<p class="ql-block"><b style="font-size:22px;"> 前天女儿请咱老俩口在影院看了【戏台】。看完后，联想起【繁花】，顺通忍不住针对当今“闹麻麻”，“乱哄哄”的文艺界现况，小发议论一番。</b></p> <p class="ql-block"><b style="font-size:22px;"> 【喧哗与失序】小议电影《戏台》与《繁花》的群体表演困境</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size:22px;"> 当《戏台》中军阀副官第十次踢翻道具箱，《繁花》里黄河路老板娘们第八次掀翻麻将桌——我们不得不直面华语影视中蔓延的“表演焦虑症”。这种病症的典型症状是：演员如困兽般在镜头前嘶吼蹦跳，将集体叙事撕扯成个人才艺秀的碎片。艺评人阿敏曾警示的“个体夸张吞噬群体质感”的预言，在《戏台》与《繁花》这两幅本应精妙的时代画卷上，同时烙下了刺眼的艺术疤痕。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size:22px;"> 《繁花》的“至真园夜宴”堪称群体失控的教科书案例。本应是展现90年代沪上资本暗涌的名场面，却沦为演员争奇斗艳的斗兽场：汪小姐举着酒杯在席间穿花蝴蝶般游走，声调拔高至刺耳的八度；范总为强调山东口音刻意卷曲的舌头，让每句台词都像含着滚烫的汤圆；卢美琳每次发怒必拍桌震落碗碟的机械重复，将商界女强人简化为情绪失控的符号。王家卫镜头下本应流动的欲望诗篇，被切割成无数个声嘶力竭的表演孤岛。这种“闹麻麻”“乱哄哄”，的实质，是导演纵容演员将角色特征无限放大为马戏团小丑式的奇观，犹如在油画《清明上河图》上粘贴闪光亮片。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size:22px;"> 《戏台》的困境则呈现为另一种“乱哄哄”。当戏班面临军阀审查的生死时刻，后台本该凝聚成命运共同体，画面呈现的却是各自为政的滑稽大赛：琴师突然开始用胡琴模仿驴叫，花脸演员无端表演鼻孔撑伞的绝活，班主在枪口下仍坚持完成长达三分钟的单口相声。这些脱离叙事逻辑的“绝活展示”，恰如阿敏所批判的“将戏剧冲突降维成杂耍班子的拼盘演出”。陈佩斯饰演的班主越是沉稳克制，周围群演的咋咋唿唿就越发显得荒诞——仿佛在莫扎特交响乐中突然插入唢呐独奏。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size:22px;"> 细究其病理根源，实则是两种创作癌症的并发：</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size:22px;"> 其一为“特写镜头综合征”。《繁花》中李李旗袍开衩高度的争议性镜头，暴露出主创对角色符号化的迷恋。当摄影机贪婪舔舐着演员的钻戒、睫毛、高跟鞋时，叙事早已被物化为奢侈品橱窗。这种美学导向必然诱发演员的“表现饥渴”——既然镜头只追逐浮华的表象，谁还甘心做推动情节的螺丝钉？</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size:22px;"> 其二乃“舞台表演依赖症”。《戏台》中军阀姨太太每次登场必配的京剧台步与吊嗓，将影视表演的微妙质感粗暴简化为戏曲程式。当青年武生在枪口对准眉心时仍不忘亮个相，这种舞台化的“表演自觉”彻底撕裂银幕真实感。影视表演本应如暗流涌动的深潭，却被硬生生煮沸成翻滚的火锅汤底。</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size:22px;"> 耐人寻味的是，两部杰作中的灵魂人物反而提供了解毒剂。辛芷蕾在《繁花》尾声的独角戏中，仅凭睫毛颤动与嘴角微纹就道尽商海浮沉；陈佩斯在《戏台》高潮段落，用颤抖的手指抚摸戏袍的细节，胜过万千嘶吼。这些时刻印证了阿敏的箴言：“伟大表演是集体叙事中的星群，而非孤月独明。”</b></p><p class="ql-block"><b style="font-size:22px;"> 当《繁花》的霓虹与《戏台》的油彩在时光中褪色，那些喧宾夺主的夸张表演终将成为艺术丰碑上的裂痕。修复之道或许在于重拾“镜头伦理”：让摄影机重新学会凝视群体的呼吸韵律，让演员甘愿成为时代画卷中的一抹底色——须知《清明上河图》的不朽，正在于五百余人物皆在整体叙事中各安其位。唯有当每个表演者学会克制个体的光芒，时代的风雷才能在银幕上真正轰鸣。</b></p> <h1> <b>当今，文娱圈内的乱象，是该好好反思与整肃了！</b></h1>