爷爷的文化探秘 vs 孙女的奥特曼光波：三代人同来沪上展览修罗场（上）

会思考的芦苇

这个暑假，三代人同去上海看展。

以往，我寒暑假、大节都不出门，不想参与人潮的卷吖！但六月初，我在巴黎奥赛博物馆看美展时，反复寻找米勒《拾穗者》的那幅镇馆之宝未果，回国后发现它被借往浦东美术馆开展，勾起了我要来上海的碎碎念。恰好，媳妇的领导带娃去了上海看展回来反馈良好，便由媳妇策动了沪上三天之行。

七月二十五号，早上七点多，我们便到佛山机场飞虹桥机场。

下机后，乘地铁直达浦东陆家嘴。

浦东三件套：492米高的上海环球金融中心（开瓶器）、420.5米高的上海金茂大厦（注射器）、632米高的上海中心大厦（打蛋器）。上海中心到目前为止，仍然是中国第一、世界第二的高楼。

不忙看展，先逛逛迪士尼专卖店，给小朋友来点开胃歺。

再打卡上海中心大厦52层的朵云书院旗舰店。

进朵云书院要预约，免费，但出阳台观景则需购买饮品、点心。一杯拿铁咖啡49元，但达不到“品”的水准；若单纯为了出阳台，建议买32元入门级美式咖啡（118层的上海之巅观光厅要180元）。

节假日人气旺，到了中午时间仍然要排长队。

书店按装修的颜色分为黑、白两区。白区观景台称为南角，可以俯瞰黄浦江。

黑区观景台称北角，可以看到挨近高楼的东方明珠。但景观一般，我就沒有再进北角了。

食过麦当劳，就转入正题，来到浦东美术馆观展。

反观走过的路线，应从地铁陆家嘴站9A出口，先到上海中心，再转迪士尼店，然后过浦美参观，就是条㨗径。

浦美奥赛展在2、3层。打出的标题为“缔造现代：来自巴黎奥赛博物馆的艺术瑰宝”，意即展示法国艺术如何从古典向现代转变的过程。

展览涵盖了从学院派——现实主义派——自然主义派——印象派——后印象派——新印象派——纳比派等多个流派的演进脉络，时间跨度从19世纪40年代到20世纪初，这正是现代艺术形成的关键时期。

巴黎的奥赛博物馆，上接卢浮宫，下启蓬皮杜现代艺术中心，上海奥赛展的展程与巴黎的一致。

展览时间：2025年6月19日至10月12日。

通用门票（含陈逸飞画展）：平日白天票100元，夜场票80元；周末白天票150元，夜场票120元。老人学生八折。

在展厅前来张全家福。

学院派：画面像高清照片一样细腻，人物穿着华丽的古装，要么在讲一个古希腊神话故事，要么在还原一段历史场景——这基本就是“学院派”绘画。

这幅《玩斗鸡的希腊年轻人》，人物的皮肤像会反光的瓷器，衣服的丝绸质感能看出“垂坠感”，连背景里的柱子、地毯花纹都清晰到能数出纹路。斗鸡的眼睛血红，爪子张开，伸头攻击对手，刻画太细致传神了。

1863年，卡巴内尔的《维纳斯的诞生》艳惊四座，拿破仑三世以2万法郎藏购这幅画。这种体态性感撩人，极富形式感和音乐感。

历史上，曾经画过无数个版本的同一题材，最具代表性的至少有十二幅。我看过最开创性的是，收藏在意大利佛罗伦萨的波提切利《维纳斯的诞生》。

《1814年法国战役》，像纪录片一样还原历史现场：“1814。阴沉的天空，一片荒芜的景致。不是从俄罗斯撤退，而是法兰西之役。（众将）低着头，脸上写满了失望，尝到了众叛亲离的滋味。（拿破仑的）战马走得很慢，像是被他沉重的思绪压垮。皇帝弓着背，但直视前方的眼神依旧深邃而有洞察力。一切都还在，一切都将再回来，如果这些追随者仍然保持对他的信仰。”这是画家梅索尼埃对这幅画的自我描述。

学院派存在着一条鄙视链：历史画/神话画——肖像画——风俗画/风景画——静物画。

附加鄙视：以安格尔为代表的“线条派”鄙视鲁斯本风格的“色彩派”；“理想化写实”鄙视细节琐碎的“自然主义”。

但学院派绘画历史已有三四百年了，已经达到了古典主义的天花板，再难以有新的突破。

这时，有一群逆叛者提倡“走出画室，面向自然，对景写生”，这就是现实主义画派。

而方便携带的调色软管颜料发明，助了户外作业的现实主义一臂之力。注意看迪埃的《于利斯·比坦》画中的颜料盒。

古斯塔夫·库尔贝，现实主义绘画的奠基者，《受伤的男人》是反映他心境变化的自画像。库尔贝将自己描绘为受伤的决斗者，画中原本绘有一位靠在男子肩上的女人，画家失恋后，女人的位置被一把剑取代。

米勒的《拾穗者》，作为农民题材绘画的典范，它打破了19世纪法国艺术界对贵族和神话人物的传统偏好，首次将普通劳动者的尊严与劳动之美提升至艺术殿堂的高度。曾入选我们的小学课本。

画面中三位农妇的姿态与色彩对比（红、蓝、黄头巾与黄色麦田的呼应），既传递了劳动的沉重感，又赋予其神圣的诗意。罗曼·罗兰称农妇为“女神”，赞其展现了“人性的崇高”。《拾穗者》不仅是巴比松画派的象征，更启发了印象派对光影与自然的探索。

多比尼也是“巴比松七星”之一，他的 《春天》展现了万物复苏、生命绽放的季节，麦苗仍是绿色，苹果树已然开花。“这幅画，就像透过窗户看到的春之微笑。”

自然主义创作方法系19世纪法国的文艺潮流，它与现实主义在追求客观、精确地反映现实生活上有着共同点，但自然主义更强调现象的真实性，反对通过艺术形象的典型化来揭示生活的本质。

这幅玛丽的《一次碰头》，曾在沙龙上获得了荣誉奖。 女画家画的是表弟和一群巴黎贫民窟男孩。黑色罩衫的校服表明他们是学生，男孩们围在一起讨论，他们表情不一，似乎各有想法，非常生动。磨损的衣服、指甲缝的黑泥、木栅栏上的刻划符号和破掉的海报刻画得细致入微，也说明他们来自贫穷的街区。

勒帕热虽然师从卡巴内尔（《维纳斯的诞生》的作者），但他将古典绘画技巧运用于大众主题。《干草》画面上是一对农民夫妇，躺在草地上的是扎草垛的农夫，破旧衣服下显露出瘦骨嶙峋的躯体，那双鞋则沾满污泥。最传神的是妻子，她面容憔悴，眼神发怔，腰背弯曲，可以看出她也是同样的疲劳困乏。她那麻木发呆的神情，在网上已被做成了各种表情包。

罗丹，对现代雕塑语言重大突破的顶级雕塑大师‌。和印象派为盟友，与莫奈举办过双人联展，与德加互相欣赏。

上图为罗丹的《达卢胸像》。雕塑家达卢因参加巴黎公社活动被判处流亡，身心疲惫。罗丹决意为他创作了这一尊胸像。胸像是以裸着上身，昂扬起脖子的悲愤形象来展现的，以强调达鲁在为自己的理想与事业而斗争中表现的不屈意志。胸像背景为学院派的画家亨利・方丹 - 拉图尔。

下图为罗丹的《维克多. 雨果》半身像‌。他以印象派手法，捕捉法国大文豪雨果（文学名著《巴黎圣母院》、《悲惨世界》的作者）的沉思神态，头颈前倾，突出文学家的深邃思想‌。

学院派最著名的“对手”，就是印象派。印象派不画历史神话，专画日常风景；不追求“超写实”，反而故意留下笔触；不用传统的黑色或灰色、棕色来画阴影，而用颜色的对比表现；注重捕捉瞬间的光影变化；表现物体的动态变化和光色的斑斓绚丽；笔触自由、松散、短小。

下面三幅差不多2米高的肖像画，可以看出十九世纪后半段，法国裙子流行样式的变化，女性表情也是由以往的严谨到逐渐自信、轻松、自在。

第一幅的戈迪贝尔夫人，来自莫奈早期绘画，虽能看到学院派的影子，但也展现了他向印象派风格的转变。画中戈迪贝尔夫人侧面而立，华丽的金色长裙曳地，但画面具有一种独特的生动感和朦胧感。

第二幅的比涅夫人，身着时尚服装，画家热尔韦运用柔和的色调和细腻的笔触，具有古典主义美感，同时又擅于捕捉光影变化，色彩搭配和谐。

第三幅的茹尔丹先生的夫人，身着白色长裙，面部表情恬静淡然，非常动人。作者贝纳尔使用双光源的创新手法，以冷色天光与室内暖色灯光交织，在裙摆褶皱处蓝紫与橙黄的碰撞，形成丰富的色彩变化和光影效果。

三幅画都斜侧身构图，若第一幅换成莫奈的《撑洋伞的女人》更妙，形成白裙系列。

莫奈，印象派代表人物，擅长光线的变化与色彩的交融、隐约的细节与意象的模糊以及自然与情感的结合，是一种光影朦胧美。

莫奈最具全球影响力的三幅代表作为《日出·印象》《睡莲》系列和《干草堆》系列‌，这三组作品分别体现了印象派的核心艺术理念与莫奈对光影研究的极致追求。

莫奈的《干草堆》系列由25幅作品组成，每一幅画作都在不同的季节，不同的光线和时刻，捕捉了同一主题的变化，打破了传统绘画对细节和固有色彩的执念。在1890年，其中一幅《干草堆》以惊人的1.1亿美元成交，这不仅让艺术界为之震惊，也证明了他从平凡事物中发现美的能力。

浦东展出的这幅名为《夏末的干草堆》。

我骤眼看，以为在画威尼斯水城；细看原来是西斯莱的《马尔利港洪水中的小舟》。印象派可以把1876年春天那场可怕的大洪水，通过色彩的微妙变化，表现出水汽弥漫的效果，让画面看起来安静又放松。

德加对芭蕾题材非常痴迷，这幅《佩列蒂埃街歌剧院的舞蹈教室》，用色粉笔的堆叠表现舞裙的质感，光影处理带有强烈的剧场效果，用不对称构图和动态捕捉，打破传统绘画的静态平衡。

印象派以 “天真”“真诚”和“自然”的方式，真实地再现当代的风俗、服饰和时代背景。而学院派觉得印象派“画得不像”、“没格调”，拒绝他们参加沙龙。

这幅马奈的《女人和扇子》，画的是钢琴家兼诗人妮娜•德•卡利亚斯。她身穿阿尔及利亚风情的服装，在绘有扇子的日式屏封前，斜躺在沙发上，直视观众，面孔展现出难以言喻的表情。她的身姿，脚下的黑色绣花鞋，心不在焉的神态，甚至有人认为画中带有风尘女子的暗喻。其实，非议最大的还是马奈早期的《草地上的午餐》、《奥林匹亚》，它们才是不登大雅之堂的妓女题材。

左图为马奈《上啤酒的女招待》，他舍弃传统轮廓线、分层着色处理光影，折射印象派对现实片段的捕捉。

右图为德加《在咖啡馆》。德加同样喜欢描绘酒馆、咖啡馆中的女性、音乐会的歌手……，画面中，女人面前放着一杯苦艾酒，男人面前放着一杯啤酒，互不理睬，各怀心事。当时的艺术家群体中，人们的关系往往处在暧昧不清、难以定义的状态。

而雷诺阿，逐步摆脱印象派对瞬间之美的追求，尝试运用更具线条感的轮廓、更薄的颜料层，以及更平滑细腻的笔触，重返学院派的“安格尔风格”。

这幅应法国政府邀请而创作的《钢琴前的女孩》，绘制过不下六件，而本幅最为知名。画作兼具精致线构与细腻色彩，即使跨越百年，传递出来的温暖甜美依然能直抵人心。

塞尚则提出"让印象主义变得坚实并持久"，他试图把线、面、色这三种元素重新组合，将印象派那些变化莫测的色彩凝固成一个个清晰的面。

在画展中，我选择塞尚的这幅《有洋葱的静物》，桌子上的瓶子和桌子的装饰带是正面视角的，而桌面的视角则更为倾斜。在同一画面中，塞尚用不同视角描绘其中的物体，淡化了西方绘画传统空间观念，其绘画作品在概念上符合逻辑，但视觉上不真实。作品运用了‌之字形构图‌，通过将洋葱表面和桌布处理成几何形状，形成动态的线条延伸感，预示了末来立体主义的发展方向。

印象派强调对自然光色的客观捕捉，后印象派则转向主观情感与画面结构的表达。每位后印象派画家都发展出极具辨识度的视觉符号系统：梵高炽热的色彩与扭曲线条揭示内心激荡，高更的象征性用色与原始图腾传递神秘主义，塞尚的结构性笔触则展现对形体本质的哲学思考。

梵高，初看他的画就如同中小学生的习作，所以他生前只卖出过一幅画，不被世人认可，这是传统审美观念仍然强势的时代。实际上，他的画可以看作是表现主义的先驱。他不追求逼真，而是通过夸张和变形来表达个人的情感和心境（如这次来展的《卧室》，用黄色和紫色，表达梵高对平凡生活、对精神归宿的渴望；而偏离三维透视画法，却为画面注入了一丝不安的情绪）。他的画作以厚重的颜料层和明显的笔触著称（代表作有《自画像》系列），具有强烈的视觉冲击力和动态感。他的作品和技法，对20世纪的表现主义、野兽派以及许多其他艺术运动产生了重要影响。现在梵高画作的拍卖价都可过亿美元。

梵高的曾经朋友高更，从道德上讲，也许是个渣男；但在艺术上，他使用平涂且夸张的色彩，更加主观，更加简化，从而多了那么一点神秘性和象征主义。他追求原始质朴之美，选择前往南太平洋的塔希提岛。这幅《塔希提的女人》，在黄色的沙滩和写意式的波浪之间，有两个沉默的女人，一个穿着当地的帕雷欧裹身裙，另一个穿着一种由传教士引入的连衣裙，表达出一种深入内心的隔绝感。

高更也创作非洲风格的木雕。这个《蒂呼拉/夏娃》，‌双面雕刻‌，通过同一块木质材料呈现两种截然不同的文化象征：正面：蒂呼拉，原型为高更在塔希提岛的13岁原住民妻子，雕刻风格充满原始主义特征，展现当地少女的质朴形象‌‌。背面：夏娃‌，采用西方宗教经典形象，通过简练的线条重构圣经叙事，体现高更对“原始与文明”的对比探索。

乔治·修拉，作为新印象派的创始人，他发展出了一套完整的色彩分析绘画体系，即点彩法。他直接把混合前的纯色小点点排列在画布上，而观众的眼睛会自动把这些颜色“混”在一起。这种绘画使画面看起来格外亮丽，甚至像水彩一样轻盈透亮。

左边为修拉的《模特背影》。

右边为吕斯的《圣米歇尔堤岸与巴黎圣母院》。他跳出了严格几何分割的点彩框架，用更自由的色点堆叠出光影流动感。

西涅克的《井边的女人》。他使用的色块是马赛克式的，而非小色点。画作以蓝色、绿色、粉色、黄色等为主色调，整体色彩清新明快。他与修拉共同奠定了新印象派的理论基础。

上海奥赛画展的最后一个板块是纳比派，存在只有十年时间。这个美术学院学生组成的先锋艺术团体，他们受保罗·高更象征主义与日本浮世绘艺术影响，多以平面化的表现手法，营造具有强烈视觉冲击力的装饰效果，以日常居家生活等私密场景作为主要创作题材，热衷于绘制装饰家庭空间的壁画。

维亚尔的《在床上》，是纳比派的代表作。画中人的脸庞几乎被床单吞没，大片床单随身体起伏呈曲线，与墙面直线形成鲜明对比。 整体色调暗沉呈灰色，但整个画面和谐统一，极具平面化、单纯化和装饰性。

瓦洛东常用幽暗的光线展现私密生活的瞬间。在《脱睡裙的女人》中，衣物洁白的光辉在画面其他部分的柔和色调中尤为突出。

“形变”是东方美学的特征，浮世绘、中国画、佛山“石湾公仔”都常以变形夸张的手法达到神似的境界。

“形变”也是纳比派的美学标志。博纳尔的《白猫》（下图左），以简化的轮廓捕捉了白猫的动态，采用垂直收缩构图，通过夸张的肢体语言（如弓背、眯眼、拉长腿部）塑造出幽默的动物形象。

到了十八世纪后期，猫已从贵族手里变成法国大众的宠物，上海这个展厅就藏了5个小猫。下图右上为博纳尔的《格纹衬衫》，下图右下为《女人与猫》。猫是博纳尔笔下的常客，被称“猫式戏谑”。

展场的后部分，有马约尔的两尊雕塑。他重拾并革新古代传统雕塑的语言，体现为一种阳光、感性，甚至带有情色意味的艺术追求。这尊名为《地中海》的雕像，女子右手支撑身体、左手托举低垂头颅的姿态，象征地中海表面平静却内蕴生命律动的特质。据说，马约尔在法国雕塑界与罗丹齐名。

我们三代人的艺术细胞都不多，所以重金从网上请来一个学建筑的讲解员，每人100元/2小时，8人共800元。

其实不只是我们三代，国人大约都缺少美学教育，就算有，审美观念大概也停留在欧洲的十八世纪中期，即新古典主义和现实主义。所以对抽象前卫的现代艺术很难接受，即使要认识从古典过渡到现代的奥塞作品，也必须借助媒介的解释。

前几天看到一篇专门收割韭菜的“艾锅体”文章，这个自媒体人并不具备世界美术史的知识，却以自己的无知，再乱贴“公知”、“冷战”、“阴谋论”的标签，上纲上线狠批现代艺术来忽悠中低层人士，可笑可悲。

与网络非黑即白的二元化极端不同，来看奥赛展的人流，还是蛮旺场的。

这个嘴边老是挂着奥特曼的小不点，你瞧她的认真劲，能看懂吗？难得的是，她在展场内连看三个小时都不睡不闹👼

出了展场外，就恢复了神兽的本性。

3楼有个东方明珠的镜窗，需要排队打卡。

3楼镜厅，放置着陈逸飞的雕塑作品《东方少女》。

4楼陈列的是“时代逸飞：陈逸飞回顾展”。陈逸飞给自己的定位是视觉艺术家，他的跨界作业为：电影导演、画家、设计师、商人。

当然，他最成功的是油画家。我略约将他分成三个时期：七十年代的红色经典、八十年代的水乡风韵、九十年代的海上旧梦。

上世纪七十年代，他创作出一批“高大上”的红色经典画作，留下鲜明的时代印记。这幅《占领总统府》（复制品，原作收藏在军事博物馆，从未借出过），奠定了陈逸飞在中国美术史上的历史地位。作品采用独特的俯视构图，气势恢宏，生动地描述了1949年解放军攻入南京总统府后红旗升起的瞬间。

工农兵都是当年的热门题材。

左图是充满活力的农民形象，

右上图是《黄河颂》，画面中一位红军战士挺拔地站在黄河旁的山崖上。作者以巨幅电影宽银幕样式，赋予画面浪漫主义与英雄气质。

右下图为《开路先锋》，也是由陈逸飞与魏景山的合作创作。作品采用仰视视角，展现出工人阶级的豪迈气概，传递出顶天立地的壮阔感与生命激情。

改革开放的春风吹遍大地，唤起了全社会的深刻反思。这幅名为《踱步》的画作，是陈逸飞对民族命运与时代能量的敏锐捕捉。我特别欣赏他善于借鉴电影宽银幕构图和蒙太奇的手法，将画中的自己，与空座椅共同徜徉于历史与现实之间。

1980年，陈逸飞到美国纽约亨特学院攻读艺术硕士。上世纪八十年代，新古典主义和现实主义、浪漫主义的画风在欧美早已落伍，陈逸飞回到江南故乡寻求突破。他运用直涂画法与罩染法结合，创作了以《周庄》为代表的水乡系列，将江南拱桥、黑瓦白墙与水面倒影融合，细腻肌理与柔和光影交织出江南古镇特有的氤氲朦胧之美。意外的收获是，推动了中国水乡游的热潮。

下面的两幅图均为水彩画。

陈逸飞以周庄双桥为原型创作的‌最著名的油画作品‌为《故乡的回忆——双桥》（1984年），是推动周庄成为文化符号的关键作品。1984年，美国石油大亨哈默把拍卖所得的《双桥》作为礼物送给了邓小平。

左上《苏州的黄昏》，左下《晨曦》，右上《周庄》，右下《太阳雨》。

在旅美期间，陈逸飞创作水乡系列的同时，也尝试创作了音乐家系列。他通过大面积的深色背景，与女乐手、乐器形成强烈的冷暖色调对比，突显出人物的高贵气质。

右上图为《穿蓝裙的女孩》，右下图为《小提琴手》。

九十年代，51岁的他娶了25岁的年轻模特宋美英后，以古典唯美江南仕女主题，将西方古典写实画风推向极致，营造出一个独特的东方美学。左图《扇》。

陈逸飞的仕女系列，创造出一种时空拼图：盛唐时期的风韵，民国时代的服饰，90年代的妆容，当代舞台的灯光效果，古典唯美的绘画技法。陈逸飞的绘画作品，成为了东西方精神融合的典范。

这幅《浔阳遗韵》，以唐代白居易《琵琶行》为主题，几个衣着华丽的仕女执扇吹箫拨弄琵琶，散发出极具东方韵味的古典气质。1991年在香港佳士得秋拍以137万港币成交，首创中国油画作品过百万元的纪录。

陈逸飞作品中流露出强烈的怀旧气息，弥漫着古典与纯净。这幅《丽人行》，以宋美英的四个不同的人体角度来组合，顾盼流连的体态神韵则明显参照了唐代的《簪花仕女图》，刻意制造出一种圆润柔和、清丽朦胧感，体现出浓郁的东方韵致和东方灵魂。

在浦东美术馆参观完毕已经天黑，去正大广场吃过晚饭，顺便到河堤上看对岸外滩的夜景。

中国各地，由一线特大城市到五线小县城，夜晚的灯光秀从不缺席。当然，黄埔江两岸是必杀光线，即使纽约、巴黎、伦敦等国际大都会也在必杀之列。

不惧众路人，在东方明珠下凹个造型。

外滩的万国建筑，在五彩斑斓的灯光勾勒下，哥特式的尖顶、巴洛克式的雕花、罗马式的廊柱等细节清晰可见，灯光色彩交相辉映，灿烂辉煌。

去上海看展上集结束。

欲观中下集，待移玉步👋🏻