻了许多汉白玉作品，并在罗丹去世后，仍在他的工作室中继续工作到1918年。</p><p class="ql-block">这件《罗丹石碑像》是马西特为罗丹制作的纪念碑雕像，创作于1919年，值得一提的是，也就是在这一年，罗丹博物馆正式向公众开放。此石膏像存世两个版本，另一个版本现藏于巴黎的罗丹博物馆。</p><p class="ql-block">这件未完成的作品的下半部分像一座被截顶的金字塔，而金字塔上方是罗丹的半身像。像上刻着" A Rodin "的字样，意思是"致敬罗丹"。作品底座上可以看到一些人体雕塑作为装饰，呈现出从雕塑中呼之欲出的姿态，像是作者在向罗丹表达最后的敬意。</p> <p class="ql-block">关于罗丹的一生</p> <p class="ql-block">罗丹的世界地图———19世纪末以来，罗丹的作品通过展览或被收藏的方式在世界范围内广泛传播。</p><p class="ql-block">如今，罗丹的作品得到了国际认可，被世界各地众多国家博物馆和著名机构所收藏，体现了他作品的艺术价值和普遍影响。</p><p class="ql-block">地图上黑底白标所指示的是拥有罗丹藏品的各大博物馆，遍布全球各大洲。</p><p class="ql-block">红色标记有两处，一处指示法国罗丹博物馆和默东的罗丹故居；另一处指示上海罗丹艺术中心，是唯一由法国罗丹博物馆授权，且拥有构成体系的上百件真迹作品收藏，具有极高的学术价值，完整地呈现了罗丹的风格演变。</p> <p class="ql-block">第一章新时代，新形态———拿破仑三世（1808-1873）治下的法兰西第二帝国（1852-1870）为"重建被五十年革命撕裂的法国社会，调和秩序与自由"，借用艺术形式来打造和宣传"帝国史诗"。一系列重大项目让这一时期的法国呈现出万象更新的繁荣景象，同时也激发了当时法国艺术文化的蓬勃发展。出生于1840年的罗丹在第二帝国时期度过了自己的青少年时代，14岁时进入了有"小美院"之称的皇家绘画与数学专门学校学习绘画，随后开始接触和学习雕塑艺术，师从阿尔伯特</p><p class="ql-block">﹣恩涅斯特．卡里耶﹣贝勒斯，于1864年进入其工作室学习和工作，一名年轻雕塑艺术家的职业生涯就此展开。</p> <p class="ql-block">关于卡里耶﹣贝勒斯</p><p class="ql-block">这里展示的都是罗丹老师阿尔伯特-恩涅斯特·卡里耶-贝勒斯的作品。</p><p class="ql-block">卡里耶﹣贝勒斯是法兰西第二帝国时期最具代表性的雕塑家之一，生于1824年，童年时跟随家人来到巴黎，并在此学习绘画和雕塑。1840年，他考取巴黎美术学院，并很快放弃了当时流行的艺术风格，转而学习18世纪古典艺术和装饰艺术。十九世纪中期，卡里耶·贝勒斯参与了巴黎的许多建筑雕塑项目，如杜乐丽宫、卢浮宫博物馆、商会、巴黎歌剧院、法国戏剧院、市政厅等不胜枚举，是同时代最多产的雕塑家，且一生获奖无数。</p><p class="ql-block">1865年，时年25岁且正在求职的罗丹成了卡里耶-贝勒斯工作室的一名助手，主要负责装饰雕塑，以及根据卡里耶-贝勒斯的设计稿进行雕刻，将其雕成可出售的商品。正是在这种环境下，罗丹掌握并完善了艺术技能。</p><p class="ql-block">罗丹后来回忆道："在卡里耶-贝勒斯工作室所经历的一切都让我获益匪浅。我对雕塑材料产生了浓厚的兴趣。简单来说，我一开始只是名工匠，随后才慢慢蜕变为艺术家。这其实是唯一的正确之路。"</p> <p class="ql-block">阿尔伯特﹣恩涅斯特·卡里耶﹣贝勒斯</p><p class="ql-block">《梳着辫子的年轻女子》,1870年</p><p class="ql-block">陶土</p><p class="ql-block">75x42x22厘米</p> <p class="ql-block">阿尔伯特﹣恩涅斯特·卡里耶﹣贝勒斯</p><p class="ql-block">《女半身像》,1870年</p><p class="ql-block">汉白玉</p><p class="ql-block">64x25x30厘米</p> <p class="ql-block">关于卡拉拉大理石雕塑</p><p class="ql-block">卡里耶·贝勒斯擅长创作半身雕像，无论是重要的历史人物，或是身份不明却珠光宝气的贵族女性，他都能够将其塑造得活灵活现、栩栩如生。创作风格彰显了18世纪法国艺术的格调与优雅。</p><p class="ql-block">《依照苏菲·克罗伊泽特小姐形象创作的虚构女半身像》，创作于1870年前后，以集才华和美貌于一身的巴黎女演员苏菲﹣亚历山大·克罗伊泽特（1847-1901)的形象为原型，并在人物原型的基础上进行了艺术化的创造，在1874年的沙龙上，这件作品大获成功。</p><p class="ql-block">作品采用了卡拉拉汉白玉为材料创作而成。"卡拉拉"位于意大利托斯卡纳区，卡拉拉山盛产的大理石举世闻名，最为细腻洁白，由此卡拉拉被誉为"世界雪白之都"、"大理石的故乡"。文艺复兴时期的巨匠米开朗基罗，他最杰出的作品﹣《大卫》的原石就出自卡拉拉。卡拉拉汉白玉在20世纪初时就几乎已经开采完了。</p> <p class="ql-block">阿尔伯特﹣恩涅斯特·卡里耶﹣贝勒斯《依照苏菲·克罗伊泽特小姐形象创作的虚构女半身像》，约1870年</p><p class="ql-block">汉白玉 高73.5厘米</p> <p class="ql-block">阿尔伯特﹣恩涅斯特·卡里耶﹣贝勒斯</p><p class="ql-block">《田中归来》,1870年</p><p class="ql-block">陶土 93x50x35厘米</p> <p class="ql-block">阿尔伯特﹣恩涅斯特·卡里耶﹣贝勒斯</p><p class="ql-block">《苏醒》,1870年</p><p class="ql-block">陶土 65x35x25厘米</p> <p class="ql-block">阿尔伯特﹣恩涅斯特·卡里耶﹣贝勒斯</p><p class="ql-block">《爱》,1865年</p><p class="ql-block">陶土 55x60x35厘米</p> <p class="ql-block">阿尔伯特﹣恩涅斯特·卡里耶﹣贝勒斯</p><p class="ql-block">《酒神女祭司》,1870年</p><p class="ql-block">陶土 54x35x30厘米</p> <p class="ql-block">安托万·克内布</p><p class="ql-block">《双层陈列柜》,1875-1880年</p><p class="ql-block">橡木、黑木、乌木；饰有镀金铜，彩绘珐琅，青金石 350x238x66厘米</p> <p class="ql-block">阿尔伯特﹣恩涅斯特·卡里耶﹣贝勒斯《座钟装饰》,1869年</p><p class="ql-block">陶土 54x49x16厘米</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">阿尔伯特﹣恩涅斯特·卡里耶﹣贝勒斯《秋》,1880年</p><p class="ql-block">汉白玉 82x25x24厘米</p> <p class="ql-block">阿尔伯特﹣恩涅斯特·卡里耶﹣贝勒斯《水泽仙女》,1870年</p><p class="ql-block">陶 72x45x25厘米</p> <p class="ql-block">路易﹣罗贝尔·卡里耶﹣贝勒斯</p><p class="ql-block">《两只花瓶："自求生路"主题》,1898年</p><p class="ql-block">釉面陶瓷 50.8 x 20x20厘米</p> <p class="ql-block">罗丹的"卡里耶﹣贝勒斯"年代———这三件并排呈现的年轻女子半身像作品都由罗丹的老师卡里耶-贝勒斯署名，然而，经过广泛的艺术史研究以及严谨的造型和风格分析，左侧的《夏》和右侧的《女半身像》这两件创作于1870年的作品，被鉴定为罗丹学徒时期的作品，而中央的彩色陶瓷少女半身像《春》则是卡里耶﹣贝勒斯最出色、最有代表性的人像作品之一。</p><p class="ql-block">1870年是罗丹在卡里耶-贝勒斯工作室当学徒的第五个年头，我们可以明显地观察到罗丹当时正在创造、发展创新的风格特征和属于自己的造型词汇，这表明这位年轻的天才正试图逐渐摆脱其老师的影响。</p><p class="ql-block">可以看出，卡里耶-贝勒斯更多描绘古典的贵族女性形象，发型华丽繁琐，通常裸体或身着蕾丝服饰；与其老师的风格相比，罗丹所刻画的女性形象表现出一种更加平和、内省的品质，不试图诱惑或取悦他人的面貌，发型简约，服饰造型更加贴近日常生活。</p> <p class="ql-block">阿尔伯特﹣恩涅斯特·卡里耶﹣贝勒斯《夏》,1870</p><p class="ql-block">陶土 65x35x32厘米</p> <p class="ql-block">阿尔伯特﹣恩涅斯特·卡里耶﹣贝勒斯《春》,1865年</p><p class="ql-block">彩色陶瓷 80x46x30厘米</p> <p class="ql-block">阿尔伯特﹣恩涅斯特·卡里耶﹣贝勒斯《女半身像》,1870年</p><p class="ql-block">陶土 65x20x28厘米</p> <p class="ql-block"><span style="font-size:18px;">第二章</span>生命之爱，发于天然</p><p class="ql-block">"我没有发明任何东西，我只是重新发现。"-﹣奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">罗丹遵从自然，亦是自然的再发现者，自称为"真理的猎手和生命的守望者"。他总是从真人模特开始创作，从祼体研究开始将生命和真理赋予雕塑。罗丹在1875至1876年间完成了他的意大利学习之旅。这次旅行给罗丹留下了深刻的印迹，复兴时期的艺术家和艺术作品，特别是米开朗琪罗的作品对人体自然和真理的表达，给罗丹带来了重要且持续的启发和影响，体现在他对古典和近代神话题材的重新发现和重新诠释中，古今神话中的人物在罗丹手中被赋予了鲜活的生命力。</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《酒神节》，约1890-1900年</p><p class="ql-block">青铜 41 x 48.8x41.8厘米</p> <p class="ql-block">另一侧面</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《酒桶中的酒神巴克斯》,1904年</p><p class="ql-block">青铜 60x44.8x48.4厘米</p> <p class="ql-block">《青铜时代》———是罗丹第一件真正意义上的个人作品。当时罗丹为卡里耶﹣贝勒斯工作，因工作需要生活在比利时布鲁塞尔，《青铜时代》正是在这里创作完成的。此前，罗丹在意大利旅行期间，特别是在佛罗伦萨，亲眼看到了米开朗琪罗的作品而深受启发。《青铜时代》的造型灵敏且充满活力，是对模特的所有角度进行仔细研究的结果，模特原型是一名年轻的比利时士兵﹣﹣奥古斯特·涅特。罗丹不偏重任何视角，甚至去掉了所有外部属性（例如模特手中的长矛）以释放姿态，使雕塑得以在空间中展开。</p><p class="ql-block">1877年，《青铜时代》在布鲁塞尔艺术圈展览期间，公众和媒体对罗丹如此大胆的创作既钦佩又困惑，他们指责罗丹是直接在模特身上翻模制作的这件雕塑，然而艺术家们为他作证。公众对罗丹才华的不认可使他很受伤，但他还是从这场争议中走了出来，并最终获得了公正对待。1880年，法国政府收藏了该作品的石膏版本，并订购了一件青铜铸件。正如罗丹所强调的那样，"这个人物具有所有神秘的、精巧的细微差别和现实的能量"。</p> <p class="ql-block">《皮格马利翁和加拉特亚》———与同时代的所有艺术家一样，罗丹有着深厚的古典文化底蕴，喜欢从神话中选择题材。这一展台上呈现的是一组以古代、现代爱情神话传说为主要题材的青铜雕塑作品。</p><p class="ql-block">《皮格马利翁和加拉特亚》这件作品的主题取自古罗马作家奥维德的著作《变形记》，讲述的是雕塑家皮格马利翁爱上了他自己创作的雕塑加拉特亚，日夜祈求爱神赋予雕塑生命。</p><p class="ql-block">罗丹的这尊雕塑，刻画的是加拉特拉似乎正在渐渐化为人形的动态时刻，而皮格马利翁倚靠在雕塑脚旁，似乎表现出惊异激动的表情。最终雕塑变成了美丽的女子，皮格马利翁如愿娶其为妻。我们常常听到一个表达"皮格马利翁效应"，就是源于这个故事，引申为如果我们积极鼓励，事情就会朝着我们期待的方向发展。</p><p class="ql-block">对于艺术家来说，《皮格马利翁和加拉特亚》的故事也象征着一个永恒的谜题：艺术的真相是什么？怎么让艺术活过来？</p> <p class="ql-block">《梳头的女人》———曾在罗丹1900年的展览上展出，配有一段文字："这是一件坐姿人体雕像，身体前倾，头发垂落一旁。"</p><p class="ql-block">不同观众看到这件作品会有不同的理解，有些认为这是一位坐在岩石上，头低垂、陷入沉思的女子，有些则认为这位女子刚出浴，正在梳妆。但不管是沉思还是出浴，梳妆的女子或头发垂落的女子通常代表爱情或形体之美。</p><p class="ql-block">《梳头的女人》是一个日常题材的作品。这反映了罗丹所处的艺术氛围，"印象派"画家，如罗丹的好友莫奈、雷诺阿等，常常描绘日常场景，比如公园、池塘、舞会、海边沐浴的人等等，以此表现现代人日常的生活方式。</p><p class="ql-block">罗丹在某个阶段是印象派雕塑家，这件《梳头的女人》就是典型的"印象派"题材。</p> <p class="ql-block">《美狄亚》———呈现了爱的决绝与绝望。</p><p class="ql-block">美狄亚是希腊神话中的人物，她是金羊毛的守护者埃忒斯国王的女儿，嫁给了阿尔戈英雄领袖伊阿宋，后者率领阿尔戈号船队前往远方的科尔喀斯寻找金羊毛。在经历多重磨难后，美狄亚和伊阿宋逃到了科林斯城，在那里生下两个孩子。但之后伊阿宋移情别恋，爱上了科林斯国王的女儿安提贡尼，决定休妻娶她，让自己成为科林斯的新国王。伊阿宋与美狄亚断绝关系后，美狄亚由爱生恨杀死了自己的两个孩子，深陷报复和杀人的疯狂之中。</p><p class="ql-block">罗丹塑造的《美狄亚》展示了她正转身离开刚被她自己屠杀的孩子的场景。美狄亚的面部表情和身体姿势都表现出她内心的痛苦和愤怒，使得作品充满了情感。美狄亚的身体姿势赋予作品动感，使我们感受到她在瞬间的激情与决绝。</p><p class="ql-block">在中国人的传统观念中，通常会在家中摆放体现吉祥、美好寓意的装饰。而西方艺术家们会把这些表现人性残酷一面的悲剧作为表现的主题，用来启发和警示后人。</p> <p class="ql-block">《罗密欧与朱丽叶》———最初是15世纪的意大利传说，路易吉·达·波尔图（1485-1529)首次将其改编为小说，名为《朱丽叶与罗欧》,于1535年他去世后出版，莎士比亚（1564-1616）不朽的悲剧《罗密欧与朱丽叶》是从这部小说中汲取的创作灵感。</p><p class="ql-block">故事具体讲的是维罗纳市的两大家族，蒙太古家族和卡普莱家族，他们互为世敌。年轻的罗密欧·蒙太古戴着面具参加卡普莱家族舞会时，疯狂地爱上了朱丽叶，两人双双坠入爱河。双方家族间的仇恨导致罗密欧与朱丽叶碰到了重重困难，最终罗密欧决定服毒自杀，朱丽叶伤心欲绝，刺死自己。莎士比亚通过戏剧展现爱情最终败给命运的巨大悲剧。</p><p class="ql-block">罗丹以他独特的艺术视角重新塑造莎士比亚悲剧中的英雄人物，作品中的罗密欧坐在长凳上，深情地拥吻怀里的朱丽叶。此雕像雕刻了二人拂晓离别时，在阳台上相拥的场景，不禁让人想起书中的诗句："黎明将至，夜晚的烛光依旧燃烧，站在浓雾弥漫的山顶上，二人尽情相拥，享受着这即将逝去的快乐。"</p> <p class="ql-block">《夏娃》———这件作品从1881年开始构思到最终向公众展示中间间隔了数年之久。为罗丹摆姿势的年轻意大利女模特其间失踪且再未回过工作室，于是罗丹将这件作品搁置一旁直至1899年。在这一年，一件罗丹于1883年创作的该作品的小尺寸版本获得了成功，罗丹因此决定以此作品当时的状态在比利时和荷兰展出。作品某些部分未完全完成，"表面粗糙不平"，但这并不妨碍公众对这件强烈且富有表现力的作品表现出热情。在这里，罗丹将偶然性视为创作中的一个重要因素。</p><p class="ql-block">罗丹后来坦言："我看到我的模特身上所发生的变化，却不知原因所在；我修改了轮廓，天真地追随着不断变大的身型持续变化。有一天，我得知她怀孕了，我明白了一切。肚子的轮廓几乎没有发生明显的变化……我当然没有想到要将一个孕妇作为诠释夏娃的模特；一个意外，对我而言是一个好的意外，就这么发生了，这对人物特点的塑造提供了独特的帮助。然而不久之后，我的模特变得越来越敏感，她觉得工作室太冷了；她来的次数越来越少，后来干脆不来了。这就是我的夏娃没有完成的原因。"</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《波吕斐摩斯》,1888年</p><p class="ql-block">彩色石膏 25.4 x 13.5x16.2厘米</p><p class="ql-block">《波吕斐摩斯》———这件作品是罗丹在1888年创作的，描绘了波吕斐摩斯俯身踩在巨石之上，即将将之投掷出去的场景，后来成为《地狱之门》右门上的人物形象之一。</p><p class="ql-block">吕斐摩斯是希腊神话中一个巨大且食人的独眼怪物，因他对海仙女伽拉忒亚的爱慕之情而被人知晓。然而伽拉忒亚只钟情于阿喀斯，一位拥有无与伦比美貌的年轻牧羊人。出于绝望的嫉妒，波吕斐摩斯用一块巨石压死了阿喀斯。死去的阿喀斯的血流，化为了西西里岛阿喀斯河。</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《浴女坐像（佐巴洛夫浴女）》,1888</p><p class="ql-block">石膏 36.5 x 27.5 x 21厘米</p><p class="ql-block">《浴女坐像》———体现了罗丹从题材的选择和表达手法上回归了日常的生活，与正前方金属展台上的《梳头的女人》相呼应。</p><p class="ql-block">《浴女坐像》呈现了一名女子头发盘起，舒适地坐在一块岩石上，身体后倾。她双手半举，双腿微微分开，手里拿着毛巾，是在洗浴之后正在擦干自己的身体。俄罗斯收藏家雅克·佐巴洛夫（1876-1941）将其大部分雕塑收藏捐赠给了卢浮宫博物馆，广受赞誉和尊敬。这件作品因曾被佐巴洛夫收藏，也被美誉为《佐巴洛夫浴女》。</p> <p class="ql-block">第三章始于现实超乎现实</p><p class="ql-block">罗丹塑造的这些人物来自不同时代，有《圣经》人物施洗者圣约翰、17世纪的法国画家克劳德·洛兰、19世纪上半叶</p><p class="ql-block">的法国文豪巴尔扎克、法兰西第三共和国（1870-1940）时期的的政治家乔治·莱格斯，以澳大利亚画家约翰·彼得·拉塞尔的妻子玛丽安娜·拉塞尔为原型创作的智慧女神，罗丹自己的两位学生、助理和情人格温·约翰和卡米耶 ．克洛岱尔以及模特吉甘蒂等。罗丹对真理的追求和表达不止停留于表面，而是通过适度的夸张和进一步的诠释来表 现人物的精神状态，从而实现更加深层次的表达、呈现人物的本质。</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《施洗者圣约翰胸像》,1906年</p><p class="ql-block">青铜 55.4 x 50x37厘米</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《乔治·莱格斯半身像》,1906年</p><p class="ql-block">青铜 38.9x35.8 x 24.3厘米</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《格温·约翰头像（惠特勒缪斯女神</p><p class="ql-block">头像）》，约1905年</p><p class="ql-block">青铜 23.7 x 19.7 x 25.4厘米</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《影子（头像）》,1902-1904年</p><p class="ql-block">青铜 31.5x28x33厘米</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《克劳德·洛兰头像》,1890-1891年</p><p class="ql-block">青铜 40x35x32.5厘米</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《阿芙罗狄忒》,1889-1913年</p><p class="ql-block">青铜 170x45x35厘米</p><p class="ql-block">《阿芙罗狄忒》———是古希腊神话的爱神。由神向人，神跳着人的舞蹈，舞姿绽放，凌空定格。</p><p class="ql-block">这个造型源于舞蹈对罗丹的启发，当时俄罗斯芭蕾舞团首席舞者尼金斯基（ Nijinsky ）风靡巴黎。</p><p class="ql-block">尼金斯基以其惊人的跳跃力、雕塑般的定格动作闻名。他在《东方之舞系列》里的暹罗舞姿给罗丹带了巨大灵感。罗丹将当时最先锋的东方舞姿注入最古典的爱神体内，阿芙罗狄忒以一种前所未有、极具活力的姿态呈现。</p><p class="ql-block">传统的艺术家会注重刻画爱神的唯美脸庞，而罗丹故意将其模糊，把我们的注意力引向人物的姿态，那最具生命力的瞬间。罗丹重新发现了学院派艺术失去的自然生命力，将动态和活力注入雕塑艺术。</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《吉甘蒂》,1885年</p><p class="ql-block">青铜 61.2 x 18.2x16.2厘米</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《吉甘蒂》,1885年</p><p class="ql-block">青铜 61.2 x 18.2x16.2厘米</p><p class="ql-block">关于卡米耶·克洛岱尔</p><p class="ql-block">《永别》这件作品让人看了不禁动容，是罗丹以自己的缪斯和情人卡米耶·克劳岱尔(1864-1943）为模特制作的头像。</p><p class="ql-block">卡米耶·克洛岱尔是一位才华横溢的雕塑家，出身资产阶级家庭，她的弟弟保罗·克洛岱尔(1868-1955)是著名剧作家、诗人及外交官，也是法兰西院士之一，并在1895年至1909年来到中国，在上海、福州、武汉、天津等地担任法国驻中国领馆主事、副领事和领事等外交职务。</p><p class="ql-block">1883年，卡米耶19岁时与罗丹相识，并进入他的工作室，比她年长24岁的罗丹很快被卡米耶脱俗的美貌、火爆的脾气和出色的才华深深吸引，她成为罗丹的学生、情人、缪斯和助理，他们互相影响着对方、成就着对方。两人的感情持续了十多年，在此期间一直分分合合。直至1892年罗丹决定与之分手，这时的卡米耶也已小有名气，与罗丹分手后独立进行创作。但从1905年起，卡米耶开始出现精神紊乱，逐渐陷入疯狂状态。1913年，保罗决定让她住院治疗，卡米耶终生未出院，直至1943年在病院逝世。</p><p class="ql-block">卡米耶逝世之后的几十年中，她作为艺术家的声誉仍然长久地存在于罗丹的阴影之中，在很多的叙事中，她常总被强调为罗丹的情人，而忽视了她作为杰出艺术家的品质。时至今日，卡米耶成为世界上作品价格最高的女性雕塑艺术家之一，并且，在2017年，法国政府在她的故乡塞纳河畔诺让创立了卡米耶．克洛岱尔博物馆，标志着她的艺术地位和影响力终于得到了更加公正的认可。</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《巴尔扎克人体立像研究（无头）》,</p><p class="ql-block">1893年 青铜 82.5x54.5x34厘米</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《巴尔扎克（头像，根据博涛描绘创作）》约1894年</p><p class="ql-block">青铜 25.4x26x25厘米</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《戴头盔的智慧女神》,1905年</p><p class="ql-block">青铜 57x50x40厘米</p> <p class="ql-block">"这件被人嘲笑、被人因为无法摧毁而刻意蔑视的作品，是我一生的成果，是我美学的支点。"﹣奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">"我看到全部真相，而不仅仅是表面。我强调最能表达我所诠释的精神状态的那些线条。"-奥古斯特·罗丹</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《巴尔扎克纪念像》,1898年</p><p class="ql-block">石膏 275x121.5x132厘米</p> <p class="ql-block">第四章罗丹同时代的艺术群像</p><p class="ql-block">"罗丹同时代的艺术群像"集中展现了十余名活跃于19世纪和20世纪初的艺术家的作品，这其中有与罗丹互相欣赏的同龄好友和忘年之交，也有他的学生、助手、情人，以及深受他影响的追随者和后辈艺术家，还有罗丹同时代的一些与之私人交集不甚密切的艺术家，但是我们依然可以从艺术创作中看到他们彼此的联系和影响。此外，本章节还展现了"被艺术呈现的"、在那个时期的法国艺术领域有着重要影响力的人物。这些艺术家以及资助和支持艺术家的人，共同绘就了这幅"罗丹同时代的艺术群像"以及19世纪和20世纪初繁荣的艺术图景。</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《费纳耶夫人柱上半身像》,</p><p class="ql-block">1898-1900年</p><p class="ql-block">青铜 162.5x50.5x35厘米</p><p class="ql-block">关于《费纳耶夫人》</p><p class="ql-block">莫里斯·费纳耶（ Mauric Fenaille ,1855-1937)是法国石油工业的实业家、收藏家和艺术赞助人。他于1885年结识罗丹，在近三十年的时光中，费纳耶逐渐成为罗丹最忠实的赞助人之一，亦是其始终不渝的挚友与支持者。</p><p class="ql-block">费纳耶夫人（闺名玛丽·科尔拉， Marie Colrat ,1869-1941）是一名极具艺术鉴赏力并富有远见的女性，鼓励其丈夫大量购买罗丹的作品。</p><p class="ql-block">费纳耶本人于1937年在法国南部古城罗德兹( Rodez ）建立了费纳耶博物馆（ Musee Fenaille )，收藏史前雕塑与艺术品，这与雕塑的传承有关。费纳耶博物馆在其常设展藏品中收录了罗丹创作的6件费纳耶夫人肖像系列。</p><p class="ql-block">1898年，费纳耶委托已臻事业巅峰的罗丹为其妻子创作半身像。费纳耶夫人拥有独特的颈部姿态，与这位模特的相遇，催生出了多件变体作品与大量素描稿，展现了罗丹艺术创作中细腻的探索路径。</p><p class="ql-block">《费纳耶夫人》既是一件相当端庄的正式雕像，也是一件体现私下交情的小型雕像。这件作品的重点在于人物头部微微倾斜，罗丹通过这样的姿势赋予了半身像更多的情感。半身像周围还有些许衬托，宽松的披肩使得人物形态不拘泥于呆板的正襟危坐。</p><p class="ql-block">此外，这件雕塑体现了罗丹在整合半身像与廊柱方面的大胆尝试。半身像立于柱上，形态仿古代廊柱，也使作品的展示空间更加丰富。通过这样的搭配，饰有树叶和藤叶的底座改变了费纳耶夫人的视觉效果。她的头微微侧向一边，双眼微闭，</p><p class="ql-block">向下垂视，让人远远地、安静地欣赏她的优雅。</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《费纳耶夫人头像》,1907-1911年</p><p class="ql-block">石膏 32.9x24.8 x 23.7厘米</p> <p class="ql-block">艾梅﹣儒勒·达鲁</p><p class="ql-block">《阅读课》,1874年</p><p class="ql-block">石膏 42x33.5x29.5厘米</p> <p class="ql-block">朱利安·迪兰斯</p><p class="ql-block">《跪女像》,1885年</p><p class="ql-block">青铜 48x22.5x30.5厘米</p> <p class="ql-block">奥古斯特﹣亚森特·德贝《最初的摇篮》,</p><p class="ql-block">1845年 汉白玉 64x17x28厘米</p> <p class="ql-block">关于欧洲雕塑的"三根柱子"</p><p class="ql-block">奥古斯特·罗丹（ Augusterodin ,1840-1917)、埃米尔·布德尔 Emile - Antoine Bourdelle (1861-19阿里斯蒂德·马约尔 aristidemaillol (1861-1944）被称为欧洲雕塑的"三根柱子"。</p><p class="ql-block">埃米尔·布德尔 emile - antoinebourdelle (1861-1929)</p><p class="ql-block">1893至1908年，布德尔作为罗丹的学生和助手，与罗丹共事十五年。</p><p class="ql-block">现场展出的《女人头像》创作于1899年，当时布德尔还是罗丹工作室的助手，同时也在寻找摆脱"罗丹造型风格"的现代表现形式。作品表面凹凸明显，显然是受到罗丹的影响，但他使用的扁平、简化的形式则借鉴了罗马式艺术。</p><p class="ql-block">著名的纪念碑雕塑《神箭手海格力斯》( HerculestheArcher )，是布德尔离开罗丹工作室后寻找个人风格、并获得成功的作品，让他跻身现代雕塑名家之列。</p><p class="ql-block">布德尔最知名的学生﹣﹣贾科梅蒂，创作出标志性的"火柴入"般的《行走的人》。而这一切的源头，都可以追溯到罗丹的《行走的人》。这条师承脉络见证了现代雕塑的传承与创新。</p><p class="ql-block">阿里斯蒂德·马约尔 Aristide Maillol (1861-1944)</p><p class="ql-block">马约尔的职业生涯始于画家，并从事装饰艺术。1900年后，40岁时开始投身雕塑。</p><p class="ql-block">罗丹和马约尔是莫逆之交，两人的艺术风格正相对峙。一位美术权威在评论马约尔时说："短如说罗月的理想</p><p class="ql-block">云石和青铜变成肉体，那么马约尔的理想则是将肉体化为云石和青铜。"</p><p class="ql-block">现场展出的《马约尔夫人头像》展现了一张丰盈饱满、安静自足的女由面孔，节生护秘，不失有力，</p><p class="ql-block">腊罗马的净化和明快，彷如阳光潋滟的爱琴海面。</p><p class="ql-block">罗丹对这位晚辈雕塑家充满欣赏，并盛赞马约尔："马约尔是与所有伟大的大师同样伟大的戴塑家</p> <p class="ql-block">珍·巴尔德</p><p class="ql-block">《女儿头像》,1920年</p><p class="ql-block">陶土 高24厘米</p> <p class="ql-block">珍·巴尔德</p><p class="ql-block">《母亲头像》,1920年</p><p class="ql-block">陶土 高23厘米</p> <p class="ql-block">埃米尔﹣安托万·布德尔</p><p class="ql-block">《女人头像》,1899年</p><p class="ql-block">彩色石膏 30x27x26厘米</p> <p class="ql-block">儒勒·德布瓦</p><p class="ql-block">《吻》，约1915年</p><p class="ql-block">釉面粗陶器 14.5x20.5 x 10厘米</p> <p class="ql-block">阿里斯蒂德·马约尔</p><p class="ql-block">《马约尔夫人头像》，约1905年</p><p class="ql-block">石膏 26x19.5 x 11.5厘米</p> <p class="ql-block">阿尔弗雷多·皮纳</p><p class="ql-block">《吻》，约1915年</p><p class="ql-block">汉白玉 48x56x33厘米</p> <p class="ql-block">儒勒·德布瓦</p><p class="ql-block">《持弓女像》,1902年</p><p class="ql-block">彩色石膏 56x35x23厘米</p><p class="ql-block">关于《持弓女像》</p><p class="ql-block">儒勒·德布瓦是当时最具有创新精神的雕塑家之一，被誉为"人体造型诗人",是罗丹的学生和助手。</p><p class="ql-block">德布瓦曾一度放弃雕塑创作，在美国逗留三年。回到法国后于1884年加入罗丹的工作室成为其工作人员。通过与罗丹的接触，德布瓦真正转向了雕塑艺术，并最终发展了自己的才能，并在罗丹的影响下，摆脱了学术上的刻板。</p><p class="ql-block">与罗丹一样，德布瓦努力探索人的形体和情感表达，尤其对人体和人体在空间中的运动非常着迷，试图描绘二十世纪的动态生活。德布瓦的作品线条流畅、精妙绝伦，以活力、写实和感官的迷人赞美人体形态。</p><p class="ql-block">罗丹对德布瓦的才华大为称赞："如果他自己去世了，你们还有德布瓦"。</p><p class="ql-block">《持弓女像》是一件优雅富有活力的杰作，德布瓦在许多带有新艺术风格( Art Nouveau ）的着装和裸体女像中采用了类似的扭曲姿势。他对女性身体的研究总是以精心设计的曲线为基础，构图多以极富动感的螺旋线为主。</p> <p class="ql-block">阿尔伯特·巴尔托洛梅</p><p class="ql-block">《哭泣的女孩》（也称为《掩面的女孩》),</p><p class="ql-block">1904年 彩色石膏 24.5x42x25.5厘米</p> <p class="ql-block">惠斯勒缪斯女神</p><p class="ql-block">美国画家詹姆斯·麦克尼尔·惠斯勒（1834-1903）于1855年移居巴黎学习绘画。他与莫奈、雷诺阿、西斯莱等法国画家都有接触，还与亨利·方丁﹣德拉图尔和阿尔冯斯·勒格罗成为朋友，之后于1859年定居伦敦。1903年惠斯勒去世后，罗丹应邀接替他担任国际画家、雕塑家和雕刻家协会主席一职，而这个协会正是惠斯勒本人于1898年创立的。1905年，罗丹受邀为惠斯勒创作纪念雕像，直到去世前他一直为纪念雕像不辍耕耘。1918年，罗丹去世一年多后该雕像才展出，但被英国委员会拒绝，因为委员会希望雕像上能有象征惠斯勒成就的"胜利之翼"，但罗丹更愿意以缪斯女神的形象来塑造这一雕像，于是他请来英国威尔士女画家格温·约翰（1876-1939）作为这件雕像的模特。</p><p class="ql-block">在这件作品中，罗丹使用了断臂和站姿人体雕像的形式，雕像的右腿靠在左腿正在攀爬的岩石上。罗丹有许多古代雕塑收藏，其中很多都有残缺或只是碎块。这可能反倒帮助他将自己不完整的雕塑想象为完整的、独立的艺术品。这尊雕塑在一定程度上体现出罗丹的艺术风格已逐渐成熟，彰显了雕塑的现代主义特色，他走在了当时前卫艺术的前沿，而与罗丹同时代的艺术家仅仅是效仿他。这种看似支离破碎实则合为一体的雕塑形式，体现了罗丹在艺术领域掀起的革命，他通过彻底改变观众的感知提出"另类艺术美学"的概念。</p> <p class="ql-block">艾梅﹣儒勒·达鲁</p><p class="ql-block">《夏尔·奥祖半身像》,1902年</p><p class="ql-block">汉白玉 高76厘米</p> <p class="ql-block">菲立克斯·苏莱斯</p><p class="ql-block">《梦》,1894年</p><p class="ql-block">彩色石膏 56x60x36厘米</p> <p class="ql-block">另一侧面</p> <p class="ql-block">第五章人类命运的剧场</p><p class="ql-block">"艺术家有时会刻意享受折磨，而比痛苦更强烈的是，他体会到理解和表达的苦涩、快乐。在他所看到的一切中，他清晰地领会了命运的意图……艺术向人们展示了他们存在的理由，向他们揭示生命的意义，启发他们去了解自己的命运，从而为他们的存在引导方向。"</p><p class="ql-block">-﹣奥古斯特．罗丹</p><p class="ql-block">罗丹热爱并擅长处理悲剧主题，比如他一生中创作的最宏大的作品《地狱之门》。1880年，罗丹受邀为未来的装饰艺术博物馆（博物馆计划最终未能实现）设计一扇青铜大门，其灵感来自佛罗伦萨诗人、"意大利语之父"但丁(1265-1321）的《神曲》，尤其是"地狱"篇的内容。罗丹充满激情地投入了近10年时间设计《地狱之门》，他并未在1889年的世博会上展出《地狱之门》，而是等到了1900年才在巴黎阿尔玛展馆中展出，即便如此，1900年的《地狱之门》仍然是一件未完成的作品。</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《思想者》（中尺寸版本）,1880年</p><p class="ql-block">彩色石膏 72x37x57.5厘米</p> <p class="ql-block">另一侧面</p> <p class="ql-block">"我的想法是将人作为人性的象征来展现，粗犷而勤劳的人会在工作的过程中停下来思考，行使他区别于野兽的一种能力。" -奥古斯特·罗丹</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《顶着瓦罐的女像柱》，约1883年</p><p class="ql-block">青铜 124.5 x 91.6 x 93厘米</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《女像柱》,1886年</p><p class="ql-block">石膏 40x32x30厘米</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《惩罚》,1904-1906年</p><p class="ql-block">青铜 30.5 x 18.8 x 19.4厘米</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《创世纪》,1890-1900年</p><p class="ql-block">青铜 20x25.5x11厘米</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《乌戈林》,1882年</p><p class="ql-block">青铜 43x36x36厘米</p><p class="ql-block">关于《乌戈林和他的子孙》</p><p class="ql-block">《乌戈林和他的子孙》是一件将文学、雕塑和人类最深沉情感完美融合的杰作。</p><p class="ql-block">这件作品的灵感来自于意大利诗人但丁的《神曲·地狱篇》中的一个著名悲剧故事。</p><p class="ql-block">乌格林是13世纪意大利比萨的政治家，后因被指控叛国而遭逮捕，并与儿孙一同被囚禁于塔楼之中，让其缓慢饿死。</p><p class="ql-block">乌格林向但丁讲述了自己的遭遇，其中最著名的一句是："然后饥饿就战胜了悲伤。"这句话留下了千古悬念﹣﹣在极度饥饿的驱使下，他是否吃掉了自己孩子的尸体以求生？</p><p class="ql-block">正是这个典故使乌戈利诺被称为"食人伯爵"。</p><p class="ql-block">罗丹深入挖掘了乌戈林内心极致的痛苦、挣扎、悔恨和绝望。乌戈林被饥饿所噬咬，绷收缩身体犹如痛苦的凝结，张大的嘴巴在绝望地呐喊，手指因痛苦几乎要抠入地面。他的子孙们已经虚弱或死亡，无力地缠绕在他身边。处于极度痛苦与挣扎中的乌格林，像极一只穷途末路的猛兽，俯身在其子孙的躯体之上，进行着内心的天人交战与困兽之斗﹣﹣是生存的本能，父爱的伦理，还是为人的尊严？这个爬行的动作将那个"是否食子"的道德困境可视化，充满了张力。</p><p class="ql-block">《乌格林和他的子孙》是《地狱之门》上的一个核心群像。罗丹一生都在探索如何用雕塑的形式表达人类复杂的情感。《乌戈林和他的子孙》是他表达"痛苦"这一主题最成熟的作品之一。</p> <p class="ql-block">另一个侧面</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《乌戈林的儿子的躯干》,1902年</p><p class="ql-block">青铜 121x86x58厘米</p> <p class="ql-block">罗丹的工作室•位于巴黎近郊默东</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《"地狱之门"第二版青铜稿》,1880年</p><p class="ql-block">青铜 16.5x13.9x2.7厘米</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《"地狱之门"第三版青铜稿》,</p><p class="ql-block">1880-1881年</p><p class="ql-block">青铜 109.8x73.7x28.5厘米</p> <p class="ql-block">《地狱之门》,1880﹣约1890年</p><p class="ql-block">关于地狱之门</p><p class="ql-block">如同米卡朗基罗，罗丹偏爱悲壮的主题，对人类悲剧命运有着深刻的理解。</p><p class="ql-block">罗丹职业生涯的一个关键转折点出现在1880年，40岁的罗丹受委托为拟建的巴黎装饰艺术博物馆创作一对青铜门。</p><p class="ql-block">这对铜门名为《地狱之门》( Porte de l ' Enfer )，主题来源于意大利诗人但丁《神曲》的第一部《地狱篇》。</p><p class="ql-block">这件纪念碑式的作品高6米、宽4米、深1米，有着180多个人物造型。罗丹用千变万化的雕像展现人类的众生像和命运图景。</p><p class="ql-block">罗丹许多最著名的雕塑作品，如《思想者》、《乌戈林与他的子孙》,《里米尼的保罗和弗朗切斯卡》，最初也是作为项目中的人物形象，后来才作为独立作品展出。</p><p class="ql-block">《地狱之门》从1880年直至1917年罗丹去世，历时37年，无论是博物馆还是罗丹的大门都没有完全实现。</p><p class="ql-block">《地狱之门》最终未能实现，但却成为艺术家取之不尽、用之不竭的创作素材，成了一座形体素材宝库，罗丹生创作的灵感来源。这件"未完成"的煌煌巨制，集广大而致精微，如同永不落幕的人类命运的剧场。《地狱之门》于1900年巴黎世博会期间，在罗丹的首次个展中首次展出。</p> <p class="ql-block">罗丹的中国情———罗丹不仅是伟大的雕塑家，还是一位对中国艺术有深厚兴趣的收藏家，此次展览特别呈现难得一见的16件罗丹本人生前收藏的中国艺术品，例如明代青铜观音像、隋唐陶俑、清代青铜器和瓷器等，这展示了中法文化交流的深厚历史，反映出罗丹对中国文化的热爱和情怀，也体现了艺术无国界的精神。</p> <p class="ql-block">《鼓凳》</p><p class="ql-block">清代 青花瓷</p><p class="ql-block">高27.6厘米；直径24厘</p> <p class="ql-block">《花瓶：端午庆祝主题》</p><p class="ql-block">清代 珐琅彩瓷器</p><p class="ql-block">高38厘米；直径26.7厘米</p><p class="ql-block">这件瓷器具有18世纪中叶中国"官窑"瓷器的特征。罗丹非常喜爱中国瓷器，中国瓷器之美呼应了罗丹喜爱的兰斯挂毯中的绘画元素和丰富的色彩，二者均有壁画的特点，而罗丹也曾将日本版画与壁画进行比较。</p> <p class="ql-block">《观音抱子坐像》</p><p class="ql-block">15-16世纪（明代前中期）</p><p class="ql-block">铁、青铜和木 63.5 x 42 x 40厘米</p><p class="ql-block">1911年5月或6月，罗丹以400法郎的价格从巴黎蒙索街9号的保罗·泰尔塞手中买下了这件作品。</p><p class="ql-block">根据罗丹博物馆档案中保存的收据，这件作品被命名为"洛可可风格底座／古青铜圣母像"，罗丹称它为"他的中国圣母"。</p> <p class="ql-block">《带柄龙吻杯》</p><p class="ql-block">清代 青铜 9x25.5x16.3厘米</p><p class="ql-block">这件器物以龙为造型，倒嘴部分是龙首，由骆驼、魔眼、牛耳和鹿角等组合而成。</p><p class="ql-block">罗丹购得这件器具后，将其展示在默东布里昂别墅（ Villa des Brillants ）的绘画工作室的一个玻璃柜里。</p><p class="ql-block">《龟形墨盒》</p><p class="ql-block">清代 8.5x11.3 x 15.4厘米</p><p class="ql-block">这只墨盒下方的中文铭文印有"墨宝"字样，以此表明这只盒子的用途。书法和乌龟之间的联系可以追溯到中国商代甲骨文诞生的时期，骨头和龟甲在当时被用来当作书写的载体。</p> <p class="ql-block">《带盖瓷瓶》</p><p class="ql-block">代（康熙年间）</p><p class="ql-block">青花瓷 高30厘米；直径21.1厘米</p><p class="ql-block">这件《带盖瓷瓶》呈白底钴蓝色，釉下彩，底部印有"康熙"字样。康熙年间(1661-1722)，钴蓝色得到了充分提炼，这项技术使得陶瓷画家们能够通过细微的强度区别控制颜色的深浅。罗丹拿掉这个瓷瓶的盖子，将它用作花瓶并摆于比隆公馆的桌上。</p> <p class="ql-block">《一对带盖花瓶》</p><p class="ql-block">清代乾隆末期和嘉庆初期（1775-1800年）</p><p class="ql-block">瓷器 高46厘米；直径27.2厘米</p><p class="ql-block">这对带盖花瓶的纹饰描绘了身着长袍、头戴帽子的士兵向县令服罪的场景。它们被归类于"粉彩"瓷器，使用了荷兰化学家安德烈亚斯·卡修斯于1650年发明的氯化金制成的粉红色珐琅。这种工艺于18世纪初由耶稣会士传入中国。罗丹将这对花瓶置于古董陈列厅的柜子最上方，以此来凸显它们顶部圆形盖子的形状。</p> <p class="ql-block">《骑士俑》，隋代</p><p class="ql-block">罗丹从古董商约瑟夫·布吕默尔(1883-1947)那里收购了这尊雕塑。布吕默尔在巴黎拉斯帕伊大街3号开了一家商店。1912年9月11日，布吕莫尔给这座陶俑定价500法郎。罗丹经过协商，在10月4日用600法郎买下了两件古物﹣这件骑士俑以及一件埃及第十八王朝的浮雕碎片。罗丹较晚才购得这件陶俑，用以补全他后续将在比隆公馆所创建博物馆的中国藏品部分。</p><p class="ql-block">《生肖俑﹣﹣六生肖：猴、羊、羊、鸡、鼠、蛇》，唐代</p><p class="ql-block">这六个陶俑以中国的生肖为原型，每个陶俑都由兽首和人身组成，身着中国官吏的服饰，双手揣袖。</p><p class="ql-block">罗丹从巴黎圣乔治广场26号店铺的老板弗罗利娜·郎维尔(1861-1958）处购得这一系列"在中国的发掘中发现"的陶俑。罗丹为他在比隆公馆的新博物馆购买了这个系列的陶俑。</p><p class="ql-block">《立人像》，唐代</p><p class="ql-block">《立人像》是一件冥器，由泥土模制而成，雕塑上还保留着原来的白色几何体痕迹。</p><p class="ql-block">陶俑身着汉服，外罩长袍，双手紧握，根据其姿势和着装，可以判断其应该是一名官员或宦官。</p> <p class="ql-block">1900年巴黎世博会</p><p class="ql-block">特别章节"1900年巴黎世博会"将罗丹的艺术生涯与法国巴黎、中国上海两座城市通过世界博览会的主题联系到一起。罗丹作为一名生前即取得巨大成功的艺术家，在19世纪后期已名扬法国和其他欧洲国家，而他在1900年巴黎世博会期间举办的大型个人展览让他登上其光辉艺术生涯的巅峰，真正成为全球范围内家喻户晓的艺术家。法国建筑师雅克·费里耶为110年之后举办的2010年上海世博会设计的备受赞誉的法国馆，而今被改造成本艺术中心，展示罗丹的展览和作品。</p> <p class="ql-block">尤金·卡里尔</p><p class="ql-block">《雕塑中的罗丹》,1900年</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《悲剧缪斯》,1890年</p><p class="ql-block">青铜 78x117x125厘米</p><p class="ql-block">关于《悲剧缪斯》</p><p class="ql-block">《悲剧缪斯》的灵感来自于雨果《悲惨世界》中一位悲剧人物：芳汀（ Fantine )。</p><p class="ql-block">这位未婚单亲母亲遭到种种歧视，为了抚养女儿珂赛特，不得不变卖一切，甚至卖掉头发和牙齿，最后被迫沦为妓女，在贫困与疾病中死去。</p><p class="ql-block">罗丹塑造的《悲剧缪斯》方汀，匍匐着身躯，仿佛在跪求，她整个儿遍体鳞伤：坑洼的头颅、歪瘪的嘴巴、肿大的脖颈、残缺的手指。然而在这样一具支离破碎的躯体上，传达出一种不屈服的力量，尤其是她的大腿和背充满了顽强的生命意志和无所畏惧，她的双手像母鸡展开翅膀一样保护着自己的孩子。方汀成了苦难、无私、坚强的母亲的象征。</p><p class="ql-block">《悲剧缪斯》也是《雨果纪念碑》中的一个人物。悲剧缪斯匍匐在雨果的右上方，低着头，仿佛在对着雨果诉说她的故事，而雨果的一只手放在耳朵旁，动情地聆听着，仿佛由此得到了灵感，写出《悲惨世界》。</p><p class="ql-block">罗丹将倚坐着的雨果与匍匐的悲剧缪斯，两两组合，创作出了气势澎湃，情感张力十足的《雨果纪念碑》，而组合正是罗丹标志性的现代性创作手法。</p> <p class="ql-block">第六章走向现代﹣﹣局部化、组合和放大</p><p class="ql-block">巴黎正是在罗丹生活的时期成为艺术之都，1878年、1889年和1900年三届巴黎世博会期间，这座城市经历了巨大的变化，比如为1900年世博会建造的第一条地铁线、大皇宫和小皇宫，而罗丹也在这一届世博会上设立了自己的展馆。1900年世界博览会之后，罗丹在晚年开始了更加大胆的尝试和探索，给自己以前的作品赋予了新的生命。罗丹像造物主一样，通过放大、缩小、分割、重复或组合等处理手法，重拾旧作品将其改变。这些极具现代主义品质的新作品从最初的创作语境中抽离出来，成为完全独立的作品，其艺术价值获得了更新。</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《组合雕塑：女半人马和女性半身像》,约1910年</p><p class="ql-block">青铜 21.7x14.5x13厘米</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《组合雕塑：女半人马和绝望的少年》,约1910年</p><p class="ql-block">青铜 31.2x24x13厘米</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《组合雕塑：女半人马和彩虹女神半身像》,约1910年</p><p class="ql-block">青铜 23x11.5x13厘米</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《吻，男性躯体》,1882/1888年</p><p class="ql-block">青铜 51x41.8x34厘米</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《阿波罗大战巨蟒》,1898年</p><p class="ql-block">青铜 122x87x52厘米</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《惠斯勒缪斯女神躯干》,</p><p class="ql-block">约1905-1906年</p><p class="ql-block">青铜 137x68x62厘米</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《费纳耶泉边的男人（无双臂，躯体</p><p class="ql-block">倾斜）》,1887年</p><p class="ql-block">青铜 87.6x53.1x77.3厘米</p><p class="ql-block">关于《费纳耶·泉边的男人》</p><p class="ql-block">法国石油工业实业家、艺术收藏家莫里斯·费纳耶（ Mauric Fenaille ,1855-1937）向罗丹订购了多件雕塑作品来装饰自己在巴黎西郊讷伊的别墅，罗丹还为其设计了喷泉，罗丹经常在不同作品中使用此前创作的雕塑，</p><p class="ql-block">这里展出的费纳耶先生的形象很有可能是喷泉设计中的一部分。但喷泉始终没有完成建造，且目前无论在罗丹博物馆还是其它地方，几乎都没有该喷泉的设计记录，具体内容我们也就不得而知了。</p><p class="ql-block">费纳耶先生也向罗丹委约《费纳耶夫人半身像》，该雕塑在展览第四章中展出。</p> <p class="ql-block">关于《加莱义民》</p><p class="ql-block">最受人研究的作品之一。在《加莱义民》纪念碑里，罗丹采用了前所未有的崭新方法表现英雄人物，成为他最著名。《加莱义民》是罗丹在1884年应法国加莱市政府的委托而创作的一组纪念雕塑，借此缅怀在英法百年战争初期，1347年8月加莱之围中挺身赴死的六位贵族义士。</p><p class="ql-block">历史背景</p><p class="ql-block">作品取材于（ Jean Froissart ）的《编年史》( Les Chroniques )。</p><p class="ql-block">1347年，加莱市已被英军围困长达一年多。英王爱德华三世表示愿意赦免全城百姓，条件是：加莱城必须选出六个最有声望的市民出城请降，并要求六个人离城时必须身着素服、光头赤足、颈套绳索、手捧城门钥匙，以此换取全城人免于受难。</p><p class="ql-block">罗丹选取了六位义士走出城门，迈向英军阵地、踏上生命最后旅程的那一刻进行创作。</p><p class="ql-block">矛盾的英雄</p><p class="ql-block">罗丹是卓越的心理造型师、激情的形体思想家。他塑造的《加莱义民》从人物的形体姿态到情感表现都没有遵循传统的英雄范本。与慷慨赴义的理想英雄形象相反，罗丹将六位义民塑造为身形憔悴、面容枯槁，神情痛苦。加莱市长最初并不满意这样的"英雄"。然而，在罗丹看来，对英雄主义的美化并不符合实际情况。他试图展现历史真相：这些人经历了长期围困的严重饥馑，已然形销骨立。</p><p class="ql-block">罗丹将他的"英雄"表现为复杂、矛盾的普通囚徒，每个人的内心在生存意志与挺身赴死之间挣扎。</p><p class="ql-block">每个人物的手脚奇大，与身体的其他部分不成比例。这些又大又笨重的脚传达了加义民处境的困顿、赴死决定的沉重。如罗丹所说：</p><p class="ql-block">"他们仍在质疑自己是否有力量完成至高无上的牺牲--他们的灵魂推动着他们前进的双脚却拒绝行走。他们痛苦地拖着自己的脚步前行，这既是因为饥荒使他们变得弱，也是因为牺牲的可怖…"</p><p class="ql-block">维桑的时刻</p><p class="ql-block">皮埃尔·德·维桑（ Pierre de Wissant ）是六位义民中最动人、最复杂的人物。</p><p class="ql-block">他的身体左侧直立，左脚走向敌军营地，右侧则向后拧转，右脚拖在身后。这依依回顾的拧曲姿态体现了他面对死亡时的矛盾心理。他举起一只摊开的大手，悬于那扭转的面颊，遮挡住视线，仿佛在逃避自己的命运，也暗示了英雄式的自我控制与绝望之间持续的内心冲突。</p><p class="ql-block">德国诗人莱内·马利亚·里尔克( Rainer Maria Rilke ,1875-1926)在罗丹晚年时，曾任他的秘书。在《罗丹论》里，里尔克动情描述维桑：</p><p class="ql-block">他（罗丹）创造那"只从生命穿过"的人的渺茫的姿势……他已经动身了，却还一度回顾，并非回顾城门，也不是回顾那些啜泣的人，也不是回顾他的伙伴，他只回顾他自己。</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《加莱义民：让·德·艾尔巨型头像》,</p><p class="ql-block">1908-1909年</p><p class="ql-block">石膏 66.5x48.5x57厘米</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《皮埃尔·德·维桑（无头无手）》,1886年</p><p class="ql-block">青铜 190x110x79厘米</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《加莱义民：穿衣服的皮埃尔·德·维桑》,1887年</p><p class="ql-block">彩色石膏 217x100x125厘米</p> <p class="ql-block">奥古斯特·罗丹</p><p class="ql-block">《吻》（大尺寸版本）,1882/1888年</p><p class="ql-block">青铜 181.5x112.3x117厘米</p><p class="ql-block">关于《吻》</p><p class="ql-block">《吻》这件雕塑无疑是罗丹最著名的作品。根据但丁《神曲》中的描写，维吉尔和但丁参观地狱时遇到了恋人保罗·马拉泰斯塔和弗朗西斯卡·德·里米尼，他们因偷情被打入地狱，罗丹想要表现这对恋人亲吻的场景。弗朗西斯卡·德·里米尼爱上了自己的妹夫，她的丈夫吉昂乔托·马拉泰斯塔发现后将两人杀害。这组雕像本来是为《地狱之门》而设计的，但作品本身象征着充满激情的爱情。后来，罗丹认为它更能表现爱的幸福和感性，不适合《地狱之门》的主题，于是在1886年将这组雕像从《地狱之门》上移除。</p><p class="ql-block">这件作品后来以《吻》为名单独展出，成为罗丹最著名的代表作之一。法国政府于1888年委托罗丹制作了这个雕塑的汉白玉放大版本，并在1898年的沙龙展上首次展出，同时展出的还有石膏版的《巴尔扎克》。</p><p class="ql-block">原作品高85.5厘米，但罗丹让铸铜商勒布朗﹣巴伯迪耶纳浇铸了四种不同尺寸的青铜雕像（分别高71.1厘米、60.2厘米、40厘米和25.7厘米）。大型汉白玉版本的《吻》高181厘米，目前有四尊，分别藏于巴黎奥赛博物馆、伦敦泰特美术馆、哥本哈根新嘉士伯美术馆和费城罗丹博物馆。</p><p class="ql-block">同样大小的青铜版本雕像有十二件，本次展览展出了其中一件，其他青铜雕像版本的《吻》存于世界各地，比如卡迪夫威尔士国家博物馆、巴黎杜乐丽花园、巴黎总理府、东京罗丹博物馆等。</p> <p class="ql-block">另一侧面</p>