缔造现代

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　2025年7月4日顶着骄阳似火的高温日，来到浦东美术馆观赏来自巴黎奥赛博物馆的艺术魁宝展，展览汇聚来自巴黎奥赛博物馆的逾百件19世纪40年代至20世纪初的法国艺术杰作，全面展现这一时期多种艺术思想与创作方法的并行发展与交织演进。

一天泡在浦东美术馆，即避了暑又享受了艺术盛宴。同时浦东美术馆的各种现代功能及独特地理位置的风景也一并得到了体验。



美 的 无 限 形 式

这部分展品涵盖了从学院派、现实主义、自然主义到印象派、新印象派、后印象派、纳比派等奥赛馆藏中几乎所有重要艺术流派，通过不同流派的作品展现了艺术风格的丰富多样，体现了美的无限形式。

19 世纪的艺术不再以普遍或泛化的方式呈现现实，艺术家努力为图像赋予个性特征，打上个人烙印。这种对独特性与差异性的关注，使得艺术形式更加丰富多元，展现了美的不同面貌。

不同流派的艺术家在技法和表现形式上不断创新，这些创新的技法和表现形式，为美的表达提供了更多的可能性。

部分艺术家受到其他文化的影响，将跨文化元素融入到作品中，丰富了艺术的表现形式。这种跨文化的融合为美的无限形式增添了新的内涵。

诸多学院 诸多学院派

对亚历山大・卡巴内尔及其作品《维纳斯的诞生》的解读：

亚历山大・卡巴内尔是 19 世纪法国学院派画家，他曾获得罗马大奖第二名，虽然被看作典型的 “陈腐学院派画家”，但也在传统主义里有创新。他的画风有两种特点，一种是有力量感，类似拉斐尔或米开朗基罗的风格；另一种则充满感官诱惑，和 18 世纪早期艺术风格有关。
《维纳斯的诞生》创作于 1863 年，是布面油画。这幅画原本是拿破仑三世的私人收藏，后来经司法裁定归法国国家博物馆管理。在 1863 年官方沙龙展上引起轰动，它延续了卡巴内尔充满感官诱惑的那种画风，采用蓝、白、粉的配色。不过，很多评论家认为这幅画展现的更多是生理感官，而非灵魂层面的高贵热情，画中维纳斯的姿态也引发了关于是否 “不妥” 的讨论，只是依靠经典的塑形和细腻的笔触才有所弥补。

对让 - 莱昂・热罗姆的作品《玩斗鸡的希腊年轻人》的解读：

让 - 莱昂・热罗姆是 19 世纪法国学院派画家和雕塑家，他擅长描绘历史、东方主义和古典题材的作品。《玩斗鸡的希腊年轻人》创作于 1846 年，是一幅布面油画，于 1873 年被购得。热罗姆的作品以其精细的细节、准确的历史和文化描绘以及对光影和色彩的巧妙运用而闻名，这幅画也体现了他在这些方面的特点，通过描绘希腊年轻人玩斗鸡的场景，展现了特定的文化和生活风貌。

对历史偏爱

对埃内斯特・梅索尼埃及其作品《1814 年法国战役》的解读：

埃内斯特・梅索尼埃是 19 世纪法国画家，1861 年当选法兰西艺术院院士，他在历史画领域很受尊敬。《1814 年法国战役》创作于 1864 年，是木板油画，1909 年由阿尔弗雷德・肖沙尔遗赠。这幅画以快照般的方式描绘了拿破仑首次退位前的最后战斗相关场景，展现了法国军队在沙皇亚历山大一世领导的联军面前抵抗的最后时刻，画面氛围充满命运压迫感，拿破仑虽姿态有战斗准备但局势艰难。

从观察画中的季节（通过艺术家为还原细节的努力，比如去冰天雪地感受寒冷等推测可能是冬季）、天空颜色、军队气势、将军表情等，去想象拿破仑接下来战斗的胜负。

对让 - 保罗・劳伦斯的作品《罗贝尔二世被逐出教会》的解读：

让 - 保罗・劳伦斯是 19 世纪法国画家，他偏爱宏大的尺幅，擅长通过空间布局、留白处理以及营造加速感来制造戏剧性效果。《罗贝尔二世被逐出教会》创作于 1875 年，是一幅布面油画，在 1875 年的官方沙龙展上由法国政府购得。
这幅画描绘的是历史上的一个场景：几位主教未能劝说 “虔诚者” 罗贝尔二世放弃与勃艮第的贝尔特（两人有共同曾祖父母，这在当时的宗教和伦理观念下是不被允许的）的婚姻，愤而离去。画中的巨型蜡烛倒落、余烟袅袅且烛头指向罗贝尔二世，象征着教宗对他的谴责；代表王权的权杖被弃于他脚边，他面色死灰，展现出这对被逐出教会的夫妇的沮丧与痛楚。这幅画通过对场景、人物表情和象征元素的描绘，生动地再现了当时的历史事件和人物的复杂情感。

肖像 从对外形象到私人剪影

对让 - 巴蒂斯特・卡尔波的作品《玛蒂尔德公主》的解读：

让 - 巴蒂斯特・卡尔波是 19 世纪法国著名雕塑家。《玛蒂尔德公主》创作于 1862 年，材质为大理石。这件作品是 1905 年由玛蒂尔德公主本人遗赠的。玛蒂尔德公主是拿破仑家族成员，在当时的法国文化艺术界有一定影响力，这件雕塑作品也成为了后世了解当时人物风貌和雕塑艺术的一个载体。

大理石被雕塑的如此细腻，活灵活现。 对保罗・博德里的作品《马德莱娜・布罗昂》的解读：

保罗・博德里是 19 世纪法国学院派画家，他的作品在当时的官方沙龙中比较受认可。《马德莱娜・布罗昂》创作于 1860 年，是一幅布面油画。这幅画是 1900 年由画中人物马德莱娜・布罗昂本人遗赠的，这也使得这件作品的传承更具故事性，它可以让后世从艺术和历史的角度去了解当时的人物形象以及绘画风格等方面的情况。

画面局部 对莱昂・博纳的作品《帕斯卡夫人》的解读：

莱昂・博纳是 19 世纪法国画家，青年时期是埃德加・德加的挚友。他一生创作了近 600 幅肖像画，描绘对象涵盖政要、金融巨头和艺术名流，并且他的画作规格往往与人物的身份地位密切相关。《帕斯卡夫人》创作于 1874 年，是一幅布面油画，于 1915 年被购得。
画中的帕斯卡夫人是一位金融家的遗孀，同时也是享有盛名的女演员，她与小仲马、福楼拜和莫泊桑交情深厚。在这幅画中，她身着镶有黑色皮草的白色缎面长裙，双眼炯炯，目光深邃，手臂姿态威严，被左拉赞为 “壮丽无比”。她头上的冠饰更加强化了她的形象，不仅体现出她作为舞台上女王的风采，也暗示她是 1875 年官方沙龙展的焦点人物。这幅画通过对人物形象、服饰和神态的细致描绘，展现了帕斯卡夫人的身份地位和独特魅力。

对奥古斯特・罗丹的作品《维克多・雨果》的解读：

奥古斯特・罗丹被誉为现代雕塑的奠基者，他从青年时代起就对维克多・雨果满怀敬仰。1883 年，罗丹终于见到了雨果，这次会面促使他创作了第一尊雨果胸像，并与朱尔・达卢胸像一同在 1884 年官方沙龙展上亮相。在那尊胸像中，雨果苍老的面容得到升华，神情坚毅，目光锐利，身着现代风格服装。
而本次展出的《维克多・雨果》青铜雕塑创作于 1897 年，1906 年由法国政府购得。这个版本与最初的胸像有很大不同，其蓝本是 1885 年雨果去世后罗丹为其设计的纪念碑。由于功能从胸像变为纪念碑，雕像的外观也随之改变。雕像中雨果的胸膛充满英雄气概，象征着毫不动摇的力量；低垂的头颅与紧闭的双眼，则反映出雨果深邃活跃的思想。

对埃内斯特・迪埃的作品解读：

埃内斯特・迪埃是 19 世纪法国画家。《于利斯・比坦》创作于 1880 年，为布面油画，1896 年由法国政府购得。
艺术史上的一项重要发明：1841 年，美国画家约翰・戈夫・兰德发明了可以拧上盖子的金属颜料管。这项发明让艺术家们能够将颜料装进包里随身携带，还能让颜料不易变干，大大改变了绘画的方式。艺术家们终于能舒舒服服地走出工作室画画，从此，阳光的明暗、风雨的方向，都会出现在他们的画里！

对亨利・方丹 - 拉图尔的作品《迪堡一家》的解读：

亨利・方丹 - 拉图尔是 19 世纪五六十年代现实主义画派的领军人物，他始终坚持严谨的构图与沉静的色调。1870 年之后，肖像画成为他拓展人脉的关键领域。《迪堡一家》创作于 1878 年，是一幅布面油画，于 1921 年由亨利・方丹 - 拉图尔之妻保留用益权后捐赠。
在 1878 年的官方沙龙展上，方丹 - 拉图尔被评论家们称赞为 “才华近乎天启，令公众叫绝”。这幅作品描绘了画家妻子一家（妻子站在后排），其肖像画的气质类似夏尔丹笔下的静谧与亲昵，仿佛画中人物在轻声谈论生活中的小事与感受。方丹 - 拉图尔的创作既不迎合家人，也不讨好公众，正如欧仁・韦龙所言，很难再找到一位画家能如此蔑视布景、姿势和矫饰。此外，在画中各处还能看到方丹 - 拉图尔的朋友马奈的画作《阳台》的影子。

人物的手画的非常细腻

从 现 实 主 义 到 自 然 主 义

通过艺术流派的演变与作品的并置，揭示了 19 世纪法国艺术对现实认知的深化与科学精神的渗透。这一脉络的内涵可从以下维度展开：

现实主义：对社会底层的真实凝视，这种对 “平凡” 的崇高化处理，标志着艺术从宫廷转向民间的价值重构。

自然主义：科学实证与环境决定论的渗透，体现出对社会问题的冷峻剖析。

技法革新：从叙事性到感知性的转变，两派在技法上的递进折射出艺术语言的现代化。现实主义：注重轮廓的清晰与色调的沉稳。自然主义：更强调瞬间性与环境氛围。这种技法预示了印象派对光线的探索，成为连接写实与现代艺术的桥梁。

社会语境：从批判到科学的话语转型，通过精确捕捉人物的手势、服饰细节，构建出中产阶级生活的切片，体现出对 “环境塑造个体” 这一科学命题的艺术诠释。

结语：“从现实主义到自然主义” 的演进，不仅是技法的革新，更是 19 世纪法国人认知世界方式的缩影。现实主义以道德勇气撕开社会的疮疤，自然主义则以科学理性重构观察的维度，两者共同为现代艺术的多元探索奠定基础。

对奥诺雷・杜米埃的作品《克里斯潘和斯卡潘》的解读：

奥诺雷・杜米埃是 19 世纪法国著名画家、版画家和雕塑家，他以讽刺和批判社会现实的作品而闻名。《克里斯潘和斯卡潘》创作于约 1864 年，是一幅布面油画。这幅画于 1912 年由卢浮宫之友协会通过亨利・鲁阿尔的子女捐赠。
克里斯潘和斯卡潘是法国剧作家莫里哀喜剧作品中的经典仆人形象，他们聪明机智，常常通过各种计谋来为主人或自己解决问题。杜米埃的这幅画可能描绘了这两个角色的某个场景，体现了他对社会和人性的观察与讽刺。

对古斯塔夫・库尔贝的作品《受伤的男人（自画像）》的解读：

古斯塔夫・库尔贝是 19 世纪法国现实主义画派的代表人物，他在法兰西第二共和国末期凭借巨幅画作《奥尔南的葬礼》成为举足轻重的艺术家。他以塑造英雄的尺寸描绘普通人，并且在创作中坚定地为每一幅画打上自己的 “个性” 烙印，他曾宣称要按照自己的品位将所处时代的风俗、思想和风貌转化为艺术，创造鲜活的艺术。
《受伤的男人（自画像）》创作于 1844-1854 年，是一幅布面油画，于 1881 年通过公开拍卖购得。自画像的创作贯穿了库尔贝的一生，在这幅画的创作过程中，库尔贝曾改动构图，画中他以决斗者的形象出现，剑和血迹清晰可见，但艺术家既没有给出理由，也没有展现情节，这体现了现实主义并不试图解释一切的特点。

画作局部 对夏尔 - 弗朗索瓦・多比尼的作品《春天》的解读：

夏尔 - 弗朗索瓦・多比尼和泰奥多尔・卢梭一样，对后来的印象派画家产生了显著影响。他的影响来自其经验主义的风格，以及自 19 世纪 50 年代起获得的商业成功。多比尼擅长运用全景式构图，突破了传统绘画的限制，将自然的力量引入画面之中。《春天》创作于 1857 年，是一幅布面油画，于 1856 年由法国政府委托绘制并购买。这幅画展现了万物复苏、生命绽放的季节，麦苗仍是绿色，苹果树已然开花。1857 年，有人将这幅毫无矫饰的画作与乔治・桑洋溢着乡村质朴魅力的小说相提并论，小说家兼记者埃德蒙・阿布总结道：“多比尼先生的这幅画，就像透过窗户看到的春之微笑。”

对纳西斯・迪亚兹・德拉佩纳的作品《枫丹白露森林》的解读：

纳西斯・迪亚兹・德拉佩纳是 19 世纪法国画家，《枫丹白露森林》创作于 1846 年，是一幅布面油画。这幅画于 1910 年由阿尔弗雷德・肖沙尔遗赠。
从作品名称可知，这幅画描绘了枫丹白露森林的景色，枫丹白露森林是法国著名的森林，以其美丽的自然风光吸引了众多艺术家。这幅画可能展现了迪亚兹・德拉佩纳对森林景色的细致观察和独特的艺术表现手法。

对古斯塔夫・库尔贝的作品《皮埃尔 - 约瑟夫・蒲鲁东》的解读：

古斯塔夫・库尔贝是 19 世纪法国现实主义画派的代表人物，他的作品常常关注现实生活和社会问题。《皮埃尔 - 约瑟夫・蒲鲁东》创作于 1865 年，是一幅布面油画。这幅画于 1958 年由埃马纽埃尔・福雷 - 弗勒米埃的夫人与苏珊・埃内吉小姐保留用益权后捐赠。
皮埃尔 - 约瑟夫・蒲鲁东是 19 世纪法国著名的无政府主义思想家和经济学家，库尔贝为他创作肖像画，可能是因为两人在思想或艺术上有一定的联系或共鸣。这幅画也成为了研究库尔贝艺术风格以及蒲鲁东人物形象的重要资料。

对泰奥多尔・卢梭的作品《利勒亚当森林中的大道》的解读：

泰奥多尔・卢梭是法国巴比松画派的代表画家之一，巴比松画派以描绘自然风光和乡村生活为主要特色，注重对自然的细致观察和真实描绘。《利勒亚当森林中的大道》创作于 1849 年，是一幅布面油画，于 1910 年由阿尔弗雷德・肖沙尔遗赠。
这幅画可能描绘了利勒亚当森林中的一条大道，展现了森林的自然景色和光影变化，体现了泰奥多尔・卢梭对自然的热爱和他在风景画创作上的风格特点。

对让 - 弗朗索瓦・米勒的作品《拾穗者》的解读：

让 - 弗朗索瓦・米勒来自诺曼底一个较为富裕的农民家庭，他在绘画创作中，将直率的现实描摹与对古代大师的崇敬以及对画面和谐的追求相融合。《拾穗者》创作于 1857 年，是一幅布面油画，于 1890 年由波默里夫人保留用益权后捐赠。
这幅画在 1857 年展示于官方沙龙，受到小说家兼记者埃德蒙・阿布的称赞，认为它远远望去就以宏伟又宁静的气息吸引人，甚至如同宗教画一般。画中描绘了三位拾穗的女性，她们弯曲的背、变形的双手和简陋的衣衫呼应了当时社会的紧张气氛，同时这个场景又充满和谐之美，让人想起古代浮雕或普桑的画作。值得注意的是，拾穗工作是在工头（地主的代理人）骑马监视下进行的，工头允许人们拾取遗落田间的麦穗。

对玛丽・巴什基尔采夫作品《一次碰头》的解读：

玛丽・巴什基尔采夫《一次碰头》的作品创作于1884 年，材质为布面油画，购入年份为1885 年。

画面描述男孩们围在一起讨论着看不清的东西，表情各异，有各自的想法；磨损的衣服、木栅栏和破掉的海报表明他们来自贫穷街区，而街头是当时法国小孩交朋友、玩游戏、分享故事的重要场所；黑色罩衫显示他们是学生，因为 1882 年法国颁布教育法案，规定孩子必须上学且免费。

对亚历山大・法尔吉埃的作品《摔跤手》的解读：

亚历山大・法尔吉埃是 19 世纪法国艺术家，《摔跤手》创作于 1875 年，是一幅布面油画。这幅画于 1995 年由奥托・克劳斯・普赖斯捐赠。
从作品名称推测，这幅画可能描绘了摔跤手的形象或摔跤的场景，展现了法尔吉埃在人物描绘和动态捕捉方面的艺术特点。

对朱尔・巴斯蒂安 - 勒帕热的作品《干草》的解读：

朱尔・巴斯蒂安 - 勒帕热虽然英年早逝，但在 19 世纪 70 年代末就已声名鹊起。《干草》创作于 1877 年，是一幅布面油画，于 1885 年由法国政府购得。这幅画在 1878 年官方沙龙展上大获成功，极大地推动了他的成名。
他被左拉称为 “库尔贝与米勒的继承者”，其作品并非是乏味的田园牧歌，而更像是关于法国乡村的史诗。尽管他师从卡巴内尔，但很快摆脱了老师的影响，将古典绘画技巧运用于大众主题。在《干草》这幅画中，男人在小憩，年轻女人神情发怔，面容憔悴，体现出扎草垛工作的劳累。除了对细节的一丝不苟，巴斯蒂安 - 勒帕热还接纳了当时的现代性，受到马奈和印象派画家的影响，甚至融入了日本主义的大胆美学。

对朱尔・达卢的作品《挽袖子的农夫（一）》的解读：

朱尔・达卢是 19 世纪法国雕塑家，《挽袖子的农夫（一）》创作于约 1898 年，是一尊青铜雕像。这尊雕像于 1990 年被海关查扣。
从作品名称和材质来看，这尊雕像可能生动地描绘了一位挽起袖子的农夫形象，展现了达卢在雕塑创作中对人物细节和动态的把握能力，以及他对现实生活中普通人物的关注。

对保罗・吉古的作品《洗衣妇》的介解读：

保罗・吉古是 19 世纪法国画家，《洗衣妇》创作于 1860 年，是一幅布面油画。这幅画于 1912 年由保罗・罗森贝格捐赠。
从作品名称推测，这幅画可能描绘了洗衣妇的形象或洗衣的场景，展现了吉古在人物描绘和生活场景捕捉方面的艺术特点。

新 绘 画 与 印 象 派

通过艺术流派的交融与技法的革新，揭示了 19 世纪中后期法国艺术从传统向现代转型的核心脉络。这一板块的内涵可从以下维度展开：

新绘画：对抗学院派的先锋宣言，他们虽未完全归入印象派，却共享对传统的反叛精神：题材的民主化和技法的平面化。

印象派：光影革命与瞬间美学，作为新绘画的核心分支，印象派以科学观察重构视觉经验：户外写生的突破和色彩分割的实验。

新印象派：理性秩序与科学范式，修拉、西涅克等艺术家将印象派的感性转化为理性体系：点彩技法的科学化和社会隐喻的隐蔽性。

后印象派：从客观到主观的裂变，塞尚、梵高、高更等艺术家突破印象派的局限：结构的重构和原始主义的觉醒

结语：“新绘画与印象派” 部分不仅是技法革新的展示，更是 19 世纪法国人认知世界方式的缩影。在色彩与笔触的交响中，重新发现被日常遮蔽的视觉真相。

马奈与德加 亦敌亦友

对埃德加・德加的作品《佩列蒂埃街歌剧院的舞蹈教室》的解读：

埃德加・德加在 1870 年前后开始尝试描绘芭蕾题材，在此之前，赛马题材的创作让他熟练掌握了捕捉瞬时运动中形体的技巧。《佩列蒂埃街歌剧院的舞蹈教室》创作于 1872 年，是一幅布面油画，于 1911 年由伊萨克・德・卡蒙多伯爵遗赠。
在这幅画中，德加希望在有限的画布上呈现丰富的瞬间。画中描绘了芭蕾舞女们正在排练的场景：当其他人在把杆上热身时，画面左侧的一位女孩正准备起跳；处于显眼位置的是芭蕾舞大师路易・梅朗特，他拿着一根打节拍的传统手杖；与即将起跳的女孩形成呼应的是一旁坐着按摩自己线条优美双腿的同伴。雅致的地面和墙壁为环绕成圈的舞者们提供了完美的背景，画作的和谐美感令人联想到华托和维米尔作品的气息。

对爱德华・马奈的作品《埃米尔・左拉》的解读：

爱德华・马奈是 19 世纪法国著名画家，《埃米尔・左拉》创作于 1868 年，是一幅布面油画，于 1918 年由埃米尔・左拉的夫人保留用益权后捐赠。
这幅肖像画展现了画中人左拉与马奈之间的意气相投。年轻的左拉一心想凭借自己最早的几部小说以及犀利的报刊文章一举成名，在 1866 年的官方沙龙展期间，他曾为备受争议的马奈辩护。同时，左拉尖锐批判卡巴内尔的艺术，坚称唯有现实主义美学才能契合当下的需要。1867 年的世界博览会巩固了二人的友谊，于是马奈创作了这幅左拉的肖像，并于 1868 年的官方沙龙上展出。
画作中的左拉既是文学的创作者，也是马奈的捍卫者：侧面姿态让人想起文艺复兴时期的伟人像，而沐浴在光线中的宽阔前额则象征着左拉非凡的写作能力。画中的屏风来自马奈的画室，反映了巴黎先锋派对日本主义艺术风格的推崇。此外，这幅画还致敬了委拉斯开兹的《巴克斯的胜利》和马奈最具争议性的《奥林匹亚》。

对埃德加・德加的作品《看台前的赛马》的解读：

埃德加・德加是法国画家，《看台前的赛马》创作于 1866-1868 年，是一幅纸上油彩，裱于画布的作品。这幅画于 1911 年由伊萨克・德・卡蒙多伯爵遗赠。马是德加的一大爱好。从少年时期起，德加的速写本里就画满了骑行队列和动物的动态。到 19 世纪 60 年代末，现代赛马这一主题愈发引起德加的关注，他的目光逐渐转向新建的跑马场 —— 赛事接连上演，吸引着大批观众。德加尤其偏爱描绘赛马开始前的准备阶段，因为这正是展现比赛紧张与期待氛围的关键时刻。骑师们身穿所属马房和马主的彩色制服，马匹本身则会成为严格审视的对象：德加视观众为有能力评估每匹马胜算的懂行爱好者。整幅画洋溢着如同舞蹈编排场景般的优雅。赛场的柱杆和现代工厂的烟囱在地平线上竖立排列，其线条的内在动态营造出视觉上的节奏美感。

对爱德华・马奈的作品《女人和扇子》的解读：

爱德华・马奈是法国画家，《女人和扇子》创作于 1873-1874 年，是一幅布面油画。这幅画于 1930 年由埃内斯特・鲁阿尔夫妇捐赠。1873 年末，马奈开始频繁出入钢琴家兼诗人妮娜・德・卡利亚斯的沙龙，她常把各界人士集聚一堂。1874 年初，马奈开始在位于圣彼得堡街 4 号的画室为妮娜・德・卡利亚斯绘制肖像。画中的妮娜身穿阿尔及利亚风情的服装，悠闲地斜躺在沙发上，姿态宛如戈雅笔下的自由女性。她直视观众，面孔展现出难以言喻的表情，介于魅惑的微笑与感伤的娇嗔之间。一只可爱的白狗俏皮地呼应了《奥林匹亚》中的黑猫。背景中的日式风格延续了《埃米尔・左拉》肖像画中的屏风元素。马奈的书信记录表明，这幅 “充满幻想的人物” 未完成状态是他有意为之的，其创作初衷并非为了参加官方沙龙展。

对詹姆斯・蒂索的作品《L.L. 小姐肖像画》的解读：

创作于 1864 年，是一幅布面油画。这幅画于 1907 年通过公开拍卖购得。詹姆斯・蒂索（1836-1902 年）是德加和马奈的好友。1860 年前后，蒂索凭借浸染中世纪和文艺复兴余韵、散发古朴和感伤色彩的画作声名鹊起。自 1864 年起，其艺术生涯迎来了一个转折：他开始以辛辣的笔触评判当时的风尚，这一特点贯穿于他的肖像画和风俗画之中。在他笔下，这两种体裁的界限常常是模糊的。这幅画中的年轻女子，虽置身与其社会地位相符的环境中，但那挑衅的神态却与传统资产阶级肖像画的惯例和礼仪相去甚远。无论是她稍显随意的坐姿，还是略微侧首显露的风情，都难称端庄。而裙摆间若隐若现的粉色便鞋，更凸显了这位佚名画中人的独立精神。从此以后，无拘无束的巴黎女性成为蒂索画作中的常见主题。

印象派：莫奈、西斯莱、毕沙罗

对克劳德・莫奈的作品《夏末的干草堆》的解读：

克劳德・莫奈是法国印象派画家的代表人物，《夏末的干草堆》创作于 1891 年，是一幅布面油画，于 1975 年通过一笔来自加拿大的匿名捐赠资金购得。

“干草堆” 这一母题最能体现永恒的乡村风情，并折射出与之相关的法国社会面貌。自 19 世纪八九十年代起，莫奈专注于若干系列主题的创作，“干草堆” 系列是最早令其名声大噪的系列之一。这些被视为法国国家象征的形象，被笼罩在万千对比色调之中，呈现出不断变化的光线和时间。时间的尺度可以无穷小，也可以无限大，将两者结合在画中并非易事。1890 年 10 月 7 日，莫奈在致艺术评论家古斯塔夫・热弗鲁瓦的信中写道，他努力进行了许多尝试，想要呈现一系列各不相同的效果，但这段时间阳光退却得太快，他几乎无法跟上它的速度，要达到所追求的效果，必须付出巨大的努力，去捕捉瞬间的感觉，尤其是光线四处弥漫的氛围。

对阿尔弗雷德・西斯莱的作品《马尔利港洪水中的小舟》的解读：

阿尔弗雷德・西斯莱（1839-1899 年）师从夏尔・格莱尔，夏尔・格莱尔既遵从古典传统，又对外光派风景画实践持开放态度。在格莱尔的画室里，更明亮的色调受到青睐，西斯莱也是在这里结识了莫奈和雷诺阿。西斯莱的早期绘画受到米勒、库尔贝和卢梭等人的影响。尽管他首次向官方沙龙提交参展画作时遭到拒绝，但在 1868 年获得了接纳并大受好评。第一次印象派展览举办期间，他笔下恬淡作品中常被描述为 “英式风格” 的细腻空气感吸引了许多目光。在 1874 年底至次年春季期间，西斯莱离开卢沃谢讷，搬到了马尔利勒鲁瓦，与他的大家庭在那里住了两年。《马尔利港洪水中的小舟》创作于 1876 年，是一幅布面油画，于 1911 年由伊萨克・德・卡蒙多伯爵遗赠。在这幅画中，西斯莱以轻快敞亮的非戏剧化方式描绘了 1876 年春天那场可怕的洪水。

对卡米耶・毕沙罗的作品《图尔 - 杜 - 荣格尔小道和穆西先生的家，卢沃谢讷》的解读：

卡米耶・毕沙罗是法国印象派画家，《图尔 - 杜 - 荣格尔小道和穆西先生的家，卢沃谢讷》创作于约 1869 年，是一幅布面油画。这幅画于 1972 年由恩里克塔・阿尔索普代表爱德华多・莫拉尔博士遗赠。
从作品名称可知，这幅画描绘了卢沃谢讷地区的图尔 - 杜 - 荣格尔小道和穆西先生的家，毕沙罗在这幅画中可能运用了印象派的艺术风格，注重对光线、色彩和瞬间印象的捕捉，展现出当地的自然风光和生活场景。

对古斯塔夫・卡耶博特的作品《开花的树》的解读：

古斯塔夫・卡耶博特是 19 世纪法国印象派画家，《开花的树》创作于 1882 年，是一幅布面油画。这幅画于 2019 年由玛丽 - 让娜・多雷勒遗赠。
从作品名称可知，这幅画描绘了一棵正在开花的树，卡耶博特在这幅画中可能运用了印象派的艺术风格，注重对光线、色彩和自然景象的捕捉，展现出春天或夏天树木开花时的美丽景象。

对克劳德・莫奈的作品《维特伊的教堂》的解读：

克劳德・莫奈是法国印象派画家的代表人物，《维特伊的教堂》创作于 1879 年，是一幅布面油画。这幅画于 1973 年由马克斯和罗茜・卡加诺维奇捐赠。
从作品名称可知，这幅画描绘了维特伊地区的教堂，莫奈在这幅画中可能运用了印象派的艺术风格，注重对光线、色彩和瞬间印象的捕捉，展现出教堂在特定时间和光线下的独特风貌。

对克劳德・莫奈的作品《贝勒岛荒野海岸的岩石》的解读：

克劳德・莫奈（1840-1926 年）在莫尔比昂湾的心脏地带，贝勒岛和它那荒无人烟的海岸线激发了他心中复杂的情感。1886 年秋天来到贝勒岛后，他迫不及待地想与亲朋好友分享布列塔尼带给他的深刻感受。10 月 11 日，莫奈写信给卡耶博特，描述自己身处一个绝美荒凉之地，有令人生畏的岩石滩和一片五光十色、不可思议的海洋，他兴奋至极但又不知所措，因为他习惯了在拉芒什海峡作画，有了自己的方法，而大西洋却完全不同。《贝勒岛荒野海岸的岩石》创作于 1886 年，是一幅布面油画，于 1894 年由古斯塔夫・卡耶博特遗赠。在这一时期，莫奈的作品风格发生了转变，形体更为凝练，布局也更具张力，同时还能看出日本版画大师铃木春信和葛饰北斋的影响。

对卡米耶・毕沙罗的作品《冬日里村庄一角的红色屋顶》的解读：

卡米耶・毕沙罗（1830-1903 年）是法国印象派画家，《冬日里村庄一角的红色屋顶》创作于 1877 年，是一幅布面油画，于 1894 年由古斯塔夫・卡耶博特遗赠。在画家兼收藏家古斯塔夫・卡耶博特（1848-1894 年）收藏的所有毕沙罗画作中，这幅无疑是毕沙罗最为钟爱的，它在 1877 年第三次印象派展览上备受赞誉。
画中，冬季凋零的树木如帷幕般占据了画面前景，透过它们可以看到紧密相依的房屋，杳无人烟，这反而突显了它们质朴的守护。评论家阿梅代・德屈布评价道：”俏丽的画作，藏在森林中的小房子，坚定和简洁的笔触令人耳目一新。“

对克劳德・莫奈的作品《路易 - 若阿基姆・戈迪贝尔先生的夫人》的解读：
克劳德・莫奈是法国印象派画家的代表人物之一，《路易 - 若阿基姆・戈迪贝尔先生的夫人》创作于 1868 年，是一幅布面油画。这幅画于 1951 年通过一笔来自加拿大的匿名捐赠资金购得。
从作品名称可知，这幅画是一幅人物肖像画，描绘了路易 - 若阿基姆・戈迪贝尔先生的夫人。莫奈在这幅画中可能运用了他独特的艺术风格，注重对光线和色彩的表现，展现出人物的神态和气质。 对阿尔弗雷德・史蒂文斯的作品《沐浴》的解读：

阿尔弗雷德・史蒂文斯是画家，《沐浴》创作于约 1873 年，是一幅布面油画。这幅画于 1926 年由莱昂・莱尔米特遗赠。

雷诺阿与塞尚：印象派的危机时刻

对奥古斯特・雷诺阿的作品《钢琴前的女孩》的解读：

奥古斯特・雷诺阿是法国印象派画家，《钢琴前的女孩》创作于 1892 年，是一幅布面油画。这幅画于 1892 年由法国政府从奥古斯特・雷诺阿处购得。
在诗人马拉美领导的集体倡议下，这幅画作成为雷诺阿首件被纳入法国国家收藏的作品。创作完成当年，这幅兼具精致线构与细腻色彩的画作，便正式亮相卢森堡博物馆 —— 那时该博物馆专门展示当代艺术。雷诺阿绘制过不下六件类似作品，而本幅画作是其中最为知名的版本，至今仍备受欢迎。它不仅展现了眼前的景象，仿佛还能传递画中的声音，同时调动视觉与听觉享受。马奈、德加等画家也喜欢描绘这种感官交织的体验。

对保罗・塞尚的作品《塞尚夫人肖像》的解读：

保罗・塞尚是法国后印象派画家，《塞尚夫人肖像》创作于 1885-1890 年，是一幅布面油画，于 1991 年以作品抵债务获得。
即便在人物画中，包括为妻子奥尔唐斯绘制的肖像，塞尚仍遵循着自己独特的艺术法则：简化的线条，以及通过细密笔触构建的色调变化。这幅肖像整体呈现出一种质朴而简约的美感，背景仅以从棕绿到天蓝的色调略作装点。画中的奥尔唐斯直面观者，面部被描绘为几近完美的椭圆，她安然自若地占据画面空间，整幅画作洋溢出一种生活静谧的氛围。

对奥古斯特・雷诺阿的作品《乔治・夏庞蒂埃先生的夫人》的解读：

创作于 1876-1877 年，是一幅布面油画。这幅画于 1919 年由卢森堡博物馆之友协会与图尔农夫人（原名若尔热特・夏庞蒂埃）共同捐赠。雷诺阿与夏庞蒂埃夫妇二人私交甚笃。乔治・夏庞蒂埃不仅是自然主义小说家（尤其是左拉）的重要出版商，还是艺术界的活跃人物。他开设了一家画廊，并推出了一本名为《现代生活》的杂志。夏庞蒂埃夫人的沙龙在此期间发挥了至关重要的作用。在 1879 年官方沙龙展出的那幅大尺幅画作中，雷诺阿描绘了夏庞蒂埃夫人与孩子们相伴的场景（现藏于纽约大都会艺术博物馆）。而在这幅更早创作的画中，夏庞蒂埃夫人以艺术赞助人的形象现身，嘴唇微抿，好像即将要发表一番锐评，面露威严而不失温和。

对奥古斯特・雷诺阿的作品《读书的女人》的解读：

奥古斯特・雷诺阿是法国印象派画家，《读书的女人》创作于 1874-1876 年，是一幅布面油画。这幅画于 1894 年由古斯塔夫・卡耶博特遗赠。

对奥古斯特・雷诺阿的作品《加布丽埃勒与玫瑰》的解读：

奥古斯特・雷诺阿是法国印象派画家，《加布丽埃勒与玫瑰》创作于 1911 年，是一幅布面油画。这幅画于 1925 年由菲利普・冈尼亚为纪念父亲而捐赠。
从作品名称可知，这幅画描绘了加布丽埃勒与玫瑰的场景，雷诺阿在这幅画中可能运用了印象派的艺术风格，注重对光线、色彩和人物神态的捕捉，展现出加布丽埃勒与玫瑰相互映衬的美丽画面。

对保罗・塞尚的作品《有洋葱的静物》的解读：

保罗・塞尚是法国后印象派画家，《有洋葱的静物》创作于 1896-1898 年，是一幅布面油画。这幅画于 1929 年由奥古斯特・佩尔兰遗赠。
从作品名称可知，这幅画是一幅静物画，描绘了有洋葱的场景，塞尚在这幅画中可能运用了他独特的艺术风格，注重对物体形态、色彩和结构的表现，展现出静物的质感和空间感。

超 越 印 象 派

通过艺术语言的裂变与跨媒介实验，揭示了 19 世纪末至 20 世纪初西方艺术从再现到表现、从单一媒介到多元融合的现代性转型。这一板块的内涵可从以下维度展开：

后印象派：形式革命与精神觉醒，后印象派作为印象派的反叛者，以塞尚、梵高、高更为核心，重构了艺术与现实的关系：塞尚的结构哲学、梵高的色彩呐喊、高更的原始寻根。

象征主义：神秘主义与内在真实，象征主义以莫罗、雷东为代表，通过隐喻与梦幻重构艺术的精神维度：莫罗的感官炼金术、雷东的潜意识图像、文学与绘画的合谋。

纳比派：装饰性与私密叙事，纳比派（“先知” 之意）将日本浮世绘与象征主义融合，开创装饰性绘画的新范式：博纳尔的色彩音乐、维亚尔的室内剧场、跨媒介实验。

新艺术运动：自然的诗学与工业的和解，新艺术运动以穆夏、吉马德为代表，探索自然形态与工业美学的融合：穆夏的线条魔法、吉马德的地铁美学、玻璃艺术的革新。

社会语境：工业化与精神危机的镜像，19 世纪末的社会变革深刻影响艺术表达：科学与神秘的博弈、都市体验的转化、女性身体的解放。

结语：“超越印象派” 部分不仅是艺术流派的更迭史，更是 19 世纪末人类认知范式的革命。塞尚解构了视觉秩序，梵高释放了色彩能量，高更重构了文化身份，而纳比派与新艺术运动则重新定义了艺术与生活的关系。在破碎的笔触与多元的媒介中，重新发现艺术作为认知世界的棱镜。

逃离：高更与梵高

对保罗・高更的作品《塔希提的女人》（又名《沙滩上》）的解读：

保罗・高更是法国后印象派画家，《塔希提的女人》创作于 1891 年，是一幅布面油画。这幅画于 1923 年由维塔利伯爵夫人捐赠。早在 1889 年 8 月，高更就向埃米尔・贝尔纳坦露了自己 “追寻未知的强烈渴望”，最终他选择前往塔希提岛，并于 1891 年 6 月抵达。他的首次旅居历时两年，其间创作了大量以女性为主题的绘画。高更对当地居民及其传统，乃至毛利艺术的遗存进行了深入研究。尽管其画作并未直接反映当地的殖民状况，但也没有滑向那种未来明信片上常见的田园牧歌式的美化。
在这幅画中，黄色的沙滩和写意式的潟湖波浪之间，有两个沉默的女人，一个穿着当地的帕雷欧裹身裙，另一个穿着一种由传教士引入的连衣裙。高更还从德拉克洛瓦描绘后宫场景的画作中汲取灵感，借鉴其舞台化的人物布局，用以意指一种深入内心的隔绝感。

对保罗・高更的作品《布列塔尼的农妇》的解读：

保罗・高更是法国后印象派画家，《布列塔尼的农妇》创作于 1894 年，是一幅布面油画。这幅画于 1973 年由马克斯和罗茜・卡加诺维奇捐赠。
从作品名称可知，这幅画描绘了布列塔尼地区的农妇形象，高更在这幅画中可能运用了他独特的艺术风格，注重对人物形象、服饰和生活场景的描绘，展现出布列塔尼地区的风土人情和文化特色。

对埃米尔・贝尔纳的作品《麦收》的解读：

埃米尔・贝尔纳（1868-1941 年）是法国画家，《麦收》创作于 1888 年，是一幅布面油画，于 1965 年购得。费尔南・科尔蒙热衷于以自然主义展现充满活力的题材，正是在他的画室中，年轻的埃米尔・贝尔纳结识了梵高等人。不过，1888 年，在布列塔尼的蓬塔旺（又称阿旺桥），贝尔纳转而与高更结盟 —— 两年前，他们正是在蓬塔旺相识并互生敬意。
从一开始，贝尔纳就追求高度凝练的形式美和具有宗教仪式感的构图，这一特点在他描绘参与崇高的田间劳作的男人和女人时尤为突出。虽然高更后来自称分隔主义之父，但这一手法其实很大程度上来自阿旺桥画派的共同实践，而埃米尔・贝尔纳后来成为该流派的著述人。

对保罗・高更的作品《艺术家肖像》（正面）；《威廉・莫拉尔肖像》（背面）的解读：

保罗・高更是法国画家，《艺术家肖像》（正面）；《威廉・莫拉尔肖像》（背面）创作于 1893-1894 年，是一幅双面布面油画。这幅画于 1966 年通过一笔来自加拿大的匿名捐赠资金购得。第一次从塔希提岛归来后，如同他职业生涯每一个重要阶段，高更绘制了一幅自画像。画中的他面容疲惫，身穿当地民俗服装。在我们眼前的这幅自画像背面，是高更为他的邻居、瓦格纳的追随者 —— 音乐家威廉・莫拉尔绘制的肖像。画中的莫拉尔神情恍惚，背景以蓝色为基调 —— 这种表现手法似乎预示了 1901 年毕加索 “蓝色时期” 的艺术风格。
高更在创作时从未考虑两幅肖像同时展出的场景，因此我们如今所见的莫拉尔肖像呈上下颠倒之状。

对文森特・梵高的作品《梵高在阿尔勒的卧室》的解读：

文森特・梵高是荷兰后印象派画家，《梵高在阿尔勒的卧室》创作于 1889 年，是一幅布面油画。这幅画于 1959 年依据与日本签订的和平条约移交。1888 年 2 月 19 日，梵高登上了开往阿尔勒的火车。他南下的原因众多：一方面，他与弟弟提奥都看好这个阳光充沛、充满异国情调之地所蕴含的艺术商机；另一方面，他也相信那里的环境对自己的健康大有裨益。对身处巴黎的梵高而言，南法如东方般耀眼，又更易抵达，也许还能吸引高更的到来。
10 月中旬，他给高更寄去一封信，随信附有一幅描绘自己卧室的草图，并详细描述了画作的色彩：除了被罩醒目的红色，画中其余的颜色柔和克制。正如梵高所说，这是一幅简单的画，试图 “表达一种绝对的停息”，但加剧的透视效果却为画面注入了一丝不安的情绪。最终，他与高更的情谊也在阿尔勒以悲剧收场。

对文森特・梵高的作品《自画像》的解读：

文森特・梵高是荷兰后印象派画家，《自画像》创作于 1887 年，是一幅布面油画。这幅画于 1947 年由雅克・拉罗什保留用益权后捐赠。梵高的自画像可被视作他与精神分裂症持续抗争的证明。1886 年至 1888 年间，梵高寓居巴黎。在此之前，他似乎从未绘制过任何自画像，无论是素描还是油画。而在 1890 年 5 月中旬离开普罗旺斯地区圣雷米的精神病院之后，他也不再绘制自画像。
这位年逾三十的荷兰画家在抵达巴黎并进入科尔蒙的画室后，决定以绘画作为表达自我主张的方式，其最早的几幅自画像便完成于该时期。1887 年春，梵高开始采用点彩派的技法，描绘了自己身着翻领夹克、目光炯炯的样子。同年年底，他进一步简化画面，增强纯色对比，在面部周围营造出一种光晕效果，埃米尔・贝尔纳将之称为 “燃烧的脸”。前往阿尔勒之后，梵高仍延续了这种创作手法。

图卢兹 - 劳特累克与蒙马特文化

对亨利・德・图卢兹 - 劳特累克的作品《朱斯蒂娜・迪厄勒》（又名《花园中的女人》）的解读：

亨利・德・图卢兹 - 劳特累克是法国画家，《朱斯蒂娜・迪厄勒》创作于 1889 年，是一幅纸板油画。这幅画于 1959 年依据与日本签订的和平条约移交。以《女性形象研习稿》为题，这幅画作似乎曾于 1889 年的独立艺术家沙龙展上展出，作品名反映了图卢兹 - 劳特累克敏锐的现实洞察力。评论家费利克斯・费内翁以同样富有力量的文字评价过这幅作品 —— 他指出画中人的面庞并不讨喜，而背景则绿得夸张。
在色彩运用上，这幅画作罕见地如此贴近图卢兹 - 劳特累克的好友梵高的风格 —— 后者常以极富表现力的手法，演绎大胆醒目的配色。画面中央的朱斯蒂娜・迪厄勒展现出强烈的存在感，然而她的姿态略显僵硬，甚至有些别扭 —— 这一印象因那双粗糙的大手而愈加突出。劳特累克以该花园为背景所描绘的女性，大多仅知其名；唯有朱斯蒂娜的姓氏被记录下来 —— 借由这幅肖像，劳特累克力图揭示她的内心世界。

对亨利・德・图卢兹 - 劳特累克的作品《亨利・萨马里》的解读：

亨利・德・图卢兹 - 劳特累克是法国画家，《亨利・萨马里》创作于 1889 年，是一幅纸板油画。这幅画于 1947 年由雅克・拉罗什保留用益权后捐赠。

对路易・安克坦的作品《街上的女人》的解读：

路易・安克坦是法国画家，《街上的女人》创作于约 1890 年，是一幅布面油画。这幅画于 1935 年由路易・安克坦遗孀捐赠。

对夏尔・莫兰的作品《红发年轻女子肖像》的解读：

夏尔・莫兰是法国画家，《红发年轻女子肖像》创作于 1889 年，是一幅布面油画。这幅画于 1988 年购得。

对路易・安克坦的作品《亨利・萨马里》的解读：

路易・安克坦（1861-1932 年）是法国画家，《亨利・萨马里》创作于约 1890 年，是一幅布面油画。这幅画于 2010 年购得。1888 年，评论家埃德蒙・杜雅尔丹在谈到路易・安克坦的绘画作品时，提出了一个具有前瞻性的美学概念：“画家的创作将会趋近于逐格绘画，类似掐丝珐琅，其技法可称为‘分隔法’。” 杜雅尔丹使用 “分隔主义” 一词时，借鉴了珐琅和彩绘玻璃的视觉效果。
安克坦很可能是经由密友图卢兹 - 劳特累克结识了亨利・萨马里。这幅肖像堪称萨马里形象的典范之作，画面由平整的色块构成，几乎没有体积感和阴影效果，展现了这位戏剧世家成员的优雅气质。那双极具穿透力的蓝眼睛，让人想起其姨妈 —— 马德莱娜・布罗昂在保罗・博德里笔下的模样（展出于第一单元）。劳特累克于 1889 年为萨马里绘制的法兰西喜剧院舞台肖像，同样在本展区呈现。

新印象派：修拉及其艺术团体

对乔治・修拉的作品《模特背影》的解读：

乔治・修拉是法国画家，《模特背影》创作于 1887 年，是一幅木板油画。这幅画于 1947 年通过公开拍卖购得。无论是修拉去世后在其家中发现的版画和照片，还是他早年的临摹稿，都证明这位年轻艺术家对安格尔风格的偏爱。创作了《泉》的安格尔惯于使用富有表现力的形变手法，这令修拉领悟到，可以在精简的形式与凝练的效果基础上创作绘画。
本画作是尺幅更大的《模特》（藏于费城巴恩斯基金会）的预备习作，灵感取自安格尔的《瓦平松的浴女》—— 着重描绘女子背部上缘与后颈的柔美曲线。尽管在 1879 年邂逅了印象派绘画，但修拉仅汲取了该流派明亮的色调、日式风格的布局以及灵动的构图，却坚定地拒绝追随其对转瞬即逝印象的捕捉。运用他自创的技法，修拉将笔触化为密集排列的纯色小点。他相信，经由视觉混合生成的色调所展现的更高强度与明度，将为古典传统注入新生。

对亨利 - 埃德蒙・克罗斯的作品《发丝》的解读：

亨利 - 埃德蒙・克罗斯是法国画家，《发丝》创作于约 1892 年，是一幅布面油画。这幅画于 1969 年购得。

对保罗・西涅克的作品《井边的女人・作品 238》的解读：

保罗・西涅克是法国画家，《井边的女人・作品 238》创作于 1892 年，是一幅布面油画。这幅画于 1979 年购得。保罗・西涅克曾频繁出入无政府主义者的圈子，20 世纪时又与共产主义者保持紧密联系。他渴望构建更加 “和谐” 公正的社会，并将这份期许寄托于艺术之上。自 1893 年起，他决定每年都在圣特罗佩居住一段时间。1892 年 5 月，当他来到普罗旺斯时曾向母亲坦露：“我从昨天起安顿下来了，沉浸在喜悦之中 [……] 我拥有的东西足以让我创作一生 —— 我刚刚意识到，这就是幸福。”
他在南法期间的画作似乎也向我们传递出这些话语。在 1893 年的独立艺术家沙龙展上，他曾以《井边的年轻普罗旺斯女子（用于昏暗处的装饰板）》为题，展出过这幅代表作。和谐的主题与明亮的镉黄色调似乎在向买家承诺：这幅画定能驱散忧郁，令眼前的景象和心情都明朗起来。

对保罗・西涅克的作品《阿维尼尼翁・傍晚（教宗宫）》的解读：

保罗・西涅克是法国画家，《阿维尼翁・傍晚（教宗宫）》创作于 1909 年，是一幅布面油画。这幅画于 1912 年在独立艺术家沙龙展上从保罗・西涅克处购得。

对西奥・范・里斯尔伯格的作品《罗斯科夫港口》的解读：

西奥・范・里斯尔伯格是画家，《罗斯科夫港口》创作于 1889 年，是一幅布面油画。这幅画于 1982 年购得。

对马克西米利安・吕斯的作品《圣米歇尔堤岸与巴黎圣母院》的解读：

马克西米利安・吕斯是法国画家，《圣米歇尔堤岸与巴黎圣母院》创作于 1901 年，是一幅布面油画。这幅画于 1981 年由克里斯蒂安・休曼捐赠。

纳 比 派：私 密 与 装 饰 之 间

通过对家庭空间、日常瞬间的诗意重构，揭示了 19 世纪末法国艺术从公共叙事向私人情感、从自然再现向装饰美学的范式转型。这一板块的内涵可从以下维度展开：

私密叙事：日常空间的精神剧场，纳比派将绘画从宏大历史场景转向中产阶级的私密生活，通过碎片化构图与心理化色彩，构建 “画中生活” 的隐喻体系：家庭场景的仪式化、镜像与反射的心理暗示、宠物的符号化。

装饰美学：平面化与图案的交响，纳比派以日本浮世绘为灵感，将绘画转化为色彩与线条的装饰性织物：日本美学的在地化、图案的隐喻系统、材料的物质性实验。

跨媒介实验：从架上到生活的渗透，纳比派打破艺术门类的界限，将绘画语言延伸至实用艺术与空间设计：壁画与家居的融合、雕塑的平面化表达、摄影与绘画的互文。

社会语境：工业化时代的美学抵抗，纳比派的私密与装饰转向，本质上是对 19 世纪末法国社会变迁的回应：科学理性的诗意消解、消费文化的双重性、女性身体的解放与规训。

结语：“纳比派：私密与装饰之间” 不仅是艺术流派的美学宣言，更是 19 世纪末法国人认知世界方式的缩影。在墙纸的花纹与人物的剪影中，重新发现被工业化遮蔽的情感微光。

对爱德华・维亚尔的作品《戴绿色帽子的女人侧影》的解读：

爱德华・维亚尔是法国画家，《戴绿色帽子的女人侧影》创作于约 1891 年，是一幅纸板油画。这幅画于 1990 年以作品抵偿债务的方式获得。

对爱德华・维亚尔的作品《在床上》的解读：

爱德华・维亚尔是法国画家，《在床上》创作于 1891 年，是一幅布面油画。这幅画于 1941 年由爱德华・维亚尔通过凯尔 - 格扎维埃・鲁塞尔先生及其夫人遗赠。这幅画是纳比派的代表作，也是奥赛博物馆中备受欢迎的展品。维亚尔（1868-1940 年）一生珍藏此画，从未在生前公开展出。尽管画中人的身份至今未明，但很可能是维亚尔身边的某个人，或是令他记忆深刻的场景。因此，这件作品的地位非同一般，元素之间的对比也令它尤为夺目。孩子的脸庞几乎被床单吞没，也许他做了一个愉快的梦，也可能正经历高烧的痛苦。画面效仿日本版画的风格，以圆润的线条贯穿其间；几条突出的水平线又将观者的视线宿命般地引回到基督教的十字架上 —— 它的一部分被一段颜料色带斩断。这条色带也影响了画作的署名和日期标记。尽管至今没有解释，但这或许与当时流行的主题有关：在天主教医院治病甚至住院的孩子。

对莫里斯・德尼的作品《十月的傍晚 [用于少女卧室的装饰板]》的解读：

莫里斯・德尼是法国画家，《十月的傍晚 [用于少女卧室的装饰板]》创作于 1891 年，是一幅布面油画。这幅画于 2005 年通过日经集团协调的赞助购得。青少年时期，莫里斯・德尼（1870-1943 年）深受其所在教区 —— 圣日耳曼昂莱教堂后殿的影响。那里的《荣光基督》出自阿莫里 - 杜瓦尔之手，尤为夺目，令他难以忘怀。作为安格尔的学生，阿莫里 - 杜瓦尔极力倡导回归拉斐尔之前的艺术范式。这种对安杰利科修士的崇敬也深刻影响了德尼，但德尼的画笔不仅服务宗教场所。在描绘宗教题材与世俗场景时，他秉持一种 “自然的神圣化” 理念。其绘画没有将纯粹的形式与宇宙中可被感知的存在对立起来。德尼曾以 “季节和女性生命历程的各个阶段” 为题创作四幅组画，这幅便是其中之一。画作以理想化的温柔大自然为背景，画面中央的粉衣女子是画家未来的妻子玛尔特。

对莫里斯・德尼的作品《穿蓝裤子的孩子》的解读：

莫里斯・德尼是法国画家，《穿蓝裤子的孩子》创作于 1897 年，是一幅布面油画。这幅画于 1987 年购得。

对乔治・拉孔布的作品《堇紫色海浪》的解读：

乔治・拉孔布是画家，《堇紫色海浪》创作于 1895-1896 年，是一幅布面油画。这幅画于 1988 年购得。

对皮埃尔・博纳尔的作品《白猫》的解读：

皮埃尔・博纳尔是法国画家，《白猫》创作于 1894 年，是一幅纸板油画。这幅画于 1982 年购得。无论是像纳比派的批评者那样，将 “形变” 视为缺陷，还是将其视为纳比派的美学标志，这一表现手法无疑是博纳尔和维亚尔在 1890 年之后极力推进的视觉语言中的核心要素。马奈和东方画家都曾多次以夸张的手法描绘猫的身形构造，这激励了后继者们在这一题材上不断寻求突破。虽然博纳尔更钟爱狗，但他却对猫倾注了极大的创作热情 —— 用画笔捕捉猫咪玄妙莫测的神态与身姿，以及它们在感到满足时令人忍俊不禁的表情。

对皮埃尔・博纳尔的《大喜悦》（The Large Joy）的解读：

皮埃尔・博纳尔是法国纳比派画家，纳比派强调以主观感受来描绘事物，注重色彩和形式的表现力。
在这幅画中，画面充满了丰富的色彩和复杂的构图，描绘了一个充满生机和欢乐的场景，可能是一个花园或庭院，人物众多，姿态各异，周围环绕着茂密的植物和装饰性的元素。画作的边框也具有独特的装饰性，与画面内容相呼应，整体营造出一种梦幻般的氛围，体现了博纳尔独特的艺术风格和对生活中美好瞬间的捕捉与诠释。

对皮埃尔・博纳尔的作品《梳妆》的解读：

皮埃尔・博纳尔是法国画家，《梳妆》创作于 1914 年，是一幅布面油画。这幅画于 1922 年购得。

对费利克斯・瓦洛东的作品《梳妆的女人》的解读：

费利克斯・瓦洛东是画家，《梳妆的女人》创作于 1900 年，是一幅纸板油画。这幅画于 1903 年秋季沙龙展上从费利克斯・瓦洛东处购得。

对皮埃尔・博纳尔的作品《私密》的解读：

皮埃尔・博纳尔是法国画家，《私密》创作于 1891 年，是一幅布面油画。这幅画于 1992 年在菲利普・迈耶的支持下通过法国博物馆基金会购得。

对皮埃尔・博纳尔的作品《格纹衬衫》的解读：

皮埃尔・博纳尔是法国画家，《格纹衬衫》创作于 1892 年，是一幅布面油画。这幅画于 1968 年购得。19 世纪末，格纹面料在前卫艺术圈风靡一时，艺术赞助人米西亚和塔代・纳坦松夫妇的衣橱便是例证。博纳尔的这幅画作表明，对格纹的嗜好已经渗入社会各个阶层。博纳尔（1867-1947 年）显然乐于在桌边年轻女子的红色衬衫与常见的格纹桌布之间制造有趣的视觉混淆。瑞士收藏家汉斯・汉洛瑟认为，在这幅画中看似与画作平面融为一体的 “小方格”，正是博纳尔从浮世绘中汲取的钟爱元素 —— 在表面效果上做文章，与艺术家追求的视觉趣味不谋而合。这种来自日本文化的影响还体现在画作类似传统日式挂轴的构图和扁平的透视上。画中人如灵巧猫爪般的手势，则体现了画家的幽默。猫是博纳尔笔下室内场景的常驻角色，也是赋予画作猫式戏谑的关键所在。

对皮埃尔・博纳尔的作品《女人与猫》的解读：

皮埃尔・博纳尔是法国画家，《女人与猫》创作于约 1912 年，是一幅布面油画。这幅画于 1965 年由埃娃・格布哈特 - 古尔戈男爵夫人遗赠。

对瑞士画家费利克斯・瓦洛东《脱睡裙的女人》的解读：

创作于 1900 年的作品《脱睡裙的女人》。该作品为纸板油画，于 1991 年被购得。

对法国雕塑家阿里斯蒂德・马约尔《夏娃》的解读：

创作于约 1900 - 1901 年，材质为青铜，1992 年由迪娜・维耶尼夫人捐赠。阿里斯蒂德・马约尔是 19 世纪末至 20 世纪初著名的雕塑家，他的作品常常以女性人体为主题，风格独特，在雕塑领域具有重要地位。这件《夏娃》是其早期的重要作品之一，展现了他在人物塑造和材质运用上的艺术特色。 对阿里斯蒂德・马约尔的作品《地中海》的解读：

创作于 1984 年，是一件青铜作品。这件作品于 1986 年由迪娜・维耶尼夫人捐赠。马约尔（1861-1944 年）致力于重拾并革新古代传统雕塑的语言。他最著名的作品《地中海》象征了他口中的 “拉丁” 价值观。这种价值观体现为一种阳光、感性，甚至带有情色意味的艺术追求，以此塑造的身体既是肉欲而真实的，也是理想化的。《地中海》在 1905 年秋季沙龙展上亮相时，使用了一个中性的标题《女人》，但它无疑表达了内省，甚至忧郁的主题。这座雕塑最初由马约尔亲手以石材雕刻而成，后被转雕为大理石版本。最后，在曾担任艺术家模特并成为其遗嘱执行人的迪娜・维耶尼的推动下，这件作品在 1984 年获得了新生，拥有了这件铜铸版本。