参观毕加索博物馆、登凯旋门俯瞰戴高乐星型广场：巴黎自由行第五天（2）

Jimss

凯旋门，又称雄狮凯旋门，是现今世界上最大的一座圆拱门，位于法国巴黎市中心城区香榭丽舍大街，地处巴黎戴高乐星形广场（有12条道路汇聚并通过“放射”出去）的中央。是拿破仑为纪念1805年打败俄奥联军的胜利，于1806年下令修建的，是巴黎四大建筑之一 。

👇来到了凯旋门：

👇巴黎凯旋门下的长明灯，其官方法语名称为“Flamme éternelle”，直译为“永恒之火”。是为纪念一战中牺牲的法国士兵而设立的，具有重要的历史意义和象征意义。以下是其详细介绍：

设立背景 ：1920年11月11日，法国在凯旋门正下方建造了无名烈士墓，墓中安葬着一位在第一次世界大战中牺牲的无名战士，他代表着在大战中死难的150万法国官兵。为了纪念这些为国捐躯的士兵，1923年11月11日，时任战争与养老金部部长安德烈·马奇诺首次点燃了长明灯。

设计特点 ：长明灯由建筑师亨利·法维尔设计，铁匠埃德加·布兰特锻造。火焰从一门指向天空的 cannon（大炮）炮口喷出，炮口嵌在一个倒置的盾牌中，盾牌表面由剑组成星形图案。

仪式维护：长明灯每天晚上都准时举行拨旺火焰的仪式。自1923年首次点燃以来，它从未熄灭过，即使在二战巴黎被德军占领期间也不例外。如今，每晚18：30，由约500个协会组成的“凯旋门下的火焰，国家之火”委员会会组织退伍军人代表举行庄严的重燃火焰仪式，以表达对为国捐躯者的不懈敬意。

在“永恒之火”边留影：

👇由凯旋门内部旋转楼梯而登顶，左图为俯视楼梯井；右图是仰视楼梯井：

👇来到凯旋门内部中转平台厅：

应美友咨询，我将凯旋门的一些“建筑细节”答复在了本文下面的“留言处”。供感兴趣朋友参考🙏

👇厅内的凯旋门模型：

👇这是凯旋门内部的中间楼层过渡平台厅：

👇《“自由之神”胸像》（Buste du Génie de la Liberté）位于厅内的小型历史博物馆中。

它是浪漫主义雕塑家**弗朗索瓦·吕德（François Rude）**为凯旋门外侧著名浮雕《马赛曲》（又名《1792年志愿军出发远征》）创作的核心形象——“自由之神”的头部与胸甲放大版：

👇厅内的小型历史博物馆中关于凯旋门的历史沿革视频：

有美友询问参观这些博物馆的门票价格是多少？

在这里统一回复：根据不同布展的博物馆内容，其价格各不相同。象卢浮宫、凡尔赛宫、橘园美术馆、巴黎歌剧院、登凯旋门等人均100元人民币左右，登艾菲尔铁塔人均180多元，巴黎圣母院免费但最好网上预约。一般18岁以下孩子免费（包括城际交通车票，快车须付预约费10～30欧元不等）。所以我们自由行购买了巴黎博物馆通票约600多元人民币/四天（根据天数不同而变化），以及巴黎交通通票（市内通票周票儿童也须购买），在本行程的第一天文章中有具体说明，请点击本文最后的链接了解🙏🙏🙏🌹🌹🌹

👇继续登顶凯旋门：

👇登顶俯瞰-巴黎凯旋门正对着巴黎新城拉德芳斯的街道就是香榭丽舍大街的延伸部分。这条中轴线从卢浮宫出发，经香榭丽舍大街、凯旋门（戴高乐星形广场），最终延伸至拉德芳斯的“新凯旋门”，构成了巴黎标志性的城市轴线‌：

👇登顶俯瞰12条放射性大街穿过戴高乐星形广场，整个街区一览无遗：

👇中午天晴，偶尔路过圣保禄圣路易教堂（Église Saint-Paul - Saint-Louis），是由路易十三于17世纪下令建造的巴黎最古老的教堂之一。其正立面融合了意大利巴洛克风格与法国哥特式建筑元素。

据说该教堂门口，有两个由法国文学巨匠雨果捐赠的天然蚌壳圣水盘，可惜我们行色匆匆没有看到…

👇进去一看，主祭坛穹顶为巴黎首个仿罗马式圆顶设计，整体呈现古典主义与巴洛克交融的华丽感‌：

☝译文-参观这座著名教堂的游客，请帮助我们对其进行维护保养。谢谢你！

毕加索博物馆的建筑坐落于巴黎玛黑区（3区）的萨雷公馆（Hôtel Salé），是一座具有深厚历史底蕴与艺术价值的17世纪贵族府邸，其建筑与空间演变反映了从私人宅邸到现代艺术馆的转型历程：

1. 历史渊源与建筑风格

萨雷公馆始建于1656-1659年，由建筑师让·布里耶（Jean Brier）为盐税官员皮耶·奥百德·冯特内（Pierre Aubert de Fontenay）设计，是路易十三时期建筑风格的典型代表——对称布局、红砖外墙搭配石材装饰，内部保留了华丽的螺旋楼梯、雕花窗棂与庭院，彰显贵族府邸的典雅气质。1968年，建筑被列为法国历史古迹，其历史价值与空间完整性备受珍视。

2. 从私人宅邸到艺术圣殿

毕加索去世后（1973年），法国政府通过“遗产税抵扣”机制（dation Picasso）获得其大量作品，并于1974年选定萨雷公馆作为馆藏所在地。1979-1985年，建筑师**罗兰·西穆内（Roland Simounet）**主持改造工程，将这座17世纪府邸转化为专题博物馆：他保留了原有建筑的历史肌理（如庭院、壁炉与木雕），同时植入现代展墙与照明系统，在古典框架中构建适合展示毕加索多元创作的空间。博物馆于1985年10月1日正式开放，首批展品即涵盖毕加索从蓝色时期到立体主义的核心作品。

3. 于2014年扩建：传统与现代的对话

2009-2014年，博物馆启动耗资4300万欧元的扩建工程，由建筑师洛朗·博杜安（Laurent Bodouin）与玛丽-弗朗索瓦·施密特（Marie-Françoise Schmidt）设计，新增地下展厅、文献中心与教育空间，总面积从原2000平方米扩展至5000平方米（展厅面积3600平方米）。扩建部分以现代主义手法呼应历史建筑：地下空间通过玻璃天窗引入自然光线，展廊与原有庭院形成视觉连通，既满足了大型特展的需求，又延续了萨雷公馆“光影与空间对话”的特质。

4. 建筑与艺术的共生

博物馆的空间设计与毕加索的创作脉络深度呼应：路易十三时期的古典展厅（如“玫瑰时期”展区）以暖色调与木质地板营造亲密氛围；立体主义展区则利用几何感强烈的现代展墙，强化作品的结构性；而地下的“晚年创作区”通过冷冽的混凝土与柔和灯光，呈现艺术家最后的情感张力。此外，馆内还收藏了毕加索私人珍藏的塞尚、马蒂斯作品，在历史建筑的语境中构建起20世纪艺术的对话场域。

如今，这座历经三个半世纪的建筑不仅是毕加索艺术遗产的容器，更是“历史建筑活化”的典范——它以古典骨架承载现代艺术，以空间叙事串联起一位艺术家的世纪史诗。

👇午后来到毕加索博物馆（背景红色剪头所示）：

进入毕加索博物馆，很多人忽视了这座博物馆的优美建筑！

👇抬头看楼梯天井，惊为天人：

👇博物馆的前面引导部分所展览的图片也非常有趣！

比如这幅作品符合极简主义（Minimalism）或色域绘画（Color Field Painting）的特征——用单纯色块、简洁形式，弱化叙事性，强调“视觉直观感受”。

从形式看，橙色是充满能量、温暖的色彩，黑色线条打破纯色平面，制造“动静冲突”，线条的粗细变化又带来“呼吸感”，像在静态色块里注入一道“流动的韵律”；

​从理念看，极简主义常追求“去除冗余，让观众聚焦本质”，这根线条可能是创作者对“‘线’的纯粹形态、色彩与空间关系”的探索——不需要“代表具体事物”，而是让观众感受色彩碰撞、线条张力本身：

👇这幅作品用最朴素的材料（纸、色）与最简洁的语言（撕贴、对比），串联起现代主义（马蒂斯剪纸）与当代艺术（极简拼贴）的脉络，既保留了手工创作的温度，又通过极简形式引发观众对“本质、空间、情感”的深层思考：

👇这幅画用最简洁的视觉元素（色彩、形状、空间），串联起“生命隐喻”与“形式美感”，既延续了现代主义对“本质提炼”的探索，又通过“双联结构”和“生物形态”注入了当代艺术的诗意与开放性：

译文-在可见的边界

在可见的边缘人类的思想不断地工作以消除模糊。我们在面对不确定的现实时感到不安的症状，童年的问题“为什么？”已被“什么是..?”所取代。然而，如此迫切地要给世界带来秩序，有可能使其意义成为石头。另一方面，模糊借鉴了我们的经验，这些经验随着时间的推移在世界的深处传播。艺术家使用模糊来质疑我们的感知模式，建议我们回到我们凝视的源头，鼓励我们摆脱对现实的明确解读。他们用科学意象的词汇质疑感知的极限，从低层的视野到浩瀚的宇宙（Gehard Richter、Sigmar Polke和Thomas Ruff）他们动摇了传统的表现参照点，玩弄模糊性而不是形象化和抽象化之间的对立（马克·罗斯科、杉本博志、汉斯·哈通）。他们通过调皮地刺激观众的视觉敏锐度来考验观众，在他们的目标作品中呼应视网膜的圆形（Wojciech Fangor,Ugo Rondinone,Vincent Dulom）：

👇译文-爱德华·蒙克(1863-1944)艺术家的病眼赤身裸体地跪在老鹰面前1990纸上的水彩画20世纪30年代，挪威画家爱德华·蒙克（Edvard Munch）患有眼部疾病。视网膜出血进入了他的右侧细胞，而他的左侧已经锐化了。他每天都在绘画和记录这种退化的影响，将扰乱他视力的黑点融入到作品中。这位艺术家代表了他的病态患者所表现的死亡焦虑的一种形式。一个模糊的斑点，普罗米修斯神话中鹰的内在视觉，周围是明亮的光环，袭击了一个跪着的年轻女子：

克莱尔·谢斯尼（Carlyle Chesney）的可能是一位艺术家。她1954年出生于美国康涅狄格州，受父亲影响，童年时就对艺术产生了浓厚兴趣。2001年，她从科技行业转行，全身心投入绘画，并从旧金山搬到了加利福尼亚沙漠地区。她的绘画风格独特，以鲜艳的色彩、丰富的纹理和充沛的情感为特点，主要使用丙烯酸颜料作画，还会添加各种试剂和材料。

👇从视觉呈现讲，渐变色彩传递了时空、情绪的过渡，以及对自然、抽象意境的捕捉：

👇多夫·阿卢什（生于1972年）《排放反转》_12018纸上石墨与墨水巴黎，由艺术家和画廊Peter Freeman,Inc.纽约/巴黎提供。

多夫·阿卢什（Dove Allouche）对图像的外观条件特别感兴趣。他与摄影有着密切的关系，他的绘画以美学为特色。在这里，它根据科学的微距摄影（近距离拍摄）描绘了太阳表面气体排放的反射。它结合了人类眼中的两个挑战，无限小和无限远，为这一物理化学事件提供了一个巨大而可感知的形式。Dove Allouche对图像形成的条件特别感兴趣。他与摄影有着非常密切的关系，他在绘画中采用了摄影的美学。在这里，使用科学的宏观摄影（在非常近的范围拍摄），他描绘了气体排放在太阳表面的回响。结合人类眼睛的两个挑战，无限小和无限远，他给出了一种形式，既是巨大的和可感知的物理化学事件：

☝托马斯·拉夫（1958年），《ma.r.s.》01_III2011由艺术家和David Zwirner画廊提供的Diasec杜塞尔多夫彩色印刷这幅作品。属于这位热爱天文学的艺术家献给火星的系列作品。它是根据NASA卫星拍摄的行星表面的高分辨率照片进行工作的。如果眼睛很难读懂这张照片，那是因为摄影师随后通过压缩和添加颜色对其进行了数字修饰，从而降低了其质量。在现实的外表下，这种表现只是一个人类无法进入的星球的想象和幻想：

👇译文-侵蚀确定性的侵蚀

正是在第二次世界大战之后，我们真正看到了模糊美学的政治维度。面对确定性的侵蚀，从佐兰·穆希奇到格哈德·里希特的艺术家们观察到了世界秩序的深刻动荡，并抓住了模糊作为必要的策略在集中营的发现和不可能代表不可代表的东西之后，模糊成为了眼睛无法维持的现实。然而，观众也必须努力集中注意力，被迫停留在图像上，凝视着现实。这些艺术家质疑图像的地位和价值，提供了一种既诗意又对20世纪历史上的悲剧感到失望的愿景，直到今天的危机。通过这种方式，模糊显示自己既是一种盲目的力量，一种遗忘的机制，也是一种见证媒体形象传播的历史暴行的方式：

👇马克·罗斯科(1903-1970)，《无标题》1948托尔油画：

☝译文-马克·罗斯科(1903-1970)，《无标题》1948托尔油画Riehen/Ble，贝耶勒基金会，贝耶勒收藏这幅画布是在该艺术家转向抽象后不久创作的。罗斯科在画布上叠加了一层稀释的油漆，根据色彩的强度、形状的不规则性以及它们与画布背景的区别来玩耍。因此，画家提供了一种感性和身体的体验，即长时间观察，以捕捉绘画中移动而多云的氛围。“我使用模糊的边缘。我说过它们是大气的，所以它们会引起大气反应。“这里的模糊完全来自于它通往彩色场的路径。这幅画是在罗斯科向抽象过渡后不久创作的。罗斯科叠加了稀释的油漆层，发挥颜色的强度，形状的不规则性以及它们与画布背景的区别。因此，画家提供了一种既感知又有形的体验，一种长时间观察的体验，以捕捉绘画的变化，阴云密布的气氛。“我使用模糊的边缘。我说过它们是大气的，所以它们会引起大气的反应。“这里的模糊是罗斯科走向色彩领域旅程的一部分。

在他们的抽象画中，艺术家们玩弄了幽灵的诗意维度。在这里，你可能会认为这些作品是围绕着一幅无尽而蒸发的景观的梦幻般的表现，就像马克·罗西科和汉斯·哈通的画作一样，这些画作描绘了色彩和似乎漂浮在板材表面的光线。你可能会有一种感觉，就像格哈德·里希特和丹尼尔·特纳一样，幽灵般的幽灵留下的运动痕迹。在这堵墙上选择一堵漂亮的墙，然后告诉那个夸大你所看到的，分享你感受的人：

☝译文-阿尔伯特·奥伦（1954年）作品，《无标题》2016年的油画巴黎，皮诺特收藏：

☝译文-Bracha Lichtenberg Ettinger (née en 1948)美杜莎（系列）2012中国水墨、照相颜料和灰烬、水彩画、彩色铅笔和粉笔在纸上艺术家的礼遇卡瑞安斯天使-空中风景（系列）

1985/2018-2021中国墨水、碳粉、照相色素和灰烬、水彩画和彩色铅笔在纸上艺术家的礼遇欧律狄刻-皮耶塔（系列）2013-2018油墨、颜料、照相灰纸上水彩画巴黎，私人收藏布拉查L。

埃廷格1948年出生于特拉维夫的一个波兰阿什肯纳兹犹太家庭。她用档案的复制品（通常是集中营的复制品）进行系列创作，她在档案上涂了几层墨水和水彩画：这样形成的光栅阻挡了原始图像的阅读，而原始图像会像灰尘一样溶解在覆盖在一起的复印机碳粉中。在他的系列作品《欧律狄刻》中，这位艺术家通过奥菲斯的神话来纪念他，奥菲斯在从冥界回来的路上被阻止回头，冒着第二次杀死妻子欧律狄刻的风险。通过展示记忆抹去的过程，艺术家选择将历史描绘成当下：

👇“911”系列图片制作：

☝译文-菲利普·科尼（生于1957年）2011画布上的蜡画，巴黎，私人收藏。

菲利普·科涅的独特技术是使用颜料和蜂蜡混合的蜡质颜料来再现摄影图像。然后用熨斗将蜡熔化，形状溶解，图像模糊，使原始图案呈现出新的模糊形态。主题--通常是平庸的--然后转向另一个具有gic维度的表示。《变形记I》是一个更广泛的当代建筑系列的一部分，它描绘了我们过度拥挤的城市环境的岌岌可危的形象，隐喻了一个濒临崩溃的世界。Philippe Cogneee的独特技术包括使用混合了蜂蜡的颜料制成的蜡状颜料来再现摄影图像。然后，蜡在某些地方用铁熔化，溶解其形式并模糊图像，以新的模糊形式揭示最初的主题。这个主题——通常是平庸的——转移到另一种表现，呈现出一种悲剧的维度。作为一个致力于当代建筑的大型系列的一部分，《我》提供了一个我们过度拥挤的城市环境的不稳定愿景，一个处于崩溃边缘的世界的隐喻形象：

☝米里亚姆·卡恩（生于1949年），《美丽的蓝色》2008+28.05.2017伦敦托勒河畔胡勒（Hulle Sur Tolle London），泰特（Tate）通过乔和玛丽·唐纳利收购基金2020收购。

米里亚姆·卡恩（Miriam Cahn）是一位活动家和女权主义艺术家，她将自己的作品视为当代冲突及其媒体化的传声板。在这里，透明的人类形象默默地面对着他们的身体溶解，暴露在他们所有的脆弱中的情况。角色很快就融入了水生环境，将他们吸引到它的深处。这幅画作始于2008年，灵感来自于移民冒着生命危险逃离北非穿越地中海的画面。这位艺术家于2017年恢复工作，当时约有3100名移民在试图前往欧洲时溺水身亡。然后，米里亚姆·卡恩（Miriam Cahn）塑造了一个现实，它迷失在新闻的不稳定图像中，但却让我们眼前一亮：

👇请注意，这幅画现场有个专人看管着不许拍摄引起了我的好奇。几经周折拍下了这幅作品：

Lea Belooussovitch（1989年出生）红杉国家森林，加利福尼亚州，美国，2021年9月27日，火盆系列2023年布鲁塞尔羊毛毡彩色铅笔绘画，私人收藏。

Lea Belooussovitch用彩色铅笔在羊毛毡上绘制媒体图像。当涂抹在这种绝缘纺织材料上时，颜色会向深处扩散，没有明显的限制，在天空中造成一种浑浊，就像一团燃烧的云朵一样，在它的道路上消耗一切。这部作品所属的火盆系列是关于2016年以来肆虐地球的大火。它突出了气候紧急情况的问题。通过他近乎抽象的作品，艺术家见证并提醒人们正在进行的缓慢灾难。Lea Belooussovitch用彩色铅笔在羊毛毡上绘制，使用媒体图像作为她的来源。应用于这种绝缘纺织材料，这些颜色发展看似无限的深度，创造了一种视觉上的干扰，类似于一朵花云消耗其路径上的一切。这部作品所属的系列Brasiers指出自2016年以来已经蹂躏了地球；它突出了气候危机的问题。通过她几乎抽象的作品，艺术家见证并提醒我们正在进行的慢动作灾难：

👇巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso，1881年10月25日－1973年4月8日）是西班牙画家、雕塑家，立体主义画派的创始人之一，被公认为20世纪最具影响力的艺术家之一。他的创作风格跨越多个时期，涵盖绘画、雕塑、版画、陶瓷等领域，一生留下近3.7万件作品，深刻改变了现代艺术的发展轨迹：

👇这是毕加索“蓝色时期”（1901–1904）的标志性自画像。画面以忧郁的深蓝色为主调，他身着深色大衣，背景与服饰融为一体，面部线条冷峻，眼神中透出孤独与沉思。此时他刚到巴黎，因好友自杀和生活困顿，艺术风格充满压抑感，蓝色成为“贫困与绝望”的视觉符号。这幅画现藏于巴黎毕加索博物馆，是他早期风格转型的重要见证：

毕加索艺术生涯与风格演变：

1. 早年与蓝色时期（1901–1904）

毕加索出生于西班牙马拉加，自幼展现绘画天赋，早年在巴塞罗那和马德里接受艺术教育。1900年移居巴黎后，因朋友自杀和生活困顿，进入“蓝色时期”——以阴郁的蓝色调描绘底层人物（如《弹吉他的失明老人》，这幅画创作于1903-1904年，是毕加索蓝色时期的作品，现收藏于美国芝加哥艺术博物馆。），氛围压抑孤独，是他对贫困与绝望的视觉表达。

👇这是他早期的作品《抱着枕套的女人》：

☝译文-毕加索(1881-1973）《抱着枕套的女人》巴塞罗那1904年3月《胡勒》（Hule）布面油画Muree National Picasso-Paris Donrik Roos 1989 MP1989-5《塞莱斯廷》标志着蓝色时期的黄昏。虽然这幅画仍然几乎是单色的，但色彩更突出。毕加索可能于1903年底在巴塞罗那开始画这幅画作，几个月后，在前往巴黎前不久完成。这幅独眼女人的肖像最初被称为/a Tave中的女人，在画布背面发现的铭文后中，它被称为Cariotta Valdivia的肖像。一个妓院masanin Baarcelona的不光彩的酒吧希诺社区：

☝译文-夜曲（夜景）

早在1895年，年轻的毕加索是巴塞罗那的一名美术学生，常光顾Paralelo咖啡馆，描绘出了那里充满活力和多彩的法国首都的生活氛围。

👇毕加索“蓝色时期”节点记事：

1895年9月进入巴塞罗那艺术学院利奥特亚学习发现了加泰罗尼亚现代主义。

1900年巴黎博览会期间首次在法国首都停留。

1901一月，他的朋友卡洛斯卡萨杰马斯自杀，蓝色时期开始了。

1904年4月。在巴黎永久定居， 在巴托﹣拉瓦尔（蒙马特高地）租了一个租房。在其他加泰罗尼亚侨民和他的诗人朋友马克斯·雅各布和纪尧姆·阿波利奈尔的陪伴下，毕加索过着一种不稳定的波西米亚生活，并在画中展现出来。之后，他在作品里反映的不同阶层和性别的杂技演员充满了他所谓的"蓝色涂鸦：

2. 玫瑰时期（1904–1906）

色调转向温暖的粉色与玫瑰红，主题多为马戏团演员、裸女（如《拿烟斗的男孩》《两个裸女》），风格柔和浪漫，反映他与情人费尔南德·奥利维尔的情感联结，也标志着他逐渐获得艺术圈认可。

👇这是他玫瑰时期自画像（1906年）

创作于毕加索“玫瑰时期”（1904–1906），色调转向温暖的粉色与橙色。画面中他留着黑色短发，面部以简洁的几何块面勾勒，眼神明亮，背景为柔和的渐变色。此时他与情人费尔南德·奥利维尔同居，艺术风格从忧郁转向浪漫，人体与色彩的结合充满诗意。标志着他从蓝色时期向立体主义的过渡。不过这幅画现藏于华盛顿国家美术馆，为了系统介绍而借来表达：

👇《两个裸女》是毕加索“粉色时期”（1904–1906）的典型创作。此时他从“蓝色时期”的忧郁基调转向温暖的粉色系，画面多描绘杂技演员、裸女等题材，风格兼具写实与柔和的诗意。以淡粉色调勾勒人体轮廓，人物姿态自然舒展，背景简化为朦胧的色块，既保留了古典人体的优雅，又暗含现代主义对形式的探索。是毕加索从粉色时期向立体主义过渡的重要见证，体现了他对塞尚“浴者”题材的重新诠释，也为后续立体主义的空间实验埋下伏笔（此画收藏于橘园美术馆）：

👇《费尔南德·奥利维尔肖像》（Portrait of Fernande Olivier） ：毕加索创作于1906年，是一幅铜版干刻版画，现藏于芝加哥艺术博物馆。这幅画以简洁的线条和独特的构图，展现了奥利维尔的形象：

3. 非洲与立体主义时期（1906–1919）

受非洲雕塑和伊比利亚艺术启发，毕加索创作《亚维农的少女》（1907），以破碎的几何形态颠覆传统人体比例，成为立体主义的开端。此后他与乔治·布拉克共同发展“分析立体主义”（用单色块解构物体）与“综合立体主义”（引入拼贴技法，如《有藤椅的静物》），彻底重构了绘画的空间与形式：

👇译文-La系列

“艺术是一个谎言，却能揭示真理。”毕加索（1881-1973）

巴勃罗·毕加索作品的全景图也让我们深入了解最著名、最受关注、最受研究以及最具争议的艺术家的接受情况。收藏了他的作品最广泛的公共收藏，毕加索博物馆国家-巴黎拥有许多“毕加索的毕加索”，他一生都在“他”身边。因此，该系列反映了毕加索作品的实验性方面和非凡的多样性，毕加索在很大程度上体现了二十世纪的现代艺术。立体主义的发明者，超现实主义的关键人物和政治承诺的具象画家，毕加索不断地重塑自己，设计新的方式来表现他的生活，绘画，雕塑，组合，陶瓷，素描从所有他的各个时期证明了他探索的广度，揭示了他与其他创作者的持续对话，毕加索自己的收藏包括亨利·马蒂斯和保罗·塞尚的画作，以及来自非洲和大洋洲的匿名艺术家的雕塑。这位艺术家的个人档案由他的继承人于1992年捐赠，包含超过20万件物品，为这个收藏增添了独特的文献和文化维度：

👇《亚维农的少女》创作于1907年，是一幅布面油画，现藏于纽约现代艺术博物馆（这里借用以说明其发展脉络）。它被视为第一幅具有立体主义特征的作品，毕加索在画中把人物的身体简化为几何图形，将不同角度的视象结合在同一个形象上，打破了传统的透视法则，开创了法国立体主义的新局面：

👇油画《吉他》（Guitar），创作于1912年，属于立体主义风格，是毕加索开创拼贴艺术（Collage）的重要代表作之一。画面中融合了拼贴的报纸、木纹纸等材料与绘画元素，以几何化、多视角的构图呈现吉他形象，体现了立体主义对物体空间与形式的突破性探索：

👇译文-立体主义

随着立体主义的发明，巴勃罗·毕加索和画家乔治·布拉克（Georges Braque）将保罗·塞尚（Paul Cezanne）的公式从字面上转了过来，该公式要求“通过圆柱体、球体、圆锥体来观察自然，所有这些都是透视的。”线条和叠加平面的倍增打破了形状，使它们爆发成灰色和双色的和谐。动机和资金往往会混淆。在这些围绕在平面画布上表示空间中的体积的实验中，可以看到亨利·庞加莱和埃斯普里特等数学家的作品对空间和时间的扩散影响。莫里斯·普林斯特后来把他的思想传播给了毕加索的圈子。在1911年，这种对物体进行碎片化的逻辑，威胁到了主体的可读性，导致毕加索和布拉克通过符号和引用重新插入现实，然后发明了艺术方法。为二十世纪的艺术开辟了新的道路：粘贴、粘贴纸和组装。

1907秋天。展览回顾塞尚在秋季沙龙上的作品。

1909年9月-10月。女性头像模型，费尔南德，第一个立体主义雕塑。

1912格特鲁德·斯坦因（Gertrude Stein）的《库罗尼亚别墅的梅布尔·道奇肖像》（Mabel Dodge at the Villa Curonia）以立体主义文字出版。

《Mabel Dodge的肖像在Villa Curonia格特鲁德·斯坦因，立体派散文作品。

👇这幅画是巴勃罗·毕加索的《坐在扶手椅上的女人》（Femme assise dans un fauteuil）。它创作于1909年，属于毕加索分析立体主义时期的代表作，以几何化线条与块面解构人物形态，探索多视角下的空间与体积关系。画中人物（原型为毕加索当时的伴侣费尔南德·奥利维尔）与扶手椅被简化为尖锐的直线、曲线和黑白灰块面，打破了传统透视，体现了立体主义对“形式本质”的实验性探索。巴黎毕加索博物馆藏有毕加索不同时期的多幅“扶手椅上的女人”，这幅通过几何解构与单色基调，成为分析立体主义风格的典型范例：

👇毕加索的这幅画是《L’Astre》（法语中“恒星”的意思），创作于1947年左右，属于他立体主义与抽象风格融合的典型作品。

画面以‌几何块面拼贴‌为核心语言，用深浅不一的绿色、橙色、棕色等色块构成错落的视觉结构，线条与色块的组合既保留立体主义对“多维度空间”的探索，又融入抽象艺术的自由表达。色彩明暗对比与块面的交叠碰撞，传递出充满张力的视觉节奏，仿佛在用艺术语言重构“恒星”这一意象的神秘与能量感。

他在此阶段的创作常将日常意象（如树木、星体）以抽象化、符号化的方式重塑，这幅画正是他突破具象束缚、在艺术语言实验中探索“形与色的纯粹表达”的体现，展现了他晚年艺术风格中对形式与精神内核的深度融合：

4. 新古典与超现实主义时期（1919–1939）

一战后，毕加索回归古典题材（如《三女泉边》），画面庄重典雅；20世纪20年代末转向超现实主义，探索梦境与潜意识（如《梦》）。1937年，他以西班牙内战为背景创作巨幅壁画《格尔尼卡》，用破碎的形体与黑白灰的强烈对比，控诉纳粹轰炸格尔尼卡小镇的暴行，成为反战艺术的里程碑。

👇《三女泉边》：

☝译文-巴勃罗·毕加索（1881-1973)的《三女泉边》作于枫丹白露，1921年夏天的油面，毕加索国家博物馆．巴琴巴勃罗．申加索捐赠，1979年。MP74：

5. 晚年创作（1945–1973）

二战后，毕加索转向陶瓷、雕塑与版画，风格愈发自由（如《公牛》系列从写实到极简线条的演变）。他还参与舞台设计，将立体主义融入戏剧艺术，并留下2000多件陶瓷作品，展现对材料与形式的持续探索。

👇毕加索91岁时的《最后的自画像》1972年，以粗狂的线条和强烈的色彩（如红色背景与黑色头发的对比）构成，面部被解构为尖锐的几何形状，眼神锐利如刀。晚年的他风格愈发自由，甚至带有“孩童般的涂鸦感”，这幅画既是对生命的回望，也展现了他对艺术形式的终极探索。他曾说：“艺术是谎言，却揭示真理”，这幅自画像正是他一生艺术哲学的缩影。这是他的晚年：

代表作品与影响：

☝《亚维农的少女》（1907）：正如前面已提到的，此画诞生是立体主义的宣言，打破文艺复兴以来的透视与解剖学传统，以原始面具般的面孔和几何化身体引发争议，却开启了现代艺术的新篇章。

👇毕加索的《公牛（板块V）》现藏于美国纽约现代艺术博物馆（Museum of Modern Art，简称MoMA）。为说明问题借用：

👇《格尔尼卡》（1937）：毕加索最具政治意义的作品，通过变形的人物、公牛与马，将战争的残酷与痛苦具象化，至今仍是反战精神的象征：

👇1949年，毕加索为巴黎世界和平大会创作了这幅作品，画面中一只白鸽矗立在黑色背景里，他以极其简化却无比精确的手法，通过在墨色中的留白勾勒出白鸽的形象，除了眼睛和嘴部，几乎没有刻画鸽子的其他任何细节，却让鸽子清冷、坚定的形象更为突出：

☝大致简介了毕加索的艺术发展过程，接下来就按观看顺序欣赏大师的不同时期的作品：

👇译文-现实主义和设置

从1917年开始，在世界大战期间，巴勃罗毕加索（ Pablo Picasso ）作为一名和平主义者和中立国家西班牙的公民，台世界合作。在谢尔德迪亚吉列夫的俄罗斯芭蕾舞团的邀请下，他前往意大利旅行，为芭蕾舞团设计了舞台幕布、布景和服装（1917年）。然后，他通过一幅清晰的线条绘画和裸体和肖像画的主题，重新审视了古典遗产和人文主义的概念，他早在1914年就开始探索这些主题，并与他的立体主义作品平行。围绕着1917年5月首映的兵式》的丑闻使这一活动具有了一种美学宣高的层面，介于解构达达和超现实主义的梦幻之间。毕加索通过《三角芭营》(1919年）、《普尔奇内拉》(1920年）和《水星》(1924年）等芭蕾舞，参与了绘画、雕塑、音乐、舞蹈和诗歌的集体创作，并与他那个时代最伟大的作曲家，包括埃里克·萨蒂、曼努埃尔·德法拉、伊戈尔斯特拉文斯基和达里乌斯米尔豪德。

1916二月﹣七月。

苏黎世伏尔泰歌舞表演的音乐和

文学表演（ Hugo Ball

Sophie Taeuber , E 艾米亨宁斯，特里斯坦查拉)。

February - July , Musical and literary performances 在 Cabaret Voltaire Rich in Zur

（雨果鲍尔·素菲泰伯。

艾美．亨宁斯，特里斯坦

查拉）

1917二月。毕加索旅行

意大利（罗马、那不勒斯和佛罗伦萨）与让科克托合作

les preparatifs de Parade 二月。毕加索与让科克托一起前往意大利（罗马，那不勒斯和佛罗伦萨）工作

关于 Parade

1918七月。妻子奥尔加

俄罗斯芭蕾舞团的芭蕾舞演员

七月，结婚

Olga Khokhlova ，俄罗斯芭蕾美团的前舞蹈演员。

☝译文-毕加索(1881-1973)《扶手椅上的奥尔加·霍赫洛娃肖像》。1918年春天画布上的油画，巴黎毕加索国家博物馆日期Pablo Picasso,

奥尔加·霍赫洛娃(Olga Khokhlova,1891-1955)在1918年结婚后的几年里成为了毕加索最喜欢的模特。在这里，艺术家从一个摆好姿势的pnotograpn开始工作，以一种古典主义风格描绘了芭蕾舞俄罗斯舞者，灵感来自让-奥古斯特-多米尼克·安格尔的画作。霍赫洛娃那遥不可及的目光，流露出一种深刻的、温柔的忧郁。毕加索在1932年首次向巴黎公众展示了这幅故意未完成的肖像：

👇巴勃罗．毕加索（1881-1973)的《剃须男子侧脸》

巴塞罗那，1899-1900

Pencil Contd o Painting s iesiece tu Dapoor

巴黎国立美术馆，法国

日期：1895年。尺寸：76x132厘米， M . P . C .323：

👇毕加索的《塞缪尔·S·考夫曼肖像》（Portrait of Samuel S. Kauffmann），创作于1917年，属于毕加索新古典主义阶段的代表作之一。塞缪尔·S·考夫曼是当时巴黎著名的艺术经纪人与收藏家，毕加索通过这幅肖像展现了对古典主义的致敬——画中人物身着黑色礼服、白色衬衣，造型庄重而厚实，面部与手部的刻画带有古希腊雕塑般的立体感；背景则以色彩斑斓的舞女为衬托，既保留了新古典主义的严谨构图，又融入了生动的色彩与笔触，形成“古典躯体与现代背景”的张力。作品现藏于纽约现代艺术博物馆（MoMA），是毕加索探索古典美学与现代性融合的重要实例：

👇毕加索的这幅画是‌《黑发女子》（La Chevelure noire）‌，创作于1922年左右。

画面中，一位身着深色长裙的女性端坐，姿态端庄。毕加索以简洁有力的线条与色彩塑造形象：人物轮廓明确，面部神态静谧，背景以淡雅的灰蓝色晕染，营造出沉静的氛围。

这幅画展现了毕加索在立体主义之后的艺术探索——他以更写实的风格（同时保留立体主义对形式的提炼）刻画人物，既延续了对“形”的解构性思考，又回归对“人”的细腻表达。画中人物的神态与姿态传递出的静谧感，与背景的朦胧色彩形成呼应，整体呈现出独特的艺术张力，是毕加索艺术生涯中兼具写实性与现代性探索的代表作品之一：

👇这幅画是保罗·塞尚（Paul Cézanne）的油画《傍晚的房子》（Maison à l’effet du soir，又名 House at Evening）。它曾为巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso）收藏，是毕加索珍视的塞尚作品之一。

毕加索对塞尚的艺术极为推崇，曾称其为“我们所有人的先父”。他不仅收藏塞尚的《圣维克多山》等代表作，也关注其普罗旺斯风景画。《傍晚的房子》以暖橙色建筑与蓝紫色天空、绿色植被形成鲜明色彩对比，体现了塞尚对光影和空间结构的探索，这种风格深刻影响了毕加索的立体主义创作。

尽管毕加索的收藏以自己的作品为核心，但他也系统性地收藏了塞尚、马蒂斯等艺术家的作品，《傍晚的房子》正是其藏书中体现塞尚“现代绘画之父”地位的关键作品之一：

☝译文-保罗·塞尚(1839-1906)

《黑城堡》1905年油画。收藏于巴黎毕加索国家博物馆

毕加索，1978年。MP2017-9收藏人员Pablo Picasso帕托·毕加索(1881-1973)

👇译文-《弹曼陀林的男子》巴黎，1911年秋，油画巴黎毕加索国家博物馆毕加索，1979年，MP35这两幅画属于“分析立体主义”潮流的第一阶段，在这种潮流中，由于相互穿透的平面的破裂和几乎是单色的，对主体的阅读变得困难。托盘。然而，在这些相互叠加的福恩斯云中，我们可以看到一些可以识别两位音乐家的特征：胡子，玫瑰花结有吉他，还有壁炉的饰条。据说，这两幅画是一位美国赞助人为装饰图书馆而委托制作的，但这位艺术家从未完成这项委托，这些作品都留在了他的工作室里这两幅画属于立体主义运动的第一阶段，被称为“分析立体主义”，其中的主体由于重叠平面的碎片化和几乎单色的调色板而难以识别。Amia有多个叠加的形状，我们仍然可以辨认出两个音乐家的元素：胡子，吉他的音孔或壁炉架的装饰。这两幅画被委托装饰一位美国赞助人的图书馆，但毕加索从未完成这项工作，作品仍留在他的工作室里：

👇《弹曼陀林的男子》：

👇从左到右，从上到下：毕加索(18811973)日记，火柴盒、烟斗和玻璃，巴黎。1911画布上的Hule参见国家毕加索-Pane tion Pablo Picasso.1979 MP32玻璃、苹果、书籍mps 191苹果：

👇上：吉他手

下：吉布斯的吉他手

👇剃须刀皮质静物画

男人的头（上）

男人的头二（下）

静物画瓶子：

👇译文-实验室实验室

“我的工作室就像一个实验室。像所有的实验一样，有些实验成功了，有些实验失败了。”巴勃罗毕加索1912年秋天，乔治·布拉克（Georges Braque）和巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso）的立体主义风格开始征服卷。第二维度和第三维度之间的通道成倍增加。通过折叠，拼贴变成了浮雕。在工作室这个造型实验室里，这位DIY艺术家用到了他所拥有的所有材料：纸板、绳索、包装纸、蜡布等等。然后，毕加索打开了一个巨大的“心理空间”，毕加索永远不会关闭，在那里，通过组合的组合游戏，将具体物体纳入创作过程，发明了一种新的“现实写作”。评论家兼画廊老板Daniel-Henry Kahnweiler的话。“我的工作室是一种实验室。像所有的实验一样，有些成功了，有些失败了。随着1912年秋季纸制工艺的引入，乔治·布拉克和巴勃罗·毕加索的立体主义试图征服体积。从二维到三维的过渡创造了新的技术；拼贴通过折叠成为浮雕。在工作室的实验室里，艺术家尝试使用他可以使用的所有材料，包括纸板、绳子、包装纸和油布。这开辟了一个巨大的“心理空间”，毕加索永远不会关闭，在创作过程中，组合和具体物体的结合导致了一种新的“真实写作”，正如评论家和画廊老板丹尼尔-亨利·卡恩韦勒所描述的那样。

1913年11月。毕加索的立体主义建筑在纪尧姆·阿波利内尔创办的杂志《巴黎晚会》第18期发表。出版《毕加索的立体主义建筑在纪尧姆·阿波利奈尔创办的《巴黎晚报》第18期中发表。

1933年安德烈·布雷顿的作品《毕加索在他的元素中》刊登在《牛头怪》杂志第一期。安德烈·布雷顿的文章“毕加索的儿子”发表在《弥诺塔》杂志的第一期。

👇毕加索从平面到三维立体；从图画到尝试用各种材料创作的展示：

👇《壁炉旁的人》巴黎，毕加索1916年的油画

☝译文-毕加索(1881-1975)《壁炉旁的人》巴黎，1916年的油画。巴黎，毕加索国家博物馆日期Pablo Picasso,1979.MP54。

简介：巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso）的儿子保罗（Paul）身着五颜六色的西装，似乎已经准备好参加狂欢节了！他被称为丑角，卡莱布尔。喜剧演员dellarte，意大利发明的一种喜剧戏剧类型毕加索一直对宇宙着迷。为了创作这幅画，他为俄罗斯芭蕾舞团的乐队创作了服装和舞台布景。他跟随他们在意大利巡回演出，遇到了他的第一任妻子Cigs Khnehlova：

👇毕加索（1881-1973)的油画《情人》，1919画于巴黎：

☝译文-毕加索（1881-1973)

《情人》巴黎1919的油画，巴黎毕加索国家博物馆日期：巴勃罗毕加索，1979.MP62明确提及爱德华·马奈，《情人》( 爱情）可以被视为现代生活的一幅作品，其中包括一对跳舞的夫妇，可能指的是这位画家最近的婚姻就像俄罗斯芭蕾舞团的编舞一样。将是心脏。但这位艺术家随意描绘人物的方式一一把脸剪成面具，在《不妥协》杂志上踩踏情节的女人露出令人讨厌的笑容，以及他对人物的融合。尸体和家具也是一种大胆的回应"回归秩序"争议的方式，并表明无论从立体主义的角度来看，任何封闭都是不可能的，而不是一个公认的新古典主义：

👇毕加索(1881-1973)的《喷泉里的三个女人》：

☝译文-毕加索(1881-1973)的《喷泉里的三个女人》作于枫丹白露，1921年夏天，画布上的血色。

毕加索-巴黎国家博物馆日期Pablo Picasso,1979.MP74：

👇《泛笛》：

☝译文-毕加索(1881-1973)的《泛笛》又名《潘笛》巴黎，1923年秋，布面油画国家毕加索博物馆-巴黎Dation Pablo Picasso,1979年。MP79《潘氏漂浮》以两个名字为特色，他们几乎裸露的身体被他们所沉浸的近距离环境和矿物环境所纪念。在制作这幅作品时，巴勃罗·毕加索从那不勒斯考古博物馆保存的潘和达芙妮的古董大理石中汲取灵感。然而，这位艺术家向古董模特走了一步，让两位主角都穿着游泳裤。因此，它们类似于按照保罗·塞尚的画作绘制的现代游泳者。通过《泛笛》，毕加索以现代生活的角度重新诠释了古典文化的伟大象征。La Flte de Pan以两个男人为特色，他们几乎赤裸的身体被特写镜头和他们的石头毛皮包围着。在创作这件作品时，Pablo Picasso从那不勒斯考古博物馆的潘和达夫尼斯的希腊罗马大理石雕像中汲取灵感。然而，艺术家打破了经典模式，通过穿着两个主角在泳裤，通过这种方式，他们类似于现代的泳者画在模型上的保罗·塞坦通过拉长笛德潘，毕加索揭示了新的伟大符号古典文化的一部分，在当代生活中重新诠释它们：

👇毕加索的《伟大的游泳者》（The Great Swimmer）创作于1929年，属于他艺术生涯中转向超现实主义的重要时期。

这一阶段，毕加索受超现实主义思潮影响，突破传统绘画的写实逻辑，常以扭曲、重组的人体形态表达潜意识与心理层面的张力。《伟大的游泳者》中，人物肢体被夸张变形，融合了几何化处理与强烈的情感投射，反映了他对人体与空间关系的实验性探索，也体现了当时艺术界对非理性、梦境般意象的追求：

☝译文-毕加索(1881-1973)的《伟大的游泳者》巴黎，26 mai 1929的油画。巴黎毕加索国家博物馆日期Pablo Picasso,1979.MP115：

👇毕加索1929年创作了超现实主义风格的《站在海边的裸女》（Nude Standing by the Sea），有时也被视为与“游泳者”主题相关 。 

不过这幅油画现藏于纽约大都会艺术博物馆，为了诠释接下来的”译文而贴在这里供参考。毕加索通过重新排列人体解剖部位和改变比例，创造出一个模糊的雕塑般的形象，体现了超现实主义风格 ：

☝译文-《沐浴者》，巴勃罗．毕加索以及亨利·马蒂斯和安德烈·德兰在保罗·塞尚于1907-1908年创作的大型晚期作品之后，延续了《沐浴者》这一古典而古老的主题。毕加索在沐浴或海边的表现中使用了各种各样的风格和情感：在1921年夏天的作品或1923年的《潘笛》中，经典而怀旧；1929年的《游泳者》超现实而令人不安。它通过海滩、身体展示场所、游乐和放松空间的主题提供了一个现代化和琐碎的版本，然后往往伴随着潜在的威胁，如《没有》的场景所示。亚德在他的画中从卡米尔·科罗特和让﹣奥古斯特﹣多米尼克·英格里斯到奥古斯特·雷诺阿，沐浴的肖像画与他的个人收藏中的许多传统有关。与舞蹈主题紧密相连，不断地浇灌着毕加索的作品。

1918八月至九月。画家住在比亚里茨。八月至九月。留在比亚里茨。

1919夏天。入住圣拉斐尔在中间

在战争中，艺术家大部分夏天都在海边度过，在迪纳尔或地中海沿岸。

十二月，雷诺阿去世：

👇奥古斯特·雷诺阿伯爵

《神话，古希腊悲剧人物》：

👇毕加索自画像：

☝翻译-毕加索(1881-1973)画布前的艺术家巴黎，1938年3月22日画布上的木炭巴黎毕加索国家博物馆日期Pablo Picasso,1979,MP172

这位艺术家是谁？这个男人梳头，鼻子挺直，穿着水手服。毫无疑问，这是巴勃罗·毕加索的自画像！在艺术史上，许多画家都用手工画笔和调色板来描绘自己。在这里，毕加索强调了他眼睛和右臂的大小，这让他看起来非常专注：

👇译文-变形记

变形的"美要么会抽搐，要么不会"：超现实主义者安德烈．布雷顿的这一公式在巴勃罗·毕加索的几部作品中得到了呼应，毕加索的变形触动了人形，这是安德烈·马森、马克斯·恩斯特和毕加索的作品中的一种形态形式的新组合。多拉玛尔的照片。随着变形，弯曲的肢体会变成图中的线束：纪尧姆．阿波利内尔纪念碑计划（1928年）,"一座不像诗歌那样深沉的雕像"(《被谋杀的诗人》,1916年）。在他的朋友胡里奥．冈萨雷斯的指导下，该项目被翻译成雕塑，后者向他介绍了焊铁技术。毕加索在130年代初对精神分析和自动书写的兴趣可以从缠绕的线条中看出，这些线条用米黄色、灰色或黑色扁平图案描绘了人形。有时会以一种极端的形式化方式展现出艺术家的独特形象。

👇这是毕加索创作于1930年的雕塑作品 《头部：女人/男人》（Tête: Femme/Homme ，也有说法称其为《带勺子的人头结构》 ） ，是毕加索立体主义雕塑探索中的代表性物件。

1、创作背景与理念

20世纪初，毕加索在立体主义绘画领域取得突破后，将视角拓展到雕塑创作，尝试用拼贴、组合日常材料（如金属勺子、木头、绳索等），打破传统雕塑对单一材质、写实造型的依赖，以立体主义解构与重构的思路，赋予作品多维度视觉与观念表达，这件作品便是该阶段探索成果之一，体现他对“现成物（Readymade）”艺术观念的实践——把日常物品从原有功能语境中抽离，组合成新艺术形态 。

2、材料与形式

以木头、绳索、金属勺子等现成材料拼接构建，勺子作头部、木头组躯干肢体，绳索缠绕固定并强化结构关联。造型摒弃写实，通过材料拼接、空间交织，呈现出类似立体主义绘画中“多视角并置”的视觉效果，打破传统雕塑的完整形态与叙事逻辑，让观众从不同角度感受线条、材质、空间的碰撞，激发对“人形”“物体关系”的多元解读 。

3、艺术价值与影响

它为现代雕塑开辟新路径，证明日常材料可成为艺术表达媒介，推动雕塑从“雕刻塑造”向“组合构建”转变；启发后来的装置艺术、拼贴艺术发展，让艺术家更注重材料本身特性与创意组合，是毕加索立体主义跨媒介实验的关键案例，也反映20世纪初先锋艺术挣脱传统、拥抱创新的思潮，现常展于重要艺术机构，作为现代雕塑起源与发展的标志性作品被研究、解读 。 比如在毕加索艺术专题展览里，这件作品常被用来阐释他立体主义创作从二维到三维空间的拓展，以及对现代艺术“材料解放”的贡献 ：

☝译文-《野眼或狂野的眼睛》

20世纪20年代末，巴勃罗·毕加索（ Pablo Picasso ）将色彩、形式和材料的暴力推向了前所未有的高度。受到超现实主义者的欢迎，这种新的拐点首先表现为使用废弃物品：路易斯·阿拉贡说"人类生活中真正的垃圾，是贫穷、肮脏、被鄙视的东西"。这位艺术家显然很乐意违反学术规则。这些作品并不寻求魅力或诱惑，而是对观众表现出一种攻击性：例如，1926年的吉他之一显示了画布背面的钉子，这些钉子的尖端危险地转向公众的视线，就像阿尔贝托·贾科梅蒂的一些雕塑一样。在这一时期的绘画和雕塑中出现的具有敌意的古老而不朽的生物也证明了这种对无意识领域的探索。

1924年12月。毕加索的彩绘金属吉他出现在《超现实主义革命》杂志的第一期中。

1925年11月。参加毕加索在巴黎皮埃尔画廊举办的首次超现实主义团体展览。

1928年秘密出版了《乔治．巴塔耶的眼睛历史》，笔名为奥赫勋爵，由安德烈◇马森插图：

👇毕加索(1881-1973)作品《美食》：

毕加索对“美食”的艺术化表达，始终围绕‌“解构日常、重构意义”‌展开。他用立体主义的破碎与重组，让“吃”这一本能行为，成为理解人类情感、文化与哲学的窗口：

☝译文-毕加索(1881-1973)作品《美食》1948年11月，作于巴黎的油画。巴黎毕加索国家博物馆日期Pablo Picasso,1979.MP200：

👇毕加索(1881-1973)的《孩子玩卡车》瓦劳里斯，1953年12月27日，布面油画国家毕加索博物馆-巴黎日期杰奎琳·毕加索，1990.MP1990-25：

👇毕加索1963—1965年创作了《画家和他的模特》（Painter and His Model）系列。这批作品是毕加索晚年对艺术创作本质的深刻探索，画面以柔和的淡绿、粉色或淡紫色为基调，用黑色线条勾勒出男性画家与裸女模特的轮廓，仿佛将工作室中“创作瞬间”的亲密张力凝固在画布上。

巴黎毕加索博物馆通过这批作品，展现了毕加索对“艺术永恒性”的追问——模特既是创作对象，也是灵感的缪斯，而画家的存在则象征着艺术生产的持续动力。尽管部分同主题作品藏于马德里国家索菲亚王妃美术馆，但巴黎馆的藏品仍完整呈现了该系列的演变脉络：

👇毕加索的这幅《吻》（Le Baiser）是其立体主义风格的典型代表作，创作于1969年。画面以大胆的变形与夸张手法呈现情侣亲吻的瞬间：人物面部被拆解为多块几何化、立体化的色块与线条，色彩（如暖黄、粉红、灰调等）在破碎的视觉结构中碰撞融合，既保留了亲吻动作的亲密感，又通过立体主义的解构语言，突破了传统写实绘画对“真实形态”的束缚，展现出毕加索对艺术形式与情感表达的革新性探索。这幅作品不仅体现了毕加索晚年对立体主义风格的延续与深化，更以极具张力的画面语言，传递出对爱情与亲密关系的独特艺术诠释：

👇毕加索(1281-1975)的《耶稣受难夫妇》运用超现实元素‌，画面中融入毕加索的私人符号——蓝色螳螂头、黄色三角中的情人玛丽-特蕾莎侧脸、戴红面具的太阳人形，以及象征黑暗的绿色团块与飞鸟‌…

以暴力美学‌：持矛的罗马百夫长被描绘为斗牛士形象，骰子与罩袍的细节影射《圣经》中的场景，色彩（黑、红、黄）与错位构图强化了原始牺牲的冲击力‌。

他全摒弃透视规则，用抽象形式表达宗教主题，将“受难”转化为对‌人类普遍苦难的隐喻‌，甚至隐含对西班牙内战中暴行的批判（受《格尔尼卡》影响）‌：

👇译文-诗人毕加索

诗歌在巴勃罗·毕加索的生活和创作生涯中占有重要地位。他被诗人的形象所吸引，与马克斯·雅各布、格特鲁德·斯坦因、纪尧姆·阿波利内尔、安德烈·萨尔蒙、让·科克托、米歇尔·莱里斯、皮埃尔·雷韦尔迪建立了创始友谊。从1935年开始在20世纪50年代，他写了大约三百四十首诗，这些诗分为多种状态和变体，并有一些令人难以忘怀的主题：爱情、色情、斗牛、食物、被钉死在十字架上、牺牲一一它们往往紧密相连。在笔记本上，在纸片上，或者更常见的是在精美的绘图纸上，手稿可以显示出绘图员的手势。粗糙、锐利或华丽的文字，有时伴随着绘画，呈现出各种各样的书法。

早在1936年，诗人安德烈·布雷顿（ AndreBreton ）就在《艺术杂志》( Cahiers d ' Art ）上发表了一篇长篇文章，探讨了毕加索的诗歌的重要性。"既感官又感伤的日记"。19354月18日，毕加索开始创作西班牙语长诗《如果你有钱》，这是他诗歌作品的开始。4月18日。毕加索用西班牙语开始了长诗“Si yo fuera afuera”，这标志着他的全部诗歌的开始。毕加索的《艺术笔记本》特刊第7-10期，其中发表了他的许多诗歌作品。《Cahiers d'art》专刊7-10期，其中发表了毕加索的几篇诗作。19411月14日至17日。为1945年由Gallimard出版的戏剧《被尾巴抓住的欲望》撰写。1月14日至17日。写剧本Le Désir attrapépar la line（魔鬼被尾巴抓住），由Gallimard于1945年出版：

👇毕加索的手稿：

☝毕加索的历史地位

毕加索的伟大不仅在于风格的多元与革新，更在于他对艺术本质的永恒追问。他一生不断突破自我，从古典写实到立体主义的裂变，再到超现实主义的诗意，始终站在现代艺术的前沿。正如他所言：“我花了4年时间像拉斐尔一样绘画，却用一生时光像孩子般画画”——这种对纯粹创造力的坚守，让他成为20世纪艺术史无法绕过的“天才符号”。

看毕加索博物馆真是挂一漏万，记录下大概留作纪念！

接下来一集我们将呈现当天的最后一个精彩内容，即“罗丹美术馆”的生动雕塑和优美的环境见闻…

👇图为罗丹美术馆花园里的著名雕像《思想者》…

敬请期待🙏

欢迎美友点击链接观赏本行程之前的内容👉巴黎著名“三院”博物馆：圣母院、歌剧院、荣军院见闻-自由行之一（2025.7）及各美篇文章后的按顺序链接行程内容🙏🌹