加勒比海影像之二十六:波多黎各艺术博物馆2/2

J. Zhang

前一篇是四楼，三楼与一楼和负一楼将是四楼的延续。由于展品之多，全部说明太花时间，我就挑几个有意义或有价值的，然后随机挑一些。

博物馆三楼设有约12个展厅，展示了MAPR的永久收藏，与四楼共同构成24个展区。在这里，您可以欣赏从17世纪至当代的艺术作品，包括绘画、雕塑、版画、摄影与新媒体，细致呈现波多黎各艺术从历史到现代的演变。

三楼设展以“Puerto Rico Plural”（多元波多黎各）为主线，通过不同年代、媒介和主题的艺术作品，展现波多黎各丰富的文化身份与历史体验——从殖民后的社会变迁、乡村向城市的迁移，到民族意识的觉醒与当代艺术的对话。

简单来说，三楼是游客深入了解和体验波多黎各艺术与文化变迁的核心区域。

视野的延伸：关于风景的思考

“风景”一词的起源，指的是从某个特定视点观看一片地域的行为，因此也与我们目光所能抵达的距离相关。地平线，字面上就是大地与天空交汇的界限，划定了空间与疆域。每个国家都有自己的地平线，它在隐喻意义上既指居所，也意味着其所能延展的广度。

在波多黎各的绘画传统中，风景题材可以追溯到十八世纪，当时的艺术家 José Campeche 就在一些肖像作品中以风景作为背景。十九世纪时，Francisco Oller 通过印象派的探索，使风景成为独立题材，尝试捕捉光影变化下的自然景色。

进入二十世纪，风景继续启发波多黎各的艺术家们，他们致力于在画布上展现岛屿的繁茂与独特。然而，随着表现主义与抽象艺术在二十世纪中叶传入岛上，风景表现变得更加复杂。艺术家们不仅仅再是对地理的写实描绘，还加入了主观与心理元素，使风景成为冥想与思考的对象，同时也化为一种不安的象征符号，观众在多重意象中与艺术家一同进入内心世界。

上面这幅黑白木刻版画出自波多黎各艺术家拉斐尔·里韦拉·罗萨（Rafael Rivera Rosa）。作品以粗犷线条与强烈黑白对比构成抽象形体，充满力量与张力。里韦拉·罗萨是当地重要版画家之一，他常以抽象与象征探讨社会与文化认同，此作兼具艺术表现力与深厚文化价值。

下面这幅作品由波多黎各艺术家 Carlos Irizarry 创作，以格子拼贴与绘画结合的方式构成两张人脸形象。黑白与彩色方格交织，既展现时间与记忆的层层叠加，也象征个体身份的多重维度。作品通过解构与重组，探索了个人与集体记忆、过去与现在之间的关系，体现出波多黎各当代艺术对身份与文化的深刻思考。

下面这幅作品出自波多黎各艺术家 Rafael Ferrer（1982），以鲜艳的色彩和夸张的造型表现拉丁文化的热情与活力。画中红发女舞者与击鼓乐手共同营造出充满节奏感的氛围，背景的抽象热带植被强化了加勒比地区的文化印记。作品融合音乐、舞蹈与民间娱乐元素，讴歌波多黎各的生活能量，也反映出艺术家对身份与文化根源的自豪与赞颂。

下面这件作品由艺术家 Hiram Palacios 创作，题为《Nacimiento》（诞生）。画面（有3维，在再下面的视频中你能看到立体动感吗？）以极简手法表现生命起源的意象，主体采用柔和的白色与浅色渐变，呈现出子宫般的形态与圆形光晕，象征孕育、生成与灵性升华。艺术家通过模糊与留白，引导观者进入冥想般的空间，思考生命从无到有的过程。作品既具抽象美感，又承载哲理，凸显对人类存在、母性与自然循环的深刻思索，极具象征意义与艺术价值。

上面这幅作品由波多黎各艺术家多明戈·加西亚创作，以大胆的表现主义笔触勾勒女性肖像。粗犷的线条与深沉的色块交织，营造出强烈的情绪张力，而鲜红的双唇成为画面的视觉焦点，象征欲望与生命力。作品突破传统肖像的再现方式，更强调内心情感的流露与身份的探索，展现了艺术家独特的现代视觉语言。

下面这组展品由四幅海报组成，展现了20世纪波多黎各艺术与政治运动的紧密联系。左上《Ponce 1937》描绘了著名的“庞塞大屠杀”，以蓝黄对比纪念被镇压的游行。右上海报上印有爱国人物形象与“102 años de lucha（102年斗争）”，象征独立运动的历史延续。左下作品是艺术家Carlos Irizarry的展览宣传海报，运用重复人脸与强烈色彩，体现批判与抗争精神。右下则融入切·格瓦拉的肖像，以纪念性图像强调革命理想。这些作品不仅是艺术创作，更是历史见证，记录了波多黎各社会的抗争、身份认同与文化自觉。

下面这件是羽毛与人像结合装置

艺术家将真人面孔与秃鹫形象融合，羽毛自然垂落，既美丽又充满张力。背景布料带有古典图案，与现实肖像形成对比。作品探讨死亡、再生与身份认同，反映人类与自然、人与动物间的微妙关系。

上面这件几何马赛克立柱造型

由不同色彩与材质拼接而成，结合红、绿、蓝与碎石马赛克的几何图案。整体造型宛如图腾柱，传达出人与自然、宇宙的联系。作品以简练符号呈现节奏感，象征文化根源与生命循环。

上面这件作品由波多黎各艺术家伊莎贝尔·贝尔纳尔创作，以布料、珠片等材料拼接成夸张女性形象。人物穿着紧身衣与网袜，头戴华丽花饰，面部多层眼睛带有超现实感。作品通过艳俗美学讽刺社会对女性身体的凝视与消费，同时也是对性别与身份的挑战与思考。

上面这件展品由艺术家 Bobby Cruz 创作，以蓝色霓虹灯拼出西班牙语俗语“ALO HECHO PECHO”，意为“既成事实，就要勇敢面对”。霓虹灯的光亮与简洁背景形成强烈对比，赋予作品现代都市感和视觉冲击力。它不仅是文字的再现，更是社会态度的象征，提醒观者在人生和历史中承担责任与后果。通过这种简洁而有力的表达，艺术家将民间智慧转化为当代艺术语言，展现波多黎各文化中的坚韧与勇气。

这幅油画描绘一群劳动者围坐桌旁的场景，桌上摆放面包与酒瓶，营造出质朴而热烈的氛围。厚重笔触与深沉色调凸显他们坚毅又疲惫的面容。作品不仅展现工人阶级的日常，更象征团结与生命力，体现艺术家对社会现实与劳动者尊严的关注。

这幅作品是波多黎各艺术家 Rigoberto Quintana Rivera 的《El Yunque》，描绘了岛上最具代表性的热带雨林景观。画面以深绿为主调，层层叠叠的树冠覆盖山岭，展现雨林的丰饶与厚重。山顶被云雾环绕，突显自然的神秘与力量。艺术家通过细密的笔触传达自然的生命力与延绵不绝的气息，同时也彰显出波多黎各人与土地、自然的深厚连接。

上面这些色彩鲜艳、造型夸张的面具源自波多黎各传统节庆，常见于庞塞和维加巴哈的狂欢节。它们多以纸浆、木材或椰壳制成，配上尖角、獠牙与放射状装饰，象征驱邪与守护。面具艺术融合了非洲与西班牙文化，不仅展现独特的民间想象力，也承载着社区的信仰与身份认同，成为节日和民俗文化的重要象征。

身份的价值：大众想象

我们的风俗与传统，可以视为由人类群体创造、传递的一张网络，包含物质的、艺术的与精神的表现。这些价值、信仰与实践，构成了我们“如何看待自己”的形象，同时也表明我们如何区别于其他文化。比如音乐、舞蹈、美食、节庆、宗教仪式、传统游戏等。

这些表现形式是我们历史的重要组成部分，因为它们有助于保存我们的价值与身份。但在许多情况下，媒体将其转化为陈规或与“他者”的对比，变成一种娱乐消费形式，逐渐稀释了传统本身的意义。然而，它们同时也推动了历史叙事的传播，并创造出新的、多样化的表现方式，与我们的原有传统共存。

波多黎各有着非常坚实的民间传统，有的源自历史上的文化交汇，有的则经过数百年发展至今仍被保存。许多艺术家意识到这些遗产的重要性，并在作品中加以记录。本展厅中的艺术作品与物件，正是波多黎各大众想象力多重表达的见证。

下面这件展品是一幅当代摄影肖像，作品捕捉了一位老年女性鲜明而自信的形象。她以亮红色发型、浓烈妆容和夸张饰品展现独特个性，服饰和指甲色彩呼应整体张扬风格。摄影师通过细致刻画她的表情与装扮，传递出对身份、自我表达和岁月痕迹的深刻思考。此肖像不仅是个人风格的写照，也反映了波多黎各社会中关于美、年龄与多元文化认同的讨论，充满力量与生命力。

艺术与承诺——波多黎各的七十与八十年代

艺术与意识

在20世纪60年代，越南战争爆发。波多黎各参与这场冲突，造成了一个社会环境，动摇了政治与伦理价值观。与此同时，支持岛内外独立的组织不断壮大，强化了他们的政治斗争。而一代新的历史学者也开始重新审视过去，在冷战背景下重建历史意识，并提升艺术家们的社会意识。

进入70年代初，全球范围内被压迫的群体要求自身权利，寻求在社会中占有一席之地，波多黎各也不例外。反对种族、阶级和性别歧视的斗争不断加强，同时LGBTTIQ+运动兴起。女性主义与艺术运动组织的涌现，使艺术家们的目光转向更广泛的社会问题。他们拥抱波普艺术、行为艺术和短暂艺术等新的美学潮流。

到了80年代，波多黎各出现了新的画廊，也发展了竞赛与双年展。一批更新的艺术评论推动并为波多黎各艺术的国际化做好准备。当时的物质与话语环境，对艺术生产带来了深远影响，在技法、风格和主题上开辟新路，并传承给后续一代代艺术家。

下面这件作品是一个沉浸式空间装置，由大幅彩色半透明布料与画布悬挂而成。艺术家利用橙、蓝、绿、粉等强烈色彩，并在表面覆盖刮痕、涂抹和反光质感，使观众在穿行其间时产生视觉和身体的互动体验。作品打破了传统“挂在墙上”的绘画形式，而是将色彩转化为空间氛围，邀请观者进入一个流动的、层叠的色彩世界。它既像绘画的延伸，也是一种探索空间、光影与感官关系的实验。

下面这件展品由艺术家 Wichie Torres 创作，呈现出结合解剖学与几何符号的独特视觉效果。画面以骨骼为主体，叠加像素化头部与三角几何线条，背景的圆形与点阵营造出科学实验般的氛围。作品融合科学、宗教与艺术的语言，质疑人类身体与身份在当代社会中的定义。它既让人联想到达·芬奇的“维特鲁威人”，又通过现代手法展现对生命、知识和科技时代个体存在的思考，极具哲理与批判意味。

这幅画以粗犷线条勾勒出多张变形人脸，背景黑白与橙红对比强烈，营造出紧张氛围。重复的面孔象征群体与匿名，也映射个体在社会中的压迫感与存在焦虑。作品以简化与冲突手法，呈现艺术家对身份与集体意识的思考。

这件装置以木立方体、黄色绘画方块与金属丝构成，局部嵌入圆形木雕，像一面充满能量的“城市墙”。几何秩序与手工雕刻的有机形态形成对比，黄色方块上放射状线条如能量爆点。作品象征自然与人造、秩序与生命力的张力，邀请观者思考平衡与冲突。

重申与变革——九十年代与新世纪

经历了数十年不断的社会、文化与政治斗争后，波多黎各艺术在90年代迎来多元表达与创新实践。那时，新的艺术团体、基金会与评论家不断涌现，推动了艺术舞台的发展，也扩大了本地艺术家的国际影响力。

进入21世纪初，波多黎各的视觉艺术在概念与感性之间展开对话，形成了多样化的艺术语言。社会批判、身份议题与跨文化交流成为重要主题。艺术家们不断探索新方法，运用多媒体、装置、行为、录像等手段，拓展艺术的边界。

在随后的几十年里，艺术进一步体现了全球化与当代性的特征。波多黎各艺术家与国际美学展开深度对话，同时重申并创新传统元素，将符号、图像与过去的美学记忆转化为新的体验与意义。面对快速变化的世界，他们借助新工具与技术，创造出既立足本土又与全球同步的艺术表达。

二楼概览

博物馆的二楼主要位于东翼现代建筑内，作为连接大堂空间的楼层之一。这里集成了activARTE儿童互动艺术空间、保育与修复部门、展品储存区以及博物馆的行政办公区域，功能性强，兼具教育与后台管理职能。

activARTE互动画廊：由建筑师 Stanley Tigerman 设计，自2001年开设并于2012年翻新，是一个面向儿童与家庭的多感官艺术实验室。这里通过数字互动、多媒体展示等方式，引导年轻观众感受艺术美感与创意思维。

保育修复区：设有画作、纸上作品与雕塑修复工作坊，包含光照、化学分析、图像记录等先进设备，为藏品的保护与修复提供专业支持。

储藏与行政办公空间：兼具存放展品和日常运作功能，是博物馆运营的重要后台区域。

上面是波多黎各艺术博物馆的 ActivARTE 教育空间入口，以鲜艳色彩与趣味字体营造活力氛围。该区域是一个教学与学习实验室，将视觉艺术与语言、知识和创造力相结合。墙面圆形信息牌介绍了其使命：通过互动、探索与体验，让观众，特别是儿童和青少年，以更直观和参与性的方式理解艺术。它不仅是展览的延伸，更是博物馆推动艺术教育与社区文化普及的重要平台。

下面这件装置艺术作品以倾斜的几何结构为载体，外层覆盖热带植物与花卉的彩绘图案，象征波多黎各自然的丰饶与色彩斑斓。中央镶嵌黑色方框与镜面，形成“画中画”的视觉效果，邀请观众在其中映照自我，思考人与环境、艺术与现实的关系。作品结合自然元素与抽象形式，既具有装饰美感，也承载文化象征，展现出加勒比地区独特的身份认同与艺术探索精神。

360度相机转化成的视频可以看看其视觉效果

下面这幅作品以鲜艳的色彩和夸张的体态描绘三位舞者，充满节奏与张力。人物动作舒展，背景色彩与身体交融，营造出热烈欢快的氛围。画作不仅表现了舞蹈的生命力与自由感，也象征着波多黎各文化对节庆和集体欢乐的赞美。

下面这件作品名为《Enseñar a los niños》（教导孩子们，1990），融合绘画、摄影与文字。画面中央是一个天真跳绳的孩子，周围环绕鲜艳的大花与报纸碎片。文字写着“Tell our children our story, our pain and our dreams”（告诉孩子们我们的故事、痛苦与梦想），表达了艺术家对历史记忆与社会斗争的传承呼吁，强调教育与希望的重要性。

上面是《Omix Factum》是艺术家Andrés Salas于2007年的作品，以木材和金属拼接呈现拟人化木偶形象。几何切割的身体部件宛如工业化的模块组合，既温润又冷峻。作品探讨个体在现代社会中被分解与重组的处境，寓意身份与人性的再思考。

下面这幅壁画以分层结构呈现波多黎各社会与自然的面貌：顶端是现代城市建筑，中间依次展现农田、社区、工业与交通，底部点缀花卉与自然元素。画面运用鲜明的色块与装饰化线条，将城市发展、乡村生活与自然环境联系在一起，象征社会与生态的共生关系。作品既是对波多黎各历史与现实的写照，也传达出文化记忆与土地纽带的延续。

下面这件展品是一只木制分格箱，内部放置了咖啡豆、卷烟等物品，模拟了波多黎各传统经济作物的存放与贸易方式。它不仅是功能性的容器，更象征岛屿在殖民与现代化过程中对甘蔗、咖啡、烟草等作物的依赖。这种作品以具象的物品唤起观众对历史生产方式和社会记忆的思考，反映出艺术与生活、经济和文化之间的紧密联系。

这是一楼进口处陈列的博物馆模型。

雕塑植物花园占地约2.5英亩，在一楼后花园。她融合自然与艺术之美。园内栽种上万株本地植物，还有竹林、雨林和草原等不同景观。步道蜿蜒其中，点缀着多件现代雕塑，与环境融为一体。花园中央有池塘和小瀑布，养着锦鲤与水生植物，更设有露天剧场举办活动。这里既是艺术展厅的延伸，也是市中心难得的静谧绿洲，让人一边欣赏艺术，一边亲近自然。

后花园

竹林

红色焊接钢雕

由弧面与直面叠搭成构成主义式体块，表面喷漆。转动观看会出现强烈的光影切换与负形空间。

另一面照的

红色圆拱与旋涡

钢制圆门状框体，内置金属旋线与底部球体，置于竹林中如“能量门户”。很适合做取景框拍摄。

灰色石雕（双向“窗”）

两块相向的厚重体量中留出穿孔，中心有连接点。主题多指向“连接/对峙/平衡”。

红银“塔”

三足撑起的红色垂直构件，辅以银色“翼片”，像船帆或火箭。寓意上升、探索与突破。

白色立柱“躯干”

极简曲面上有乳突状凸点，材料似大理石/水泥砂浆。常被解读为身体、母性与感官的隐喻。

白色杆件装置

环绕中轴的格架系统，杆件以拉索固定，可能随风轻微摆动。探讨秩序与随机、自然与工程。

蓝弧+锈钢组合

蓝色弧形如海浪，锈色立方如岩礁/船体，形成动静对照。象征海洋城市的力量与韧性。

树根旁的“浮雕墙”

似混凝土/石材的模块化几何浮雕，像城墙切片或考古遗迹切面。风化痕迹与树根同场，形成“自然—人造”的对话。

草地石阵

低矮石体呈环状排布，形似坐垫/贝壳。营造冥想与聚会的“仪式性”空间。

作品呈现两个人体并肩而立的形象，身体和衣饰融为一体，下方四条腿支撑着一个整体，象征着紧密的联系与共同体。

这种造型常见于20世纪中期的拉美现代主义雕塑，强调简化的形体、粗犷的质感与象征意味。它可能意在表现团结、亲密或族群认同，通过并肩的双人形象传递出凝聚与互助的力量。置于花园的自然环境中，作品与周围绿意呼应，更突出了人与人、人与自然之间的共生关系。

长嘴鸟壁画

街头艺术风格，重复几何底纹与夸张鸟喙并置，墙面小面具增加层次。自然主题与城市肌理融合。

负一楼

中译：

水没有敌人

Omi o l’ota o · Water no get enemy

Jean “Baco” Ortiz

艺术家 Jean “Baco” Ortiz（生于1987年，波多黎各庞塞市）自出生起便生活在 La Cuarta de Tierra 社区，这是 Capitanjeo 区的一个街区。La Cuarta 是一个具有非洲裔根源的地区，这一渊源来自19世纪初该地的甘蔗种植。著名波多黎各画家 Francisco Oller 在1885年创作的作品《La Fortuna 庄园》中，就能清晰看到奴隶劳作的身影。至今，La Cuarta 的居民仍在种族歧视与社会逆境中传承非洲文化遗产，并通过艺术与饮食、历史研究等多种形式保存社区记忆。Baco 的画作以强烈而鲜明的色彩，成为这股文化热情的有力见证。

2017年的飓风以及因气候变化而进行的伊纳邦河河道工程，导致洪水泛滥，淹没了包括 La Cuarta de Tierra 在内的周边社区住宅。正因如此，本次展览中的大部分作品都描绘了一位女性形象：长发、深色肤色、闭眼冥想，漂浮在海水之间。她代表着神秘的 Mami Wata（水之女神），这位水域女神源于非洲多地的文化，并随奴隶贸易船只来到加勒比地区。她是水的女神，象征生命与滋养，但若遭到不敬，也会展现无可抵挡的力量。

展览标题取自尼日利亚歌手、活动家 Fela Kuti（1938–1997）的代表作 《Water No Get Enemy》。歌曲强调了水对生存的重要性：水没有敌人，却不可抗拒、无法忽视。

——胡安·卡洛斯·洛佩斯·金特罗

波多黎各艺术博物馆策展人

这场“水没有敌人”展览以艺术家 Jean “Baco” Ortiz 的作品为核心，通过鲜明色彩与象征性形象，呈现波多黎各社区在飓风、洪水与历史创伤中的坚韧与记忆。画中水既象征生命与滋养，也提醒人类无法抗拒其力量。展览借非洲女神 Mami Wata 的意象，连接过去与当下，传达文化根源与身份认同。走出展厅，观众不仅感受视觉冲击，更思考人与自然、历史与未来之间的紧密关系。