探密罗丹美术馆🌹：巴黎自由行第五天（3）

Jimss

来到了今天最后一个，也是在巴黎市区内最后一个行程，即参观向往已久的“罗丹美术馆”！

不巧的是由于路途有点赶，虽然当初我们已经尽可能延迟使用第一次通票时间（本行程第一集中讲到的“合理应用”时间技巧），但根据“巴黎博物馆通票”规则还是迟到了几分钟，也即该通票的二维码过期无法使用了。

以我们平时生活场景思维，当时的沮丧心情可想而知。此时现场检票工作人员的一个“出乎意料”的举动让我们“喜出望外”，他笑着对我们说：“It's a last time!”意为这是最后一次使用通票了。

显然他的“善解人意”不禁让我想到了“枪口抬高一寸”的实例！可参考点击👉“枪口抬高一寸”！👍应该说在他“执行公务”时按规定说“No!”也未尝不可。但对一个远道而来，人生地不熟的游客满怀希望赶过来却迟到了几分钟而不得入门，其心情也是可想而知、情有可原的。看他淡定的和蔼态度，感谢之余不由想到，与“以人为本”（不是口号）的“人情味”感染相比，所谓一般无伤大雅的“规定”执行的宽紧，更能显出管理水平的高低！深有体会之余，相信这一定会激励更多的人善待社会、良性互动吧🙏🌹

👇注意：该博物馆原为罗丹的工作室（原为“比隆酒店”，Hôtel Biron），2015年重新装修后开放‌。楼后面及周围有超大的花园环境优美。

来到美术馆内院留影😊：

首先博物馆边上的花园里，醒目的罗丹著名代表作雕塑“思想者”（原为《地狱之门》组雕的一部分，以沉思的姿态象征哲学思考，成为人类智慧的象征。）吸引了参观者：

👇奥古斯特·罗丹（Auguste Rodin，1840–1917）是19世纪法国著名雕塑家，被誉为现代雕塑艺术的先驱，对后世影响深远。其创作理念模糊了传统与现代的界限，影响了布德尔、马约尔等一批雕塑家。并为现代雕塑开辟了新路径。

罗丹的作品将情感与思想融入雕塑，让冰冷的材质充满人性温度，是艺术史上不可忽视的重要人物：

👇罗丹生平大事记：

1840年奥古斯特 罗丹（奥古斯特·罗丹)于11月12日出生于巴黎的补素的家庭中

1854-1857年在皇家绘画与数学特殊学校学习第一件已知的雕塑作品是他父亲让﹣ 巴蒂斯特 罗丹的肖像第一个亲属雕望，他父亲的肖像。让﹣ 布提斯特．罗丹首次亮相于雕望家开利-贝卢斯的工作室。

1860年他的《鼻子骨折的男人》被拒绝参加雕望家开利-贝卢斯工作室的展会。

1864年遇见一生的伴侣罗斯·贝雷特（Rose Beuret），罗斯·布尔克特，成为了他的终身伴侣。

1866年动物雕塑家安托万-路易·巴耶在自然历史博物馆与动物雕塑家A-L巴耶一起。

1871年在自然历史博物馆绘画他的儿子奥古斯特 贝雷（奥古斯特贝雷特)出生他在布鲁塞尔工作到1877年。

1875年他在布鲁塞尔工作到1877年。

1876年第一部作品在巴黎沙龙被接受，《破鼻梁男人》在巴黎沙龙被接受，并去意大利游学。发现米开朗基罗的作7意大利考察之旅和米开朗基罗作品的重大发现。

1877《青铜时代》在鲁塞尔展出

1879-1893年与塞夫尔国家制造公司合作沃尔斯与Sevres的国家制造：

👇40年我第一次成功，1880年，国家收购了《铁器时代》，并委托罗丹建造了《地狱之门》，作为未来的装饰艺术博物馆。艺术家在这里获得了独立，并获得了工作室供他唯一使用。

1882年教卡米尔· 克劳德尔，及她在巴黎圣母院街的同学。

1883年开始一段恋爱关系给卡米尔· 克劳德尔和她的工作室在香榭朋舍大街上的伴侣上课。爱情的开始

1884年与维克多· 雨果会面并创作他的半身像《遇见维克多 南果并制作一个半身像

1885年卡米尔·克劳德尔走进罗丹的工作室卡米尔克劳德尔加入罗丹的工作室

1888年由加来市委托建造的加来资产阶级纪念碑（1895年顶成）加莱市委托建造卡亚尔的强盗纪念碑（1895年落成）州政府为1889年世界博览会委托大理石之吻法国政府委托1889年巴黎世界博览会的大理石《吻》

1892年在巴黎乔治·佩蒂特举办 罗丹展览，并成立了沙龙，成了该协会的创始成员，打破了官方的国家美术沙龙（SNBA)的垄断地位。

1893为先贤祠创作维克多．雨果站立的雕像，以及为卢森堡花园订购的维竞多·雨果纪念碑的第一个方案。推出雨果雕像站在先贤祠的形象。

1898年，文化协会委托巴尔扎克纪念碑建造，但他创作的方案被拒绝。文化协会委托巴尔扎克继续创作纪念碑。

18 98年被拒绝的卡米尔 ·克劳德尔结束了与罗丹及其艺术合作的关系。默东的德布里兰茨别墅成为罗丹和罗斯·贝雷特的居住地。

👇在世博会期间举办了罗丹的回顾展。《地狱之门》 的石膏在这里向公众展示。这位艺术家现在是法国艺术界公认的大师，他的作品深受世界各地商人和收藏家的垂涎。

1899年在多地举办了他的个展

1900-1907年有收藏家卡尔 雅各布森（卡尔雅各布森)委托制作的大理石《玉米》由收藏家卡尔 雅各布森（ 卡里斯贝格格利普托特的创造者

1903年荣誉军团指挥官《伟大的青铜思家）首次在伦敦向公众展示1904年《思想者》，青铜大版本。向公众开放的时间无顿莱佩西琳妮。1906年位于先资祠前方《思想者》是由公众资助并竖立在巴黎的

1907年首次在巴黎伯患海饼﹣朱思画面居出粮面作品

1908年诗人瑞纳玛丽亚里尔克发现了比隆酒店即现为罗丹博物馆伦敦威斯敏斯特花园，

1911年由国家信托基金操作。纽约大都会艺术博物馆，罗丹在开幕式。

1912年圣彼得堡和东京的一个画廊献给Rodin al the Me Teesprw圣彼得堡和东京Llone MuramunfAtin现在YOUE CRL11

1913年施乐开始收集罗丹、诺尤杜等作品筹备博物馆

1914年de la Legion d'荣誉旧金山阿尔玛斯普雷切尔开始收集罗丹的作品，筹备旧金山核心荣荣誉博物馆

👇罗丹将自己的财产和版权遗赠给法国政府，确保了他的后代：他的作品将在罗丹博物馆和国际收藏馆中幸存下来，所有人都能看到。

1916联赛儿子德维尔 1Etat为爱的儿子巴黎丹斯特酒店bironmuseurn在巴黎在酒店比隆Begueaths他的沃尔赫找到他的

1917年妻子Rose 贝雷特11月17日逝世。

1919年巴黎罗丹博物馆向公众开放巴黎罗丹博物馆向公众开放

1920年松田幸次郎(小次郎松花）委托罗丹制作的青铜器套装，现在日本国立西洋美术馆‌（National Museum of Western Art）‌。

1924年Ouverture du罗丹作品在加利福尼亚荣誉宫开幕

1929年费城罗丹博物馆开幕。

1939年罗丹创作的《巴尔扎克纪念碑》正式落成。该作品最初完成于1898年，但因艺术争议等原因，直到罗丹去世多年后才在巴黎蒙帕纳斯公墓的巴尔扎克墓前安放。

下面咱来观赏大师的杰作！

👇《永恒的春天》：

☝译文-奥古斯特·罗丹(1840-1917)，《永恒的春天》VERS/CIRCA/到1884青铜组，亚历克西斯·鲁迪尔(Alexis Rudier)于1926年砂铸。1926年为收藏而制作，S.989。

这是罗丹的著名雕塑，构思于1884年。作品以一对裸身恋人拥吻为主题，人物姿势充满张力，线条流畅，展现出爱情的热烈与生命力。它曾是《地狱之门》的构思，后独立成作，现藏于法国巴黎罗丹博物馆等多处 ：

👇这是奥古斯特·罗丹1907年的大理石雕塑作品《永恒之春》（Eternal Springtime）版本。作品以一对亲密相拥的男女为核心，人物从未完全雕琢的粗糙石块中“挣脱”而出，展现出强烈的情感张力与罗丹标志性的“残缺之美”，是其从《地狱之门》组雕中提炼出的经典独立作品之一:

👇罗丹的《打破鼻子的男人》（The Man With The Broken Nose ）：

☝译文-作者奥古斯特·罗丹(1840-1917)《打破鼻子的男人》（The Man With The Broken Nose ）。

The Man的破鼻子1864第二种模式3·青铜，亚历克西斯·鲁迪尔(Alexis Rudier)于1916年用砂铸造，罗丹捐赠玛瑙底座，1916年，S.00496

《打破鼻子的男人》（The Man With The Broken Nose）是奥古斯特·罗丹于1863年至1864年创作的雕塑作品 。

创作背景：罗丹以一位名叫“比比”的当地杂工为模特创作了这件作品，当时罗丹在自己改造的工作室中与比比合作，完成了最初的模型。

作品经历：1864年，罗丹完成了该作品的石膏模型，但后脑勺部分缺失，他将错就错将其送交沙龙参展，结果被拒绝。1880年，该作品被铸成青铜像，成为现存的版本，此外还有莱昂·富凯制作的大理石复制品。1875年，其大理石版本被沙龙接受。

艺术特色：作品展现了一位鼻梁塌陷、面容憔悴的老人形象，罗丹通过强调面部的起伏和扭曲感，如深刻的皱纹和严峻的表情，展现出人物丰富的内心世界和生活的沧桑，体现了他对真实和个性的追求，打破了当时古典主义追求完美形式的审美惯例。

重要意义 ：这件作品是罗丹早期创作的代表作，标志着他独特美学发展的关键一步，他认为“美是到处有的……所谓美，便是性格与表情”，该作品以“丑”为美，表达了真挚的情感和精神，为他后来的艺术创作奠定了基础，也开启了现代主义艺术创作的方向：

☝大理石版：

☝译文-作者奥古斯特·罗丹(1840-1917)L'HOMME AU NEZ CASS®THE MAN WITH THE BROKEN NOSE《男人的鼻子破碎》1864～1875年，实践者莱昂·福尔奎特（Leon Fourquet）大理石雕刻的，罗丹捐赠，1916年，S.00974：

👇罗丹的《不朽的无头无手的青铜裸体》雕像：

☝译文-作者奥古斯特·罗丹(1840-1917)，材料为加来的勃艮第石，作于1900年。

《不朽的无头无手的青铜裸体》雕像，1945年以前用沙子铸造的Alexis Rudier。二战后恢复的作品，1949年移交给加尔省国家博物馆。

威桑特石，NU纪念性SANS TTE NI MainS这个没有头和手的人物可以被认为是在1886年左右制作的完整人物之后。艺术家专注于寻找身体运动，将他的雕塑元素分开处理，以赋予它们更强的表达力，并选择了“简化”版本。1900年，罗丹在阿尔玛馆（Pavillon de l'Alma）大型回顾展的入口处展示了这个零碎的人物的石膏，它本身就是一个不缺的人物：

👇《欧米艾尔》（L’Âge Mur ，也叫《老娼妇》 ）创作于1885年 ，是罗丹极具代表性的作品之一，以其对衰老、人性等深刻主题的呈现，成为雕塑艺术史上的经典之作 。

罗丹受意大利模特玛丽·凯拉（Marie Caira）启发，打破传统“美”的范式，用“丑”的躯壳揭示灵魂的深度。作品最初置于《地狱之门》左侧，与婴儿、母亲组成本“生命轮回”的浮雕群，象征从诞生到衰老的人性轨迹；后来独立成篇，成为“丑之美”的经典——当肉体外壳被时间剥蚀，灵魂的苦难与人性的复杂反而愈发清晰。

罗丹以粗粝的质感和扭曲的动态，迫使观者直面衰老的残酷与社会边缘者的悲剧：老妇曾是诗中“风华绝代的欧米艾尔”，如今却在贫困中卖身为生。这种对“真实人性”的赤裸呈现，既挑战了学院派的审美规范，也奠定了罗丹“现代雕塑之父”的地位——他证明：艺术的美不在于外表的完美，而在于对生命本质的深刻剖析。

如今，这件作品的多个版本藏于巴黎罗丹博物馆、东京国立西洋美术馆等机构，仍是讨论“艺术与人性”的核心案例：

《三个影子》是罗丹1880-1886年创作的青铜雕塑，为《地狱之门》顶端群雕。作品以亚当为原型，三个相同姿态的人物互为影子，展现人类因原罪而承受的痛苦与挣扎，体现罗丹对人类命运的关切。

👇罗丹的作品《三个影子》：

👇这是罗丹的《克洛德·洛兰纪念碑》（Monument to Claude Lorrain），为纪念17世纪法国风景画家克洛德·洛兰而作。作品于1889年启动设计，1892年在法国南希的佩皮尼埃尔花园落成。

雕塑分上下两层：上层是克洛德·洛兰的立像，他手持画板，姿态充满思索与艺术家的坚毅；下层以动态强烈的马匹和裸男形象，呼应克洛德画作中常见的“自然史诗感”（如《示巴女王登船》里的宏大场景）。罗丹用标志性的粗犷肌理与戏剧化构图，将画家的精神气质与他笔下的世界融为一体——既致敬克洛德“以光线谱写自然诗”的创作，也通过扭曲的人体与奔马，展现艺术对生命与自然的永恒追问。

这件作品是罗丹“纪念碑式创作”的典型：他不追求古典式的庄重，而是以澎湃的动态与情感张力，让纪念碑成为“艺术家人格与作品灵魂的双重肖像”：

👇罗丹创作的他太太罗斯·贝雷特（1844-1917年）的青铜半身像：

☝译文-罗丹创作的罗斯·贝雷特（1844-1917年）的青铜半身像，名为《米农》（Mignon），作品名称《米农》来自1870年安布罗斯·托马斯的喜剧歌剧（1865年）中的英雄。她是艺术家的伴侣和妻子。青铜半身像，沙铸造亚历克西斯·鲁迪尔，1912年。罗丹捐赠，1916年，S.973：

创作背景 ：罗丹于1864年结识罗斯·贝雷特，当时她还是一名裁缝，后来成为罗丹的工作室助手、他儿子的母亲以及他的终身伴侣。这件作品约创作于1867-1868年，是罗丹为贝雷特创作的第一件肖像作品，1925年由巴黎的 Alexis Rudier 铸造厂铸造。

作品名称 ：作品标题“米农”是贝雷特的另一个名字，可能与1866年广受欢迎的歌剧《米农》有关，歌剧中的主角经历了一段激烈的爱情故事。

艺术特色：雕塑中的贝雷特头发凌乱，嘴唇微张，表情愤怒且受伤，这种神态常被解读为反映了罗丹与贝雷特之间因罗丹与其他女性的关系而产生的紧张关系。雕塑的铜锈呈现出不寻常的蓝绿色和橙色，可能是由罗丹工作室的助手兼摄影师让·利梅特使用特殊化学物质处理而成：

👇译文-这个房间由当时的照片重建而成，唤起了罗丹在1908年发现的比隆酒店的存在，并将其变成了一个他可以工作，展览和接待艺术家，收藏家和模特的地方。他将自己的作品与他收藏的古董和绘画中的物品穿插在一起，将它们放在地板上或板条箱上和雕塑家的展台上，预示着未来的博物馆：

☝当年该博物馆建筑为比隆酒店，这是罗丹与该环境的生活照：

👇这是罗丹创作于1883年的青铜胸像《维克多·雨果》。

背景与动机：雨果去世后，罗丹受委托为其塑造肖像，以雕塑定格这位文豪的精神气质。

艺术特色：摒弃传统肖像的光滑写实，以粗犷、富有张力的塑痕勾勒面部轮廓与衣褶，尤其强化了雨果的胡须、额头皱纹与坚毅眼神，传递出诗人深邃的思想力与人格力量；雕塑表面保留手工肌理，彰显罗丹“情感先于细节”的创作理念，让静态材质焕发动态的精神张力。

意义：是罗丹肖像创作的里程碑，既为后来《维克多·雨果纪念碑》的构思积累了核心形象，也以突破性的表现手法（弱化具象、强化精神），预示了现代雕塑对“内在生命力”的探索方向：

👇这是罗丹在1890 - 1891年左右创作的《维克多·雨果纪念碑》（Monument to Victor Hugo ）为纪念大文豪雨果创作的《维克多·雨果纪念碑》（Monument to Victor Hugo ）草稿 。

创作背景：为纪念雨果，罗丹以独特艺术视角，摒弃传统写实，借雕塑传递雨果文学精神与思想深度。

艺术特色：作品中雨果姿态随性，身体、衣褶以粗犷雕塑语言呈现，强调内在精神张力，展现雨果沉思、富有创造力的一面，是罗丹“思想者”系列精神内核的延伸，以抽象化、情感化塑造，突破传统纪念碑程式，彰显现代雕塑理念 ，体现罗丹对艺术表达本质的探索，借雕塑让观者感受雨果文学力量与人格魅力 。

意义影响：作为罗丹创作生涯重要作品，为纪念碑雕塑创作开辟新路径，启发后世对人物纪念性作品的多元表达，成为连接文学与雕塑艺术的经典范例 ，见证罗丹艺术风格中对人文精神、艺术创新的持续追求，也让雨果形象借雕塑艺术获得更具冲击力与感染力的呈现 ：

☝译文-奥古斯特·罗丹《纪念维克多雨果》纪念碑，第一方案，创作于1889-1891。

👇而后来1897年他创作了维克多·雨果坐着的版本《诗人》（雨果年份1802-1885），文学家和政治家。石膏模型。捐赠罗丹，1916年，S.68：

👇这是罗丹创作于1897年的石膏群雕《维克多·雨果纪念碑（第一方案）》（Monument à Victor Hugo – Premier projet），是他为巴黎先贤祠设计的雨果纪念碑的早期草稿，现藏于巴黎罗丹博物馆：

1. 人物叙事：

中央是沉浸于沉思的雨果，右手托腮、左腿蜷曲，须发与肌肉的粗犷肌理（保留石膏刀痕）凸显“思想者的痛苦与深邃”；上方的女性形象象征“诗歌”（或雨果的缪斯），右侧的裸童代表“灵感”，三者通过动态的肢体缠绕（雨果的左腿与缪斯的衣纹交织），构建“诗人—灵感—诗歌”的共生关系。

2. 材质与构图：

石膏表面刻意保留未完成的粗犷质感（头发、衣纹的刀痕清晰可见），与雨果面部的细腻刻画形成对比，体现罗丹“物质的粗糙承载精神的精致”的美学；非对称构图打破传统纪念碑的庄重感，用“不稳定的平衡”呼应雨果作品中动荡的时代精神。

3. 创作语境：

1891年雨果去世后，法国政府委托罗丹制作纪念碑。罗丹拒绝“英雄化”的传统套路，转而塑造“诗人在灵感裹挟下的沉思瞬间”——将雨果从“文学巨匠”降维为“被缪斯唤醒的创作者”，这一方案因“过于现代、缺乏庄严感”遭官方否决，最终罗丹另作简化版（仅保留雨果坐像），但此草稿因其“情感的真实性”成为后世更推崇的版本：

这件作品是罗丹“去英雄化纪念碑”的宣言：他用粗糙的石膏、动态的群像和未完成感，解构了传统纪念碑的“崇高叙事”，预示了现代主义对“平凡中的伟大”的推崇。里尔克曾评价：“罗丹让雨果成为被灵感穿透的凡人，而非高踞神坛的偶像——这是对作家最好的致敬。” 它直接影响了布德尔《贝多芬纪念碑》的“动态群像”设计，以及20世纪公共艺术对“情感共鸣优先于形式庄严”的转向。

（注：它常被误认作《地狱之门》的变体，但《地狱之门》是“地狱灵魂的挣扎”，而这件是“人间灵感的诞生”，主题与人物情绪截然不同。）：

👇这幅挂在罗丹美术馆的画作是法国画家让·勒罗伊（Jean Leroy）的《持伞女子》（Woman with a Parasol）。

创作风格：画面以柔和的色调与写意的笔触，塑造了一位站在开阔背景（似海滩或郊外）中持伞的女子形象。伞的圆形轮廓与衣袍的流动褶皱形成形式张力，光影处理含蓄，传递出19世纪末法国艺术对“瞬间氛围”与“精神气质”的追求。

馆藏意义：罗丹美术馆（Musée Rodin）藏有此作，它与罗丹的雕塑并置，展现了19世纪末法国艺术的“跨界对话”——勒罗伊的绘画呼应了罗丹对“动态瞬间”和“内在精神”的塑造理念，共同呈现了那个时代艺术从写实向现代性过渡的多元探索。

这幅画在罗丹美术馆的陈列，不仅丰富了馆内“19世纪末法国艺术生态”的叙事，也让观众在雕塑的力量感之外，感受到绘画中诗意的柔和与对人物精神世界的细腻捕捉：

☝译文-罗丹为纪念作家巴尔扎克而作。作品以披睡袍、昂首凝思的姿态凸显其精神气质，舍弃细节精雕，以写意手法捕捉天才创作时的狂喜与沉醉；曾因“麻袋片里的蛤蟆”遭讥，却开创雕塑新纪元，是罗丹艺术成熟期的标志性突破：

👇这幅藏于罗丹美术馆的《裸体女人梳理她的头发（背面视角）》（Femme nue se coiffant vue de dos）是法国象征主义画家尤金·卡列尔（Eugène Carrière1849-1906）于约1889年创作的布面油画。

光影与身体的诗性融合：卡列尔以标志性的“雾状光影”包裹人体，模糊轮廓却强化了肌肉与衣褶的柔和起伏。画面中，裸体女性背对观众梳理头发的动作被提炼为纯粹的形态韵律，光影如薄纱般漫过肌肤，消解了具象细节，却让“身体的呼吸感”与“动作的仪式感”成为视觉核心——这种“去写实化”的处理，呼应了象征主义对“内在精神＞外在具象”的追求。

与罗丹的跨媒介对话：卡列尔与罗丹是挚友（两人因批评家罗杰·马克思引荐相识，友谊持续至卡列尔去世），且都痴迷于女性身体的表现力。这幅画中“光影塑造体积”的手法，与罗丹雕塑“从粗糙材质中生长出人体”的理念形成奇妙呼应：卡列尔用画笔让 flesh（肌肤）在光影中“呼吸”，罗丹用黏土让 muscle（肌肉）在空间中“涌动”，二者共同诠释了19世纪末艺术对“身体精神性”的探索。

罗丹美术馆藏有11幅卡列尔作品（源于两人互赠与艺术交流），这幅画陈列于永久展厅（一层10号厅），既是对两位艺术家友谊的见证，也为观众提供了“绘画与雕塑如何共振”的经典案例——当卡列尔的光影人体与罗丹的青铜躯干并置时，19世纪末法国艺术“追求精神深度、突破写实框架”的整体潮流被具象化呈现：

👇藏于罗丹美术馆的《白结女孩的头》（Tête de jeune fille au nœud blanc）也称《1902露西·卡列耶》，模特是艺术家的女儿（1889-1959）。该画是法国象征主义画家尤金·卡列尔约1889年创作的布面油画，展现了他与罗丹（奥古斯特·罗丹）深厚艺术友谊下的风格共鸣。

光影的诗性包裹：卡列尔以标志性的“雾状光影”（类似中国水墨的“没骨法”）消解了女孩头部的具象轮廓，让肌肤与白色发结在柔和的棕灰色调中融为一体。这种“去细节化”的处理并非写实缺失，而是通过光影的渐变强化了面部的宁静神态与头发的蓬松质感，传递出象征主义对“内在精神＞外在具象”的追求——女孩的面容虽朦胧，却因光影的包裹而具有了普世的诗意。

卡列尔的柔和与罗丹的粗犷，在美术馆的空间中形成了互补的视觉叙事：

👇藏于罗丹美术馆的《裸体女人梳理她的头发（背面视角）》（Femme nue se coiffant vue de dos）是法国象征主义画家尤金·卡列尔约1889年创作的布面油画。

卡列尔以标志性的“雾状光影”包裹人体，模糊轮廓却强化了肌肉与衣褶的柔和起伏。画面中，裸体女性背对观众梳理头发的动作被提炼为纯粹的形态韵律，光影如薄纱般漫过肌肤，消解了具象细节，却让“身体的呼吸感”与“动作的仪式感”成为视觉核心——这种“去写实化”的处理，呼应了象征主义对“内在精神＞外在具象”的追求：

👇罗丹的《巴尔扎克像》（1891–1897）是雕塑史上的经典之作 。 

1891年，法国文学家协会委托罗丹为纪念巴尔扎克诞辰100周年创作雕像。罗丹为此耗时7年，做了大量阅读、考察和研究，画了几百幅速写，做了近20座雕像及40多件形象习作。

雕像展现了巴尔扎克夜间漫步的形象，他身披宽大的睡袍，头发披散，身体微微后倾，头部硕大，眼神深邃，给人以充满智慧和思想魅力的感觉。罗丹为突出巴尔扎克的精神气质，去掉了原本塑造得过于完美的双手，让观众的注意力更集中于人物的头部和整体神态。

作品属于写实性的青铜雕塑，但又不拘泥于传统的细节雕琢，手法豪放，塑像表面略显粗糙，具有一种独特的写意性，体现了罗丹独特的艺术个性。

但在1898年展出时，该作品因不符合当时的主流审美，遭到法国文学家协会拒绝，被讥讽为“麻袋里的蛤蟆”等。直到1939年，即罗丹逝世22年后，雕像才被铸成铜像矗立在巴黎街头，成为现代雕塑的里程碑：

👇尤金·卡列尔的《布列塔尼景观》创作于1893年，在杜阿尔内兹附近的油画，是其风景画作中的典型代表：

👇罗丹创作的人物头型雕像：

👇这是罗丹的雕塑作品《帕拉斯与帕特农神庙》（Pallas au Parthénon），创作于1896年。

原型与象征：作品以智慧女神雅典娜（帕拉斯）为核心，将帕特农神庙的微缩模型置于女神头部上方，既呼应了雅典娜与雅典城邦的深刻关联，也隐喻古希腊艺术是灵感的“摇篮”。模特参考了罗丹的友人玛丽安娜·拉塞尔（Mariana Russell），展现出柔和的女性气质与古典神性的融合。

材质与工艺：主体为大理石，由工匠查尔斯·穆勒（Charles Müller）协助雕刻，头顶的帕特农神庙部分则以石膏补塑，体现罗丹对“残缺美”的追求——即便材质拼接，仍通过细腻的肌肉刻画与庄严的构图，传递出力量感。

艺术理念：罗丹深受古希腊雕塑影响，曾多次临摹帕特农神庙浮雕。这件作品既致敬古典（如雅典娜的静穆姿态），又打破传统：神庙“长”在头部的超现实设计，暗示艺术与智慧的共生，也呼应他对“局部即整体”的探索——残缺的形态（无手臂、简化背景）反而激发观者对完整叙事的想象，成为其“纯躯干雕塑”风格的延伸。

这件作品也折射了罗丹对时代的思考：在工业革命浪潮中，他通过古典符号的重构，让古希腊艺术的生命力与现代性对话：

👇这是罗丹创作于1888年的雕塑作品《拉塞尔夫人像》（Mrs Russell ） ，雕塑原型是玛丽安娜·马蒂斯科·德拉·托雷（Marianna Mattiocco della Torre，1865 - 1908），她是画家约翰·P·拉塞尔（John P. Russell）的妻子。

罗丹以细腻的手法塑造人物头部与颈部，捕捉人物神态，展现出其独特的雕塑风格，作品通过对人物形象的刻画，传递出特定时代的人物风貌与艺术韵味，现作为罗丹捐赠作品（1916年编号5.01632 ），成为艺术收藏与研究中展现罗丹人像雕塑技艺的重要范例 ：

👇这是罗丹创作于1888 - 1889年的石膏雕塑《拉塞尔夫人扮圣乔治》（Mrs Russell en Saint-Georges），原型为玛丽安娜·马蒂斯科·德拉·托雷（画家约翰·P·拉塞尔之妻，也是罗丹同期作品《拉塞尔夫人像》的模特）。

创作意图：罗丹将现实女性形象与圣乔治（基督教屠龙圣徒、勇气象征）的战士身份融合，以石膏的粗犷肌理塑造头盔与颈部的动态，既保留玛丽安娜的面部柔和特质，又通过“圣乔治”的符号赋予作品力量感，体现他对“神话与现实共生”的艺术探索。

材质与风格：石膏材质的未抛光质感（表面可见雕塑时的刀痕与粗犷纹理）强化了戏剧张力，打破传统大理石的精致感；头部与颈部的扭转姿态延续了罗丹对“运动中的人体”的捕捉，头盔的褶皱与面部的细腻刻画形成对比，展现其“局部写实、整体写意”的风格。

系列关联：它与1888年的《拉塞尔夫人像》构成“同一模特的双重演绎”——前者是生活化的肖像，后者则是神话化的象征，反映罗丹对模特多面性的挖掘，以及通过“角色扮演”赋予雕塑叙事深度的创作理念。

历史脉络：作品于1916年随罗丹捐赠进入馆藏（编号 S.02826），成为研究其“肖像与象征融合”风格的重要实例：

☝接着在这里脑补一张现保存在大都会艺术博物馆罗丹的《拉塞尔夫人像》

👇《拉塞尔夫人像》是法国雕塑家奥古斯特·罗丹于1888年创作的作品。拉塞尔夫人即玛丽安娜·马蒂奥科·德拉·托雷，是印象派画家约翰·彼得·罗素的妻子，她曾为罗丹的多尊古代女神像担任模特。

罗丹或许被她匀称的古典面容所吸引，于1888年以蜡塑为其造像，现存的作品多为后期铸铜版本。如大都会艺术博物馆收藏的镀银青铜像，高49.2厘米，塑造了拉塞尔夫人端庄的美感，她向后梳拢的发髻凸显出方正的下颌、挺拔的鼻梁与丰盈的唇线，既显孤高又具温情，质朴中透出睿智：

👇这是罗丹创作于1896年的石膏雕塑《缪斯（被面纱覆盖的女性）》（La Muse voilée），以“灵感女神”为象征内核，展现了他从现实主义向象征主义过渡的艺术探索：

形态与象征：作品以布幔包裹女性身躯，头部微仰，面部线条宁静而抽象。“缪斯”的神性通过简化的面部轮廓与布幔的垂坠感传递，既呼应古希腊雕塑中“衣物紧贴身体”的传统，又隐喻艺术灵感“可感知却难触摸”的特质；布幔的“遮蔽”与面部的“显露”形成张力，暗示“灵感降临如面纱揭开”的瞬间。

材质与工艺：石膏的粗糙肌理模拟布幔的褶皱与垂坠，罗丹刻意保留雕塑时的刀痕与未抛光表面，打破了传统大理石雕塑的“完美感”。布幔的动态褶皱通过光影变化产生“呼吸感”，让静态雕塑兼具“物质的厚重”与“精神的轻盈”，体现他对“残缺即完整”的核心追求。

创作语境：模特可能参考其长期助手克洛：

👇这是罗丹创作于1892年的石膏雕塑《秘密》（Le Secret，又名《沉默的缪斯》），以“局部身体语言传递精神状态”的实验性风格，成为其从宏大叙事转向个体精神肖像的标志性作品：

形态与象征：人物头部微侧，双手轻触嘴唇，似“守护秘密”或“聆听灵感”，用极简的肢体语言传递出“沉默中的张力”。这种“非语言叙事”呼应了罗丹对“艺术是情感的无声表达”的追求。

材质与肌理：石膏材质的粗糙感（头发与衣物的未抛光刀痕）与面部的细腻刻画形成强烈对比，既保留了雕塑过程的“现场感”，又通过质感差异强化“内在精神（细腻面部）与外在物质（粗犷衣纹）”的冲突。

创作语境：模特可能参考其助手克洛黛·德·布尔扎克，但面部被提炼为普世化的“沉思者”形象。作品抛弃了完整人体，仅通过头部与双手的互动构建叙事，标志着罗丹从《地狱之门》的宏大史诗转向对“个体精神瞬间”的挖掘。

这件作品是罗丹“残缺美学”的典型实践：未完成的石膏表面、被截断的身躯，反而让观者聚焦于“沉默中的力量”，直接影响了布朗库西对“形态简化与精神内核”的探索，以及贾科梅蒂对“存在之孤独”的雕塑表达。现藏于巴黎罗丹博物馆，是理解其晚期“以物质承载哲学”风格的关键案例：

👇这是罗丹创作于1896年的石膏/青铜雕塑《冥想》（Méditation，又名《内在的声音》），最初源自《地狱之门》 tympanum 的女性形象，后被融入维克多·雨果纪念碑的设计，最终以独立作品呈现，是其象征主义与“残缺美学”的经典实践：

态与象征：

女性躯干呈“S”形扭转，头部轻垂，双眼微闭，似沉浸于灵感或沉思；刻意缺失的双臂与截断的下肢（为适配雨果纪念碑的构图而改造），反而强化了“精神的完整性无需肉体的完整”这一理念。罗丹曾说：“无臂的躯体更能包裹自身，外在的缺失恰是内在充盈的证明。”

材质与肌理：

石膏版本保留粗犷的雕刻刀痕（头发与躯干未抛光），青铜版本则通过氧化形成深浅不一的铜绿，模拟布料垂坠的质感；面部的细腻刻画与躯干的粗糙肌理形成对比，体现“物质的厚重与精神的轻盈”共生。

创作语境：

模特参考其长期助手克洛黛·德·布尔扎克，但面部被提炼为普世化的“缪斯”形象——象征诗人雨果的灵感来源。作品从《地狱之门》的“地狱灵魂”演变为“诗人的精神伴侣”，标志着罗丹从“宏大史诗”转向“个体精神肖像”的创作转型。

艺术影响

里尔克曾这样描述：“她的双臂惊人地缺失，但罗丹让我们感到，那些手臂对试图自我包裹的躯体而言是多余的……无臂的雕像中，没有任何生命本质被剥夺，它们如完整的存在般不容增补。” 这件作品直接影响了布朗库西《沉睡的缪斯》的极简主义，以及现代雕塑对“形态简化与精神内核”的探索。现藏于巴黎罗丹博物馆，是理解其晚期“以残缺承载完整”风格的核心案例：

☝译文-《冥想》取自《地狱之门》，其中它以一个被诅咒的女人为特色。冥想被重新用于代表维克多·雨果纪念碑项目中的缪斯之一。为了将人物融入组，罗丹去掉了手臂和部分腿。孤立和扩大，平静的脸，蜿蜒的人物是公众不好的接受，因为它的未完成的外观：但对罗丹来说，这个零碎的雕塑是一个完整的工作，没有什么重要的缺失：

☝作为上图的“背景画”，是美国画家约翰·辛格·萨金特（John Singer Sargent）的作品，名为《奥古斯特·罗丹》（Auguste Rodin）

👇这幅画创作于1884年。

金特与罗丹是挚友，1884年正值罗丹艺术生涯的鼎盛期——他刚完成《加莱义民》，《吻》即将参展1889年巴黎世博会，《思想者》也从《地狱之门》中独立成标志性作品。萨金特以肖像定格了罗丹与他的雕塑共生的创作状态。

罗丹身着深色大衣站在工作室中央，身旁环绕着他的核心作品：左侧是象征爱与欲望的《吻》，右侧是代表人类沉思的《思想者》，背景中隐约可见《地狱之门》的脚手架。萨金特用暗色调背景衬托白色石膏雕塑与罗丹的轮廓，形成“雕塑家—作品—时代精神”的三重对话。

画面通过“罗丹+《思想者》+《吻》”的组合，隐喻他的创作理念——以肉体雕塑承载精神力量（《思想者》的哲学深度与《吻》的情感张力）。背景中的未完成脚手架则暗示艺术创作的永恒性，呼应罗丹“残缺即完整”的美学。

这幅肖像现藏于巴黎罗丹美术馆，既是对艺术家的致敬，也是19世纪末欧洲雕塑革命的视觉注脚：

👇译文-奥古斯特·罗丹(1840-1917)《女士萨克维尔》1914-1917

维多利亚·萨克维尔-韦斯特（1862-1936），英国贵族。助理阿里斯蒂德·鲁索（Aristide Rousaud）雕刻的大理石半身像。罗丹捐赠，1916年，S.809：

☝作者卡米尔·克劳德尔(1864-1943）罗丹的情人兼助手，《蕨类植物》1886-1905年的大理石切割组，1952年的Paul Claudel Don Paul Claudel系列。S 0129335

👇《年轻的女人和孩子》VERS/CIRCA/HACIA 1870-1875青铜雕塑：

☝奥古斯特·罗丹(1840-1917)《年轻的女人和孩子》VERS/CIRCA/HACIA 1870-1875青铜组，砂铸亚历克西斯·鲁迪尔(Alexis Rudier),1930年。为收藏而制作，S.980：罗丹与“年轻的女人和孩子”相关作品创作于1885年 。

创作背景 ：1885年创作该作品时，罗丹正与年轻艺术家卡米尔·克洛岱尔热恋，有说法认为克洛岱尔为罗丹生育了两个孩子，这可能是他对母亲与孩子主题产生兴趣的原因。

艺术特色：作品展现了一位近乎裸体母亲坐在岩石上，被年幼的孩子温柔地依偎着的场景，母亲平静的神态反映出她与孩子之间精神上的紧密联系。罗丹通过强调姿态来传达情感，粗糙的表面纹理和深深的凹陷为人体增添了强烈的阴影和自然主义色彩。

作品关联：该作品的构图也可以在《地狱之门》的侧板浮雕中看到，罗丹曾将该作品的青铜复制品拍卖，以资助他所敬仰的17世纪画家克劳德·洛兰纪念碑的建设费用：

👇这是罗丹创作于1886-1888年的石膏雕塑《残缺的躯干》（Torse incomplet ，也被称为《埃斯特拉齐躯干》 ），是其“残缺美学”实践的经典作品，现藏于巴黎罗丹博物馆：

形态与理念：

保留女性躯干的核心曲线（胸部、腹部、髋部的扭转），刻意缺失双臂、下肢与部分腰腹，却通过肌肉与骨骼的张力传递“完整的生命力”。罗丹曾说：“真正的美不需要完整的躯体，这些残缺反而让观者看见灵魂的形状。”

材质与工艺：

石膏表面保留粗糙的雕刻刀痕（如胸部与腹部的肌理未抛光），与面部的细腻刻画形成对比，体现“物质的不完美”与“精神的完美”共生——这种“未完成感”打破了古典雕塑对“理想化人体”的追求，是现代主义雕塑“去繁就简”的先声。

创作渊源：

灵感源自古希腊雕塑《尼多斯的阿芙洛狄忒》的残片，但罗丹摒弃了古典雕塑的“修复逻辑”，转而将“残缺”作为作品的本质。他认为：“残缺的躯干比完整的雕像更有力量，因为观者会用想象填补空白，而想象的美永远超越现实。”

这件作品直接启发了布朗库西的《沉睡的缪斯》（用极简形态传递精神）、贾科梅蒂的《行走的人》（以残缺表现存在主义焦虑）。里尔克在《罗丹论》中写道：“这些残缺的躯干是永恒的隐喻——人类总在缺失中寻找完整，在不完美中追求神性。” 它现藏于巴黎罗丹博物馆，是理解其“以碎片承载完整精神”创作哲学的核心案例：

👇译文-爱德华·蒙克(1863-1944)罗丁的《思想家》画于吕贝克的林德博士公园VERS/CIRCA/HACIA 1907画布上的油画Ancienne系列Max Linde：

👇这是罗丹创作于1881—1882年的白色石膏胸像《地中海》（The Mediterranean），是其“以人体隐喻自然”的标志性作品，现藏于巴黎罗丹博物馆：

形态与象征：

雕塑以女性躯干为载体，头部侧转、发丝如波浪翻卷，肩头的布褶如海浪般倾泻而下，将“地中海的永恒深邃”转化为可触摸的肉体曲线。罗丹曾说：“她的身体里流淌着爱琴海的浪涛——这是大地与海洋的婚礼。”

材质与肌理的诗性：

白色石膏表面刻意保留粗犷的雕刻刀痕（如布褶的褶皱未抛光），与面部的精细刻画（微垂的眼睑、紧抿的嘴唇）形成对比——这种“粗糙与精致的共生”，既模拟了“海风侵蚀的岩石质感”，又强化了“生命在自然中永恒轮回”的哲学意味，是罗丹“残缺美学”的巅峰实践。

创作语境与理念突破：

创作于《地狱之门》构思期，罗丹打破“古典女神像”的理想化套路，用“肉体的松弛与布褶的张力”塑造“自然本身的神性”。他摒弃了传统雕塑对“完美比例”的追求，转而让人体成为“自然力量的容器”——这种“以碎片承载宇宙”的思路，直接启发了后来布朗库西的《无尽之柱》与亨利·摩尔的“空洞雕塑”。

《地中海》是罗丹“自然崇拜”的极致表达：他不追求“对风景的再现”，而是用“女性躯体的曲线”与“石膏的纯白粗粝”，创造出比现实更具冲击力的“视觉史诗”。里尔克评价：“罗丹让地中海的石膏像成为‘大地的自白’——观者仿佛能听见浪涛拍打岩石的轰鸣。” 这件作品与《思想者》《吻》共同构成罗丹“精神三部曲”，至今仍是理解其“以肉体叙事宇宙”创作哲学的核心案例。（注：罗丹为《地中海》创作过多件版本，这件因“布褶的极致流动”和“石膏的纯白与粗犷”，被认为是最具诗意的“自然颂歌标本”。）：

👇这是罗丹创作于1882年的粉红色陶土胸像《罗丝·贝雷肖像》（Bust of Rose Béuret），现藏于巴黎罗丹博物馆。

人物与情感：

模特罗丝·贝雷是罗丹的长期伴侣（后成为妻子），也是《思想者》《吻》等经典作品的原型模特。雕塑中她头戴花朵发饰，肩部搭着飘带，面部柔和的轮廓与微垂的眼睑传递出温婉气质，罗丹以细腻的陶土肌理（如发丝的卷曲、布料的褶皱）捕捉她“平凡中的诗意”。

材质与工艺：

粉红色陶土（ terre cuite）的暖色调模拟肌肤质感，未抛光的表面保留手指按压的痕迹，与面部的精细刻画形成对比——这种“粗糙与精致共生”的手法，体现罗丹“用泥土的温度承载情感”的创作理念。

创作语境：

创作于罗丹事业上升期，当时他正为《地狱之门》搜集模特素材。罗丝的形象从“工作室助手”升格为“缪斯”，这件胸像既是私人情感的记录，也是他探索“日常女性的精神性”的起点——后来的《冥想》《永恒的春天》等作品，都延续了对“平凡躯体中神性瞬间”的挖掘。

艺术意义

罗丝·贝雷是罗丹艺术生涯的“隐形支柱”，这件胸像打破了传统肖像的“庄严套路”，用陶土的质朴与花朵的柔美，塑造出“生活化的缪斯”形象。它与罗丹晚年的《卡蜜耶·克洛黛尔肖像》形成对照，共同构成19世纪末“女性作为灵感载体”的雕塑叙事。里尔克曾写道：“罗丝的胸像里没有英雄主义，只有泥土中生长出的温柔——这是罗丹最动人的自白。”

（注：罗丹为罗丝创作过多件肖像，这件因花朵发饰与飘带的浪漫化处理，被认为是“献给缪斯的情书”，与他为卡蜜耶创作的《成熟》形成情感与风格的对话。）：

👇这是罗丹创作于1882年的白色石膏雕塑《乌戈利诺与他的儿子们》（Ugolino and His Sons），是其为《地狱之门》设计的核心场景之一，现藏于巴黎罗丹博物馆：

文学原型与情感张力：

取材于但丁《神曲·地狱篇》：伯爵乌戈利诺因政治背叛被囚禁饿死，死前目睹儿子们相继离世，雕塑捕捉了他“怀抱儿子冰冷躯体、在绝望中嘶吼”的瞬间。罗丹用扭曲的肢体（乌戈利诺的左臂勒紧儿子，右腿蹬地）与面部的痛苦痉挛（张大的嘴、暴起的青筋），将“文字中的苦难”转化为“可触摸的绝望”。

材质与肌理的叙事性：

白色石膏表面刻意保留粗犷的雕刻刀痕（如儿子背部的肌肉纹理未抛光），与乌戈利诺面部的精细刻画形成对比——这种“粗糙与精致的共生”，既模拟了“饥饿导致的枯槁肉体”，又强化了“精神痛苦的尖锐性”，是罗丹“残缺美学”的典型实践。

构图的颠覆性：

打破古典雕塑的“稳定三角构图”，采用“不稳定的缠绕式结构”：乌戈利诺的躯干与儿子的肢体呈“S 形扭转”，仿佛“地狱中不断下沉的漩涡”，让观者感受到“苦难的流动性与窒息感”。罗丹曾说：“地狱里没有静止的痛苦，只有永恒的挣扎。”

这件作品是罗丹“以雕塑重构文学”的典范：他不追求“对原著的忠实再现”，而是用“肉体的扭曲”与“材质的粗糙”，创造出比文字更具冲击力的“视觉苦难”。里尔克评价：“罗丹让乌戈利诺的石膏像成为‘痛苦的拟声词’——观者仿佛能听见那压抑的嘶吼。” 它与《思想者》《吻》共同构成《地狱之门》的“情感三重奏”，至今仍是理解罗丹“用肉体叙事精神”创作哲学的核心案例。

（注：罗丹为乌戈利诺创作过多件版本，这件因“父子肢体的极致缠绕”和“石膏的纯白与粗犷”，被认为是最具表现力的“地狱苦难标本”。）：

👇罗丹创作于1893年的雕塑《永恒的偶像》（L'Éternel Idole）。该作品以大理石呈现，现藏于法国巴黎罗丹美术馆。

作品聚焦男女情爱主题：男性裸体跪俯于女性面前，姿态充满崇拜与虔诚，女性则以垂直轮廓形成视觉主导，二者被粗糙的岩石状外框包裹，既突出亲密张力，又隐喻情感的禁锢与升华。罗丹通过肉体的写实刻画，将情欲升华为精神层面的“永恒崇拜”，回应了他对人性、欲望与命运的深刻思考——即便被情欲困扰是人类苦难的源头，爱仍能成为灵魂的救赎。作品最初名为《祭品》（Le Hostie），更直接点明“奉献与崇拜”的核心，后来罗丹改用“永恒的偶像”，强调爱本身成为超越时间的信仰载体。

这类主题曾令罗丹饱受“宣扬淫秽”的批评，但他坚持以雕塑剖析人性的复杂，将短暂的情感火焰凝固为永恒的艺术存在，正如他所言：“如果真理不应消亡，那么我可以预见，我的雕像必将屹立不倒。”

👇《行走的人》是奥古斯特·罗丹创作于1900年左右的青铜雕塑作品，是其最具现代感的代表作之一。 

该作品的创作灵感可追溯到1877-1878年，罗丹当时为《圣若翰洗者铜像》制作了腿部习作和一具胸像，约1899年，他将这些部分组合在一起，形成了《行走的人》的雏形。

雕像没有头部和双臂，仅以躯干和双腿呈现出一个人大步向前的动态。躯体略微前倾且向左旋转，双腿迈开，虽有细微的不平衡，但却增强了运动的真实感，让观者能感受到其中蕴含的无穷动能。

罗丹秉持“真实与自然”的创作理念，他认为行走是一段时间的动态，是一个完整的动作，于是将行走的连串动作分别呈现在人体各个部位上，让观者视线随之移动，产生雕像活动和行走的感觉，突破了传统雕塑对瞬间状态的表现。

作品注重材料自身的质感表达，通过特殊的塑造手法，展现出青铜细腻、流动的质感，对后来的现代主义雕塑发展产生了重要影响。同时，罗丹打破了雕刻作为纪念碑装饰的传统，将其变成表现思想和个人抒情的工具，赋予了雕刻新的生命：

👇这是罗丹创作于1884—1895年的青铜胸像《皮埃尔·德·韦尔宗》（Bust of Pierre de Wissant），出自其标志性群雕《加莱义民》，现藏于巴黎罗丹博物馆：

历史语境与人物身份：

皮埃尔·德·韦尔宗是14世纪英法百年战争中，六位自愿赴死以保全加莱城的市民之一。罗丹打破“单英雄纪念碑”的传统，塑造全部六位义民，而皮埃尔的胸像以“饥饿与坚毅刻蚀的面部”“紧抱城门钥匙的佝偻姿态”，成为“凡人牺牲精神”的象征。

材质与肌理的叙事力：

青铜表面氧化形成的深色铜绿，模拟饥饿导致的枯槁肤色；斗篷的褶皱与手部的骨节用粗犷肌理表现“肉体的脆弱”，但面部的精细刻画（微垂的眼睑、紧抿的嘴唇）传递出“精神的强韧”——这种“物质的粗糙与精神的精致共生”，是罗丹“残缺美学”的延伸。

姿态的戏剧张力：

皮埃尔身披斗篷，身体微侧，钥匙卷轴紧贴胸口，仿佛能感受到他“走向断头台时的沉重步伐”。罗丹刻意弱化“英雄化”的肌肉线条，转而用“佝偻的肩颈”“松弛的手部”塑造“被命运压垮却未屈服的凡人”，让观者在“破碎中看见完整的灵魂”。

《加莱义民》系列颠覆了纪念碑雕塑的范式：罗丹将“英雄”降维为“挣扎的凡人”，用六组不同的痛苦神情（皮埃尔的“隐忍”、让·德·艾尔的“悲愤”等）构建“集体悲剧中的个体精神图谱”。里尔克评价：“皮埃尔的胸像里没有胜利，只有泥土般的真实——这是对牺牲最诚实的致敬。” 这件作品与《思想者》《吻》共同奠定了罗丹“以平凡躯体承载史诗重量”的创作地位，至今仍是公共艺术“去崇高化”转向的标杆。

（注：《加莱义民》原作现立于法国加莱市政厅前，巴黎罗丹博物馆藏有包括皮埃尔胸像在内的多件石膏与青铜版本。）：

👇这是罗丹创作于1884—1886年的彩色石膏雕塑《加莱义民：让·德·艾尔》（Jean d'Aire, from The Burghers of Calais），是其标志性群雕《加莱义民》的核心形象之一，现藏于巴黎罗丹博物馆。

核心特点

历史叙事与人物身份：

让·德·艾尔是14世纪英法百年战争中，六位“加莱义民”（自愿赴死以保全城市的市民领袖）之一。罗丹打破传统纪念碑的“英雄化”套路，塑造他“身披破布、肌肉因饥饿而枯槁却眼神坚毅”的形象，将“历史英雄”降维为“被命运碾压却未屈服的凡人”。

材质与肌理的情感张力：

彩色石膏（面部偏灰、布料呈土褐色）模拟“饥饿与疲惫侵蚀的肉体”；布料褶皱的粗犷肌理（手指按压的痕迹清晰可见）与面部的精细刻画（微张的嘴唇、凹陷的眼窝）形成对比，体现“物质的脆弱”与“精神的强韧”共生——这种“未完成感”是罗丹“残缺美学”的典型实践。

姿态的戏剧冲击力：

让·德·艾尔双手展开破旧的布幅，身体微侧，仿佛在“最后一次回望家乡”。罗丹刻意弱化肌肉的“理想化线条”，转而用“松弛的肩颈”“佝偻的躯干”塑造“被苦难压垮却保持尊严的凡人”，让观者在“破碎中看见完整的灵魂”。

《加莱义民》系列是罗丹颠覆纪念碑范式的里程碑：他用六组不同的痛苦神情（让·德·艾尔的“隐忍”、皮埃尔·德·韦尔宗的“悲愤”等）构建“集体悲剧中的个体精神图谱”，将“英雄叙事”转化为“凡人的牺牲史诗”。里尔克评价：“让·德·艾尔的石膏像里没有胜利，只有泥土般的真实——这是对牺牲最诚实的致敬。” 这件作品与《思想者》《吻》共同奠定了罗丹“以平凡躯体承载史诗重量”的创作地位，至今仍是公共艺术“去崇高化”转向的标杆。

（注：《加莱义民》原作现立于法国加莱市政厅前，巴黎罗丹博物馆藏有包括让·德·艾尔胸像在内的多件石膏与青铜版本。）：

👇图中四幅作品是罗丹美术馆馆藏的19世纪法国巴比松画派风景画，虽非罗丹雕塑，却与馆藏雕塑形成“自然主义精神的互文”，展现19世纪法国艺术“以自然为信仰”的整体思潮：

这四幅画属于巴比松画派（19世纪中期活跃于巴黎近郊枫丹白露森林的画家群体），代表人物包括柯罗（Camille Corot）、杜比尼（Charles-François Daubigny）等。他们主张“对景写生”，用松散的笔触捕捉自然的光影与空气感，色调柔和朦胧，题材多为森林、河岸、农舍，与罗丹雕塑“强调肉体与自然融合”的理念一脉相承。

馆藏意义：雕塑与绘画的“自然主义对话”

罗丹美术馆的绘画收藏（尤其是巴比松风景画）并非“配角”，而是与雕塑形成深层呼应：

光影与材质的共鸣：巴比松画中“空气的透明感”“树叶的颤动”，与罗丹雕塑“粗糙肌理模拟自然风化”（如《思想者》的青铜氧化、《加莱义民》的石膏粗粝）共享“自然物质性”的追求；

生命叙事的互补：罗丹用人体雕塑讲述“苦难与沉思”，巴比松画家则用风景描绘“自然的永恒生命”，二者共同构建了19世纪法国“以自然为精神载体”的艺术图景。

代表作品与风格细分（以馆藏典型为例）

柯罗的“银灰色抒情”：如馆藏《孟特芳丹的回忆》（或类似风格作品），以倾斜的树枝、薄雾中的湖面营造“梦幻般的诗意”，银灰色调与柔和笔触弱化了具体轮廓，仿佛“用空气雕刻风景”——这与罗丹《地中海》中“肉体曲线模拟海浪”的理念异曲同工；

杜比尼的“水之史诗”：如馆藏《奥伯特沃兹的水闸》，用细碎的笔触表现河水的流动与反光，“让水成为自然的呼吸”——类似罗丹《思想者》中“肌肉的紧绷与松弛”所暗示的“内在生命律动”。

这些风景画在罗丹美术馆的展陈中，通常与雕塑并置（如《思想者》旁悬挂柯罗的森林习作），观众可直观感受：罗丹的雕塑是“凝固的自然力量”，而巴比松的风景是“流动的生命气息”，二者共同诠释了19世纪艺术“向自然学习真理”的核心追求：

👇罗丹的雕塑《克吕塞伊斯的头巾》（Le Vêtement de Chryseis，又名《戴头巾的少女》）。

背景：创作于1885年左右，以罗丹的情人兼学生卡米尔·克洛岱尔为模特。“克吕塞伊斯”源自荷马史诗《伊利亚特》中阿波罗祭司的女儿，罗丹借古典题材赋予现代情感。

艺术特色：雕塑以白色大理石雕琢，少女头部微垂，面容温婉柔和，头巾的褶皱如流水般包裹住颈部与肩头，通过细腻的光影变化展现织物的柔软质感，与肌肤的温润形成对比；整体氛围既静谧又略带忧郁，体现了罗丹对女性内心情感的深刻刻画。

意义：这件作品是罗丹融合古典元素与现代情感的典型案例，既延续了古希腊雕塑对人体美的追求，又以自然主义的手法突破了传统束缚，为他后来的创作（如《地狱之门》《吻》）奠定了情感表达的基础：

👇这是奥古斯特·罗丹的石膏雕塑《伏尔泰像》（Voltaire），是他为纪念法国启蒙思想家伏尔泰创作的立像作品：

创作背景：罗丹以伏尔泰为题材，展现这位启蒙巨匠的思想力量。雕塑突破了传统“坐像”的局限，采用站立姿态，让伏尔泰身着18世纪长外套、手持文稿，仿佛正慷慨陈词，呼应他“法兰西思想之王”的形象。

艺术特点：雕塑表面保留着粗犷的石膏肌理，衣纹与面部刻画充满动态感——深蹙的眉头、微张的嘴唇传递出伏尔泰的锐利与激情；破损的石膏（如头部、基座的残缺）是罗丹“未完成美学”的典型特征，强调创作过程的生命力，而非对细节的雕琢。

馆藏与意义：这件石膏原型藏于巴黎罗丹博物馆，是理解罗丹“以动态与残缺表现精神力量”的关键作品。它不仅是对伏尔泰思想的致敬，也体现了罗丹打破古典雕塑“完美性”、追求“情感真实”的现代雕塑理念：

👇罗丹的《青铜时代》 ：创作于1876年，是青铜人体雕塑。雕像以一位身材健壮的年轻士兵为模特，塑造了一个匀称而完美的青年男性人体。他左腿支撑全身，右腿稍弯曲，右手扶头，头微向后仰，双目合闭，似从沉睡中醒来，正舒展身体，展现出人类最初觉醒、摆脱蒙昧的状态。该作品是罗丹的成名之作，也是其代表作之一。体现了他精确的解剖知识和卓越的雕塑技巧，对欧洲近代现实主义雕塑的发展产生了较大影响：

👇罗丹的青铜雕塑《号召武装》：

☝奥古斯特·罗丹的青铜雕塑《号召武装》（L’Appel aux Armes，又名 The Call to Arms），创作于1879年，是他为纪念1870年普法战争中巴黎保卫战而作的重要作品。

青铜组，亚历克西斯·鲁迪尔(Alexis Rudier)于1912年砂铸。1957年尤金·鲁迪尔夫人。S.469。8：

主题与构图：雕塑展现了一位濒死的法国战士身躯扭曲地倚靠在振臂呐喊的“ winged spirit（象征法国之魂）”怀中。天使般的灵体双臂张开、面部因呐喊而紧绷，战士则以裸露的躯体呈现生命消逝前的挣扎，肌肉线条与翅膀的动态褶皱形成强烈的戏剧张力。

创作背景：罗丹将这件作品提交给1879年巴黎保卫战纪念碑设计竞赛，虽未获奖，但其对战争残酷性的“自然主义”刻画（如战士的脆弱与灵体的悲愤）突破了传统英雄纪念碑的程式化叙事，成为他早期探索“情感张力与人体真实感”的标志性作品。

艺术风格：通过粗糙的青铜肌理与夸张的肢体语言，罗丹弱化了“胜利”的宣传性，转而聚焦于战争中个体的痛苦与精神的不屈，呼应了他后来《思想者》《加莱义民》对“人性深度”的挖掘。

现存与影响：作品现存多个青铜版本（藏于巴黎罗丹博物馆、华盛顿国家美术馆等），其石膏原模曾在布鲁塞尔展出，并于二战后流转至法国加尔省国家博物馆，成为研究罗丹从“古典写实”转向“现代情感表达”的关键物证：

👇罗丹的《贝隆贝洛娜》（Bellona）：

☝罗丹的《贝隆贝洛娜》（Bellona）是一件创作于1879年的雕塑作品。贝洛娜是罗马神话中的战争、毁灭、征服和嗜血女神。

这件作品是罗丹为纪念法国第三共和国而作。当时法国在普法战争后重建共和国，罗丹将其提交给一个公共纪念碑设计竞赛，意在纪念新政府。雕塑为青铜材质，带有大理石底座，展现了贝洛娜凶猛的形象。有观点认为，该作品是以罗丹的伴侣罗斯·贝雷特为原型创作的，表现了她生气时的样子，雕塑中的人物头部向后仰，带着骄傲的愤怒，动态地转向右肩一侧。

不过，这件作品当时并未在竞赛中获奖，因为在当时法国的和平主义氛围下，将法国与战争联系起来的作品不受欢迎。目前，该作品的部分铸件被收藏在斯坦福大学坎托视觉艺术中心等机构：

👇《永恒的春天》（The Eternal Spring）是法国雕塑家奥古斯特·罗丹的代表作之一，展现了他对爱情与人体之美的深刻诠释。

创作背景：作品于1884年构思，1901年至1903年制作，最初罗丹打算将其作为《地狱之门》的一部分，题材取自但丁《神曲·地狱》中保罗与弗朗西斯卡的故事，但因作品氛围过于欢快，最终被改为独立雕塑。

​情感内涵：雕塑被认为是罗丹与卡米耶·克劳岱尔恋情的艺术写照，卡米耶于1882年进入罗丹工作室后，两人展开了一段热烈的恋情，这段感情为罗丹的创作注入了激情，《永恒的春天》捕捉到了他们爱情中最炽热、动人的一刻。

​艺术特色：雕塑中，少年背倚石座，左手抓石支撑，右手揽住少女肩头，低头深情亲吻；少女斜跪在地上，仰首迎接，身躯向后弯伸，两人身体交织，姿态充满张力与动感，线条流畅，仿佛被时间定格，却又传递出流动的爱意，展现了罗丹对人体姿态和情感表达的精湛把握。

​作品影响：这是罗丹成熟时期的杰作之一，以其独特的艺术魅力和深刻的情感内涵，成为了罗丹最受欢迎的作品之一，在艺术史上具有重要地位，被多个博物馆收藏：

罗丹于1917年创作的代表作之一《思想者》，全尺寸青铜雕像：

☝奥古斯特·罗丹(1840-1917)《思想者》，全尺寸青铜雕像，1917年用沙子铸造而成。1953年，尤金·鲁迪尔夫人，第1131节。11：

《思想者》（Le Penseur）是奥古斯特·罗丹最具代表性的雕塑作品之一，被誉为人类思想与精神的象征。

创作背景：最初创作于1880-1882年间，是罗丹为巴黎装饰艺术博物馆大门《地狱之门》设计的核心人物，原型源自但丁《神曲》中凝视地狱的诗人形象，后被独立成单座雕塑。

形象特征：雕塑刻画了一位赤裸的男性，屈膝而坐，右手托着下颌，全身肌肉紧绷，眼神深邃专注，呈现出强烈的沉思状态。罗丹通过夸张的肢体张力（如隆起的前额、紧绷的脖颈、紧握的拳头），将“思考”这一抽象行为转化为极具力量感的视觉形象。

艺术意义：作品打破了传统雕塑对“完美人体”的追求，以粗糙的肌理、自然的动态展现人性的厚重与复杂，既体现了对人类命运的深沉思考，也标志着罗丹“以情感驱动形态”的创作理念走向成熟。

现存与影响：原作为青铜材质，现存多个版本（包括巴黎罗丹博物馆的大型青铜像），其形象已成为“思考”的全球文化符号，影响了后世无数艺术创作与大众文化：

👇罗丹的《亚当》（Adam）石膏像：

☝罗丹的《亚当》（Adam），构思于1880年，1881年完成石膏原模并在巴黎沙龙展出。

背景：《亚当》是罗丹为巴黎装饰艺术博物馆未完成的青铜门《地狱之门》设计的核心人物之一，灵感源自米开朗基罗西斯廷教堂天顶画《创造亚当》与佛罗伦萨大教堂《耶稣基督之死》的姿态融合，象征“原罪带来的痛苦与生命觉醒”。

艺术特点：雕像以扭曲的裸体男性呈现“从尘土中诞生”的瞬间——右脚后跟刚离开基座（似从大地中起身），左臂夸张扭转，肌肉与骨骼的起伏被罗丹塑造成“大地般的地形”，粗糙肌理与动态张力打破了古典雕塑的静态完美，呼应他对“自然主义与情感表达”的追求。

馆藏与版本：石膏原模藏于巴黎罗丹博物馆；青铜版本由乔治·鲁迪耶铸造厂制作，现存多个机构（如纽约大都会艺术博物馆、巴黎罗丹博物馆）。1938年，《地狱之门》的青铜铸件被安放在罗丹博物馆入口（后面有展示），而《亚当》作为独立雕塑成为其标志性作品之一：

👇下面是罗丹购买并收藏的几副名人画：

1、皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿（1841-1919)画的《女性裸女 》VERS / CIRCA / HACIA 1880的油画。

罗丹于1910年从伯恩海姆﹣琼画廊购买。罗丹：捐赠，1916年。 P .7334：

👇2、文森特·梵高（1853-1890)画的

《阿尔勒的高架桥或蓝色火车》，作于1888年的油画。

捐赠：罗丹，1916年。 P .7303号：

👇3、文森特·梵高(1853-1890)的《收割者》，1888的油画。捐赠：罗丹，1916年，P.7304号：

👇4、文森特·梵高（1853-1890)的《唐吉神父》，PERE 唐古伊·唐吉父亲，作于1887的油画。

模特是朱利安·坦吉（1825-1894)，色彩商人。

捐赠：罗丹，1916年。 P .07302。

VAN GOGH , LE PERE TANGUY

文森特·梵高（ Vincent Van Gogh ）画了三幅彩色商人的肖像画，商人的艺术家朋友称他为唐吉神父。罗丹（ Rodin ）购买的版本描绘了这位身穿布列塔尼西装的商人画，坐在日本版画墙前。可识别的。色彩的生动活泼、透视的缺乏和对光明的处理是梵高作品的特点，罗丹认为它是对学术公式的令人钦佩的突破：

👇《加莱义民》（The Burghers of Calais）是雕塑家奥古斯特·罗丹于1884年至1895年创作的青铜群雕，现立于法国加莱市市政厅前 。

创作背景：作品取材于14世纪英法百年战争时期，加莱城被英军围困，城破后英王爱德华三世要求加莱选出六位最有声望的市民，身穿麻衣、颈套绳索、光脚交出城门钥匙并接受处死，以换取城市保全。圣皮埃尔等六位市民挺身而出，最终因英王王后求情而获释。

雕塑内容 ：群雕共塑造了六位义民形象，他们身材相似，站立在一起，分为两组，前边三个一组，后边三个一组。人物造型神态各异，有的低头沉思，有的抱头痛苦，有的攥着钥匙心有不甘，展现出面对死亡时的悲愤、恐惧、无奈等复杂心理。

艺术特色：罗丹打破传统纪念碑雕塑塑造一座人像和象征手法的框框，采用写实手法，注重心理刻画和性格表现，群像没有固定的正面，可以多角度欣赏，树立了近代纪念碑雕塑的范例。

历史意义：《加莱义民》以独特手法和深刻情感，连接近代与现代雕塑，展现了罗丹现实主义艺术成就，对后世雕塑创作产生了重要影响：

👇这是罗丹于1885年创作的青铜雕塑《皮埃尔·德·维森特》（又名《皮埃尔·德·韦桑特》），是其代表作《加莱义民》群雕中最富情感张力的独立全身像版本。以下是作品核心解读：

1. 历史原型：悲壮的自我牺牲

皮埃尔·德·维森特是14世纪英法百年战争中“加莱六义民”之一。当时英军围困加莱近两年，提出“交出6位市民即可赦免全城”的残酷条件。作为富商与土地所有者，他本可逃避，却选择与其他5位市民自愿赴死，以生命换取全城百姓的安危。罗丹的雕塑正是对这一历史悲剧中个体精神的深度刻画。

2. 情感塑造：痛苦与尊严的凝练

姿态语言：雕像以裸体男子形象呈现，双臂交叉抱头、身体微侧蜷缩，肌肉紧绷如弦——既传递出面对死亡时的生理痛苦，又隐含着对命运的隐忍与尊严。这种“脆弱中的坚韧”打破了传统英雄雕像的“崇高说教感”，还原了普通人在历史洪流中的真实挣扎。

材质与肌理：青铜表面保留着粗犷的塑造痕迹（如褶皱的不规则起伏、皮肤的颗粒感），仿佛将人物内心的撕裂与动荡“凝固”在金属中，强化了悲剧的质感。

3. 艺术突破：从“纪念碑”到“人性史诗”

罗丹摒弃了古典雕塑对“完美比例”的追求，转而聚焦心理真实：

他拒绝将皮埃尔塑造成“理想化英雄”，而是呈现其作为凡人的恐惧与挣扎——这种“不完美”恰恰让作品更具人性温度，成为人类面对厄运时的精神缩影。

与《加莱义民》群雕中“集体赴死”的宏大叙事不同，这件全身像更像一则“个人精神独白”，通过个体的痛苦折射出整个群体的牺牲重量。

4. 此雕像在罗丹创作中的地位

《皮埃尔·德·维森特》是理解罗丹“以情感重构雕塑语言”的关键样本：他用粗糙的肌理、扭曲的肢体，打破了新古典主义“静穆崇高”的范式，为现代雕塑打开了“表现内心世界”的维度。这件作品也影响了后续《思想者》《巴尔扎克像》等作品对“精神张力”的探索——罗丹始终相信：艺术的力量源于对人性本真的直面。

但仔细观察，雕像是个女性。这确实是个容易让人困惑的点。其实《皮埃尔·德·维森特》 所表现的人物是男性，不过罗丹在创作时采用了较为写实且强调精神内涵的方式，加上雕塑的姿态、人体特征呈现等，可能会让不熟悉背景的人产生性别误判 。

从雕塑本身看，它展现的是皮埃尔·德·维森特作为加莱义民，在面临牺牲时复杂的精神状态，像痛苦、隐忍、对命运的抗争等，罗丹着重刻画的是人性与精神层面，而非传统意义上对性别特征的突出塑造，所以会带来这样的视觉感受差异，不过结合历史原型，其人物设定是男性啦：

👇这是罗丹作品《加莱义民》群雕中的一个局部青铜塑像：

罗丹上承米开朗琪罗的张力，下启现代主义对“形式解放”的探索。他摒弃了新古典主义对“完成度”的执念，允许雕塑表面保留粗犷的肌理（如《加莱义民》中青铜的自然氧化痕迹），让“未完成感”成为情感的延伸。这种创作理念深刻影响了后续的布朗库西、贾科梅蒂等艺术家，为现代雕塑打开了“表现内心世界”的新维度：

👇《马头》（Horse's Head）石膏雕塑，是罗丹艺术探索中的一件作品：

创作背景：罗丹对人体、动物形态都有深入研究，这件马头雕塑是他探索动物动态与精神表达的成果，和他为大型作品（如《地狱之门》等）积累素材、锤炼技法相关，通过捕捉马的神态，展现生命力与情感 。

艺术特点：以粗犷、写意的雕塑语言呈现，表面肌理粗糙，保留着创作过程中随意而生动的痕迹，通过简洁的块面、起伏，精准刻画出马头的轮廓、五官神态，传递出马的力量感与内在精神，体现罗丹“意在形先”，用简洁造型传达强烈情感的创作风格。

作品意义：展现了罗丹对动物形象艺术化呈现的能力，是研究他雕塑创作中对“动态捕捉”“精神提炼”的重要样本，也让观者透过马头这一局部，感受雕塑艺术以小见大、传递生命力的魅力，常被视为罗丹探索雕塑多元表达的典型作品之一 。

它常陈列于罗丹艺术馆等场馆，作为理解罗丹创作思路的一个独特视角：

☝奥古斯特·罗丹(1840-1917)《马头》。1890克劳德·洛林纪念碑的石膏研究。捐赠罗丹，1916年，S.2315。

👇这是奥古斯特·罗丹的雕塑作品《背负巨石的堕落女像柱》（Fallen Caryatid Carrying Her Stone）。

创作背景与主题

作品源自罗丹为《地狱之门》设计的装饰元素：最初是位于《地狱之门》左上角的小型蹲伏女性形象，后被放大并独立成雕塑。“女像柱（Caryatid）”本是古希腊建筑中支撑屋顶的女性雕像，通常姿态端庄；但罗丹将其重塑为“堕落”的挣扎形象——裸体女性被巨石压垮，身体呈蜷缩俯卧姿态，展现人类在命运重负下的痛苦与未彻底屈服的勇气，隐喻“即使被压垮，仍未放弃”的精神。

艺术特色

材质与对比：雕塑保留了粗糙的石材基座，而人体部分则打磨得细腻光滑，通过“粗粝背景”与“柔美躯体”的强烈反差，凸显肉体承受的压迫感与精神张力。

多角度叙事：罗丹打破传统雕塑的“正面性”，作品可从360°观赏——不同角度下，人体的扭曲、巨石的重量感会呈现出不同的情绪层次，强化了“命运压迫”的多维体验。

象征意义：既呼应《地狱之门》中“人类被欲望与苦难吞噬”的主题，也跳出了宗教叙事，成为对“人性韧性”的普遍隐喻：即使被命运碾压，个体仍以身体姿态抗争。

历史影响

该作品是罗丹“以身体叙事精神”的典型案例，其对“残缺美”“材质对比”的探索，直接影响了后续现代雕塑的创作方向（如布朗库西、亨利·摩尔对“身体与空间”的实验）。如今，它被视为罗丹从古典主义向现代主义过渡的标志性作品之一，在巴黎罗丹博物馆、纽约大都会艺术博物馆等机构均有收藏：

👇罗丹的《莫扎特（德古斯塔夫马勒肖像）》：

☝译文-奥古斯特·罗丹(1840-1917)《莫扎特（德古斯塔夫马勒肖像）》。

注：他（1860—1911）是奥地利作曲家及指挥家，浪漫主义晚期代表作曲家之一 。他的创作领域主要是交响曲和艺术歌曲，代表作有《巨人》《复活》和《大地之歌》等。但不是奥地利古典主义时期作曲家沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart，1756—1791）。

莫扎特（古斯塔夫马勒肖像）1911大理石，源自1909年的古斯塔夫·马勒肖像，由实践者阿里斯蒂德·鲁索（Aristide Rousaud）雕刻而成。捐赠罗丹1916,S.01085

👇罗丹的代表作之一《吻》原始版本 ：创作于1884-1886年，为大理石雕像，高190厘米，现藏于巴黎罗丹美术馆。作品取材于但丁的《神曲》，描绘了弗朗切斯卡与保罗这对情侣在幽会中热烈接吻的瞬间。雕塑以古典写实手法雕刻，将双人座像的下半部纳入大理石整体，避免脚部的繁琐，加强了整体感。人物起伏细腻、姿态优雅，肌体在光影下生动逼真，展现出青春热情与生命活力，同时也表达了罗丹对人类欲望、罪恶和痛苦的思索：

👇这是另一个版本：

👇罗丹1886年创作的大理石胸像《罗尔夫人像》（Madame Roll）。作品以柔和的线条刻画了罗尔夫人的卷发与衣饰褶皱，同时保留了大理石未完全抛光的粗犷肌理（如肩部与底座的粗糙质感），既展现19世纪巴黎社交名流的优雅气质，又延续了罗丹突破古典“完美光滑”、强调创作过程生命力的艺术风格：

👇展馆现场的罗丹工作视频照：

👇在展馆二楼凭窗外望前面的法式花园：

👇展望美术馆后花园环境：

👇花园远处罗丹的雕塑《吻》：

👇后花园回望美术馆：

《地狱之门》是罗丹耗时近40年（1880-1917年）创作的大型青铜浮雕，是他艺术生涯中最具野心的作品之一：

👇创作背景：受巴黎装饰艺术博物馆委托，以但丁《神曲·地狱篇》为灵感，计划作为博物馆大门装饰。作品未完全完成，罗丹去世后由助手根据其设计铸造。

艺术特点：整体高约6米，宽4米，刻画了数百个受地狱之苦的人物形象，姿态扭曲、神情痛苦，充满张力。其中包含《思想者》（原为但丁的化身，后独立成作）、《吻》等经典局部，通过粗犷的肌理、重叠的构图，传递人性的挣扎与欲望的冲突。

作品意义：打破了古典雕塑的和谐美感，以“不完美”“未完成”的风格（如部分人物仅具雏形）展现对人性的深刻反思，奠定了现代雕塑的重要基础，成为象征人类精神困境的永恒符号。

该作品现藏于巴黎罗丹博物馆，是理解罗丹艺术理念与现代雕塑转型的核心作品。

👇罗丹的《地狱之门》：

👇部分细节图，“三个影子”赫然在“门”的顶端（详见绿色剪头所示）；“思想者”位于突出的位置（详见红色剪头所示）：

👇生动的群雕给人留有深刻的印象：

👇回到美术馆门口花园里，与罗丹的著名雕塑《地狱之门》合影：

👇希望我们都能成为“思想者”，为社会进步做贡献🙏

👇最后以尤金·卡列尔(1849-1906)的《罗丹肖像》1900年前后作于巴黎的油画（罗丹博物馆，奥雷博物馆馆藏），为当天的行程花上个句号：

明天我们将前往距离巴黎以西约400公里‌属于诺曼底地区（Normandie）游览圣米歇尔山及修道院：巴黎自由行第六天（2025.7）：

对巴黎自由行景点感兴趣朋友可点击链接👉探寻巴黎著名“三院”：圣母院、歌剧院、荣军院-自由行之一（2025.7）🙏🌹