世界名画欣赏系列——雷诺阿《安东尼母亲的小酒馆》

桑子

皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿（Pierre - Auguste Renoir，1841~1919），法国印象派画家，以其充满阳光和欢乐的画作风格而闻名。 1841年，雷诺阿出生于法国中南部城市利摩日。雷诺阿出生于一个工匠家庭，是七个孩子中的老六。9岁时，雷诺阿开始在瓷器厂当学徒工，在学艺过程中对绘画产生了浓厚兴趣。19岁时，雷诺阿随全家迁往巴黎，并正式开始学习绘画。这一时期，他常常去卢浮宫观摩、研究法国著名画家的各种绘画技法。雷诺阿在画家格莱尔的画室学习期间，认识了莫奈、巴齐依、西斯莱等有影响的画家，与他们结下了深厚的友谊。普法战争期间，雷诺阿被征召入伍。复员后的雷诺阿与毕沙罗、莫奈、塞尚、德加等朋友一起，在巴黎自行展览自己的作品，展览被批评嘲讽为“印象派”，雷诺阿等人欣然接受了这个名称。 1873年，雷诺阿迁居蒙马特尔，组建了家庭，结识了画商杜兰，许多重要的画作都诞生于这一时期。 1919年12月3日，雷诺阿在卡涅斯河畔的家中因肺炎逝世。 雷诺阿以画人物出名，将传统画法与印象主义方法相结合，以鲜丽透明的色彩展现光影的变化，其作品洋溢着欢愉明朗的氛围。雷诺阿的代表作有《煎饼磨坊的舞会》《船上的午宴》《罗曼·拉柯小姐》《夏尔潘蒂埃夫人和她的孩子》《游艇上的午餐》《浴女》《爱丽丝·瓦莉耶像》《哺乳的女人》《加布里埃》《音乐会》《裸女》等。 1844年，全家为了改善经济状况搬到了巴黎。雷诺阿从小就展现出了绘画的天赋，13岁时成为瓷器作坊的学徒，这段经历不仅培养了他的绘画技巧，也为他后来的艺术生涯打下了基础。 1862年，雷诺阿进入巴黎美术学院学习，并加入了查尔斯·格莱尔的工作室，在那里结识了莫奈、巴齐耶和西斯莱等日后成为印象派核心成员的朋友。在格莱尔的工作室学习期间，雷诺阿受到了安格尔、德拉克洛瓦等前辈艺术家的影响，同时也在探索和发展自己的艺术风格。他对人物特别是女性形象的刻画充满了温柔与美感，展现了他对生活的乐观态度。雷诺阿最著名的作品包括《包厢》、《游船上的午餐》和《煎饼磨坊的舞会》等，这些作品不仅捕捉了19世纪末期巴黎社会的风貌，也体现了印象派追求光线与色彩变化的核心理念。随着当时印象派运动的发展，他的艺术逐渐得到了更多人的赞赏。 1881年，雷诺阿开始了他的世界之旅，先后访问了意大利和阿尔及利亚，这次旅行对他的艺术风格产生了深远的影响。晚年，雷诺阿遭受了严重的类风湿性关节炎的折磨，但这并没有阻止他继续创作。即使在身体条件极其困难的情况下，雷诺阿仍然坚持绘画，他的最后一幅作品是在去世前不久完成的《花束》。雷诺阿的一生是对艺术不懈追求的典范，他的作品不仅丰富了印象派的艺术宝库，也为后世留下了宝贵的精神财富。雷诺阿的艺术生涯跨越了近半个世纪，见证了从学院派到印象派再到新古典主义风格的转变。他那充满生活气息、色彩斑斓的画作至今仍能触动人心，展现出艺术超越时间和空间的魅力。 《安东尼母亲的小酒馆》1866年The Inn of Mother AnthonyPierre-Auguste Renoir现藏：斯德哥尔摩国家博物馆 这幅是法国画家皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿的作品。画面描绘的是巴黎南部枫丹白露森林中一家小酒馆的内部。这个小酒馆是该地区艺术家都很喜欢的去处。画面中央是围坐一桌的三个艺术家和一个酒馆的女服务生，右边坐着的戴黄色草帽的人是画家阿尔弗莱德·西斯莱（Alfred Sisley）。和雷诺阿一样，几年后他也被归入印象派。站在中间卷着烟的是莫奈。摆在桌面上的是一期报纸L’événement，该报发表了埃米尔·左拉最著名的一些艺术评论。几个人正在讨论着什么，他们专注的表情足以打动观者。侍女已经收拾餐具和桌子，可他们的讨论毫无结束的意思。直视观者的只有前景中趴在地上的小白狗。背景中可以看到一幅涂鸦，画风活泼诙谐，可能是由当地的一些艺术家绘制的。大片黑白色块的强烈对比，鲜明生动，很容易让人联想到印象派开山作、马奈的《草地上的午餐》。 雷诺阿向画商安布鲁瓦兹·沃拉德吐露：“《安东尼母亲的小酒馆》是我留有最美好回忆的画作之一。这并不是说我觉得这幅画格外振奋人心，而是因为它经常使我想起善良的安东尼母亲和她的玛洛特客栈，那个真正的乡村客栈！我还以同时充当餐厅的客厅为主题进行过绘画。头戴绸巾的老妇人就是安东尼母亲本人。提供饮品的漂亮女孩是侍应生娜娜。那只白色卷毛狗叫多多，它有一只木爪。我和几个朋友围在桌边，其中有西斯莱和勒克尔。 “至于画中背景，我借用了直接画在墙上的绘画题材以及酒馆常客，不刻意浮夸却往往很成功。‘我自己也曾在墙的左上方画过再现于我画中的米尔热。’我很喜欢其中的一些壁画布景，我以为它们能免受破坏。我跟安东尼母亲说，如果有一天这间房子要被拆毁，她可以用这些壁画换个好价钱。”尽管雷诺阿曾如此提醒，“壁画”却丝毫没有保存下来。米尔热也不在了，1861年，她在近乎悲惨的窘迫境地中逝世。她的小说《放荡不羁者的人生舞台》在1851年问世时每本售价3法郎，她总共只得了500法郎，而出版社却获得了25000法郎！有人说，放荡不羁的时代已经过去。这并非如此确定。20年间，雷诺阿和他的朋友们都满足于勒紧裤腰节，十分窘迫的生活…… 雷诺阿其他作品赏析 雷诺阿在光与色表现上有独特的技法，有人说他是 “幸福大师 ”，终身描绘幸福题材他所描绘的都是可爱的儿童、美丽的风景、细丽的花卉特别是漂亮的女人，在雷诺阿眼中，当物体被光环抱，就如同水晶置身水中，我们能看到的就是水晶周围被水折射的闪烁，因此，他使用细小的笔触使各种色彩错杂在物体与环境交界的地方，而不是像过去的画家那样，简单的用线分隔他们”。 《包厢》皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿1874年，1874年第一届印象派画展布面油画，80cm x 63cm 英国伦敦，考陶尔德艺术学院画廊普法战争爆发之前，在巴齐耶和梅特尔的邀请下，雷诺阿欣赏了大歌剧，观看了芭蕾舞剧；1870 年后，出于自身喜好和社交需要，雷诺阿也经常出入小剧场，并把这些场景都引入了他的创作中。德国历史学家朱利斯·迈耶-格拉斐指出，雷诺阿的弟弟埃德蒙·雷诺阿是这幅《包厢》中的男性模特。埃德蒙是一位记者，也住在圣乔治街画室；画中的另一位模特名叫妮妮·洛佩。妮妮脖子上的珍珠项链和娇嫩的面容形成了强烈的对比。她的目光虽然没有直接投向观众，但却吸引了观众的眼球。 在这之前，描绘剧院包厢的题材只是大量出现在杜米埃、康斯坦丁·居伊，或其他报纸漫画家的版画或插图中。尽管戏院、剧院或音乐咖啡馆是当时的现代生活主流，但画家描绘这类题材却并不常见。画中人物观看的是何种戏剧或哪种演出类型并没有被明确说明。（又或许他并不了解？）：男士晚礼服和女伴的穿着不甚相称——女士的装扮应露出手臂和肩膀才与男士晚礼服相配。同时，珍珠项链、耳环、夸张的花朵和奢华的连衣裙都有些突兀。 为了更好地展示画中的人物个性，雷诺阿并没有像专栏作家或插画家那样拘泥于穿衣的精确细节（如缎面、平纹织物、薄纱、上浆的男士衬衣硬衬胸，或配饰，如皮革手套、花饰等）。与德加在多年后处理类似题材时刻意去营造气氛不同，雷诺阿重视刻画剧院建筑相关的舞台灯光和复杂的背景。在雷诺阿的《包厢》中，剧院观众并没有直接出现，而是间接地通过画中情侣的目光体现。画中拿着观剧镜的男士并没有看向舞台，而是看向上层的包厢，画家并没有直接描绘，而是让人联想。 保罗·雅莫撰文写道：“《包厢》是雷诺阿杰作中的杰作，画作充满新意，出乎意料，这幅罕见的作品足以与史上最伟大的艺术大师相媲美。”显然，作品娴熟自如的表达显示了艺术家极高的才华，雷诺阿已然跻身最杰出的色彩画家之列，如鲁本斯、委拉斯开兹、华托及戈雅。雷诺阿也从不掩饰对这些绘画大师的仰慕之情，他同样追求像大师们一样卓越不凡。模特儿妮妮是雷诺阿画作中的“常客”，《包厢》是雷诺阿第一次画她，人们给她起了个绰号，名叫“小鲤鱼”。 不同于其他模特儿动不动就迟到，或者放雷诺阿鸽子，妮妮为雷诺阿做模特时非常严谨和守时。因此，在 1875 年至 1877 年间，妮妮成为了雷诺阿最喜爱的模特。 雷诺阿至少在 14 幅绘画作品中描绘了妮妮。不过，遗憾的是，1877 年之后，我们再也没能从雷诺阿的画作中发现温柔甜美的妮妮的身影了。因为在这一年，妮妮结婚了。她的丈夫是蒙马特剧院的一名三流演员。妮妮的母亲非常失望，因为她原本希望女儿能嫁给一位巴黎的资产阶级成功人士。 《天真无邪》皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿1877 年 我们在雷诺阿的画中最后一次发现妮妮的身影，是雷诺阿 1877 年所画的一幅肖像。画中，妮妮身着紫色上衣，头戴蓝色小圆帽，若有所思。雷诺阿为这幅画起名为《天真无邪》，或许也正代表了妮妮在这位印象派画家心中最初的第一印象——天真无邪，如此可爱。 《船上的午宴》皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿1881年，布面油画现藏于美国华盛顿菲利普美术馆 煎饼磨坊的舞会 Bal du moulin de la Galette 1876巴黎奥赛博物馆 1876年雷诺阿创作的作品《煎饼磨坊的舞会》是很有印象派风格的画作，众多的人物体现出画家驾驭大场面的功力。 舞会欢乐的气氛、朋友们悠闲的生活如在眼前，就如照相机的镜头把这一切定格在照片上。从树影里透进来的阳光洒在人们头上、身上，人们曼妙的舞蹈，前景中那两位女子的姿态，都富有动感和生气。 煎饼磨坊是当时蒙马特区工人阶级最爱消磨夏日的地方，年轻的男女喝着啤酒，吃着煎饼，当时的蒙玛特尚未被观光客所踏遍，煎饼磨坊奶维持着古老的乡村风味，这幅画很大，朋友们帮他把画布搬进搬出，又为他穿当模特。他的好朋友雷沃说过：“这是一页历史，忠实而确实地记录了巴黎人的生活，以前没有人想到把每天发生的事画在如此大的画布上。” 雷诺阿捕捉他所认知的年轻快乐的一群巴黎无产者人物，造型虽无轮廓清晰，但在粗壮的线条下，画面生动、温馨甜美、自然感人，这是雷诺阿对光线及色彩又一次成功的掌握。 春之花束spring bouqet 皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿，1866年104.7 x 80.3 cm布面油画美国-麻州剑桥哈佛大学美术馆 《春之花束》是１８６６年雷诺阿创作的以花卉为主的静物，背景的一个破旧的窗台，窗台上有一个花瓶，一束盛开的鲜花插在花瓶里，从这幅画可以看出雷诺阿在这一时期很注重具体的形，这一点与学院派的画法很接近，注意具体形的刻画，色调统一，虽然色彩丰富但都在一个灰绿的调子里，这幅画虽说有明显的光影变化，但无论从技法到色调都是像官方沙龙所推崇。 阳光下的裸女 雷诺阿法国 1876年 布面油画 64x80cm 巴黎奥赛博物馆藏 这幅画中，画家关注的是光线在露天的人体身上产生的变化，“固有色”的观念在这里又一次被摒弃。女子粉红色的肌肤因树叶间洒落的阳光与阴影之间的交互作用，交织成蓝、绿、紫的斑块，光的效果被放大，但这一做法在当时被保守评论家讥笑为“正在腐烂的尸体”。雷诺阿的这幅作品用自己的绘画语言表达了印象自由的个性。 　　伞 The Umbrellas c.1881-1886皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿（法）(Pierre-Auguste Renoir,1841—1919)1881年至1886年179×113cm 油画现收藏地：伦敦国立画廊 据说画面上左手提篮子的女人是以雷诺阿之妻阿林为模特的。在《伞》上，还没有彻底摆脱外光作用下的色彩描绘方法。画上所表现的是一个巴黎的春日。熙熙攘攘的行人突遇阵雨，于是张开的伞群形成了一种有趣的弧形线网。画家意识到伞本身在画上的装饰趣味。他把这些弧线重叠地画在画面的上半部。观众通过这些弧形的伞，再往下看到了一幅繁杂热闹的景象：前景左侧是一位秀丽多姿的年轻夫人，她臂挽篮子，篮内装着几顶待售的帽子。后面一个绅士模样的人，正用眼睛盯着她，想要上前以遮雨的伞来讨好这位妇女。在前景的右边，有两个赶集市的小姑娘，更小的一个手拿着滚铁环玩具，眼睛注意着观众。在中间，有两个穿着华贵的妇女站在中景上。前面一个似乎对那个手拿铁环的小女孩发生兴趣；后面一个妇女刚把雨伞打开。这幅画的人物并不多，但由于交叠处理，伞的弧形线的不同方向以及整个色调气氛，使画中的景象显得异常热闹丰富，给人以一种拥挤感。雷诺阿采用了一个主调，即以蓝紫色为基调，从而使画面充满一种富有节奏的单纯感。场景十分动人。春雨绵绵的巴黎街景，给这个拥挤的集市增添了生活节律。 《伞》这幅作品，一眼看上去，你几乎不敢想象是雷诺阿的作品。画里不再有“户外光线”的效果，“蓝灰的色调”也取代了原本缤纷的色彩，唯独最右边的女孩，还保留着印象主义的手法，因为那是他去意大利之前所画的。但剩下的所有画面，就是他旅行回来后画的，所以画风变得非常正式、严谨，所有事物的轮廓都变得清晰可见，雷诺阿是真正地回归古典了，他不再去强调真实世界的生命力，从他的画里，我们再也感受不到那种城市的喧嚣了。 雷诺阿在1881年意大利之行后，拉斐尔和安格尔的画作与绘画理论对他产生了影响，雷诺阿将绘画的重心从对光色的表达转移到对形体和构图的推敲上，创作沉迷于形式感，追求单纯的色彩，所以这一时期他的绘画作品形式是生硬的，画中的人物都是被分开的个别实体。 浴女 Bather皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿1887年布面油画POLA 美术馆藏 1880年代，雷诺阿赴意大利旅行，开始尝试通过明确的线条表现事物的立体感，风格逐渐向古典主义靠拢。本作选取了传统题材“沐浴中的裸妇”，画家将人物置于画面中央，浴女肩部略窄，身体与手臂稍长，头部与身体朝不同方向微侧，整体延续了古典主义裸女的典型风格，展现出传统雕塑中常见的优雅姿态。背景通过短促而柔软的线条反复叠加而成，没有明确的轮廓却充满韵律感。草地的色块延展至人物背后，使画面视平线略高于中央。人物双臂与身体间的阴影增强了立体感，同时凸显出人体与背景之间的空间关系，可见画家在创作时对空间感的细腻处理。 《浴女》：雷诺阿笔下的自然与美的交响乐章，当我们站在画面前，仿佛被一股无形的力量牵引，这幅作品，不仅是雷诺阿艺术生涯中的代表作，更是对女性美、自然美以及生活之美的深情颂歌。首先，让我们被这幅画的色彩所吸引，雷诺阿以其独特的色彩运用，将《浴女》打造成了一场视觉盛宴。画面中，阳光透过树叶的缝隙，洒在浴女的肌肤上，呈现出温暖而柔和的肤色与金色，这些色彩，不仅展现了女性肌肤的光泽与质感，更让整个画面洋溢着一种温馨而浪漫的氛围。仿佛我们也能感受到那温暖的阳光，以及空气中弥漫的清新与自由。接下来，是雷诺阿对光影的巧妙捕捉，他运用印象派的技法，将光线与色彩融为一体，创造出一种梦幻般的光影效果。在《浴女》中，我们可以看到光线在浴女的肌肤上跳跃、闪烁，仿佛她的身体也在随着光线的舞动而轻轻摇曳。这种光影的处理，不仅增强了画面的立体感与空间感，更让浴女的形象变得生动而鲜活。雷诺阿笔下的肌肤光滑细腻，身姿优雅自然，每一个动作、每一个表情都透露出一种真实而纯粹的美。雷诺阿通过细腻的笔触和生动的形象，将浴女的青春活力与生命之美展现得淋漓尽致。 《浴女》是雷诺阿笔下的一幅充满生命力与欢乐的作品。它以其独特的色彩运用、光影处理、人物形象刻画以及生活情趣的融入，为我们呈现了一个既真实又梦幻的世界。这幅画不仅展现了雷诺阿作为印象派大师的非凡才华，更让我们在欣赏之余，也能感受到他对生活、对自然、对美的无限热爱与追求。 大浴女 Les Grandes Baigneuses 1884-1887美国费城艺术博物馆 这幅《大浴女》是雷诺阿回归古典后最重要的作品，他足足画了3年，光“习作”就有19幅，因为他怎么画都不满意，一直都在不停地改。这幅画里的人物，都像“雕塑”一样非常结实，由于雷诺阿太过重视线条，人物都变成了独立的个体，和背景完全脱节了......很明显地，雷诺阿回归古典“过头”了，他画里的灵气消失了。我想雷诺阿也是明白这一点的，因为在这幅画之后，他就再也没有画过如此生硬的线条了..... 《沐浴之后》皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿1915年，布面油画POLA美术馆藏 雷诺阿笔下的温柔时光，在雷诺阿那细腻而温暖的笔触下《沐浴之后》如同一幅流动的诗篇，缓缓展现在我们眼前。这幅作品，不仅是雷诺阿对女性美的独特诠释，更是他对生活瞬间美好捕捉的见证。首先，让我们聚焦于画面的主体——那位沐浴后的女性，她优雅地躺着，肌肤在柔和的光线照射下，雷诺阿以他那对光影和色彩的超凡敏感，将这一刻的宁静与美好定格在画布之上。女性的肌肤，在他的笔下变得如丝绸般光滑，每一寸都透露着生命的活力与温暖。而背景的处理，更是雷诺阿匠心独运的体现，没有繁复的装饰，只有简单的场景，却通过光影和色彩的巧妙运用，营造出一种温馨而浪漫的氛围，仿佛我们也能感受到那份沐浴后的清新与舒适。更有趣的是，雷诺阿在这幅画中巧妙地融入了一种生活的真实感。这位沐浴后的女性，没有刻意摆出的姿势，也没有华丽的服饰，她就像是我们生活中的每一个人，简单、自然而又真实。这种对平凡生活的捕捉和赞美，让《沐浴之后》不仅仅是一幅画作，更像是一扇窗，让我们窥见了雷诺阿眼中的美好世界。它是一幅充满生活气息和艺术魅力的画作，它让我们在欣赏之余，也能感受到雷诺阿对生活的热爱和对美的追求。这幅画就像是一首温柔的诗，缓缓流淌在我们心间，让我们在忙碌的生活中也能找到片刻的宁静与美好。 弹钢琴的少女Jeunes filles au piano 1892巴黎奥赛博物馆 雷诺阿最终定型的风格，就像这幅《弹钢琴的少女》，人物的笔触异常细腻柔和，他终于不再执着于“线条”了。而且印象派那种“牺牲人物重量感”的缺点，雷诺阿也找到了解决办法——那就是用丰富和谐的色彩去呈现人物的质感，这样就能把人物和背景统一起来。你看这幅画的背景，充满了白色、绿色、红色、黄色等温暖和谐的色彩，随后雷诺阿再用他丝滑的运笔，将人物完美地融入了背景中。 雷诺阿《画苍鹭的弗雷德里克·巴齐耶》1867年，布面油画巴黎，奥赛博物馆 1867年2月末，巴齐耶给父母写了一封信，请他们对其所学医学不要抱任何幻想，尽管他最初是为学医来到巴黎，但最后放弃了，因为他对绘画的热情超越了医学。他写道：“上封信后，我又住回维康斯蒂街。莫奈将在画展中取得最大成功的一系列宏伟画作使我从云端跌落。他在我家留宿直到月末，还有雷诺阿，他们是我留宿的两个贫困画家。这是一个真正的医务室，我很高兴有足够的地方可以安顿他们，而且他们俩都特别有趣。”巴齐耶和雷诺阿26岁，莫奈27岁……有时，最年长的西斯莱（生于1839年）也会在这个画室和他们聚首。我们可以想象一下，西斯莱要来一张画布，坐定后开始画同一只苍鹭。然后雷诺阿将画布在画架上放好，开始画他朋友巴齐耶的肖像。他笔下的巴齐耶坐在一张矮椅上，脚上穿着棉拖鞋。“怎能不关注他白色袜子上画的鲜艳红条呢？”也许巴齐耶已经画好了自己的肖像，在肖像画上，他双腿合拢，胳膊交叉放在膝盖上。他们两人是谁先画的？这已经不重要了。这些画像见证了他们默契的友谊。第二次印象主义画展期间，巴齐耶的父亲发现了已于1870年11月28日战死在博讷拉罗朗德的儿子的肖像画，他请马奈将这幅画卖给他。马奈将这幅画赠给了他。作为交换，马奈收到了巴齐耶以2500法郎购买，月付50法郎的莫奈画作《花园中的女人》。 　　注：图片来自于网络，为提高观赏性，部分画框由豆包生成。