欧洲巴洛克，洛可可时期及其风格的建筑、装璜、家具、服饰、文学、绘画、音乐等艺术（2025.7.10完稿）。

山谷回声

［巴洛克时期的艺术风格］ 我们先了解一下什么是巴洛克风格？巴洛克时期是西方艺术史上的一个时代，大致为16–18世纪。其最早的表现，在意大利为16世纪后期，而在某些地区，主要是德国和南美殖民地，则直到18世纪才在某些方面达到极盛。 巴洛克作为一种在时间、空间上影响都颇为深远的艺术风格，其兴起与当时的宗教有着紧密的联系。巴洛克艺术代表整个艺术领域，包括绘画、音乐、建筑、装饰艺术等，内涵也极为复杂。但最基本的特点是打破文艺复兴时期的严肃、含蓄和均衡，崇尚豪华和气派，注重强烈情感的表现，气氛热烈紧张，具有刺人耳目、动人心魄的艺术效果。 巴洛克建筑对后世影响及价值：巴洛克建筑，在表现教会、贵族显赫权势，与满足宗教感官需要方面达到了成功的效果。同时这种风格也在反对僵化的古典形式，以及追求自由奔放的理念方面起到了重要作用。在教皇保罗三世的支持下，第一个巴洛克建筑诞生，到后来，在无数教皇、贵族的推崇下，巴洛克风格在欧洲滥觞。在整个17世纪中，各种巴洛克风格的建筑和装饰接踵而至，营造出一个个富有动态与光影变化的造型戏剧。 欧洲古典主义风格分为许多种，巴洛克和洛可可是其中比较重要的两种风格类型。从出现的历史时间来看，巴洛克和洛可可风格也可以说是一脉相承。巴洛克的出现一般指的是路易十四统治时期（ 1643 - 1715）。而洛可可紧随巴洛克，出现在路易十五统治时期（1723 - 1774)。巴洛克时期在18世纪随着它的独特风格转变为洛可可（Rococo）式风格而告结束。 ［关于巴洛克baroque一词的起源］ 公认的看法是源出葡萄牙和西班牙语同为 barroco 一词，意为“不合常规”，特指各种外形有瑕疵的珍珠。法语形容词baroque由伊比利亚语派生而成，后从法语原封不动地移入英语。 16世纪末诞生的巴洛克艺术对文艺复兴后期盲从与茫然的反叛，无论是建筑、服饰、绘画、文学还是音乐，都具有非常浓郁的浪漫主义色彩。 17世纪末叶以前，最初用于艺术批评，泛指各种不合常规的，稀奇古怪的，因而也是离经叛道的事物。 18世纪，其用作贬义，一般是指违反自然规律和古典艺术标准的做法。 在19世纪中叶之前，依然用作贬义而非艺术风格名称，直到沃尔夫林（Heinrich Wolfflin）发表《文艺复兴与巴洛克》（Renaissance and Barock）。［巴洛克时期的背景］ 巴洛克时期出现的艺术形形色色，所以必须按照这个时代的比较广泛的各种文化倾向去探索它们的统一特性。就对艺术的影响来说，当时有三种文化倾向最为重要： 第一种是反宗教改革运动的出现。这股势力不论在地区方面还是思想方面都正日益扩大。巴洛克艺术中的许多不朽之作，特别是意大利绘画和建筑中的许多作品，可能同教会所采取的新的宣传态度直接有关。 第二种是君主专制政体的巩固。随之产生强大的中产阶级，对艺术的发展起了促进作用。关于巴洛克艺术，自诩为“太阳王”的法国国王路易十四（Louis XIV 1638–1715）拥有极强的发言权，他的一生对巴洛克艺术的发展产生了重要的影响。从法国王朝建造凡尔赛的宫殿和花园以及中产阶级发展绘画市场，可以窥见当时某些政治和社会发展对艺术的影响。 第三种是在科学发展和对地球进行探索的影响下，对大自然产生了新的兴趣。这两方面的活动促使人类对自身有了新的看法，一方面觉得自己微不足道（特别是受了哥白尼地球不是宇宙中心这一论点的影响），另一方面又感到自己神圣伟大，因为在知识方面有了重大突破。总之，这些文化倾向连同它们在艺术中的反映，形成了艺术史家斯特乔（Wolfgang Stechow）所谓的宗教势力和非宗教势力共同保持的一种基本上令人乐观的新的均势。 ［巴洛克风格的绘画］ ［少年路易十四］ 提到巴洛克风格的艺术，不得不提起法国国王路易十四（法语：Louis XIV；1638年9月5日—1715年9月1日），他5岁登基继承王位。关于巴洛克艺术，自诩为“太阳王”的法国国王路易十四拥有极强的发言权，他的一生对巴洛克艺术的发展产生了重要的影响。从法国王朝建造凡尔赛的宫殿和花园，到中产阶级发展绘画市场，可以窥见当时某些政治和社会发展对艺术的影响。 ［路易十四对王权和艺术的热爱］ 路易十四自幼在凡尔赛宫度过童年，接受严格教育，学习治国与艺术，早期生活受其母亲与教师深刻影响，培养了他对王权与艺术的热爱。 路易十四出生于1638年，父路易十三早逝，由母安娜摄政。1643年，5岁的他继位，实权被教父兼太后情人马扎然掌控。 马扎然因贪污引发民变，路易十四被迫流亡四年。这段岁月让年幼的路易十四历经艰辛，深刻体会到权谋斗争与世态炎凉。 1652年，路易十四回巴黎，时逢法兰西与西班牙交战且内乱频发。面对此严峻局势，路易十四选择隐忍，静待有利时机。 ［路易十四］ 路易十四，全名路易·迪厄多内·波旁（Louis-Dieudonne），自号太阳王（法语：le Roi du Soleil），法国波旁王朝第三任国王（1643年—1715年在位）和纳瓦拉国王。在位长达72年110天，是在位时间最长的君主之一，也是有确切记录在世界历史中在位最久的主权国家君主，死于坏疽。 路易十四登基之初，由他的母亲奥地利的安妮摄政，直到1661年法国宰相红衣主教马扎然死后他才真正开始亲政。在红衣主教阿尔芒·让·迪普莱西·德·黎塞留和马扎然的外交成果的支持下，路易十四在法国建立了一个君主专制的中央集权王国。他把大贵族集中在凡尔赛宫居住，将整个法国的官僚机构集中于他的周围，以此强化法王的军事、财政和机构的决策权。他建立起的这一绝对君主制一直持续到法国大革命时期。 路易十四执政期间（1661年—1715年），法国发动了三次重大的战争：遗产战争、法荷战争和大同盟战争，和两次小规模的冲突，使他在1680年开始成为西欧霸主；后两场大战对上荷-英-奥的三强联盟，大同盟战争因双方厌战而和解，西班牙王位继承，战争最后由法国王孙继承王位，但战争负担使他亲手缔造的伟大形象和超高名气在晚年丧失殆尽。 ［才能出众的路易十四缔造了巴洛克艺术盛世］ 巴洛克风格盛行于路易十四，路易十四是在位时间最长的君主，不仅熬死了儿子，还熬死了孙子。他一生发动了四次大战，两次与整个欧罗巴大陆为敌，名副其实的太阳王。路易十四是巴洛克风格最忠实的拥趸和推动者。 他身穿蕾丝边丝袜、头戴波浪式假发，腰间还别着一把镶满宝石的宝剑。这双红色高跟鞋，正是路易十四的发明。他甚至规定，只有皇室和贵族才有资格穿红色跟的高跟鞋。 总的来说，巴洛克艺术是一种复杂、奢侈与浮夸的艺术，在建筑方面强调华丽、壮观、雄伟、炫耀，一派恢弘壮丽的帝王气象。 路易十五继位后，在1745年2月的某一天路易十五遇到了与他痴恋了二十余年的真爱——蓬帕杜夫人，正是这位蓬帕杜夫人开启了洛可可风格的全新时代。她的品位不仅影响了当时的绘画，也影响了装饰艺术。她喜欢一种与巴洛克风格相似，但又极为女性化的阴柔风格——洛可可风格。 ［香水解决了路易十四不洗澡所引发的“尴尬”］ 路易十四，尊称“太阳王”，他才能出众，缔造艺术盛世，对当时尚潮流有着引领作用。在路易十四执政其间，他扩造了“凡尔赛宫”。 令人不可思议的是，这位用凡尔赛宫照亮欧洲，极其讲究的帝王，竟然达数十年不沐浴，其体味难闻，十米外便刺鼻难忍，令人作呕，遭皇后抱怨，令身边的人难以忍受，于是他发明了香水。用香水掩盖十米外仍刺鼻的体味，意外催生了法国香水产业传奇。从此，法国香水誉满全球。 历史记载，路易十四一辈子只洗过7次澡：第一次，就是路易十四出生时，接受的圣水；第二次，则是他大婚的时候，为了迎接新娘洗的。期间，路易十四生病，在医生的嘱咐下，洗过4次。最后一次，是路易十四去世，做得盛大的清洁仪式。活了77年，只洗过这么七次澡，路易十四身上的味道，可想而知！ 路易十四不洗澡的原因有二： 其一，16世纪，欧洲遭遇“黑死病”瘟疫，致灾严重。该病潜伏期短，发作迅猛，病死率极高。当时医学水平有限，人们认为疾病或经空气传播，皮肤毛孔是病菌入侵途径。许多人减少去公共浴池沐浴，担忧洗澡时病毒有更多“入侵”机会，从而加快自身感染速度。路易十四深信不洗澡能保命，于是拒绝洗澡，“引友尴尬”。 其二，他信仰的天主教，有相似教义认为洗澡会污染灵魂。为获得教会支持，他将洗澡视为禁忌。 ［路易十四发明高跟鞋，解决个子矮的问题］ 香水解决了不洗澡而引发的“后遗症”外，路易十四对自己的个子也不满意。毕竟，跟一众大臣站在一起，不到1.6米的他就显得气势不足。有时候站在高处还可以，可没有高地的时候，路易十四就显得太矮了。为了解决这个问题，路易十四就让鞋匠在自己的鞋底加高一层。他甚至规定，只有皇室和贵族才有资格穿红色高跟鞋。 也有一种说法是，最初的路易十四，是为了让侍女们走路看起来更优雅。 他精于芭蕾，发明了丝袜和假发。 ［《法国凡尔赛宫》］ 凡尔赛宫（法文：Château de Versailles）位于法国巴黎西南郊外伊夫林省省会凡尔赛镇，是巴黎著名的宫殿之一，也是世界五大宫殿之一（中国故宫、法国凡尔赛宫、英国白金汉宫、美国白宫、俄罗斯克里姆林宫）。凡尔赛宫园区占地111万平方米，其中宫殿建筑面积达11万平方米，园林面积100万平方米，规模之巨使其成为全球最大的宫廷建筑综合体之一。以镜厅、皇家礼拜堂和国王寝宫为核心标志。 凡尔赛宫是凡尔赛的标志性建筑，也是法兰西艺术的明珠。它曾是法兰西宫廷长达107年（1682-1789年）的建筑。 凡尔赛宫立面为标准的古典主义三段式处理，将立面划分为纵、横三段，建筑左右对称，造型轮廓整齐、庄重雄伟，被称为是理性美的代表。其内部装潢则以巴洛克风格为主，少数厅堂为洛可可风格。 凡尔赛宫是法国留在岁月里的瑰宝富丽堂皇。凡尔赛宫的外观给人以宏伟壮观的感觉，它的内部陈设及装潢就更富于艺术魅力，室内装饰极其豪华富丽是凡尔赛宫的一大特色。500余间大殿小厅处处金碧辉煌，豪华非凡：内壁装饰以雕刻、巨幅油画及挂毯为主，配有17、18世纪造型超绝、工艺精湛的家具。大理石院和镜厅是其中最为突出的两处，除了上面讲到的室内装饰外，太阳也是常用的题目，因为太阳是路易十四的象征。有时候还和兵器、盔甲一起出现在墙面上。除了用人像装饰室内外，还用狮子、鹰、麒麟等动物形象来装饰室内。有的还用金属铸造成楼梯栏杆，有些金属配件还镀了金，配上各种色彩有大理石，显得十分灿烂。天花板除了像镜厅那样的半圆拱外，还有平的，也有半球形穹顶，顶上除了绘画也有浮雕。宫内随处陈放着来自世界各地的珍贵艺术品，其中有我国古代的精品瓷器。 ［凡尔塞宫的建造史］（图为凡尔赛宫大门，围墙上半部洛可可风格的金色囤栏） 凡尔赛宫的历史始于1624年路易十三建造的狩猎小屋，路易十四时期（1661-1715年）将其扩建为政治中心，1682年起成为法国宫廷与政府驻地。历经路易十五、路易十六时期的改造，宫殿逐步形成“古典主义立面+巴洛克内饰”的独特风格。法国大革命期间（1789-1794年），宫殿一度沦为艺术品仓库，1837年路易·菲利普将其改造为“法国历史博物馆”。现存建筑群包含三大部分：（1）中央宫殿区以镜厅（73米长，镶嵌357面镜子）和皇家礼拜堂为代表；（2）西侧园林区以拉托娜喷泉、阿波罗喷泉及1.6公里长的大运河构成轴线景观；（3）特里亚农宫区则包含路易十四建造的大特里亚农宫和玛丽王后钟爱的田园庄园。宫殿仍保存着1400余座喷泉、80公里输水管道系统，以及法国最完整的17-18世纪皇室生活场景。 1979年凡尔赛宫被列入世界文化遗产，联合国科教文组织誉其为“欧洲宫廷文化的巅峰代表”。这座承载法国300年君主制历史的建筑群，是全球宫廷艺术研究的重要范本。 ［洛可可（ROCOCO）风格的法国凡尔赛宫的外装饰］ ［凡尔赛宫镜厅的洛可可豪华装饰］ ［凡尔赛宫花园］ 正宫前面是一座风格独特的“法兰西式”的大花园，园内树木花草别具匠心，使人看后顿觉美不胜收。而建筑群周边园林亦是世界著名。它与中国古典和皇家园林有着截然不同的风格。它完全是人工雕琢的，极其讲究对称和几何图形化。 ［凡尔赛宫洛可可风格的国王与皇后的寝宫］ 相比巴洛克式的喧嚣放肆，洛可可更加细腻委婉，华丽中带着慵懒。有人这样形容：如果说17世纪的巴洛克风格是洋溢的生气、庄重的量感和男性的尊大感，与此相对，18世纪的洛可可风格则是以女性为中心，艳丽而纤弱柔和的女性风格和沙龙为舞台展开的优雅样式。这种风格也因为它的倡导者蓬帕杜夫人是一位女性的原因。 洛可可一词源于法语岩石贝壳（rocaille），从这个词来看也可以想象到洛可可运用了很多贝壳状的装饰，其他还有一些花花草草。这些题材不但用在墙面和天花板上，也用在撑架、壁炉架、镜框、门窗框、家具腿和其它建筑部件上。它以纤细、轻巧、华丽和繁琐的装饰性，多采用C形、S形和涡卷形的曲线。一看就觉得像是小女人的感觉。为了模仿自然形态，室内建筑部件也往往做成不对称形状。室内墙面粉刷，爱用嫩绿、粉红、玫瑰红等鲜艳的浅色调卷草舒花，线脚大多用金色。喜欢张挂绸缎的幔帐和水晶玻璃吊灯，陈设瓷器古玩，力图从装饰到小品、到室内物件的设置，显出豪华的高雅之趣。 ［巴洛克风格的历史渊源］ 意大利文艺复兴晚期的著名建筑师和建筑理论家维尼奥拉设计的罗马耶稣会教堂是由手法主义向巴洛克风格过渡的代表作，被称之为第一座巴洛克建筑。手法主义是16世纪晚期欧洲的一种艺术风格。其主要特点是追求怪异和不寻常的效果，如以变形和不协调的方式表现空间，以夸张的细长比例表现人物等。［巴洛克风格的教堂建筑兴起、流行，巅峰和流传］ 兴起：建筑史中则用以指1530～1600年间意大利某些建筑师的作品中体现前期巴洛克风格的倾向。罗马耶稣会教堂平面为长方形，端部突出一个圣龛，由哥特式教堂惯用的拉丁十字形演变而来，中厅宽阔，拱顶满布雕像和装饰。两侧用两排小祈祷室代替原来的侧廊。十字正中升起一座穹窿顶。教堂的圣坛装饰富丽而自由，上面的山花突破了古典法式，作圣像和装饰光芒。教堂立面借鉴早期文艺复兴建筑大师阿尔伯蒂设计的佛罗伦萨圣玛丽亚小教堂的处理手法。正门上面分层檐部和山花做成重叠的弧形和三角形，大门两侧采用了倚柱和扁壁柱。立面上部两侧作了两对大涡卷。这些处理手法别开生面，后来被广泛仿效。 流行：从17世纪30年代起，意大利教会财富日益增加，各个教区先后建造自己的巴洛克风格的教堂。由于规模小，不宜采用拉丁十字形平面，因此多改为圆形、椭圆形、梅花形、圆瓣十字形等单一空间的殿堂，在造型上大量使用曲面。典型实例有波洛米尼设计的罗马圣卡罗教堂，它的殿堂平面近似橄榄形，周围有一些不规则的小祈祷室；此外还有生活庭院。殿堂平面与天花装饰强调曲线动态，立面山花断开，檐部水平弯曲，墙面凹凸度大，装饰丰富，有强烈的光影效果。 巅峰：17世纪中叶后，巴洛克式教堂在意大利风靡一时，其中不乏新颖独创的作品，但也有手法拙劣、堆砌过分的建筑。教皇当局为了向朝圣者炫耀教皇国的富有，在罗马城修筑宽阔的大道和宏伟的广场，这为巴洛克自由奔放的风格开辟了新的途径。17世纪罗马建筑师丰塔纳建造的罗马波罗广场，是三条放射形干道的汇合点，中央有一座方尖碑，周围设有雕像，布置绿化带。在放射形干道之间建有两座对称的样式相同的教堂。这个广场开阔奔放，欧洲许多国家争相仿效。法国在凡尔赛宫前，俄国在圣彼得堡海军部大厦前都建造了放射形广场。杰出的巴洛克建筑大师和雕刻大师贝尼尼设计的罗马圣彼得大教堂前广场，周围用罗马塔斯干柱廊环绕，整个布局豪放，富有动态，光影效果强烈。 流传：巴洛克建筑风格在中欧一些国家流行，尤其是德国和奥地利。17世纪下半叶德国不少建筑师留学意大利归来后，把意大利巴洛克建筑风格同德国的民族建筑风格结合起来。到18世纪上半叶，德国巴洛克建筑艺术成为欧洲建筑史上一朵奇花。德国巴洛克风格教堂建筑外观简洁雅致，造型柔和装饰不多，外墙干坦，同自然环境相协调。教堂内部装饰则十分华丽，造成内外的强烈对比。著名实例是班贝格郊区的十四圣徒朝圣教堂、罗赫尔的修道院教堂。十四圣徒朝圣教堂平面布置非常新奇，正厅和圣龛做成三个连续的椭圆形，拱形天花也与此呼应，教堂内部上下布满用灰泥塑成的各种植物形状装饰图案，金碧辉煌。教堂外观比较平淡，正面有一对塔楼，装饰有柔和的曲线，富有亲切感。罗赫尔修道院教堂也是外观简洁，内部装修精致，尤其是圣龛上部天花，布满用白大理石雕刻的飞翔天使，圣龛正中由圣母和两个天使组成的群雕；圣龛下面是一组表情各异的圣徒雕像。 奥地利的巴洛克建筑风格主要是从德国传入的。18世纪上半叶，奥地利许多著名建筑都是德国建筑师设计的。如维也纳的舒伯鲁恩宫，外表是严肃的古典主义建筑形式，内部大厅则具有意大利巴洛克风格，大厅所有的柱子都雕刻成人像，柱顶和拱顶满布浮雕装饰，是巴洛克风格和古典主义风格相结合的产物。兴起于17世纪中叶，它的风格自由奔放，造型繁复，富于变化，只是有的建筑装饰堆砌过分。西班牙圣地亚哥大教堂为这一时期建筑的典型实例。 ［巴洛克风格建筑］：（图为马德里皇家圣赫罗尼莫教堂）。 巴洛克风格的建筑是17～18世纪在意大利文艺复兴建筑基础上发展起来的一种建筑和装饰风格，是天主教会炫耀财富的产物。其特征繁琐堆砌，圆形、椭圆形、梅花形、圆瓣十字形等单一空间的殿堂，雕刻风气盛行，在造型上大量使用曲面。室内则使用各色大理石、宝石、青铜、金等装饰华丽、壮观，突破了文艺复兴古典主义的一些程式。 世界典型的巴洛克风格建筑有以下十二座： 1 罗马《耶稣会教堂》。2 德国《十四圣徒朝圣教堂》。3 罗马《圣卡罗教堂》。 4 西班牙《圣地亚哥大教堂》。5 奥地利《梅尔克修道院》。 6 俄罗斯《叶卡捷琳娜宫》。 7 德国《罗赫尔修道院教堂》。 8 德国《维尔茨堡官邸》。9 德国《茨温格尔宫》。 10 梵蒂冈《圣彼得广场》。 11意人利《卡里尼亚诺宫》。12《维也纳圣卡尔教堂》。 关于［巴洛克风格的雕刻］的介绍，见后面贝尔尼尼雕刻艺术欣赏。 ［世界典型的巴洛克风格建筑之一：罗马《耶稣会教堂》萌牙代表之一］ 得到正式认证后的耶稣会，急需一种全新的教堂来配合其显要的地位。他们当时打算请鼎鼎大名的米开朗基罗来设计。但由于米开朗基罗的设计方案提交过晚，因此，耶稣会转请维尼奥拉和波尔塔设计。维尼奥拉负责教堂建筑主题设计，波尔塔负责立面设计。在1568年到1602年间，两位建筑师通力合作，成功地建造了耶稣会教堂。 从年代和风格上看，建筑有着晚期文艺复兴的特色，结构也相对简单，但波尔塔设计的正立面却十分出色。由此，第一座巴洛克建筑——耶稣会教堂，在罗马诞生了。 耶稣会教堂特点：大门上方的圆拱表达的是凯旋门的意境，庄严而雄壮。IHS加上十字的图标是耶稣会的符号，表明了教堂的性质。 ［世界典型的巴洛克风格建筑之二：德国《十四圣徒朝圣教堂》］ ［世界典型的巴洛克风格建筑之三：罗马《圣卡罗教堂》］ 罗马圣卡洛教堂又作SanCarlino，是一座巴罗克风格教堂。1643年由F.博罗米尼设计，大部分建于1638～1641年，1667年增建了高大的曲线立面。因地形狭窄并受到限制，教堂具有不寻常及不规则的用凸出曲线组成的正十字形平面。立面也同样呈现波浪形的外貌。 ［西班牙《圣卡罗教堂》内景之一］ 其大厅的装饰被称为“糖果般的圣殿”。 ［世界典型的巴洛克风格建筑之四：西班牙《圣地亚哥大教堂》］ 西班牙圣地亚哥大教堂始建于1075年，1211年完成主体工程，后于16-18世纪进行扩建改造。建筑过程历经多次风格调整，其建筑特征，外部结构的双尖塔构成标志性立面，外墙雕刻包含400余年历史的宗教题材浮雕。巴洛克风格外立面与罗马式建筑主体形成鲜明对比。教堂本体长100米、宽70米，内部罗马式布局包含中殿、侧廊等结构，可容纳1200人进行礼拜活动。其光荣之门保存着12世纪罗马式浮雕群，雕刻内容涵盖《启示录》等宗教题材。唱诗班区域设艺术价值突出的管风琴装置。原教堂无钟楼。钟楼自13世纪始建后，经过多次加建达到现今75-80米的高度。 作为宗教功能的圣地亚哥建造的教堂，是基督的12门徒之一圣雅各伯的安葬地。18世纪左右他被推崇为基教国家西班牙的守护圣人。侧面回廊是可以沿着教堂内走一圈的朝圣路线型式。每年吸引数十万朝圣者完成圣雅各伯之路 。每周日举行荡钟弥撒，特殊仪式中采用直径1.5米的银质香炉进行摇香炉仪式。截至2025年，仍是西班牙境内规模最大的天主教礼仪活动场所之一。 ［世界典型的巴洛克风格建筑之五：奥地利《梅尔克修道院》］ 梅尔克修道院成立于1089年。今天摄入心魄的巴洛克建筑修建于1702年到1736年，有精美的壁画，图书馆藏有无数的中世纪手稿。由于其名望和学术价值，在1780年到1790年约瑟夫二世大量解散奥地利的修道院时，梅尔克修道院得以幸免，并且逃过了拿破仑战争的破坏。1938年德奥合并，学校和修道院的大部分被纳粹收归国有。 梅尔克修道院高居山顶，俯瞰多瑙河，这个本笃会修道院，庄严地耸立于该地区的优美风景之中，无论是乘车还是乘船从老远就影人眼帘。修道院堪称巴洛克式建筑的杰作，由雅格布·普兰陶尔(Jakob Prandtauer)在1702年至1738年间建造。穿过主教庭院，游人可以登上装饰豪华的皇帝台阶，沿着长约200米的长廊前行。长廊两边挂着奥地利统治者的画像。接下来可以看到图书馆，图书馆顶上是保尔·特罗格(Paul Troger)绘制的壁画，整个图书馆藏书9万余册。从修道院的平台上俯瞰多瑙河壮观之景，尽收眼底。 ［世界典型的巴洛克风格建筑之六：俄罗斯列宁格勒《叶卡捷琳娜宫》］ 叶卡捷琳娜宫又称皇村大宫殿，是一座由萨瓦·切瓦金斯基、巴托浩米奥·拉斯特利设计的宫殿建筑，坐落于市郊普希城。因为这一带集中了皇族行宫及宫廷贵族们的乡间别墅，曾被称为皇村。 叶卡捷琳娜宫始建于1717年，是为彼得大帝的妻子叶卡捷林娜皇后修建的夏日别墅。历经修缮与扩建，叶卡捷琳娜宫兼具巴洛克、古典主义、浪漫主义风格，是一座两层楼高的宫殿，周长近1公里，正面长达325米，主要由蓝、白、黄三色构成。外墙的门柱及窗框上装饰着造型生动的雕像，雕像的头颅低垂着，衬托着女皇的威严，是俄罗斯巴洛克式建筑的杰作。 1990年，包括叶卡捷琳娜宫在内的“圣彼得堡历史中心及相关古迹群”被联合国教科文组织定为世界文化遗产。 ［俄罗斯列宁格勒《叶卡捷琳娜宫》］ ［俄罗斯列宁格勒《叶卡捷琳娜宫》内景］ ［世界典型的巴洛克风格建筑之七：《罗赫尔修道院教堂》］ 罗赫尔修道院教堂是德国巴洛克风格宗教建筑的典型代表，其建筑结构与装饰艺术体现了三位一体建筑学的设计理念。教堂内部以精致的雕刻与雕塑群闻名，圣龛上部采用白大理石雕刻的天使形象，正中则以圣母天使群雕为核心视觉元素。作为欧洲宗教地标之一，该教堂被列为世界文化遗产，展现了巴洛克时期宗教艺术与建筑技术的高度融合。 罗赫尔修道院教堂整体采用对称布局，穹顶与拱廊设计体现了巴洛克建筑对动态空间感的追求。其外立面装饰包含繁复的浮雕与柱式结构，与德国南部巴洛克风格的典型特征一致。内部装饰：教堂内部以圣龛为核心区域，装饰细节包含以下特征：圣龛上部雕刻有白大理石天使群像，天使造型姿态各异，衣纹细节刻画精细；圣龛正中圣母天使群雕高达4米，采用镀金工艺与彩色大理石镶嵌技术；侧廊立柱底座装饰葡萄藤纹样浮雕，象征宗教仪式中的圣餐元素。 宗教与文化影响：作为宗教活动场所，该教堂长期承担天主教弥撒与传统仪式功能，其建筑空间布局与圣像设置均严格遵循天主教教义规范。同时，教堂内雕塑群被艺术史研究者视为德国宗教雕塑的代表性作品，展现了巴洛克艺术从意大利向中欧传播过程中的本土化演变。 保护与研究：因教堂建筑与雕塑的完整性，联合国教科文组织将其列入世界遗产名录。近年来的修复工程重点围绕大理石雕刻的风化防护与彩绘层加固展开。 ［罗赫尔修道院教堂内部］ ［世界典型的巴洛克风格建筑之八：德国《维尔茨堡官邸》］ 维尔茨堡宫（Würzburg Residence）常被誉为 “德国的凡尔赛宫”。宏伟的楼梯，上面装饰着精美的灰泥作品，顶部是意大利洛可可艺术大师乔瓦尼·巴蒂斯塔·提埃坡罗绘制的壮丽壁画。 　　除了内部装饰，维尔茨堡宫还拥有广阔的花园。花园融合了法式和英式的园林景观风格，为游客提供了一个宁静的休闲之所。 ［世界典型的巴洛克风格建筑之九：德国《茨温格宫》］ 茨温格宫（德语：Zwinger）位于德国古城德累斯顿，是一件举世闻名的巴洛克式建筑艺术作品。它建成于 1709 年，“强者”奥古斯特时代。为了装饰这座建筑，众多的雕塑家为其创作了大量无与伦比的雕塑作品，它们仍是萨克森州 (Sachsen) 首府德累斯顿的最重要名胜之一。 茨温格宫建于 1709 年，其前身是由木结构建筑环绕的广场，用作萨克森王公贵族举行各种比赛和进行宫廷游戏的欢庆场所。1710 至 1719 年间，在“强者” 奥古斯特选帝侯统治时期，马特乌斯·丹尼尔·珀佩尔曼 (Matthäus Daniel Pöppelmann) 用砂岩修建了茨温格宫。皇宫两侧环绕的亭阁和画廊曾经是橘园。茨温格宫最受摄影爱好者青睐的景点是王冠宫门(Kronentor)。古希腊罗马时期的元素以及意大利巴洛克盛期的标志性元素妆点着这座塔楼。墙亭旁是仙女浴池 (Nymphenbad)。它是德国最精美的巴洛克式喷泉之一。茨温格宫的内部房间还被辟为博物馆。德累斯顿茨温格宫里的陶瓷收藏馆是世界上藏品最多的陶瓷收藏馆之一。另外一个著名的博物馆是兵器珍宝馆，这里还包括了一个珍贵的制服与奢华兵器收藏馆。森珀画廊(Sempergalerie) 也同样值得一游，它是由建筑大师戈特弗里德·森珀(Gottfried Semper) 在 1847 至 1854 年间建成的，仍收有世界上文艺复兴时期直至巴洛克时期绘画作品最重要的收藏。其中最著名的作品要数拉斐尔(Raffael) 的《西斯廷圣母，Sixtinischen Madonna》。距德累斯顿茨温格宫不远处是圣母教堂。圣母教堂于 1726 至 1743 年间以巴洛克式建筑风格建造而成，二战期间教堂坍塌并被焚毁，1994 至 2005 年间，凭借资助机构的帮助和捐赠，圣母教堂得以重建。从建筑角度来看，它称得上是巴洛克时期最有价值的欧洲教堂建筑之一。德累斯顿 (Dresden)的“大花园”总占地面积约为 147 公顷。 ［世界典型的巴洛克风格建筑之十：梵蒂冈《圣彼得广场》］ 梵蒂冈城国，简称梵蒂，是位于意大利首都罗马西北角高地的一个内陆城邦国家，由于四面都与意大利接壤，故称“国中国”，为天主教会最高权力机构圣座的所在地。梵蒂冈也是全球领土面积最小、人口最少的国家之一。同时也是全世界天主教的中心——以教宗为首的教廷的所在地，它与基督教的历史有着直接和实质性的联系。一千多年来，人类在这个享有特权的地方积累了集体记忆(图书馆的手稿和书籍)和普世天才的宝藏。是世界六分之一人口的信仰中心。 梵蒂冈面积只有0.44平方公里，领土包括圣彼得广场、圣彼得大教堂、宗座宫、教宗避暑胜地（冈道尔夫堡）和梵蒂冈博物馆等。国土大致呈三角形，除位于城东南的圣彼得广场外，三面都有城墙环绕。它地处台伯河右岸，以四周城墙为国界，另外，有一条“密道”从著名的圣天使堡通向梵蒂冈城内。该国总人口数为572人，包括32名女性公民和540名男性公民。在所有572名持有梵蒂冈护照的公民中，只有223人真正生活在梵蒂冈。 1984年，梵蒂冈城被联合国教科文组织世界遗产委员会批准作为文化遗产列入《世界遗产名录》。而圣彼得广场是梵蒂冈城的一部分。 梵蒂冈是文艺复兴和巴洛克艺术的理想、典范的宗教和宫殿的创造。世界遗产委员会评价：梵蒂冈城是基督教世界最神圣的地方之一，证明了过去辉煌的历史以及基督教神圣精神的发展进程。这个小国境内云集了大量艺术和建筑杰作。城中心坐落着圣彼得基督教堂，教堂正面是两条柱廊和圆形广场，有宫殿和花园环绕。这座矗立在使徒圣彼得陵墓上的长方形基督教堂，容取了布拉曼特、拉斐尔、米开朗基罗、贝尔尼尼和马德尔纳等大师的天才智慧，是世界上最大的宗教建筑。 ［世界典型的巴洛克风格建筑之十：梵蒂冈《圣彼得大教堂》］ 圣彼得大教堂（又称圣伯多禄大教堂(St. Peter's Basilica Church)，梵蒂冈大殿）是位于梵蒂冈的天主教宗教圣殿，是天主教会的重要象征和最神圣的地点之一，也是文艺复兴建筑的杰出代表。由伯拉孟特、米开朗基罗等建筑师不断设计并完善，是位于梵蒂冈的一座天主教宗教圣殿，建于1506年至1626年，为天主教会重要的象征之一。 作为最杰出的文艺复兴建筑，其占地23,000平方米，可容纳超过六万人，教堂中央是直径42米的穹窿，顶高约138米，前方则为圣伯多禄广场与协和大道。虽然并不是所有天主教堂的“母堂”亦不是罗马主教（教宗）的主教座堂，圣伯多禄大教堂仍被视为是天主教会最神圣的地点。 意大利文艺复兴时期的多位建筑师与艺术家多纳托·伯拉孟特、拉斐尔、米开朗基罗和小安东尼奥·达·桑加罗等都曾参与圣伯多禄大教堂的设计。圣伯多禄广场的设计人是贝尔尼尼。堂内保存有欧洲文艺复兴时期许多艺术家如米开朗基罗、拉斐尔等的壁画与雕刻。 根据天主教会圣传，圣伯多禄大教堂是宗徒之长圣伯多禄的安葬地点，历任教宗也大都安葬于此。 圣伯多禄大教堂由于其礼仪作用，是著名的天主教朝圣地点之一。教宗每年会在此举行多个仪式，包括圣殿内外的人数，每次约有一万五千人到八万人参与。圣伯多禄大教堂与基督教历史上许多事件都有很强的关联，早期基督教、教宗国、宗教改革、反宗教改革等等。 ［《圣伯多禄大教堂》内景之一］ ［世界典型的巴洛克风格建筑之十一：《卡里尼亚诺宫》的巴洛克风格立面］ 卡里尼亚诺宫(Palazzo Carignano)是意大利都灵市中心卡洛阿尔贝托广场的一座红砖建筑，典型的巴洛克风格，也是皮埃蒙特巴洛克建筑的宝贵范例，其内饰非常奢华，它有一个椭圆凹凸立面外观而著称。（这种立面在意大利只出现于博罗弥尼在罗马设计的四泉圣嘉禄堂）内设有国家复兴运动博物馆。 卡里尼亚诺宫曾经属于卡里格南亲王萨伏伊的私人府邸，因而得名。工程开始于1679年，当时亲王已经51岁。他委任萨伏伊本国建筑师瓜里诺·瓜里尼为萨伏伊王朝设计一个合适的房子cadet house。 瓜里尼设计了一座巨大的方形建筑，面向卡洛阿尔贝托广场的东立面线条平直克制，而位于科学院街 5号建筑的西立面外观豪华，呈现非常独特的椭圆形，线条曲折。瓜里尼还在宫殿中心增加了大型前院。 ［世界典型的巴洛克风格建筑之十二：《维也纳圣卡尔教堂》］ 教堂完成于1737年，长80米、宽60米、高72米，在1713年黑死病猖獗期间，卡尔六世皇帝(Karl VI)发愿，只要维也纳城能够幸免于难，他要建造一座大教堂奉献给前米兰总主教和守护生灵抵御黑死病的圣波洛梅欧(St Charles BORROMEO,1538-84年)。翌年举办的一项教堂建筑的设计竞赛，由埃尔拉赫父子赢得这项荣誉，一座华丽却不失典雅的巴洛克式杰作于焉诞生：宏伟的圆顶和门廊系仿自古希腊和古罗马式的建筑，内部充满了许多当时名艺术家的精心雕刻和祭坛画，包括葛朗(Gran)和托蒙第(Altomonte)的作品。 教堂山墙的浮雕：由史丹内提(Giovanni Stanetti)制作，描绘1713年维也纳遭黑死病侵袭的情景。山墙上中间的圣者像圣波洛梅欧由马提利(Lorenzo Mattielli)制作。正门阶梯两侧有左边像征旧约圣经的天使像和右边像征新约圣经的天使像。 双圆柱：仿自罗马的图雷真圆柱(Column of Trajan)，柱面上的螺旋形图案，刻著圣波洛梅欧的一生，左圆柱阐述坚定的信念，右圆柱则是勇气。 圆顶阁壁画罗特迈尔(Rottmayr)的壁画著手于1725至30年间，描绘圣波洛梅欧被尊为圣者。这也是画家的最后作品。 主祭坛：这座主祭坛的特色是由卡美西纳(Camesina)制作的灰泥浮雕，描绘圣波洛梅欧在一群天使和小天使的伴随下升天。 ［巴洛克文学］ 巴洛克文学，作为17世纪（（约1600-1750年）意大利最具影响力的文学流派，以其华丽浮夸的文风、对运动和变化的强调，以及对幻想的大胆描绘，展现了独特的装饰美和形式美。在这一时期，作家们热衷于构建一个“乌托邦”式的世界，他们的作品中弥漫着浓厚的天主教思想。 巴洛克文学的核心特征‌：以形式华丽、语言雕琢著称，内容多涉及宗教神秘主义、悲观厌世思想及灵肉冲突，艺术上融合象征、寓意等中古文学手法，具有鲜明的贵族形式主义倾向。 巴洛克文学的核心主题：围绕着“人生如梦”，这一理念将世界比作一个宏大的舞台，提出了“人生舞台”的概念。在巴洛克作家看来，现实不过是虚幻的表象，人类无法真正认识其本质。这种文学思想不仅影响了意大利本土文学，更在德国、西班牙等国家产生了深远的影响。 地域发展与影响‌：巴洛克文学起源于意大利与西班牙，后扩展至德、英、法等国，其形式主义美学为19世纪浪漫主义提供了灵感，尤其影响拉丁美洲文学创作。‌‌ 文学内容：多写带有神秘宗教色彩的生死、哀怨，艺术上借鉴了中古文学象征、寓意、梦幻手法，并表现出华丽纤巧的风格。 文学发展：文学方面可以称为具有巴洛克特点的代表作是意大利马里诺，其长诗《阿多尼期》称为“马里诺诗体。西班牙贡戈拉，“夸饰主义” “贡戈拉主义”。和德国奥皮茨三人的著作。 17世纪德国作家格里美豪森《痴儿西木传》，虽是一部流浪汉小说，但也具有明显的巴洛克文学特征。 17世纪法国贵族沙龙文学也是巴洛克文学。 17世纪英国玄学派诗歌具有巴洛克风格。玄学代表约翰·多恩。从科学、哲学、神学中摄取意象，充满奇喻，格律多变。多恩长期受人争议，直达20世纪才被公认为大师。 巴洛克文学的代表作主要包括约翰·弥尔顿的《失乐园》、马丁·奥皮茨的《德育诗论》等，这些作品以华丽的辞藻、繁复的修辞和强烈的宗教或道德主题为 巴洛克文学的代表人物还有英国的玄学派诗人约翰·多恩，其代表作品如《人生如梦》《痴儿西木传》等展现了华丽雕琢的语言风格与宗教哲学主题。 巴洛克文学的核心特征‌：以形式华丽、语言雕琢著称，内容多涉及宗教神秘主义、悲观厌世思想及灵肉冲突，艺术上融合象征、寓意等中古文学手法，具有鲜明的贵族形式主义倾向。‌‌‌‌主要代表人物及作品‌： 意大利‌马里诺（Giambattista Marino, 1569-1625）‌：代表作《阿多尼斯》以奇喻和夸张修辞闻名，开创“马里诺诗派”，影响欧洲宫廷诗歌。‌‌ 西班牙‌贡戈拉（Luis de Góngora, 1561-1627）‌：创立“贡戈拉主义”（夸饰主义），诗歌语言晦涩华丽，如《孤独》。‌‌‌‌卡尔德隆（Pedro Calderón de la Barca, 1600-1681）‌：戏剧《人生如梦》探讨命运与自由意志，是巴洛克戏剧典范。‌‌‌‌ 德国‌格里美尔斯豪森（Hans Jakob Christoffel von Grimmelshausen, 1621-1676）‌：小说《痴儿西木传》以流浪汉题材结合奇幻描写，反映战争创伤。‌‌ 英国‌约翰·多恩（John Donne, 1572-1631）‌：玄学派诗歌《圣十四行诗》融合神学与哲学，善用奇喻。‌‌ ［《人生如梦》风格背后的秘密］ 卡尔德隆的小说《人生如梦》是巴洛克文学的重要代表作之一。这部作品通过生动的叙述和细腻的心理描绘，深刻探讨了人生的无常与虚幻。格里美尔·斯豪森的《痴儿西木传》同样以独特的视角展现了巴洛克文学的魅力，通过虚构的故事和丰富的想象，展现了作者对世界的独特见解。 巴洛克文学以其独特的艺术风格和深刻的思想内涵，成为了17世纪欧洲文学的重要分支。它不仅仅是一种文学形式，更是一种文化现象，反映了当时人们对世界、对人生的深刻思考。 《人生如梦》是卡尔德隆创作的一部经典剧本，充满了戏剧性和哲学思考。这个故事围绕着波兰国王巴西略斯和他的儿子展开，国王预见到儿子将成为暴君，因此将他从小幽禁在荒山野外的碉堡里。然而，王子在昏迷中被带回王宫，醒来后依旧凶横，国王只能再次将他送回碉堡。王子误以为自己在梦中去过王宫，从此认为人生如梦，应该克制情欲，厌弃世俗的尊荣。 ［《失乐园》‌］ 作者：约翰·弥尔顿（John Milton）。特点：这部史诗共分为12卷，约1万行，取材于《旧约·创世纪》，通过亚当和夏娃被逐出伊甸园的故事探讨自由意志与神权的关系。其语言华丽，充满宗教象征和道德反思，是巴洛克文学的巅峰之作。‌‌‌ ［马丁· 奥皮茨及其《德国诗论》］ 马丁·奥皮茨是17世纪德国巴洛克文学时期代表人物，诗人，文学理论家。1624年发表的《德国诗论》系统规范德语诗歌创作理论，主张语言纯洁性与诗体形式革新，被誉为"德语诗歌之父"。其代表作《战争灾难中的慰藉诗》以三十年战争为背景，描写社会动荡与民生疾苦。他通过外交官与宫廷诗人身份推动德意志文化认同，1625年受封桂冠诗人，其理论直接影响格吕菲乌斯等巴洛克诗人创作实践。 《德国诗论》目录：1诗歌理论奠基 2战争主题诗作 3语言改革运动 4职业生涯 5后世影响。 诗歌理论奠基：1624年出版的《德国诗论》首次系统阐述德语诗歌创作规范，提倡以德语轻重音体系替代古典诗歌的长短音规则，引入法国亚历山大体诗行结构，将诗体文学定义为押韵诗行构成的文本，划分英雄史诗、悲剧、讽刺文等12种文体。强调语言的纯洁性，反对滥用外来词汇，主张诗人拥有创作想象自由。该著作成为德语文学史上首部诗学理论纲领，其格律标准通过沃尔夫冈·凯泽的《德语诗律学概要》延续三个世纪。 （l）诗学理论奠基：1624年出版的《德意志诗论》首次系统引入古典诗学传统，规范了十四行诗、哀歌等文体的德语创作标准。该书主张净化德语词汇，反对使用外来语和俚语，确立高地德语的文学语言地位。通过制定韵脚规则和诗行模板，奥皮茨成功将法语、意大利语的诗歌形式本土化，推动德语诗歌格律的标准化进。 （2）文学创作实践：奥皮茨在《彼特拉克诗》等作品中实践了其理论，展现了中世纪"抒情自我"的早期形态。他主张诗歌应兼具“牧羊人般的兴高采烈”与“坚韧不拔的主导美德”，通过文学创作提供战争期间的精神慰藉。其诗体悲剧与喜剧的区分原则，为德国戏剧文学发展奠定理论基础。 （3）战争背景下的创作：三十年战争（1618-1648）期间，奥皮茨在其作品中多次发出"是否还有未被战争侵袭之地"的质问。他通过《德意志诗论》强调民族语言的文化价值，试图以文学创作抗衡战争对德意志文化的摧残。君特·格拉斯在其小说《相聚在特尔格特》中，虚构奥皮茨参与巴洛克诗人聚会探讨和平主题，印证其历史影响力。 （4）历史评价与争议：18世纪前德国文学界受战争影响发展滞后，奥皮茨作品因时代局限存在语言刻板化问题，部分作品今已鲜有读者。但现代学界认为其理论突破为莱辛时代的文学复兴奠定基础，2023年北京大学胡蔚教授在学术讲座中仍将其视为德语抒情诗传统重要研究对象。 （5）文化影响：奥皮茨的规范化理论使德语诗歌获得与欧洲主流文学对话的资格，其建立的创作标准持续影响至启蒙运动时期。1628年受封贵族标志其社会地位提升，1629年加入"收获学会"更确立其学术权威地位。截至2024年最新研究，其诗学理论仍是德语文学史研究的核心课题之一。 ［巴洛克文学的瑰宝《痴儿西木传》］ 17世纪德国作家格里美豪森《痴儿西木传》，虽是一部流浪汉小说，但也具有明显的巴洛克文学特征。 在文学的浩瀚星空中，巴洛克文学以其独特的魅力闪耀着光芒。其中《痴儿西木传》作为巴洛克文学的代表作之一，更是让人叹为观止。而谈及巴洛克文学，就不得不提及其背后的历史背景。这在十七世纪的法国，文学达到了全欧的巅峰，形成了古典主义潮流。这一潮流深受古希腊、罗马文化的影响，以它们为典范，故被称为“古典主义”。在文艺复兴的推动下，古希腊、罗马的哲学、历史和文学成为了人文主义者们崇尚的典范，他们从中汲取热爱生活、肯定人的力量的思想，以此反抗天主教的禁欲主义。而在此之前，意大利的学者们已经开始了对亚理斯多德和贺拉斯文艺理论的深入研究，并初步探讨了悲剧创作中的三一律问题。 　　［《熙德》Le Cid（1637年，悲喜剧）］ 在法国古典主义文学中，戏剧领域成就尤为显著，涌现出三位杰出作家：悲剧巨匠高乃依与拉辛，以及喜剧大师莫里哀。而皮埃尔·高乃依，作为古典主义悲剧的先驱，其代表作《熙德》堪称典范。这部作品不仅奠定了古典主义文学的基础，更通过生动描绘男女主人公在荣誉、责任与爱情之间的纠结与抉择，深刻展现了理性最终战胜情欲的主题。 《熙德》是法国古典主义文学的瑰宝，标志着古典主义悲剧的诞生。这部作品不仅以其独特的悲喜剧形式吸引读者，更通过细腻的人物刻画和情节展开，展现了理性与情欲的激烈碰撞。在荣誉、责任与爱情的多重考验下，主人公们做出了令人深思的选择，进一步深化了古典主义文学的内涵。［沙龙文学］ 沙龙，这一词汇在十七世纪的法国并不陌生。除了庄重的宫廷，贵妇们主持的沙龙也成为了当时的一大特色，其中以朗布绮公馆的沙龙最为人所知。在这里，上流社会的名人们汇聚一堂，讨论着各种话题，形成了矫揉造作却优美典雅的贵族沙龙文学。当时，从宫廷到沙龙，从服饰到文艺，法国的一切都成为了欧洲各国争相模仿的典范。 在法国，出现了一种与英国截然相反的趋势，即并非贵族逐渐资产阶级化，而是资产阶级逐渐贵族化。这种变化显然对资本主义工商业的快速发展构成了阻碍。 ［巴洛克时期著名的美术大师］‌ 巴洛克时期美术大师有：1.意大利卡拉瓦乔；2.意大利贝尔尼尼；3.佛兰德斯鲁本斯；4.荷兰伦勃朗（以上四人，下面有介绍）‌ 5.维米尔 ‌：维米尔是荷兰画家，以其精细的光影处理和描绘日常生活的场景著称，代表作品有《戴珍珠耳环的少女》和《牛奶maid》。他的作品充满了生活的细节和温馨的氛围‌ 6.普桑 ‌：普桑是法国画家，以古典主义风格著称，代表作品有《阿卡迪亚的牧人》和《丘比特与普赛克》。他的作品充满了宁静和和谐的气息‌ 7.委拉斯贵支 ‌：委拉斯贵支是西班牙画家，以其细腻的笔触和对人物性格的深刻描绘著称，代表作品有《宫娥》和《纺织女工》。他的作品充满了现实主义的气息‌ 8.哈尔斯 ‌：哈尔斯是荷兰画家，以其自然主义风格著称，代表作品有《快乐的酒徒》。他的肖像画和风俗画充满了开朗活泼的气息‌ 9.里贝拉 ‌：里贝拉是西班牙画家，以宗教画和取材自古希腊古罗马传说的作品著称，代表作品有《圣塞巴斯蒂安》和《圣腓力殉难》 ‌ 10.乔登斯 ‌：乔登斯是弗拉芒画家，以观察细致入微的日常琐事著称，其代表作品有《国王饮酒》 ‌。 11.苏巴朗 ‌：苏巴朗是西班牙画家，以暗色主义风格描绘宗教和静物作品著称，代表作品有《墓中的圣方济各》 ‌ 12.凡•戴克 ‌：凡•戴克是英国画家，以肖像画著称，代表作品有《英格兰的查尔斯一世》 ‌。 13.牟立罗 ‌：牟立罗是西班牙画家，以宗教画和为孩子们创作的有趣肖像著称，代表作品有《小乞丐》 ‌。 ［卡拉瓦乔］ 米开朗基罗·梅里西·达·卡拉瓦乔（意大利语：Michelangelo Merisi da Caravaggio，1571年9月29日—1610年7月18日），1593年到1610年间活跃于罗马、那不勒斯、热那亚、马耳他和西西里。卡拉瓦乔是16世纪末17世纪初的意大利画家，他的艺术具有鲜明的民主主义思想色彩，作品具有浓郁的世俗化趣味。他抛弃了传统宗教题材理想化的表现方式，从市井生活中选取模特，用写实的方法创作，创造了现实的、戏剧化的、具有强烈对比效果的明暗画法，成为巴洛克绘画的一个重要特征‌。 在16世纪末到17世纪初的几十年间，罗马一直在建造巨大的教堂和宏伟的宫殿，需要大量画作。当时反宗教改革派教堂在搜寻正统的宗教艺术以还击新教的威胁，因为此前统治艺术界近一个世纪之久的风格主义不足以担此重任。卡拉瓦乔带来的是一种激进的自然主义，兼具近乎物理上精确的观察和生动甚至充满戏剧性的明暗对照画法。在卡拉瓦乔手中，这种新风格是达到真实性和灵性的工具。 卡拉瓦乔的一生醉人、危险而又充满了谜。1600年，他突然出现在罗马的艺术圈，此后就再没有缺少佣金和资助，尽管他将自己的成功经营得很糟糕。关于他最早的评介见于1604年，这份材料描述他大约三年前的生活方式，说“他干两周的活儿就能跨剑大摇大摆逛一两个月，还有一个仆人跟着，从一个球场到另一个，总是准备争吵打斗，因此跟他在一起狼狈之极。”1606年，卡拉瓦乔在争斗时杀死了一个年轻人，人家悬赏他的项上人头，于是他逃离罗马。1608年，他又在马耳他卷入另一场争斗，之后的1609年，在那不勒斯，还是争斗，这次可能是不明来历的对头要取他性命。到下一年，度过十年多一点的画家生涯后，卡拉瓦乔离开了人世。 ［充满戏剧性的明暗对照画法］卡拉瓦乔 ［圣母之死］卡拉瓦乔 1605 ~ 1606 年油彩‧画布，369 x 245 公分罗浮宫收藏。 卡拉瓦乔不想给社会制造丑闻，也不想表明他对美和传统缺乏尊重；他是一位内心直诚但痛苦的画家，他不想制造轰动。他的这幅画似乎是对宗教的不恭，但实际上却是有深刻宗教精神的：神性是在普通的人和事中被揭示出来的，诗﹝或是其它艺术也都一样﹞是内心生活的表现；同理，神性也应存在于现实之中，并自现实中提炼出升华的最真正的含意。因此，在他的诸画中，为圣者或圣母祈祷的人物就像我们一样的普通人，甚至是更卑微的和不幸的人。然而，为什么被劳动弄得红肿的手和沾满灰尘的脚会被看作是丑化了呢？为什么圣母在死亡的时刻有着和其它妇女死亡时的所有痛苦和悲哀的特点就认为是被丑化了呢？在面对着「死去的、肿腹的女人」，圣母---取自一位溺水而死的妇女的形象时，圣玛利亚．德拉．斯卡拉教堂的教士们竟以他丑化了圣母形象为由拒绝了卡拉瓦乔的这幅画。是因为丑化，或更因为他表现有关耶稣故事---他来到尘世是为了救赎世人的罪过---是否因此一定要把耶稣表现成人类中的某个伟人，或某位体面的父亲或兄长呢？在这幅「圣母之死」的画中，他们怎么看不到死亡的意像呢？在绝望地哭泣着的姑娘﹝马达莱娜﹞和聚在周围的亲属们﹝使徒们﹞的身上，特别是在死亡的显现和上帝的存在中，在日常的生活中，在卑微和不幸的悲惨事件中，他们怎么看不到卑微的人们在痛苦中真正的相互关系？如果不是卡拉瓦乔向我们揭示出这种死亡的深刻和神秘意义的光，我们会认为这是任何一天的死亡的场景：在显示哭泣、痛苦、爱和死亡的这束光的上方，像云或像华盖一样的褶邹超越了地点和时间，笼罩着死亡的场面。 ［《圣马太蒙召》］ 卡拉瓦乔的《圣马太蒙召》以戏剧性光线捕捉耶稣召唤的瞬间，明暗对比中圣马太惊愕的手势与面孔成为焦点，逼真场景让宗教故事跃然画布。 《圣马太蒙召》（1597-1601年，布面油画 350厘米×340厘米）。和《圣马太和天使》这两幅画作都在意大利罗马法兰西圣路易教堂孔塔列里礼拜堂里，毗邻而居，它们是卡拉瓦乔接到的第一个教会订件，共三幅。《圣马太蒙召》用了极其写实的手法，当然仅是手法：屋内昏暗，一群收税者正在清点帐目；忽然间一道光线自右面射入，这是一道神圣之光，它对于观者的引导至为重要，即意味着基督的到来或神迹的发生，中国人说的“神明”恰合此意；包括圣马太在内的三人已见此情状，而另外两位正数钱者还浑然未觉（仅此而言，也应当是圣马太蒙召）；基督手指圣马太，手形竟与米开朗琪罗《上帝创造亚当》中亚当的手形完全一致，为何不是与上帝的手形一致，虽有解释，但值得深究；马太手指自己，似乎在问：“是我吗？”彼此形成呼应。但若仔细看，会发现基督眼神和手指方向似乎都是朝着正数钱的年轻人，圣马太的手型似也是指这位数钱者而非自己。作品极富戏剧性。另外有趣的是基督与圣彼得身着古代衣服，而圣马太等人则全然是文艺复兴时期的装束。 ［圣马太和天使］ 《圣马太和天使》这幅画描绘了圣马太急转过身来，向口授福音的天使寻求指示的瞬间。类似的作品还有《圣保罗皈依》《圣彼得殉难》。 ［巴洛克时期顶级的艺术大师，乔凡尼·洛伦佐·贝尔尼尼］ 乔凡尼·洛伦佐·贝尼尼（Gianlorenzo Bernini，1598年12月7日-1680年11月28日）。意大利雕塑家，建筑家，画家。早期杰出的巴洛克艺术家，十七世纪最伟大的艺术大师。贝尼尼主要的成就在雕塑和建筑设计，另外，他也是画家，绘图师，舞台设计师，烟花制造者和葬礼设计师。 贝尼尼塑造的人物总是处于激烈的运动中。大理石在他手中好像已失去了重量，人物的衣服总是随风轻轻飘起，给人以一种轻快、活泼和不安的感觉。贝尼尼刻画的人体的数量上不亚于米开朗基罗，而他更善于表现戏剧性的情节和人体在激烈的运动之中。 从其作品中，我们还能看到古典主义传统对他的影响，特别是希腊化时期的风格，很明显在他的作品中得到了反响。当组雕《阿波罗和达芙妮》完成后，贝尼尼赢得了整个罗马的赞美，连一些宗教界的高级人士都为之感动，其中包括不久后成为教皇的乌尔班八世也对贝尼尼大加赏识。后来，他进入教廷，受教皇之托，为圣彼得大教堂雕刻了豪华的青铜华盖，这是雕刻与建筑紧密结合的作品。这件雕刻的十分生动的作品，充分显示出贝尼尼一心为宗教服务的思想，也显示出巴洛克艺术的综合性、豪华性、装饰性、戏剧性等特点。其圣彼得大教堂前广场柱廊的创造，气势宏大，富于动感，与米开朗基罗的大教堂圆顶相呼应，使这处景观成为罗马最壮丽的景观。祭坛雕塑《圣德列萨祭坛》的成功，标志着贝尼尼雕塑的顶峰的到来。在这件作品中，贝尼尼体现出人文主义的思想。它反映了人的尊严、理想和对美好生活的追求。这也是贝尼尼创作中的积极成分，也是与一般的巴洛克艺术的不同的地方。 其作品还有《特里同喷泉》和《四河喷泉》 ‌等大量名作。 注：关于巴洛克，洛可可时期各大师们的巨作，另请详看关于（《西欧17世纪巴洛克风格，18世纪洛可可风格，新古典主义时期的人体雕塑》美篇专辑。） ［贝尔尼尼手下的《战斗中的大卫》］（ 1619年作品，也有人认为是在1623年）。 这是贝尼尼初出茅庐的作品，如果拿米开朗基罗的《大卫》与这件作品相对比，那么可以形容为九大对比：1 宁静待发和情绪紧张的对比，2 永恒和瞬间的对比，3 稳定而高贵和激情动感的对比，4 平行和垂直的对比，5 直线和对角线的对比，6 克制而遥远的与近距离的对比，7 理想化的对现实的对比，8 非干预性完整轮廓对干预性轮廓线的对比，9 清晰精确的光线和对强烈效果光源的对比。 ［被哈迪斯掠夺的普洛赛尔庇娜］ 贝尔尼尼早期坐稳神坛的代表作，当时年仅22岁（1622年）如约完成了该作品（ The Rape of Proserpina )。作品采用典型的对角线构图，表现了暴力与柔弱的对比。彼此的力量呈现相反的状态，极其富有戏剧性，体现了巴洛克艺术的特点。贝尼尼独特的雕刻手法也让他获得了骑士勋章。 冥界之王哈迪斯是奥林匹斯十二主神之一，是和主神宙斯和海神波塞冬的大哥。普洛塞尔庇娜（ Proserpina )是宙斯与大地女神的女儿（春之女神），被哈迪斯绑架到冥界与其结婚成为冥后。哈迪斯与大地女神约定，一年中一半的时间让普洛赛尔庇娜回到大地，此时大地女神非常开心，于是春暖花开，万物生长繁茂；另一半时间回到冥界，此时大地女神由于失去女儿特别悲哀，于是大地荒芜，万物凋零，世界便有了四季之分。 《阿波罗和达芙妮》 Apollo and Daphne 1622-1625年。 《阿波罗和达芙妮》是贝尔尼尼为罗马红衣主教皮奥涅·波尔盖兹的别墅创作的雕塑，一共有四组雕塑，这是其中的一组。该雕塑取材于罗马神话故事，太阳神阿波罗因得罪了爱神丘比特，调皮的丘比特将那支能够点燃爱情火焰的箭射向了阿波罗，而将另一支驱散爱情的箭射向了河神的女儿达芙妮。当阿波罗就要追逐达芙妮时，达芙妮向父亲河神发出求救，变成了一棵月桂树。懊恼的阿波罗却依然爱着达芙妮，他用月桂树的枝叶做成了桂冠，这也是“桂冠”一词的由来。由于阿波罗掌管文艺，“桂冠”也成为了文艺领域的最高奖赏。 ［《圣特雷萨的沉迷》The Ecstasy of Saint Therese ]1645-1652年。柯尔纳罗小礼拜堂。 在贝尔尼尼沉默了十多年后，这件伟大而饱受争议的作品让年过半百的贝尔尼尼重拾往日的辉煌，甚至登上了荣誉的顶峰。 《圣特雷萨的沉迷》罗马维多利亚圣母堂的柯尔纳罗小礼拜堂，标志着巴洛克雕塑的最高水准，将巴洛克艺术与人文关怀结合到了一起。他表现出了整个舞台，两个人的组合非常和谐，金属条衬托了人物的形态和戏剧感，又增强了大理石的轻盈的感觉。 ［彼德·保罗·鲁本斯］ 彼得·保罗·鲁本斯（1577年-1640年），这位弗兰德画家是巴洛克画派早期的重要代表人物，巴洛克风格的魅力大师。他的画作充分展现了巴洛克风格的特点，既有宗教的特色又有享乐主义的色彩。鲁本斯的画作强调运动、色彩及感官享受的完美结合，善于运用光影效果来增强画作的立体感。他的代表作品包括《强劫留西帕斯的女儿》《阿玛戎之战》《美惠三女神》《玛丽·德·美第奇抵达马赛》《上十字架》《下十字架》等‌，这些作品展现了其巴洛克艺术的典型风格，融合了动态构图、戏剧性场景与丰富色彩。 鲁本斯的巴洛克风格是一种充满激情、运动感和戏剧性的艺术风格。它既具有豪华、宗教和享乐主义的特色，又强调作品的空间感和立体感，同时还吸收了文学、戏剧、音乐等领域的一些元素和想象。他的反宗教改革的祭坛画、肖像画、风景画以及有关神话及寓言的历史画作都广为人知。 鲁本斯的画作不仅在宗教题材上有所突破，还在享乐主义的表现上有着独特的见解。他的作品充满了动感和生命力，每一笔都充满了情感和力量。这种风格不仅在当时引起了轰动，至今仍然影响着无数的艺术家和观众。 ［《鲁本斯和他的妻子》］ 《画家和他的妻子》是佛兰德斯画家彼得·保罗·鲁本斯于16世纪末至17世纪初创作的双人全身肖像油画。画面以棱形构图展现画家与妻子伊萨贝拉·勃朗身着华服相偎而坐的形象，鲁本斯左手抚剑、右手托妻子右手的姿态彰显贵族气质，背景的植物纹饰与流畅笔触体现出巴洛克艺术特征。该作品既记录了鲁本斯优渥的家庭生活，也集中体现了其富丽华美的绘画风格，被视为艺术家肖像题材的典范之作。 创作背景：该作品诞生于佛兰德斯绘画黄金时期，正值鲁本斯结束意大利游学归国不久（约1600-1610年间），此时画家已确立社会地位，与安特卫普望族之女伊萨贝拉·勃朗缔结婚姻，画面通过夫妇肖像的精心绘制，既展现家庭生活的美满，也成为彰显画家社会地位的艺术化表达。 ［晚年的鲁本斯和其一家］ 鲁本斯一生过着王子般的生活，49岁时爱妻去逝，53岁时又与一位16岁的妙龄少女海伦·富尔曼结婚，仍然过着幸福生活。在他63岁时走完了自己艺术的一生，为人类艺术宝库贡献了三千余幅艺术珍品。法国美术史家丹纳说：佛兰德斯只有一个鲁本斯，正如英国只有一个莎士比亚，其余的画家无论如何伟大，总缺少一部分天才。 ［劫夺吕西普的女儿》］鲁本斯作于1618年。 《劫夺吕西普的女儿》是鲁本斯（Peter Paul Rubens，1577—1640）的一件代表作。鲁本斯所作一批以宗教和神话为题材的油画《复活》、《爱之园》、《末日审判》等，笔法洒脱自如，整体感强。特点是将文艺复兴美术的高超技巧及人文主义思想和佛兰德斯古老的民族美术传统结合起来，形成了一种热情洋溢地赞美人生欢乐的气势宏伟，色彩丰富，运动感强的独特风格，成为巴洛克美术的代表人物。 油画取材于希腊神话中主神宙斯与丽达所生的孪生兄弟卡斯托耳和波吕刻斯，合伙抢劫迈锡尼王吕西普的两个女儿为妻的故事。画面上人和马占据了整个空间，人和马的交错动势，产生了强烈的运动感。 天刚蒙蒙亮，两个正在睡梦中的少女就被两个壮汉抢掠而去……枣红马、腾空而起的灰白花斑烈马与两个黑红肤色的壮汉及两个粉红肉体的少女交织在一起；迎风飘扬的斗篷，强烈而有力的斜线，近大远小的特写表现，以及色彩、质感、动势感的强烈对比与反衬给人一种突如其来的惊心动魄之感。然而让人叫绝的是这丰满、拥挤的构图并没有使人感到憋闷、压抑，这紧张、动荡的暴行并没有使人感到忐忑不安。有意压低的视平线使大面积的天空和清新的朝霞展现出来，不但缓解了紧张的气氛，也更进一步强化了这欢快爱情的主题。作者在画中表现的是一幕带有戏剧性的远古时代的“抢婚”风俗。从那有意强调的女性肉感，从那有意把少女中年化了的表现方式都可以反映出作者既是对大胆追求爱情的赞颂，又是对放纵生命力的赞赏，这新兴贵族的新的审美趣味，也是人文主义精神的进一步延伸。 创作背景：鲁本斯是一位伟大的人文主义画家，即使宗教神话是他创作的主要题材，但他还是以世俗的人物和自然去描绘神界人物，正如法国美术史家丹纳所言：他的作品表面上涂着一层天主教的圣油，而骨子里的风俗、习惯、思想感情，一切都是异教的。在鲁本斯的作品中体现出热爱生活，对生活充满美好理想、丰富的想象力，通过艺术形象肯定人的力量和人生的欢乐，他善于运用健康丰满、生机勃勃的形象，洋溢着乐观与激情的性格，去表现自己的审美理想与趣味。由于他所处的上流社会环境，迎合上层贵族的审美要求，所以他笔下的人物，尤其是妇女几乎都是贵妇人，体态胖肥，皮肤细嫩，骚首弄姿，扭捏作态，而男子都是浪荡公子一类，在一定程度上反映了佛兰德斯贵族资产者的追求享乐和骄奢淫逸的生活情趣。鲁本斯一生创作极为丰盛，作品多具有宏大的场面，强烈的运动感，雄健的造型，富有想象力和戏剧性情节；对比鲜明、响亮饱满的色彩；流动的线条、激动人心的画面艺术效果，给人以一种富丽堂皇、华美火热、欢腾鼓舞的艺术感受。 ［《阿玛戎之战》］油彩木板画，高120.3厘米，宽165.3厘米，德国慕尼黑老绘画陈列馆 《阿玛戎之战》是佛兰德斯巴洛克画家彼得·保罗·鲁本斯于1618年创作的油画，属于其1614-1620年间以神话与战争为主题的代表性作品之一。作为人文主义者，鲁本斯通过描绘激烈的人体动态与强烈的情感张力，展现对生命力量的赞颂。 作品取材希腊神话中忒修斯与阿玛戎女王希波吕忒引发的战争。画面聚焦两军在特尔摩顿河桥上的血腥厮杀，通过旋转式构图与流动的色块强化动感，表现战士争夺军旗的瞬间。人物肌肉的紧绷、战马的失控坠落与旗帜的翻卷形成多层次冲突，突显阿玛戎部落不屈的战斗意志。鲁本斯融合写实技巧与戏剧性场景设计，以连续运动线条和激情色彩构成视觉冲击，未直接模仿前人作品，展现出独特的巴洛克风格特征。 故事梗概：阿玛戎是希腊神话传说中的一个女人部落名称。但据古希腊历史学家希罗多德说，阿玛戎在远古时是存在的。按斯奇提亚语，“阿玛戎”又称“俄伊耳帕塔”，意即“杀男人者”。据史书上说，史前古希腊人与阿玛戎初次战斗时，阿玛戎大败，大量女俘被希腊人用船运走。船运至中途，女俘们造反，杀死了全部押运的希腊人。她们不会驾船，只得随波逐流，漂泊到小亚细亚的斯奇提亚国一个叫克律姆诺伊的地方，在那里建立了自己的女儿国。这个部落订出了一条族规：凡想生育传代，一定先要在战场上至少杀死一个男人，否则不许婚嫁。所以阿玛戎人生性好战，尤擅弓箭。为了学好射术，她们都将左乳切除，由此可见其尚武的精神。 创作背景：作为一个受过良好教育的人文主义者，在绘画上的“宣言”即是展现强烈的人性，歌颂生命的拼搏精神。他描绘的一些健美丰满的裸体女性形象，那样富有肉感，充满生命的战斗力。在这些画面上，他着力表现的是人体肌肉的膂力、绸缎般的闪光以及人物形象的激情。此类题材大致在1614－1620年间画得较多。其中有宗教题材、殉教故事，也有神话题材。比如画“最后的审判”场面，反抗天使被逐的天使大军与魔鬼队伍厮杀的场面，惊险的狩猎人与野兽搏斗的场面，和神话中狂热的爱情追逐的场面等等。这一幅《阿玛戎之战》，是典型的厮杀场面。 ［《上十字架》］鲁本斯创作于1609-1610年，现收藏于安特卫普大教堂。 题材：耶稣被钉死于十字架的情景 风格：以冲突与运动为基础的构图，力度上的对比 影响：这幅画通过对耶稣和执刑者的形象塑造，展现了鲁本斯在宗教题材作品中的艺术表现力和精神力量。 鲁本斯主要代表作品及特点‌： 1.《强劫留西帕斯的女儿》‌（约1618年）。取材希腊神话，描绘狄俄斯库里兄弟劫夺留西帕斯之女的场景，以对角线构图和激烈动势著称，体现鲁本斯对肉体与色彩的极致表现。‌‌ 2.《阿玛戎之战》‌（约1618年）。表现希腊英雄忒修斯与亚马逊女战士的战争，画面充满旋风般的冲突感，色彩与线条的流动强化了戏剧性。‌‌ 3.《美惠三女神》‌（1630—1635年）。晚年杰作，以古典雕塑为灵感，融合理想化的女性美与冷峻的大理石质感，其妻海伦娜与前妻伊莎贝拉分饰左右人物，背后故事颇具传奇性。‌‌ 4.玛丽·德·美第奇组画‌（1622—1625年）。包括《玛丽·德·美第奇抵达马赛》等24幅巨作，以寓言与历史结合的手法颂扬法国王后生平，华丽场景与神话元素交织。‌‌ 5.宗教题材双联画‌。《上十字架》（1609—1610年）与《下十字架》（1611—1614年）均藏于安特卫普圣母主教座堂，前者以“死亡对角线”构图突出悲剧张力，后者转向深沉哀悼的卡拉瓦乔式光影。‌‌ 其他重要作品‌：《圣乔治斗恶龙》‌：展现英雄主义与动态冲突。‌‌‌《花环中的圣母》‌：结合宗教主题与弗拉芒自然主义细节。‌‌‌《画家与第一任妻子伊莎贝拉》‌：罕见温情肖像，反映早期婚姻生活。‌‌ 　　［《下十字架》］鲁本斯创作于1611-1614年，现收藏于安特卫普大教堂。 题材：耶稣被从十字架上放下的情景。 风格：哀痛的宣泄，置于深沉的黑夜中。 影响：这幅画与《上十字架》形成了对比，展现了鲁本斯在宗教题材作品中不同的情感表达方式，通过深沉的色调和哀痛的形象传达了对耶稣的敬意和悲伤。 ［《莱尔马公爵骑马像》］ 《莱尔马公爵骑马像》是佛兰德斯画家彼得·保罗·鲁本斯于1603年担任西班牙哈布斯堡王朝外交官期间创作的油画作品。该作品创作于鲁本斯出使西班牙期间，而非意大利期间。该作品融合文艺复兴技法与佛兰德斯艺术传统，展现出巴洛克风格的运动感与戏剧性构图，被视为17世纪西欧绘画的代表性成就。画作现存于西班牙，是鲁本斯早期艺术生涯中探索贵族肖像题材的重要实践。 创作背景：1603年，鲁本斯以佛兰德斯外交使节身份出访西班牙期间，受哈布斯堡王朝委任创作《莱尔马公爵骑马像》。此前他在意大利曼图亚宫廷担任画师（1600-1608年），系统研究提香等文艺复兴大师的色彩技法，为创作奠定技法基础。 该画作诞生于鲁本斯外交生涯与艺术创作的交织期，马德里皇宫的藏画研究使其艺术语言更趋成熟。莱尔马公爵时任西班牙首相，画像通过骑马像形制彰显其政治权威。 ［希腊神话中的美惠三女神］鲁本斯（1640年）收藏于西班牙马德里普拉多博物馆。 艺术风格：巴洛克式的夸张动感美，团块质感的裸体和浓艳明丽的色彩。 影响：这幅画展示了鲁本斯晚年的经典之作，通过对三位女神的形象塑造和色彩运用，体现了他对巴洛克风格的独特贡献。 ‌ ［真实呈现人类心灵的荷兰伟大画家伦勃朗］（图为伦勃朗自画像） 伦勃朗·哈尔曼松·范·莱茵(1606-1669年)，17世纪欧洲巴洛克时期的杰出代表，他被称为“荷兰历史上最伟大的画家”。与其他同时代的画家们不同，伦勃朗的作品有着广泛的风格和主题，从肖像到风景，从宗教、神话主题到动物等均有涉猎，并且多有创新，对过去人们烂熟于心的各种主题也有着自已全新的见解，其作品以强烈的视觉表现力和极高的艺术价值闻名于世。代表作品有《夜巡》《蒂尔普医生的解剖课》《自画像系列》等。 伦勃朗的作品以光影处理著称。他的绘画技巧精湛，尤其擅长运用光影效果来增强画面的戏剧性和深度‌。 阿姆斯特丹时期（1632-1648）从1632年定居阿姆斯特丹到1640年，是其创作的成熟阶段。成名作《尼古拉·特尔普教授的解剖课》（藏海牙莫里斯皇家绘画陈列馆），突破团体肖像画呆板的程式，在构图和人物神情上处理得逼真而又生动。这时期的大量宗教画，均表现世俗内容，具有巴洛克画风。1636年所作《参孙被弄瞎眼睛》，因表情刻画细腻而复杂，被评论家形容为相当于莎士比亚笔下的麦克白夫人。类似的杰作还有《画家及其妻莎士基亚》、《怀抱萨斯基亚的自画像》（藏德累斯顿画廊）等。遭遇不幸 1640-1648年，个人生活的不幸和折磨，使他更深刻地去观察和理解社会，艺术创作也进入一个深化的阶段。1642年儿子去世使他悲痛万分，而《夜巡》（藏阿姆斯特丹国立博物馆）的问世，一开始又不被人理解，这幅带有风俗画和历史画性质，可以使人回忆起往昔荷兰人民反抗异族统治斗争的史诗性杰作，因其进一步突破了传统画法，开始不被订画者接收，一度形成僵局。此时期他的其他作品，也像《夜巡》一样采用更加接近舞台效果的表现手法，含蓄地描绘画面上的主要人物，因而不像30年代那样受到上层社会人士的欢迎，以致生活越来越困难。 ［成名作《尼古拉·特尔普教授的解剖课》］（海牙莫里斯皇家绘画陈列馆收藏） ［《夜巡》］ 伦勃朗的名作《夜巡》藏于阿姆斯特丹国立美术馆。这是一幅无价的珍品《夜巡》，但却也因为这幅画，使得伦勃朗陷入了一个窘迫的境地。事情发生在1642年，当时伦勃朗36岁。那年有16个保安射手凑钱请伦勃朗画群像，伦勃朗觉得要把这么多人安排在一幅画中非常困难，只能设计一个场景。伦勃朗按照他们的身份设计了一个的情景：似乎接到了报警，他们准备出发去查看，队长在交代任务，有人在擦枪筒，有人在扛旗帜，周围又有一群孩子在看热闹。 当时，这幅画遇上了真正的麻烦。那十六个保安射手认为没有把他们的地位摆平均，明暗、大小都不同，不仅拒绝接受，而且上诉法庭，闹得纷纷扬扬。整个城市都对伦勃朗充满嘲笑，他注定要面对无人买画的绝境，贫困余生，遭遇到“像乞丐般的下场”。直到他去世后的一百年，阿姆斯特丹才惊奇地发现，英国、法国、德国、俄国、波兰的一些著名画家，自称接受了伦勃朗的艺术濡养。 ［巴洛克时期的音乐］ 在音乐方面，艺术史上最显著的一个转折点发生于17世纪初的意大利。古代风格虽然继续风行，但后来仅用于圣乐，而现代风格则逐渐用于非宗教音乐。由于音乐语汇的扩大、圣乐与非宗教音乐之间、声乐风格与器乐风格之间以及民族之间的差异日益明显。因此，音乐领域中的巴洛克时期，如同其他艺术领域一样，也体现了各种不同的风格。这段时期的音乐中没有太多的思想，讲究韵律的优美。歌剧、清唱剧和大合唱是声乐方面最重要的一些新形式，而奏鸣曲、协奏曲和前奏曲则是为器乐而创作的。 蒙特威尔第（Claudio Monteverdi， 1567～1643）是“新音乐”的第一个伟大作曲家。在意大利师承他的是史卡拉第（Alessandro Scarlatti， 1660～1725）和佩戈莱西（Giovanni Pergolesi， 1710～1736），都是意大利巴洛克歌剧大师。意大利器乐传统体现于该国伟大的巴洛克作曲家科莱利（Arcangelo Corelli， 1653～1713）、韦瓦尔第（Antonio Vivaldi， 1678～1741）以及塔替尼（Giuseppe Tartini， 1692～1770）身上。吕里（Jean-Baptiste Lully， 1632～1687）和拉莫（Jean Philippe Rameau， 1683～1764）是法国巴洛克音乐的两位大师。 在英国，继斯图亚特王朝时期的假面剧盛行之后，有亨德尔（1685～1759）在声乐方面所取得的成就。亨德尔生于德国，在意大利受过音乐训练。而与他的同代人巴赫（1685～1750）随后在德国把巴洛克圣乐推向了高潮。德国其他的著名巴洛克作曲家有许茨（Heinrich Schutz， 1585～1672）、柏格兹特胡德（Dietrich Buxtehude， 1673～1707）和泰勒曼（Georg Philipp Telemann， 1681～1767）。 巴洛克音乐特点：在一个乐章之内保持一种基本情绪，在乐章与乐章之间才形成对比。 力度表现：不追求渐强和渐弱的细微变化，而是采用较为清晰的“阶梯式力度”。 代表作曲家：有乔治·弗里德里希·亨德尔（GeorgeFridericHandel，1685~1759）等。 ［巴洛克风格的音乐］ 巴洛克风格的音乐以通奏低音、复调与主调结合、强烈的情感表达和装饰性旋律为核心特点‌，主要体现在结构和声、节奏对比、戏剧性张力和宗教色彩等方面。‌‌‌‌(一) 结构与和声特征‌： 1.通奏低音体系‌。通过独立的低音声部持续支撑音乐结构，数字标记和声进行，实现即兴伴奏与严谨框架的结合。‌‌‌‌ 2.复调与主调并存‌：复调音乐达到高峰，对位法复杂（如巴赫的赋格）；‌‌主调音乐兴起，突出单一旋律线条，增强情感直接性（如歌剧咏叹调）。‌‌ 3.大小调体系确立‌：取代中古教会调式，和声功能更明确，转调更自由。‌‌(二) 表现手法与艺术风格‌ 1.节奏与动态对比‌：自由节奏（宣叙调、前奏曲）与规整律动（舞曲、赋格）交替使用；‌‌‌‌强弱音、独奏与合奏的戏剧化对比。‌‌‌‌ 2.装饰性旋律‌：大量运用颤音、滑音、即兴华彩，增强华丽感（如亨德尔作品）。‌‌ 3.情感论美学‌：音乐旨在唤醒听众情感，宗教题材传递崇高感，世俗作品展现激情（如蒙特威尔第《奥菲欧》）。‌‌（三）代表性音乐体裁‌：体裁类型主要特点代表作品举例 1. 歌剧 单声旋律强化歌词，阉人歌手演绎戏剧张力。蒙特威尔第《奥菲欧》‌‌。 2. 清唱剧/受难曲 宗教题材，复调合唱宏大规模巴赫《马太受难曲》‌‌。 3. 协奏曲 独奏与乐队竞奏，展现技巧对比维瓦尔第《四季》‌‌。 ［巴洛克音乐风格］ 葡萄牙语barroco原意为不圆的、形状不规则的珍珠，现指欧洲17世纪和18世纪初期豪华的建筑风格。音乐家借用此语概括地说明同一时期的音乐风格。 旋律特点：乐句长度不一，气息较长，无论是声乐还是器乐，旋律都空前地华丽复杂，有相当多的装饰音和模进音型。和文艺复兴时期的旋律一样，曲调的进行常常带有形象化、象征性特征。引人注目的是旋律中有明确的和声属性。 1. 节奏：主要分为自由节奏的和律动鲜明、规整的这两种节奏。前者用于宣叙调、托卡塔、前奏曲等，后者用于咏叹调、赋格、舞曲等，在一个乐章中会保持始终。这两种节奏常常搭配使用，如宣叙调与咏叹调，前奏曲（或托卡塔）与赋格。 2. 调式：大小调体系，它已取代了过去的“教会调式”。 3. 和声：已形成了完整的以主、属、下属为中心的大小调功能和声体系，利用不协和音作调性转换并使和声进行富有动力和情感色彩。十二平均律在17世纪的发明与和声体系的充分发展有密切的关系。 4.通奏低音：（thoroughbass，又称作数字低音figured bass或basso continuo）巴洛克时期特有的作曲手段。在键盘乐器（通常为古钢琴）的乐谱低音声部写上明确的音，并标以说明其上方和声的数字（如数字6表示该音上方应有它的六度音和三度音）。演奏者根据这种提示奏出低音与和声，而该和弦各音的排列以及织体由演奏者自行选择。 5.织体：复调织体占主要地位，其写作技术达到了空前绝后的高峰。与文艺复兴时期的复调不同之处在于它是在功能和声基础之上的对位。同时也有许多作品采用主调织体。 6. 曲式：以相互间形成节奏、速度、风格对比的多乐章结构为主，如组曲、变奏曲、协奏曲、康塔塔、清唱剧等，常用前奏曲与赋格、宣叙调与咏叹调的搭配关系。复调乐曲的内部结构是以模仿手段写作的连续体（不分段），但可看出明确的呈示、发展 ［巴洛克时期的羽钢琴，装饰繁复而豪华的古钢琴］ 钢琴产生于‌巴洛克时期‌（1580-1750年）。 ‌由意大利人巴托罗密欧·克里斯托弗里（Bartolomeo Cristofori）于1709年发明，最初被称为“ pianoforte ”（意为“弱强”），解决了当时拨弦古键琴无法产生音量强弱变化的问题。 ‌ 1709年‌：克里斯托弗里发明第一架现代钢琴原型，具备动态音量控制功能。 ‌ 18世纪中后期‌：德国制琴师改进设计，逐步形成88键标准键盘布局。 ‌ 19世纪‌：钢琴制造技术成熟，成为古典与流行音乐的核心乐器。 ‌巴洛克时期音乐对钢琴的发展有直接影响：当时拨弦古键琴的局限性促使钢琴应运而生，而巴洛克音乐的戏剧性与情感表达需求也推动了钢琴技术的革新。 ‌ 羽管键琴是古钢琴的一种，它们与现代钢琴的主要区别如下：一、发声原理不同， 羽管键琴：通过羽毛管制作的拨子拨动一根金属丝弦发音。 现代钢琴：用锤子敲击一股金属丝弦发音。二、音色与表现力不同 羽管键琴：音色纤细，但较为古板，表现力相对狭窄。 现代钢琴：音色浑厚，可弹出对比鲜明的强弱音，音域更广，表现力更丰富。三、发展时代，历史地位不同 羽管键琴：作为钢琴的前身，在历史上曾占据重要地位，但随着音乐的发展和技术的进步，逐渐被现代钢琴所取代。 现代钢琴：在古钢琴的基础上不断发展和完善，成为现代音乐中不可或缺的乐器 ［巴洛克时期著名的音乐三大家之一：亨德尔和他的青年时期］ 乔治·弗里德里希·亨德尔（George Frideric Handel）。德国作曲家，以他的歌剧、管弦乐作品和宗教音乐而闻名。他生于德国哈雷，于1702年进入哈雷大学法学院学习，1703年加入汉堡剧院，并在此期间创作了首批歌剧《阿尔米拉》和《尼禄》等。1706年，他赴意大利留学，期间结识了科雷利、A·斯卡拉蒂等音乐家，并熟悉了意大利歌剧和器乐音乐风格及写作技巧。 1710年，亨德尔返回德国，任汉诺威宫廷宫廷乐长，并在任职期间两度赴英国，其歌剧深受英国王室和贵族的欢迎，遂留居不归。1726年，他加入英国籍，并在18世纪20年代进入歌剧创作的成熟时期，创作并上演了歌剧《罗德琳达》和《亚历山德罗》等。此外，他还创作了《弥赛亚》等清唱剧。亨德尔的音乐作品包括歌剧、清唱剧、管弦乐作品等，代表作品有歌剧《弥赛亚》、《火焰女皇》和《大水上的音乐》等。其作品以节奏鲜明、旋律优美、和声丰富、力度变化显著等特点而著称，他的音乐风格充满了戏剧性和宏大的音乐表达，被认为是巴洛克音乐时期的杰出代表之一。 ［巴洛克时期著名的音乐三大家之一：约翰·塞巴斯蒂安‘巴赫和他的青年时期］ 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）。巴洛克时期最伟大的音乐家之一，被尊称为“西方古典音乐之父”，是德国图林根州埃森纳赫的巴洛克时期作曲家、键盘演奏家。他出生于德国的埃森纳赫，从小就表现出了出众的音乐才能，并在吕内堡开始跟随米歇尔学校唱诗班学习。随后，他在阿恩施塔特和米尔豪森任职期间创作了大量的管风琴曲和康塔塔。 1708年，巴赫到魏玛任宫廷教堂管风琴师，并在那里创作了大量的世俗器乐作品，包括小提琴协奏曲、各类奏鸣曲、组曲、创意曲等。在莱比锡工作的27年里，巴赫创作了其重要的宗教和世俗音乐作品，如《马太受难曲》、《约翰受难曲》、《b小调弥撒曲》等。他的音乐作品体裁丰富，声乐作品以宗教音乐为主，器乐作品则涵盖独奏曲、协奏曲、管弦乐合奏曲、重奏曲等各类体裁及其大量作品，其作品以精湛的技艺、深刻的情感和极高的艺术价值著称。巴赫的作品对欧洲音乐的发展产生了深远的影响，他的《马太受难曲》、《B小调弥撒曲》、《C大调键盘协奏曲》等作品，被公认为是他创作的经典之作。他的管风琴作品更是将这种乐器的演奏推到了前所未有的高度。巴赫于1749年视力减退，后双目失明，最终在莱比锡逝世，享年65岁。 ［巴洛克时期著名的音乐三大家之一：蒙特威尔地和他的青年时期］ 克劳迪奥·蒙特威尔地（Claudio Monteverdi）。是意大利杰出的歌剧作曲家，是前期巴罗克乐派最重要的代表人物之一，被誉为文艺复兴和巴洛克过渡时期音乐的重要创作家之一。他是歌剧的先驱之一，创作了第一部重要的歌剧《奥菲欧》。他在1567年5月15日出生，去世于1643年11月29日。蒙特威尔第的音乐才华在年轻时便开始展现，他于20岁时完成了他的处女作《五声部牧歌》，由此一举成名。 他的音乐充满了鲜明的个性和炽烈的热情，将巴罗克音乐推向了高潮。他的作品大胆地运用不协和和弦，并使用序曲、重唱、间奏曲以加强戏剧音乐的表现力与舞台气氛。他不仅首创了以管弦乐队来伴奏歌剧，还通过巧妙的复调音乐手法，固定了歌剧的形式。 蒙特威尔第的音乐深受欢迎，其作品包括九部牧歌集、二十一首宗教牧歌、二十一首三重唱、十五首三声部谐谑曲、十首二声部谐谑曲、近百首宗教作品和几部绝对堪称精品的歌剧《奥菲欧》、《波佩阿的加冕》等。总的来说，克劳迪奥·蒙特威尔第是一位极其重要的音乐家，对欧洲音乐的发展产生了深远的影响。 ［巴洛克音乐代表人物还有有维瓦尔第和斯卡拉蒂］［维瓦尔第］ 维瓦尔第是意大利作曲家，他的小提琴协奏曲《四季》是巴洛克音乐的经典之作。他的音乐充满了活力和动感，给人留下深刻的印象。 ［斯卡拉蒂］ 斯卡拉蒂是意大利作曲家，他的钢琴奏鸣曲被誉为巴洛克音乐的杰作。他的作品以华丽的技巧和丰富的情感表达而著称，展现了巴洛克音乐的独特魅力。 巴洛克时期音乐家们的作品充满了活力和激情，展现了巴洛克音乐的独特魅力。这些代表人物都为巴洛克音乐的发展做出了杰出的贡献，他们的音乐作品成为了永恒的经典。 ［巴洛克音乐是古典主义音乐发展的起点］ 古典主义音乐大致经历了巴洛克时期、古典时期以及浪漫主义时期，每个时期都有其独特的音乐特点和风格。 巴洛克时期是古典主义音乐发展的起点，约在1600年至1750年间。这个时期的音乐家开始尝试新的音乐风格和方式，打破了文艺复兴时期的音乐模式，大胆探索和创新。巴洛克音乐的节奏强烈、跳跃，采用多旋律、复音音乐的复调法，形成了独特的风格。同时，巴洛克音乐家开始就乐器调音系统达成一致，使得一起演奏更加容易。大键琴是巴洛克时期最具代表性的乐器之一，它弹拨琴弦以发出独特的声音，为当时的音乐创作提供了丰富的表现力。 古典时期是古典主义音乐的鼎盛时期，约在1750年至1827年间。这个时期的音乐家开始探索富有理性和逻辑的庞大的音乐构思形式，使得情感在音乐中得到适度的表现。古典主义音乐的旋律富有歌唱性，和声丰富，结构严谨，注重形式的美感，强调音乐的均衡和统一。古典时期的作曲家如海顿、莫扎特和贝多芬等，创作了大量的交响乐、室内乐和歌剧等作品，为后人留下了丰富的音乐遗产。 浪漫主义时期是古典主义音乐的延续和发展，约在1827年至1900年间。这个时期的音乐家创作了越来越多情感和强烈的音乐，灵感来自自然、文学和诗歌。浪漫主义音乐强调个人情感的表达和个性的张扬，常常运用夸张、对比和反复等手法来表现情感。浪漫主义时期的作曲家开始尝试更多的半音阶写作，借用其他键的音符来创造更有趣和冒险的和声。同时，浪漫主义音乐也注重乐器的表现力，大量运用管弦乐、铜管乐器和钢琴等乐器，丰富了音乐的色彩和表现力。 总之，这些时期的音乐反映了当时社会文化背景下的音乐发展，为后人留下了丰富的音乐遗产。通过欣赏古典主义音乐，我们可以更好地了解欧洲音乐的发展历程，感受音乐的魅力和力量。 ［意大利巴洛克风格的马西莫贝利尼歌剧院］ 马西莫贝利尼剧院（Teatro Massimo Bellini）是位于意大利西西里岛卡塔尼亚市温琴佐·贝利尼广场，1890年5月31日正式启用。该剧院以出生于卡塔尼亚的作曲家温琴佐·贝利尼命名，主体建筑包含五层包厢和华丽的内部装饰，凭借一流的音响效果成为歌剧演出重要场地。剧院外立面的柱式结构、马赛克与雕塑元素，以及其作为文化地标的地位，使其成为卡塔尼亚旅游业的重要象征。 剧院建筑采用巴洛克风格，主厅设五层包厢，内部装饰以镀金浮雕和壁画为主，兼具视觉美感与卓越的声学设计。外立面以古典柱式支撑，搭配马赛克镶嵌和人物雕塑，展现了19世纪末的建筑艺术特征。 自开业以来，剧院以歌剧演出为核心，定期举办音乐会及经典歌剧选段表演。2024年9月的某场音乐会中，包含《诺尔玛》《清教徒》等贝利尼代表作选段，观众反响热烈。剧院亦成为当地文化庆典的重要举办地。 ［巴洛克时期的歌剧］ 歌剧（Opera）诞生于16世纪末、17世纪初诞生于意大利的佛罗伦萨。由巴迪宫廷的卡梅拉塔会社（camerata，意为俱乐部或小集团）成员巴迪、温琴佐.伽利莱伊以及佛罗伦萨学者梅在经过大量的对古希腊悲剧研究的基础之上诞生的。音乐和戏剧的结合可以追溯到古代，包括古希腊悲剧、中世纪的仪式剧、宗教神秘剧、奇迹剧，文艺复兴的牧歌套曲、田园剧、幕间剧等形式。幕间剧是在戏剧两幕之间演出的有音乐的短剧。田园剧是传奇题材或乡村题材的带有音乐的舞台剧。 历史上第一部歌剧是1597年由里努契尼写剧本、佩里作曲的《达芙尼》，取材于希腊神话。但乐谱已遗失。现存的第一部歌剧是1600年里努契尼写剧本、佩里和卡契尼作曲的《优丽狄茜》。取材于希腊神话。在最早的歌剧中音乐形式是声乐部分以接近于朗诵的宣叙调为主，由少量乐器伴奏，采用通奏低音。音乐形式较为简单。 蒙特威尔第（Monteverdi）的歌剧主要是加强音乐性和情感表达。具体做法是将宣叙调的旋律线条拉长，使其具有歌唱性，并与短小的歌曲、二重唱和牧歌式的重唱交替，形成对比。他采用较大规模的乐队伴奏，并通过弦乐器的震音、拨弦以及不协和和声的运用造成强烈的戏剧性效果。在歌剧中加入器乐段落，如一开始的“托卡塔”（即后来的序曲）、中间的舞曲等。歌剧的基本模式正是在他的创作中形成的。蒙特威尔第的两部代表作是《奥菲欧》（或译作《奥尔菲斯》）、《阿丽安娜》。 17世纪威尼斯歌剧的代表人物（歌剧领域的威尼斯乐派）是蒙特威尔第的学生卡瓦利（Cavalli，1602–1676）、切斯蒂（Cesti，1623–1669）。 18世纪意大利拿坡里（那不勒斯）歌剧（拿坡里乐派或那不勒斯乐派）主要代表人物阿·斯卡拉蒂（Alessandro Scarlatti，1660–1725）。他重视音乐在歌剧中的抒情作用，强调咏叹调的表现力，创立了ABA形式结构，称作“返始咏叹调”或称“再现咏叹调”（da capo aria）。他的乐队更加完备，还创立了“快–慢–快”的歌剧序曲（当时称“交响曲”sinfonia）。 拿坡里歌剧的特点是注重独唱者声音的美感和音乐外在的效果，追求音乐语言和形式的程式化，音乐织体较简单，主要是独唱旋律和简单的和声伴奏。缺点是缺少真实性和戏剧力度。这种倾向导致了歌剧在18世纪的衰败。 ［法国歌剧等］ 法国歌剧是十七世纪从意大利传入后，立即带上了法国化特征：重视宣叙调，其中突出了法语特有的韵律和节奏感。宣叙调在歌剧（或清唱剧）中用于人物对话和剧情发展，其旋律近于朗诵，咏叹调用来抒发人物感情并表现演唱技巧，音乐优美华丽，音域较宽。 白话朗诵宣叙调是只用羽管键琴和一件低音乐器伴奏的宣叙调，主要用于大段的对话和独白。带伴奏宣叙调采用乐队伴奏，用于紧张的戏剧性场面，由于它在某中程度上带有咏叹调特点，因此又称之为咏叙调（arioso或recitativo arioso）。“Da Capo Aria”（返始咏叹调）是ABA三段式咏叹调，再现时可以随歌手喜好加上一些自由的炫技；在歌剧中加进大量舞蹈场面；舞台装饰极为华丽，表现帝王生活的气派；歌剧序曲采用与意大利相反的速度安排：慢–快–慢。奠定了法国歌剧形式的是原籍意大利的吕利（Lully，1632–1687）。法国作曲家拉莫作有大量歌剧和古钢琴作品，但更重要的是在1722年发表了《和声基础理论》，为现代和声理论奠定了基础。 英国歌剧创作的代表人物是浦赛尔（Purcell，1659–1695），代表作是《迪东和伊尼》。 德国“歌唱剧”（singspiel）。有对白的德国民间喜歌剧，音乐带有鲜明的民族特色。对德国歌剧的发展有重要影响。 清唱剧：将宗教或史诗题材的歌词谱曲，音乐形式包括独唱、重唱、合唱和管弦乐，在教堂或音乐厅演出。与歌剧不同之处在于清唱剧没有复杂的舞台装置和戏剧动作表演。 受难曲：音乐形式同清唱剧，在题材上集中于基督耶稣受难（钉十字架）的故事。 康塔塔：也译作大合唱，是带有独唱、重唱、合唱及管弦乐的体裁，内容有宗教的也有世俗的。与清唱剧一样的是没有舞台装置和戏剧动作表演。 ［巴黎歌剧院］ ［巴黎歌剧院正门左右两侧的四幅雕塑］ 巴黎歌剧院正门左右两侧的四幅雕塑，分别是“戏剧、舞蹈、乐器、和谐。其作者是法国著名雕塑家让·巴普帝斯蒂·卡尔波。 ［巴洛克风格与洛可可风格雏形样式混合的室内装饰］ 巴黎歌剧院的内部大厅由繁复的爱奥尼亚式柱支撑，开阔的过厅上空悬挂晶莹剔透的具有洛可可风格倾向的水晶灯，在这里红色的、黄色的、金色的、银色的、绿色的应有尽有，色彩斑斓、绚丽，其形态多姿而隽美，恢宏而端庄，似乎这里的高贵、奢华已达到了极致。 爱奥尼亚的柱式造型柔美典雅，其柱头是流畅、舒展的卷涡雕刻，柱子的比例修长。建筑师加尼叶同样在传统的爱奥尼亚式柱上做了改良，他取消了柱身的凹槽设计，使得柱身看上去更加平整、柔顺。休息大厅不仅内部奢华极致，落地窗的上方设有许多镀金铜像，周围由灰、红、金三色砖石砌成，显得华丽而又凝重。其中有31名作曲家和剧作家，包括莫扎特、贝多芬和罗西尼等，雕塑细致传神，犹如大师再生。 ［巴洛克风格与洛可可风格雏形样式混合的室内装饰］ 楼梯两侧均为古典的栏杆和洛可可风格的雕塑，将整个楼梯装饰得华丽无比。檐下连续的拱圈、柱式和灯饰尽显巴洛克风格的特征。上方的廊檐和天花板上还绘有许多神话故事，具有古典风格的装饰特征，秉承古典建筑“天顶画”的特色。沿巨型楼梯拾阶而上，迎面是装饰奢华的走廊和休息厅。室内天花板、墙面、楼梯和每一处角落，都布满了精致的雕塑、造型优美的挂灯以及壁顶上大幅脂粉气很重的油画作品，具有浓郁的洛可可风格。由于歌剧院的装饰太过华丽，它又被喻为“巴黎的首饰盒”。顶棚一概都是绘制古典油画的“天棚画”，两旁的墙面均为繁复的古典风格倾向的壁龛和雕刻。 ［巴洛克风格的家具］ 除了建筑，文学，雕塑和绘画之外，巴洛克家装，家具，服饰，珠宝无疑是巴洛克艺术最市民化的一种表现形式了。法国国王路易十四号称"太阳王'，他对凡尔赛宫的奢华装修造成了大量巴洛克风格家具的诞生。宫廷艺术的发展造就了一大批巴洛克艺术大师。复杂的雕刻，名贵材料如柚木，黄金，象牙，紫檀木的大量使用，使得巴洛克家具成为了世界三大家具的代表之首，屹立在世界家具的顶尖位置上，数百年不倒。 英国塞特维那皇室家具--巴洛克风格：扶手椅---椅腿可以使”倒方锥“或者”栏杆柱“式，上面出现了日益复杂的椭圆形缘饰，凹槽饰，叶饰。从路易十三继承的H型连杆，逐渐演变为X型。礼仪的需要促使大量折叠椅和凳子问世，上面时有华丽的雕刻。 双体家具--衣柜面板的线条也变得更柔和，下不和两端成弧形，并向图中那样由于凸出部分或者转角处呈新月形而变得复杂。 ［巴洛克风格的女裝］ 巴洛克时期的服装除了西班牙外，其他女人这个时候开始不用穿裙撑，裙子常常要有三层套，上衣要么齐脖子的花边大领，要么袒胸露乳，法国时期开始把领口挖深加宽，袖子镶着大量蕾丝，有時候袖子被打成很多段，一节一节的，每段都镶嵌蕾丝。 裙子时兴蓬松造型，最外层的裙子从腰开衩向外翻，有时还用花结或是扣子像窗帘系起來，有时把外面裙子向后翻，在臀部打结。 ［巴洛克时期女性的发型］ ［巴洛克首饰］ 深受巴洛克艺术风格的影响，欧洲首饰设计上也明显呈现出巴洛克风格，这一时期的首饰设计铺张华丽，擅长表现各种强烈的感情色彩，常常采用富有动态感的造型要素。17世纪上半叶，欧洲饱受战乱与政局动荡之苦，出现了“死亡首饰”，使得首饰流行的式样频繁变更，首饰逐渐失去了传统的宗教和护身符的意义，转而成为单纯的装饰品，这也是首饰历史的重要转折。 ［巴洛克的珠宝］ 巴洛克风格的珠宝以大胆的想象力和夸张的造型而得名，挣脱了文艺复兴时期的艺术精神，以一种新的表现形式来呈现人们的幻想。 洛可可风格珠宝跟巴洛克风格珠宝的最重要区别就是设计上比较偏女性化，多位不对称设计风格。洛可可珠宝善用形状变幻造型，以回旋曲折的贝壳形曲线和精细纤巧的雕刻为主，造型的基调是凸曲线，常用多个C形、S形及漩涡形线条组合雕琢。 ［珠光宝器的贵妇人］ ［贵妇人的耳环，项链，手链，戒指］ ［从巴洛克风格的绘画中看巴洛克风格的女性服饰，珠宝首饰］ ［男性服饰上的珠宝和戒指］ ［巴洛克风格的宫廷服饰］ 左图：晚十七世纪和十八世纪初奥尔良公爵夫人&法国路易十五图。 右图：十八世纪法国1780年。 下图：荷兰式巴洛克的特色为3L（Lace,leather,long locks）荷兰时期主要特征是领子，直到现在荷兰民族服装业可以看到。外衣特征是繁多装饰性强的排扣，紧绷的裤子延长到膝盖，下面是长袜。 ［巴洛克风格最华丽最妩媚的男装］ 历史上最华丽最妩媚的男装在巴洛克时期。最大的特点是大袖子蕾丝、带马刺的靴子、羽毛大帽子和佩剑。这个时候流行短小马甲，有点像西装背心。內衣非常华丽，被大量丝带重重捆扎，一件內衣需要100多米長的缎带装饰。 长外套开始出现：一开始没有领子，后来出现大领，从上到下密密麻麻装饰华丽的排扣，此时裤子流行灯笼裤，也是到膝盖扣住，下面是紧身长袜。鞋子一般是方头，鞋跟很高，一般是红色，鞋上装饰花朵或是缎带，巴洛克晚期出现鞋扣以代替装饰。 ［十八世纪的洛可可风格rococo］ 洛可可风格起源于18世纪的法国，最初是为了反对宫廷的繁文缛节艺术而兴起的。洛可可Rococo这个字是从法文Rocaille和coquilles合并而来。 Rocaille是一种混合贝壳与小石子制成的室内装饰物，而coquilles则是贝壳。洛可可后来被新古典主义取代。 洛可可的特点：华丽，纤巧，精致。 ［洛可可的历史发展］ 洛可可最先出现于装饰艺术和室内设计中。路易十五登基，给宫廷艺术家和一般艺术时尚带来了变化。在老国王在任的晚期，巴洛克设计逐渐被有着更多曲线和自然形象的较轻的元素取代。这些元素在尼古拉斯Pineau的建筑设计上有明显的表现。在摄政时期（1715-1723年，路易十五还是个孩子，政权由其叔摄政），宫廷生活不再局限于凡尔赛宫，艺术风格亦随之而转变，最初在皇宫，然后是整个法国上层社会。纤细和轻快的洛可可风格设计被视为是伴随着路易十五的过度统治而来。 相较于前期的巴洛克与后期的新古典，洛可可反映出当时的社会享乐、奢华以及爱欲交织的风气。除此之外，此派画家受到当时外来文化的启发，在创作中添加不少富有异国风情的特色。 1730年代，洛可可在法国高度发展，并受到中国风的影响。这种风格从建筑和家具蔓延到油画和雕塑，表现在让-安东尼·华托和佛朗索瓦·布歇的作品中。洛可可保留了巴洛克风格复杂的形像和精细的图腾。不过在这一点上，它已经开始与大量不同的特征融合，包括东方风格和不对称组合。这种艺术形式在法国迅速蔓延至德国和西班牙等地区，并与当地的风格融合。18世纪，英国一直视洛可可风格为“法国品味”，较少用于建筑上，主要表现在银器、陶瓷等。当时意大利移民的艺术家像Bagutti和Artari都以石膏作品尝试将洛可可风格带入英国。而在爱尔兰工作的瑞士人拉法兰契尼兄弟也作出同样的尝试。随着拿破仑在法国的崛起，洛可可被拿破仑从法国剔除出去。 到了约1830年代，洛可可风潮正逐渐退去时，英国人才开始要“重振路易十四的哥特式风格”——亦即把洛可可搞错了，并且以大量的金钱，购买经过过分涨价的二手洛可可风格物品，其实当时这些物品在法国几乎无法出售。 ［洛可可的室内设计］ 在德国，斯都格的孤独城堡和奥拉宁堡的中国宫、巴伐利亚的维斯教堂和波茨坦的无忧宫都是欧洲洛可可风格建筑的例子。 在欧陆，洛可可风格以抽象的火焰形、叶形或贝壳形的花纹、不对称花边和曲线构图，展现整齐而生动的、神奇的、雕琢的形式。洛可可风格设计，不论使用在室内设计方面或者家饰品设计，甚至建筑外观设计上，都令人无法忽视。框缘的建筑的部分中如画的、细致的、形状独特地表现于塑造性物料如木雕和雕塑中（如Wessobrunner School)的装潢）。墙、天花、家具、金属和瓷器制的摆设展现一种统一风格的和谐。相比起巴洛克品味带着丰富强烈的原色和暗沉色调，洛可可崇尚柔和的浅色和粉色调。 原本有一些反建筑的意识在一七二零年代迅速地全部转变，并造就了洛可可风格在欧洲室内设计和装饰美学上大绽光芒的时代。其中最多姿多彩的德国洛可可就发源于天主教德国。 一般而言，洛可可建筑是指纯粹室内风格。因为当时的富人贵族从凡尔赛搬回巴黎时，巴黎已经是一个已发展的城市。所以他们大都直接以新风格装潢原有的建筑，而较少重新兴建新的大型建筑物。 ［洛可可风格室内装璜设计及家俱］ ［洛可可艺术梳妆台］ ［室外门窗洛可可的装饰风格］ 洛可可风格的建筑虽然主要体现在室内装饰，但在室外也有其独特的风格特点，比如在建筑物的屋顶、门窗边框、阳台栏杆等部位，大量运用曲线，使建筑外观呈现出灵动、优雅的感觉，营造出一种自由奔放、富有变化的氛围，增加了建筑的趣味性和独特性。 ［美丽的欧洲洛可可建筑］ 作为一种艺术风格，洛可可最早出现在路易十四的宫殿里。画家克劳迪·安德伦为路易十四的孙媳妇装修房间时，在墙上和顶棚上画满了动物和植物的图案。渐渐地，这种轻松夸张的室内装饰风格在路易十五时代的宫廷和沙龙里流行开来，最后发展到建筑和雕塑领域。 洛可可（Rococo)一词即源于法语，是指类似贝壳的饰品，其实这个词与“哥特”一词一样，在当时都是一种略带轻蔑的称呼。不过到了今天，它就只是一个中性的称呼了，代表了一段时期的建筑风格。洛可可风格的流行与神权衰落有关，洛可可是世俗艺术，契合了贵族们对宏伟壮丽和愉悦享受的追求。 洛可可的特点是浪漫抒情，矫饰柔弱，讲究细节，不怕繁杂。同时，由于当时的欧洲对中国的瓷器、漆器、珐琅等工艺品的喜爱，中国艺术的精致、华丽等元素也融入其中。 洛可可风格极具女性化特质，充满装饰，尽显奢华。 欧洲最美的洛可可建筑究竟有几座？有人总结是十座，而有人总结的是另外十座，其中有几座与前重复，可见远不止十座，它们都是历史遗留的精品，优秀建筑的代表作，荣获联合国教科教文组织批准的《世界文化遗产》。由于篇幅有限，下面不分先后地一一简介这些最美的洛可可建筑的传世之作。 ［欧洲最美丽洛可可建筑之一：德国《波茨坦无忧宫》］ 无忧宫（Sanssouci Palace）位于德国波茨坦市，是一座世界闻名，18世纪德意志享有盛誉的王宫和园林，整个面积达90公顷，被认为是普鲁士王国腓特烈二世模仿法国凡尔赛宫所具代表性的建，宫名取自法文的“无忧”或“莫愁”，具有重要的历史和文化价值。无忧宫，因建于一个沙丘上，故又称“沙丘上的宫殿”。18世纪德国建筑艺术的精华，全部建筑工程延续时间达50年之久，虽经战争，但从未遭受炮火的轰击，仍保存十分完好。宫殿建于1745年至1747年间，由著名建筑师乔治·文茨设计，其建筑风格深受法国洛可可艺术的影响。无忧宫常被誉为 “柏林的凡尔赛宫”，它规模较小，却更显亲切。 波茨坦无忧宫以其优雅的外观和壮丽的花园而闻名于世。它坐落在一个辽阔的公园中，园内遍布雕塑、喷泉和精心修剪的草坪，营造出宁静和谐的氛围。无忧宫的建筑风格充满了精致的细节和装饰，展示了18世纪普鲁士王室的豪华和品味。 无忧宫的历史与普鲁士王室密切相关。它是普鲁士国王腓特烈大帝的夏季宫殿，腓特烈大帝在此追求自由与享乐，以逃避政务繁忙的柏林。无忧宫也是他的创作和思考之地，他在这里度过了许多艺术和哲学的时光。 作为普鲁士王室的夏季居所，无忧宫见证了许多重要的历史事件和文化活动。其中，无忧宫音乐会（Sanssouci Music Festival）作为波茨坦宫廷音乐传统的重要组成部分，对音乐史产生了深远的影响。宫殿正殿中部为半圆球形顶，两翼为长条锥脊建筑。殿正中为圆厅。瑰丽的首相厅，天花板上装潢富有想象力，四壁镶金，光彩夺目。室内多用壁画和明镜装饰，辉煌璀璨。宫殿前有平行的弓形6级台阶，两侧和周围由翠绿丛林烘托。宫殿前有喷泉，正对着大殿门廊。此喷泉采用圆形花瓣石雕，四周有“火”、“水”、“土”、“气”4个圆形花坛陪衬，花坛内塑有神像，尤以维纳斯像和水星神像造型精美，形象生动。 ［欧洲最美的洛可可建筑之二：奥地利维也纳贝尔维迪尔宫（又名奥地利美术馆］ 贝尔维迪尔宫成立于1918年，是一座以皇室美术藏品为主的美术馆。维也纳是音乐之都，因为莫扎特、舒伯特、贝多芬、施特劳斯等音乐大师的成长和成功都与维也纳有关，可是很少有人知道维也纳在现代美术世上也占有一席之地。坐落在维也纳城内山坡上的奥地利美术馆藏着数量众多的奥地利人引以为豪的美术家的作品，尤其是“维也纳分离派”的作品。其气势恢弘的巴洛克皇宫和花园让您赞叹不已。 之所以又名贝尔维迪尔宫，所谓“贝尔维迪尔”，就是“视野极佳的建筑物”的意思。在奥地利国家美术馆你将会欣赏到青年艺术风格画家古斯塔夫·克里姆特（Gustav Klimt）奇妙的油画作品和西勒（Schiele）、柯克施卡（Kokoschka）的绘画。 欧根·冯·萨沃恩王子（Eugen von Savoyen）(1663-1736)既是一位功绩卓越的统帅又是一位狂热的艺术爱好者，他曾命席尔德布兰特把旧城门外的花园改建成了夏宫。 馆藏精品有：《水蛇》、《朱棣斯》 ［欧洲最美的洛可可建筑之三：葡萄牙里斯本《克鲁什国家宫》］ 克鲁什是葡萄牙里斯本大区下辖的城市，以拥有18世纪葡萄牙王室宫殿克鲁什宫而闻名。该城市因巴西首任皇帝佩德罗一世（1798 1834）的出生与逝世地而载入葡语国家历史，其核心建筑克鲁什宫保存了大量王室文物，见证了葡萄牙帝国鼎盛时期的政治与文化发展。 葡萄牙的克鲁什国家宫（Palácio Nacional de Queluz）建于18世纪，现存建筑主体建于1747-1786年间。葡萄牙王室夏季行宫，建筑风格融合晚期巴洛克与洛可可元素，仿照法国凡尔赛宫而建立的世界十大洛可可建筑代表之一，是一座粉红色的洛可可建筑宫殿。克卢什宫，最初是一座度夏胜地，后来则成为了葡萄牙皇家府邸。宫殿前有一座久负盛名的花园，是法式庭院与意式庭院的组合，是经典的欧洲园林的样板，彰显了葡萄牙皇家的富庶与品位。 ［克鲁计宫的文化遗产］ 克鲁什宫距离里斯本常被称为 “里斯本的凡尔赛宫”。这座奢华的宫殿由佩德罗三世于1747年下令建造。 克鲁什宫的内部完美展现了洛可可风格的优雅：“大使厅” 有着镀金的灰泥装饰、镜子镶嵌的墙壁和精美的天花板壁画，体现了洛可可风格对光线和奢华细节的热爱。“音乐室” 则将洛可可风格的戏剧化特色展现得栩栩如生，华丽的装饰旨在让宾客惊叹，同时也是对艺术的赞美。 克鲁什宫建筑群包含以下代表性组成部分：海王星喷泉：中央庭院的大型石雕喷泉；大使阶梯：采用粉色大理石建造的礼仪通道；皇室礼拜堂：保存有16世纪宗教壁画；镜厅：装饰水晶吊灯与威尼斯镜面的宴会场所。 ［《克鲁什宫主厅：镜厅》］ 主厅是格鲁兹宫最大的房间。用于宫廷宴会和其他节日庆典，整个厅堂金碧辉煌，展示着皇家的奢华和富有。天花板上绘制着精美壁画，中央一个美轮美奂的水晶吊灯。角落和屋檐上装饰着镀金的浮雕，与壁画交相辉映。同时格鲁兹宫中拥有欧洲为数不多的彩色水晶吊灯。主厅的地板以暗红色地砖为主，压住了大厅的格调，更凸显皇家威严。 ［克鲁什宫花园］ ［克鲁什王宫内景］ 王宫内拥有众多的卧房，在奢华的背后潜藏着阴谋诡计。发生在格鲁什宫内的悲剧不止一个，一位王后因失子而精神失常多年，苦病其中；还有一位王后因参与王位争夺而遭软禁其中，直至去世。这两个女人，其中一位是那个让葡萄牙失去巴西的佩得罗王子的祖母，另一位则是他的母亲。［克鲁什国王寝室］ 克鲁什宫的国王寝宫奢华而温馨正中央一张帷幔大床就是国王的御榻。在葡萄牙国王中葡萄牙国王若昂六世就在格鲁兹宫的国王寝宫去世，葡萄牙王子佩德罗在二十出头时擅自宣布巴西独立，曾任巴西帝国的首任皇帝；若昂六世去世后，又与自己兄弟争夺王位。但他争得王位后旋即患结核病，年仅三十六岁就死在自己出生的那一张床上。葡萄牙王位最后由他的女儿，年仅十五岁的玛丽亚公主继承。 ［欧洲最美的洛可可建筑之四：法国巴黎《苏比斯府邸》］ 苏比斯府邸，这座历史悠久的建筑，曾是苏比斯王子的居所，如今是国家档案馆的前身。其外观采用古典风格，由建筑师 Pierre-Alexis Delamair 于 1705 年精心设计建造，取代了旧的南翼。主庭院环绕着56根柱头组成的双柱柱廊，展现出巴黎最壮观的庭院之一。 与其简约的外观形成鲜明对比，内部装饰则充满了洛可可风格的华丽、细腻与精致。目前，这里有两个引人入胜的展览：一个是关于废除死刑的法律展览，另一个则是关于路易十六、玛丽·安托瓦内特和法国大革命的历史展览。 ［欧洲最美的洛可可建筑之五：布吕尔的《奥古斯塔斯堡城堡》］ 奥古斯都城堡与猎趣园位于德国人口最多的北莱茵—威法伦州濒临莱茵河左岸布吕尔东郊，是德国最早的洛可可式建筑，包括了奥古斯都堡、法尔肯拉斯特狩猎小屋以及其间的乡间小路与园林。奥古斯都堡周围景色优美，深具田园风情，这里曾是科隆大主教的奢华寓所，而法尔肯拉斯特狩猎小屋则是一处当时贵族游乐的狩猎场。这两座建筑都是18世纪德国早期洛可可风格的杰作，是德国巴洛克与洛可可建筑风格的重要古迹。直到20世纪90年代，仍为德国总统接待外国贵宾的地方。 1984年根据文化遗产遴选依据标准 (ii)(iv)，凝聚着洛可可之精华的奥古斯都堡与猎趣园 (Augustusburg & Falkenlust) 和巴洛克式园林景观一起被联合国教科文组织世界遗产委员会批准作为文化遗产列入《世界遗产名录》。 世界遗产委员会评价：奥古斯塔斯堡周围风景优美，颇具田园风情，这里曾是科隆(Cologne)大主教奢华的住所，而法尔肯拉斯特古堡(the Falkenlust hunting lodge)则是一处狩猎场（小规模乡下活动）。这两个建筑都是18世纪德国洛可可风格最早的杰作。 ［奥古斯都堡与猎趣园 (Augustusburg & Falkenlust) ] 1984年根据文化遗产遴选依据标准，凝聚着洛可可之精华的奥古斯都堡与猎趣园和巴洛克式园林景观一起被联合国教科文组织世界遗产委员会批列入《世界遗产名录》。 世界遗产委员会评价：奥古斯塔斯堡周围风景优美，颇具田园风情，这里曾是科隆(Cologne)大主教奢华的住所，而法尔肯拉斯特古堡(the Falkenlust hunting lodge)则是一处狩猎场（小规模乡下活动）。这两个建筑都是18世纪德国洛可可风格最早的杰作。 ［欧洲最美的洛可可建筑之六：《林德霍夫宫（Linderhof）》］ 林德霍夫宫坐落在僻静的格拉斯山谷中，被誉为 “童话国王”之一。 林德霍夫宫虽然比新天鹅堡建得晚，但它是惟一一幢国王在世时完工的宫殿建筑。林德霍夫宫强烈追求怪诞繁复的洛可可风格，并混杂着东方色彩。其中的餐室呈优美的椭圆形，室内采用闪亮的红色，奇特之处在于，餐室正中安放着可升降的“自动上菜魔桌”，也就是说，可以让怕见人的国王独自一人进餐。 当地时间2025年7月12日，联合国教科文组织将林德霍夫宫列入《世界遗产名录》。 ［林德霍夫宫溯源］ 林德霍夫宫(Schloss Linderhof)坐落阿尔卑斯山脉（The Alps）的阿美尔山区（Ammergebirge），在巴伐利亚州西南部僻静的格拉斯山谷中，它于1874年到1878年间建造，是路德维希二世建造的三座皇宫中最小的一座，並是他实际居住的宫殿。霍夫宫虽然比新天鹅堡建得晚，但它是惟一一幢国王在世时完工的宫殿建筑。林德霍夫宫的地点很隐蔽偏远，只有一条在树林中穿行的狭窄柏油路通向那个幽静的山谷。 路德维希二世是马克西米连二世皇帝的儿子，从小在巴伐利亚南部的旧天鹅堡长大。在1864年，不到十九岁的年轻国王登基。但是从小生活在孤独中的国王，一直不能适应成年人的世界，对于国王这个工作也不是非常胜任。路德维希二世可能期望的是能够像中世纪的君主那样对他的王国享有绝对权利，可是到了路德维希二世登基的时候，巴伐利亚王国的权力实际上已经掌握在议会两院手中。不胜任政务的路德维希二世在有关德意志统一的问题上作了可怕的错误决定，使得本来是独立王国的巴伐利亚并入了德国版图，终结了巴伐利亚的独立地位。在此之后，路德维希二世开始远离宫廷，希望在远离慕尼黑的阿尔卑斯山脉中建立他的幻想世界。 于是，他在阿尔卑斯山山中修建了林德霍夫宫，实际上是他居住的山间别墅。路德维希二世一直很喜欢居住在那里。虽然林德霍夫宫的内部装饰极尽奢华，即使按照洛可可风格的标准来说也过于雕琢，这间宫殿却并不是为了向世人展示国王的豪奢生活，而只是供他一人品味的孤独世界。 　　［林德霍夫宫花圆喷泉］ ［林德霍夫宫内繁复而精雕细刻的洛可可装饰］ 林德霍夫宫殿不但和凡尔赛宫的风格相似，在宫中，还处处可见法国皇室成员的肖像及凡尔赛宫的情景。 路德维希二世最喜欢的林德霍夫宫(Schloß Linderhof)，是洛可可式建筑中的一件珍品，也是路德维希的诸多王宫中唯一完工的一座。在林德霍夫宫周围分布着风格各异的意大利、法国和英国园林，园林内点缀着喷泉、池塘和华而不实的观赏建筑，堪称那位古怪国王的珍宝箱。 法王路易十六曾是路德维希一世的洗礼教父，路德维一世又是路德维二世的祖父兼教父，再加上，路德维二世认为法王的形象是专制及主权合一的代表，使他不但崇拜着路易十四，也在两次造访巴黎并参观过凡尔赛宫后，开始规画林德霍夫宫及赫莲基姆湖宫。 林德霍夫宫外表可以说的上端庄素雅，但其内部的华丽雕琢金碧辉煌几乎让人头晕目眩，它的内部装饰设计的风格和新天鹅堡很不一样，在风格上我觉得更接近慕尼黑宁芬堡马车博物馆里的皇家金马车。用四个字来形容，就是穷奢极欲。 林德霍夫宫强烈追求怪诞繁复的洛可可风格，并混杂着东方色彩。其中的餐室呈优美的椭圆形，室内采用闪亮的红色，奇特之处在于，餐室正中安放着可升降的“自动上菜魔桌”，也就是说，可以让怕见人的国王独自一人进餐。 注：关于路德维希二世的传奇，及他的“新天鹅城堡”，请另看《路德维希二世的一生》和《巴伐利亚富森镇，新天鹅城堡》二美篇专辑。他是一位热爱艺术而不善从政的大帅哥。最终被议会两院掌权者们暗害而死。 ［欧洲最美的洛可可建筑之七：波兰《布兰尼基宫》］ 位于波兰比亚韦斯托克的布兰尼基宫，被誉为“波兰的凡尔赛”，是洛可可风格建筑的璀璨之作。其设计灵感汲取自法国的凡尔赛宫，展现了18世纪欧洲建筑的奢华与精致。如今，这座宫殿已成为比亚韦斯托克医科大学的一部分，继续承载着知识与文化的传承。 ［波兰《布兰尼基宫》背面］ <img src="//:0"><img src="//:0">［欧洲最美的洛可可建筑之八：俄罗斯圣彼得堡《喀山大教堂》］ 喀山大教堂（俄语：Казанский собор），是俄罗斯境内的一座教堂，位于圣彼得堡的涅瓦大街。由俄罗斯建筑师沃罗尼欣设计于1801年8月开始奠基仪式，教堂是以罗马圣彼得大教堂为原本，历经10年终于1811年竣工。喀山大教堂专为存放俄罗斯东正教的重要圣物——喀山上帝之母圣像而建造，并因此而得名它的外貌具有典型的当时帝国风格的特征。 建筑特点：这个建筑的平面图呈十字型，大教堂正门两侧有造型严谨的古典式柱廊向外延伸，宏伟壮观形成一个半圆形广场教。柱廊的后面中间是一个圆简形顶楼，顶楼上是一个端正高达70米的教堂圆顶。94根半圆型的柱廊面向大街环抱广场，半圆型栅栏的花纹令人惊叹，大教堂前的街心花园有帝国风格的花岗石喷泉，柱廊前矗立着两位俄国统帅库图佐夫和巴克莱·得利的雕像的纪念碑。教堂里有库图佐夫墓和1812年打败拿破仑的胜利品。 大教堂正面的浮雕、北面柱廊上的雕刻、殿内装饰和油画均出自名家之手。 ［喀山大教堂的内部不大像一般的教堂，而更像一座宫殿］ 进入教堂后不远处的右侧就是库图佐夫将军墓，墓碑两边挂满了库图佐夫在俄法战争攻陷城市的市旗和钥匙，墓上部摆放着从法国军队手中夺得的战利品——几面军旗和钢盔。另外在军旗之间还挂着一幅画，画面是《喀山圣母像》，反映保佑莫斯科远离立陶宛波兰联军入侵时的来龙去脉。 大教堂内部明亮、轻快，以柱列分隔的长形主堂高大宽敞中央穹顶辉煌华丽，仰视可见一幅圣母图周边饰以圣经人物雕刻和水彩壁画。 教堂地位 大教堂在抗击拿破仑的战争年代中，其宗教意义已退于次要地位，殿内存放过缴获的战旗和一些欧洲城市和城堡的钥匙。1813年，俄军统帅库图佐夫的灵柩被安葬在教堂北侧祭坛。1837年在教堂前广场上落成库图佐夫和巴克莱·德·托利统帅石雕像，至此喀山大教堂成了1812-1814年卫国战争的纪念馆。1932年起辟为国家宗教与无神论历史博物馆这是世界上第一个以说明宗教历史、宣传无神论为目的的博物馆，馆内收藏涉及人类历史上存在过的各种宗教的展品多达17万件以上。其中有些反映人类原始宗教信仰的崇拜物和反映现代宗教信仰的崇拜对象的展品是迄今世界上独一无二的在“东方宗教”部可以见到佛教和道教的陈列品以及丰富的迷信用品，其中最有趣的要算俄国汉学家阿列克塞耶夫于1906-1907年间收集的中国民间年画，共1000幅这是世界上最好的中国年画整套藏品之一。该博物馆所设图书馆是原苏联国内宗教史文献、无神论史类和宗教学研究著述藏书最多的图书馆，曾作为中心机构向其他加盟共和国的博物馆提供指导。喀山教堂名称来自于教堂内所供奉的喀山圣母像，当伊凡雷帝的军队突击喀山时在烽火中发现了这尊圣像画。由于喀山圣母像不断地传出显灵的事迹，故成了俄罗斯东正数教徒最敬奉的圣像之一。1612—1613年之间当由德特里·玻扎尔斯基公爵所组成的民兵，在解救被波兰军队所占领的莫斯科的战役中亦带着这块圣像画。在喀山圣母的庇护之下与波兰军队的交战得到了空前的胜利，从此圣像画被视为俄国军队的守护神。1710年从莫斯科运送一幅无论在造型或构图上类似喀山圣母的圣像画至圣彼得堡当俄皇保罗一世访问罗马期间，曾下令于圣彼得堡的涅夫斯基大道上兴建一座以罗马的圣玻勒可莱·得·托里彼得教堂为设计蓝本的石造教堂整个工程历时十年这是一座独一无二的俄式礼拜堂。 ［欧洲最美的洛可可建筑之九：㨗克布拉格《金斯基宫》］ 捷克布拉格金斯基宫（Palais Kinsky)，以其洛可可风格的建筑和内部的手工抹灰墙而闻名。这座宫殿由基利恩•伊格纳茨•丁岑霍菲精心设计，每一处细节都体现了洛可可艺术的精致与典雅。如今，金斯基宫已转变为布拉格国立美术馆的一部分，展出着从十七到二十世纪的各种艺术珍品，以及现代艺术家的杰出作品，继续传承着艺术与文化的精神。 金斯基宫1755年动工建设，耗时10年建成，最初是 Jan Arnošt Goltz 伯爵的宅邸。三年后 Goltz 伯爵逝世，捷克贵族 Kinský 家族买下宫殿，并在1930年代对宫殿进行大规模修缮和扩建。 捷克历史上多位知名人物与金斯基宫有着渊源，如诺贝尔奖首位和平奖得主、Kinský 家族成员 Bertha von Suttner （1843-1914）在金斯基宫内出生；捷克小说家卡夫卡曾在位于宫殿内的中学就读。1948年2月25日，捷克斯洛伐克共产党领导人 Klement Gottwald 在宫殿阳台上发表演讲，正式宣告捷克进入共产时代。 1949年布拉格国立美术馆成立后，金斯基宫成为美术馆的分馆之一。1992年，金斯基宫被列为国家文化古迹。 ［欧洲最美的洛可可建筑之十：德国慕尼黑《屈维利耶剧院》］ 屈维利耶剧院（Cuvillies Theatre）是德国巴伐利亚州首府慕尼黑的一座剧院建筑，又称旧宫剧院。这座剧院由一位出生于比利时的巴代利亚装饰设计师和建筑师弗朗索瓦·德·居维利耶（François de Cuvilliés，1695年10月23日—1768年4月14日）于1751年至1753年间修建，其建筑外观呈马蹄形，为洛可可式风格。剧院以他的名字命名。 居维利剧院开幕于1753年10月12日。他将洛可可风格带到慕尼黑维特尔斯巴赫王朝和中部欧洲。剧院的每一处都散发着洛可可风格对奢华细节的热爱。观众席装饰着金色元素、鲜艳的红色天鹅绒，分层的楼座像珠宝盒一样装点着整个空间。 ［德国慕尼黑《屈维利耶剧院》剧物和舞台］ ［欧洲最美丽的欧洲洛可可建筑之十一：德国《慕尼黑王宫》］ 慕尼黑王宫（Munich Residenz）曾是维特尔斯巴赫王朝奢华的宫殿，是一座被低估却充满历史辉煌的宫殿。 慕尼黑王宫（德文：Münchner Residenz）为昔日巴伐利亚君主的王宫，位于德国慕尼黑市中心。这座宫殿是德国最大的市内宫殿，目前向游客开放，展示其建筑、室内装饰和皇家收藏。 “珍宝厅” （Rich Rooms，德语为Reiche Zimmer）对于洛可可风格的爱好者来说是必看之处。 “先祖画廊” （Ancestral Gallery，德语为Ahnengalerie）则是另一个洛可可风格的瑰宝。镀金画框和维特尔斯巴赫王朝统治者们的生动画像让墙壁鲜活起来。 ［欧洲最美的洛可可建筑之十二：德国巴伐利亚《维斯教堂》（Wieskirche）］ 在维斯有100多个教堂和圣坛，而且从巴伐利亚北部到奥地利东南部施泰尔马最南端，迄今为止已发现有1500多个类似这样的地方。作为朝拜救世主之地，早在8世纪，维斯教堂的声望就已经风靡于整个欧洲。 日耳曼洛可可之宝的维斯教堂建在一片辽阔草地的正中央，由于该处地势比周围要高，所以即使从很远的地方，人们也可以一眼眺望到这座与众不同的教堂。整个建筑的设计思想都围绕着“朝圣”这个中心原则，它着重体现了苦难、悔罪和拯救。精雕细琢、超凡脱俗体现在教堂的每一个细节中，但这一切看上去却并非华而不实，所有细节连同那些各式各样的装饰品都像是视觉感受中不可或缺的一部分。维斯教堂将建筑风格以及人们心中的“天堂”融入到各种装饰之中，如此天衣无缝的结合真是不可思议的奇迹。洛可可式的建筑风格在此处可谓是达到了极点，这也是绝无仅有的一例。 维斯教堂意为“维斯受鞭打的救世主朝圣教堂”，是一座被联合国教科文组织列入世界遗产名录的洛可可风格朝圣地教堂，它于1745年至1754年由约翰・巴普蒂斯特・齐默尔曼和多米尼库斯・齐默尔曼俩兄弟设计建造，他们都是德国洛可可风格的画家和建筑师，因而其室内装潢相当出色。这个座落在阿尔卑斯山谷中的白色教堂，是具有巴伐利亚人特色的洛可可式建筑的优秀代表作，因相传教堂内的救世主像曾落泪而成为圣地，是一座朝圣教堂。 该教堂结构简洁，布局合理，具有古朴典雅的气质。维斯教堂的装饰协调，空间宽广，主要包括宽25米、长29米的椭圆形身廊和一个长方形大厅。维斯教堂是德国阿尔卑斯地区唯一的人类遗产。 1983年根据文化遗产遴选依据标准，维斯朝圣教堂被联合国教科文组织世界遗产委员会批准作为文化遗产列入《世界遗产名录》。 遴选依据标准一：维斯朝圣教堂是在开阔的乡村建造的朝圣教堂，是洛可可艺术的完美杰作。遴选依据标准二: 维斯朝圣教堂是文化和宗教传统的一个特殊见证。 　　教堂内八根雪白的柱子支撑着令人惊叹的穹顶。光线由此倾泻而入，营造出通透开阔的空间感。 到了18世纪末，随着社会变革和审美观念的变化，洛可可风格逐渐被新古典主义风格所取代。新古典主义强调简洁、对称和对古典建筑形式的回归，与洛可可的繁琐、华丽形成鲜明对比。　　 维斯教堂结构简洁，布局合理，具有古朴典雅的气质。教堂的装饰协调、空间宽广、主要包括宽25米、长29米的椭圆形身廊和一个长方形大厅。教堂圣坛上的画作是由慕尼黑的宫廷画师巴尔塔萨·奥古斯特·阿尔布雷希特创作的；四位西方世界伟大神学家希尔尼玛斯、安波罗修、圣奥古斯丁和教宗额我略一世的雕像，是蒂罗尔画家安东·施图尔姆的成熟期作品；教堂的管风琴造于1957年。 除此之外，维斯教堂的神学来源也是不可估量的。教堂的精神中心是上帝的儿子、人类的救世主——耶稣基督。许多来自世界各地拜访维斯的游客，都希望能从这里获取生活的方向，教堂凭借自身的艺术表达形式和其精神源泉的力量，满足人们的欲望。 ［神龛中央供奉着受鞭打的耶稣塑像］ 教堂的历史：圣坛维斯教堂中供奉的是一尊戴上铁链受鞭打的救世主耶稣的雕像，由帕特尔・马格努斯・施特劳布（Pater Magnus Straub）和卢卡斯・施魏格尔（Lukas Schweiger）俩兄弟于1730年在上巴伐利亚的施泰因加登修道院雕刻完成。 传说1738年6月14日，维斯的一位名叫玛丽亚・洛吕（Maria Lory）的女农民在救世主雕像的眼睛中看到了几滴眼泪，消息传开以后，很快引来了礼拜和朝圣的人潮，人们蜂拥前往一睹传说中流泪的救世主雕像，为了满足人们的需求，维斯建造起了一座小型的礼拜堂，它就是维斯教堂的前身。 ［圣坛上的画作］ 1745年至1754年，齐默尔曼兄弟在Abt Marinus II. Mayer的带领下建造了这座洛可可风格的维斯教堂，圣坛上的画作是由慕尼黑的宫廷画师巴尔塔萨・奥古斯特・阿尔布雷希特创作的； 四位西方世界伟大神学家：（1）希尔尼玛斯（Hieronymus）、（2）安波罗修、（3）圣奥古斯丁、(4)额我略一世的雕像，是蒂罗尔画家安东・施图尔姆（Anton Sturm）的成熟期作品；教堂的管风琴造于1957年。 ［欧最美的洛可可建筑之十三：法国凡尔赛《小特里亚农宫》］ 小特里亚农宫Petit Trianon（法语：法语发音：[pəti tʁijanɔ̃]) 是一个小城堡，位法国凡尔赛凡尔赛宫的庭院。由昂热 - 雅克·加布里埃尔设计，18世纪洛可可风格、新古典主义风格，系路易十五为他的长期情妇蓬帕杜夫人，而下令于1762年到1768年修建。但是蓬帕杜夫人在其建成前四年就已去世，于是后来归属她的继任者杜巴利伯爵夫人。在1774年，20岁的路易十六登基后，将该城堡及其周围花园给了他19岁的王后玛丽·安托瓦内特，供其独家使用和享受。玛丽渴望逃脱路易和他的宫廷，他就给了她这个地方。 洛可可风格在这里随处可见，矢车菊蓝、淡紫色和绿色等柔和色调的花卉图案随处可见。 ［小特里亚宫花园］ ［小特里亚宫凉亭与储存功能］ “凉亭”静立于小特里亚宫花园之中，其立面以网状格板镶嵌，巧妙地引导藤蔓攀附其上，不仅美化了建筑，还起到了降温的作用。凉亭外墙顶部的花瓶设计别致，可栽种各类花卉，为这里增添了一抹生机。而这个凉亭的真正用途，是用于储存王家晚宴所需的新鲜食材。路易十五常常在午餐或活动之前，亲自品尝这些新鲜的农产品，享受自然的馈赠。 ［小特里亚宫法式亭阁］ 在1749年，法国国王路易十五，命令建筑师 昂热‧雅克‧加布里埃尔 在花园中建造一座“法式亭阁”，作为专为餐饮而设的场所。加布里埃尔以古典风格为蓝本，精心设计了这座亭阁：其核心是一个宽敞的圆形大厅，四周则巧妙地布置了四间小厢房，这些厢房的外墙立面分别描绘着四季的景致。而亭阁的顶部，则装点了围栏扶手、生动的孩童雕塑以及插满鲜花的花瓶，为这座古典建筑增添了一抹生机与活力。 “法式亭阁”内设的八角形招待室，是夏季午餐及王家宴会的举办地。其立柱之上，浅浮雕装饰着庄园内丰收的水果与蔬菜，生动而富有田园气息。透过“法式亭阁”招待室的窗户，一处厢房内的景象映入眼帘：金箔点缀的精致灰泥工艺品，以及大理石花卉上点缀的浅绿与粉红色彩，与室外的花园景色相互辉映，营造出一种和谐而优雅的氛围。 ［欧洲最美的洛可可建筑之十四：德国《贝尔佛第宫》］ 贝尔佛第宫是洛可可风格的代表作之一。由希尔德布朗特设计。贝尔佛第宫依傍著缓坡而建，包括两座大宫，中央以一座吉拉德设计的法式花园互通的十大洛可可建筑代表作之一。 花园依地势形成三个层次，每层各有复杂的古典意涵：花园最下层部分象征四大元素，中层象征帕那斯山，上层是林帕斯山。这座辽阔的法式花园虽不若巴黎凡尔赛宫之富丽堂皇，但是草坪、巨大的花坛、喷泉、雕像，依然可嗅到17世纪的花园造景特色。横跨了两座花园后，紧接著是下贝尔佛第宫，现在里面设立了巴洛克艺术与中世纪艺术博物馆，最著名的是金碧辉煌的大理石厅与玻璃厅，及怪诞厅内的怪诞壁画。 ［《贝尔佛第宫》上部］ ［《贝尔佛第宫》上部］ ［欧洲最美的洛可可建筑之十五：德国慕尼黑《宁芬堡》］ "宁芬堡，巴洛克与洛可可的完美融合，见证五代巴伐利亚王室的辉煌。从匠心独运的石厅壁画到精致小巧的阿美连堡镜厅，再到中国漆器与青花瓷的东方韵味，每一处细节都诉说着历史的厚重与艺术的璀璨。漫步天鹅湖畔，邂逅美人画廊，感受如童话般的浪漫风景。" 宁芬堡（Ngmphenburg）坐落在德国慕尼黑西北郊，是历代王侯的夏宫。建于1664至1728年，主建筑是巴洛克风格，整座宫殿坐西朝东，由一幢幢方形楼房连结成一组建筑物，正面长达600米。 宁芬堡华丽典雅、装饰繁细，占地200公顷的庭园更是毫不比欧洲其他宫殿逊色。宁芬堡是费迪南德·马里亚亲王送给妻子萨伏依的恩里切塔·阿德莱德的礼物，感谢她生了儿子使王国有了继承人。它的扩建工程前后花了200年时间。虽然这座宫殿没能达到法国国王路易十四王宫那样的规模，但肯定是德国这类宫殿中最大的一座。以南端的仕女画廊最为著名。18世纪初，选帝侯马克西米利安一世·约瑟夫将他母亲简朴的乡间别墅扩建成豪华宫殿。虽然曾遭受二次大战波及,但修复后仍不减其在历史上所占的地位。 【宁芬堡天鹅湖与建筑风景】 天鹅湖是宁芬堡前的另一大亮点。湖水清澈，天鹅与野鸭悠然游弋，四周的建筑以红顶白墙为特色，共同构成了一幅如童话般浪漫的风景画卷。 后面是宫廷式园林和广阔的草地林木。掩映在万绿之中，有一所小巧玲珑的狩猎行宫——阿玛琳宫，内部装饰纤巧精美。这座宫殿是洛可可式宫殿中罕有的艺术珍品。宁芬堡的庭园占地辽阔，想完全绕完可得要花点时间；如果走累了，可以在有得天独厚庭园造景的咖啡馆里歇脚休息。堡内设有温室花房，因此不分四季园内总是绿意盎然。 ［宁芬堡主厅：石厅］ 石厅（Steinerner Saal）以其华美的天花壁画和精致的洛可可装饰而闻名。其顶部的壁画，由约翰·巴普蒂斯特·齐默尔曼匠心独运地创作，而装饰设计则由弗兰索瓦·德·屈维利埃倾力打造，共同营造出宫殿中央建筑三层的辉煌。 ［宁芬堡华美的天花壁画和精致的洛可可装饰］ ［欧洲最美的洛可可建筑之十六：巴黎《苏俾斯府邸（Palais-Royal）》］ 巴黎苏俾斯府邸是法国洛可可建筑风格的代表之作，其内部装饰尤其以洛可可艺术著称。该建筑群包含多个展厅，展示了18世纪的艺术品和历史文物，是了解法国18世纪艺术与历史的重要场所。 ‌ 建筑特色：苏俾斯府邸位于巴黎市中心，其洛可可风格装饰以曲线、贝壳纹样和莨苕叶纹为主，营造出轻盈、繁复的视觉效果。建筑内部设有“冬之厅”与“夏之厅”，通过镜子、绘画和灰泥浅浮雕等元素，构建出如梦似幻的奇幻氛围。 ‌ 历史背景：该府邸曾是法国王室成员的居所，后作为博物馆展示18世纪艺术与历史文物。其装饰风格反映了路易十五时期的审美趣味，成为欧洲洛可可艺术的典型案例。 ‌ 目前该府邸为国家档案馆的一部分，主要展示18世纪的艺术品和历史档案，部分区域仍保留原始装饰风格。 ‌ 这座座建筑其独特魅力在于公主沙龙。💫🎨 公主沙龙是建筑师Germain Boffrand与画家Charles Natoire的精心创作,装饰板上绘有普赛克神话故事…… ［巴黎苏俾斯府邸公主沙龙（图为音乐沙龙）］ 　　法国的洛可可的建筑外表一般都还是比较严肃的古典主义，他们发展的洛可可风格大多在于室内装饰和家居。 上层客厅整个椭圆形房间的壁面被八个高大的拱门所划分，其中四个是窗，一个是入口，另外三个拱相应做成镜子装饰。 ［《蓬帕杜夫人》洛可可风格的肖像画传奇］（德国慕尼黑古代美术馆藏） 蓬帕杜夫人肖像的创作背景：这幅肖像画由弗朗索瓦·布歇创作于1756年，正值他52岁的高峰期。布歇以其独特的洛可可风格，将后文艺复兴时期的艺术魅力展现得淋漓尽致。 人物故事：蓬帕杜夫人，原名让娜•安托瓦内特•普瓦松，是路易王朝的第一美人，同时也是一位才女。她曾是路易十五的情人，后来成为国王的私人秘书，并被封为蓬帕杜尔侯爵夫人。布歇在进入路易十五的宫廷后，被指定为蓬巴杜夫人的绘画教师，这幅肖像画便是他为其精心绘制的一幅杰作。 艺术表现：这幅油画作品尺寸为164x212cm，以帆布为材质，现收藏于老绘画陈列馆。布歇在画中生动地描绘了蓬巴杜夫人的形象，她珠光宝气，雍容华贵，高傲而又不失聪明美丽，杜重中隐含妖媚。蓝绿色调，表现了贵族夫人的高雅。布歇运用极细腻的笔法精微刻画衣着配饰的质量，浮华的饰物被画得仿佛有触摸到的真实感一样。肖像画给人留下深刻的印象，仿佛将这位显赫一时的夫人带回了现实。可以这么说，就装饰造型技巧而论，布歇是大师级的。 艺术价值：这幅作品不仅是布歇艺术生涯中的一大亮点，也是对洛可可风格的一次精彩诠释。通过这幅画，我们可以窥见当时上层社会的奢华生活与艺术审美。 蓬帕杜夫人这幅广为人知的肖像大概是对这一时期贵族女性服装最好的诠释。前开的法式女裙下露出大面积相同材质的外衬裙。衬裙与外袍饰有扇形边的宽褶与藤蔓一般缠绕的花边皱褶，其上点缀着丝绸制的粉色玫瑰。前胸插片上是层层而下的粉色丝带蝴蝶结，与颈间和袖口装点的蝴蝶结遥相呼应。 ［《蓬帕杜夫人》］作者弗朗索瓦• 布歇。1759年英国伦敦华莱士收藏馆藏。 蓬帕杜夫人（法语：Madame de Pompadour，1721年12月29日—1764年4月15日），又译蓬巴杜夫人，全名让娜-安托瓦妮特·普瓦松，蓬帕杜女侯爵（Jeanne-Antoinette Poisson, Marquise de Pompadour），法国国王路易十五的著名王室情妇、社交名媛。是一个引起争议的历史人物，她曾经是一位拥有铁腕的女强人，凭借自己的才色，蓬帕杜夫人影响到路易十五的统治和法国的艺术。与其弟共同规划路易十五广场（现协和广场）等许多宫廷建筑。 她对各类工匠以及百科全书派的大多数作家均予庇护，提拔蒂安·弗朗索瓦·德·舒瓦瑟尔公爵为大臣。最后因为她的怂恿，路易十五与奥地利哈布斯堡家族结盟 , 反对德意志的新教诸侯，参加对普鲁士的战争。历时七年的战争最后惨败，路易十五由此成为法国最不得人心的国王之一。不过对于蓬帕杜夫人自身来说，对艺术的贡献足以让她流香千古了。七年战争失败后，她染上肺结核死去。 蓬帕杜夫人自己主演和导演了62部歌剧、戏剧 , 演出了122 场芭蕾舞剧，推动了法国歌剧的发展。她还设计了蓬帕杜发型，男性将前面的头发向前梳起 , 女性则是在前额留下一缕卷发。 ［蓬帕杜夫人］ Maurice-Quentin de La Tour (1704-1788). Madame de Pompadour, 1749-1755。 ［蓬帕杜夫人］ ［蓬帕杜夫人］ ［巴洛克风格与洛可可风格服装的区别］ 巴洛克可参考电影《温莎情史》，洛可可可参考电影《绝代艳后》。也有书籍《巴洛克与洛可可》作者：（美）米奈 路易十四時期是巴洛克风格最盛行时期，流行华丽的大团花装饰和果实图案。路易十五则图案较小。至路易十六已经进入洛可可时期，时兴小碎花。 巴洛克服裝分为荷兰风格时期和法国风格时期。1650后，法国风格开始兴起，是十七世紀的欧洲艺术上最重要的风格，主要表现在大量的缎带，大量的蕾丝的使用。 ［洛可可时期的女装和帽子］ ［法国国王路易十五］ 路易十五（法语：Louis XV，1710年2月15日—1774年5月10日），法国波旁王朝第四任国王（1715年—1774年在位）。太阳王路易十四曾孙，勃艮第公爵路易之子。被称作“宠儿路易”（法语：''le Bien-Aimé''，英语：“Louis the Beloved”） 他神奇地延续着整个濒死的家庭，执政的早期受到法国人民的喜爱。但他无力改革法国君主制和他在欧洲的绥靖政策使他失去了人民的支持。他死后成为了法国的最不得人心的国王之一。路易十五执政后期，宫廷生活糜烂，路易十四时期的经济问题也没有得到很好的解决。虽然小时候大难不死，逃过一劫，但他最终还是没能逃过疾病的折磨，1774年死于天花。 洛可可是在路易十五时期（1715~1774）风靡法国，蓬帕杜夫人号称当时的法国第一美女，当了路易十五20年的情妇，洛可可艺术没有她的大力发展是不会有那么辉煌成就的。 ［路易十五的服饰］ ［路易十五］ ［幼年和童年时期路易十五的服饰］ ［路易十六］ 路易十六（法语：Louis XVI，1754年8月23日—1793年1月21日），原名路易·奥古斯特，法国波旁王朝第五任国王（1774年—1792年在位），也是波旁王朝复辟前最后一任国王，法国历史上唯一被执行死刑的国王，也是欧洲历史中第二位被执行死刑的国王。他是路易十五之孙，王太子路易·斐迪南第三子，路易十八和查理十世的同母兄。 欧洲历史中被处死的国王一共有三位：查理一世（英国，1649年在英国内战后被处死）、路易十六（1793年在法国大革命中被处死）、尼古拉二世（俄罗斯帝国，1918年被苏俄政府枪决）。他们都是在由封建社会到现代社会的过渡时的社会革命中被处决的， ［路易十六的服饰］ ［路易十六］作者弗朗索瓦• 布歇。 ［洛可可时期的男士服装风格演变］ 如果说17世纪的巴洛克风服装风格是以男性为中心，以路易十四的宫廷为舞台展开的奇特装束，那么18世纪（1715～1789）的洛可可风服装则是以女性为中心，以沙龙为舞台展开的优雅样式。 1778年路易十六的玛丽皇后把罗茨贝尔坦作为自己的专属服装设计师，封为“流行大臣”，罗茨小姐也被后世认为是近代女装设计师的始祖。各种新的服装杂志陆续出版发行，逐渐取代了过去的“潘多拉”盒子。这个时代法国是欧美的流行文化中心。 历史的趋势是，男装和女装越来越分化发展，洛可可时期的男装有什么发展变化呢？17世纪形成的男子三件套装到18世纪在款式造型上逐渐向近代的男装西服发展。男士正装俗称“阿比”，是一种前开襟的外套，有小立领或无领，收腰，下摆向外张，呈波浪状，甚至为了让臀部向外张，在衣摆里面加进马尾衬和硬麻布或插入鲸须。从后背看似乎是女士的大裙摆（启下）。 　　（𠄘上）衣长在膝盖左右，后中缝和两侧缝在下摆都有开缝，前门襟仍有一排扣子，其材料、大小、造型以及图案多种多样，扣子甚至采用贵重的宝石，扣子纯粹是一种装饰，人们一般敞着不扣或者仅扣3～4粒，至于扣哪几粒，每年的流行都不一样。口袋的位置也经常变动，时而升高靠近腰围线，时而又降低移向下摆。袖口的开口有时候很大直到肘窝，有时候又很小，在手腕处用华丽的扣子固定。 1715年后，阿比的用料和色调流行柔和浅色的缎子，门襟上的金緶子装饰也省略了，因此穿在里面的无袖背心就装饰得豪华起来，用料有织锦、丝绸及毛织物，绣有金丝，衣长一般比阿比短两英寸左右。男子还有一个重要的内衣即衬衣，领子为小立领或小翻领，门襟袖口都装有蕾丝或细布飞边褶皱。1730年，时髦的年轻男人开始使用军人的宽领饰“斯特克”，用加厚硬衬做成的颈饰，显得庄重又硬朗，男子气十足。男士们还把他们的假发发髻黑缎子袋上的黑色蝴蝶结拿来系在“斯特克”上面，显得优雅贵气。 男子下半身到膝盖的裤子“克尤罗特”采用斜丝剪裁，做得十分紧身，性感十足，紧得连腿部臀部的肌肉都清晰可见，因此不用腰带和吊裤带。据说，俄罗斯的亚历山大一世曾经担心这样紧的裤子会裂开而不敢坐下，罗马教皇觉得有伤风化，曾试图禁止这种款式。18世纪初，人们多用黑色天鹅绒制作，1715年后，人们偏好亮色缎子，裤口用3～4粒扣子固定，白色长筒袜仍然是表现腿部线条的重要衣物（启下） 　　（承上）1760年，由于英国进入产业革命时期，男子上衣开始去掉多余的量，衣摆不再扩张，直接向下，腰身不再紧束，有立领或者翻领，袖子简化，曾经的翻折部分消失了，但固定的扣子被保留，用料初用印花丝绸，后来用英国的毛料，人们称呼这种上衣叫“夫拉克”，现代毛料西服的雏形已经成型。原先华丽的“拉比”成为了礼服，背心也大大变得朴素，出现了现代西式背心的前身“基莱” 。 此时，“夫拉克” “基莱” “克尤罗特”男子的三件套一直沿用到19世纪。这也是现代男士正装的雏形。现代男士西服外套缩短，背心更加简洁短小，裤子加长过膝下至脚面。都是从历史演变而来。 ［洛可可时期男女所戴的帽子］ ［洛可可时代的文学］ 洛可可艺术文学以其独特的风格和魅力，尤其在文学领域中展现出别样的风采。这个时期的文学作品倾向于采用轻松的文体，专注于深入描绘人们的情感，特别是爱情的吸引力。作家们常常通过创新的技巧，如对现实世界的夸张或镜像描绘，来展现生活的多面和复杂。例如伏尔泰的《小大人》和勒萨日的《吉尔·布拉斯》，这两部作品就运用了这种手法，让读者在阅读中感受到爱情的甜蜜和人生的哲理。 洛可可文学的作家们热衷于创作游记式的叙事，让主人公在旅行的历程中不断学习人生和成长，通过亲身体验来揭示世界和了解的多元面貌。他们的作品旨在激发读者的感官和思考，通过看似离奇的故事情节，巧妙地引入反讽，挑战既定的观念和秩序。这种反传统的方式，旨在打破常规，提倡一种追求自然、理性、和谐的新世界理念。 总的来说，洛可可艺术文学以其生动、富有情感和反叛精神的内容，为读者提供了一种全新的阅读体验，它不仅是情感的流露，也是思想的火花，引领着人们探索和质疑已知的世界，寻找更深层次的真理和美。 洛可可文学产生了强烈刺激人们感官和心智的效果，刻意描写与现实相悖的事物，以反讽手法引入革新观念，打破现存秩序和规范，追求自然、理性、平衡的新世界。 ［伏尔泰和他的《小大人》］ 《小大人》的作者是法国启蒙运动领袖伏尔泰，他提倡“天赋人权”，用他的笔和思想来启迪民智，影响深远。本书也是科幻文学的早期范本，其中涉及了宇宙学、星际穿越、万有引力、数学、哲学等思想的碰撞，还有音乐学、历史学、地理学等等丰富的内涵，在文学史上有独特的地位。伏尔泰是法国启蒙时代的思想家，雨果对他的评价是 “说到伏尔泰，他标志着整个十八世纪。” 伏尔泰的《小大人》通过来自天狼星的“小大人先生”和他的朋友“土星人”的星际旅行见闻，用优美的文笔将哲学通俗易懂的表达出来，引领读者去思考是另一种启蒙。 全书分为7部分，包括小大人的来历和他遇到的土星朋友，以及他们到了地球的见闻。“小大人”是什么样子的呢？他的名字适用于所有的大人物，身材高大，看地球人就像是在看小小的原子，他很睿智，超过了我们的聪明人欧几里得和帕斯卡.... 在被放逐开始的星际旅行中遇到了土星朋友，小大人总在提问题，总有自己独特的一面：“不，自然界就是自然界。为什么要用这个那个来比呢？”“我不要人家讨我喜欢，我要人家增长我的知识。”。当他们来到地球，接触了小小的人类，发现了人类的某些荒谬与渺小也看到他们中有的理性和自由。临别之际，小大人答应为地球人写一部精彩的哲学书，在那部书里，他们可以看到万物的终极.... 　　《小大人》还有精美的法式风格插图，在充满了想象力的阅读氛围感受不一样的乐趣。小大人的故事中有哲学意味，让我们在阅读中不断思考，那些自认为伟大的行为是不是换个角度会很渺小呢？ 《小大人》在分级阅读中是第四级的作品，助力孩子在阅读中能够，“读懂经典，触类旁通，深度思考世界”，大作家写给孩子系列，值得一追，它浓缩了先贤的智慧，启迪孩子无限的未来。 ［法国作家阿兰--列内·勒萨日］ "阿兰·勒内·勒萨日(Alain Rene Lesage 1668—1747)是法国十八世纪初期的重要作家，出生于公证人家庭, 14岁成为孤儿, 在耶稣会学校受教育, 在巴黎学过法律, 参加文艺沙龙活动。译过西班牙小说，从翻译走向创作。勒萨日在《吉尔·布拉斯》里写出了封建制度瓦解、资本主义关系上升时期的法国社会生活的特征。勒萨日认为吉尔·布拉斯和那些当权者一起强取豪夺，只是暂时的事，他成功后还会过诚实的生活。勒萨日谴责封建阶级的等级偏见，但他肯定吉尔·布拉斯的利己主义人生观。" 吉尔·布拉斯出身低微，只学了一点基本文化，但他聪明机灵，勤奋肯干，善于随机应变。为了冲破封建社会的种种障碍，他学会了混世的本领，侍侯了一个又一个主人，终于爬上首相秘书的位子，最后被封爵成为乡绅。作家通过吉尔·布拉斯的形象，力图说明在充满等级偏见的封建社会中，一个人如果出身低微，即使有本领也不会受到重视，只能处在社会最底层。在勒萨日笔下，吉尔·布拉斯是封建等级社会中的小人物，其内心深处是善良的，他想做，也确实做过好事，但得不到期望中的好报，他想说，也确实说过实话，但得到的却是打击报复，然而当他阿附权贵干出种种无耻勾当时，社会地位却逐步提高。勒萨日认为，吉尔·布拉斯充满利己主义，同骗子合伙也好，还是同当权者一起强取豪夺也好，都是出于一时无奈，罪恶根源在于腐朽没落的封建社会。小说第三部分描述吉尔·布拉斯获得成功，他有了相当的社会地位后恢复了诚实的本性，成为一个关心他人疾苦的善良人，反映了作家对如何做人的一种希望。 勒萨日谴责封建阶级的等级偏见，但他肯定吉尔·布拉斯的利己主义人生观。在他看来，吉尔·布拉斯走上骗子的道路，应该负责的是封建社会，而不是他自己。作者在小说中还塑造了首相赖玛公爵的形象，揭露封建官僚机构的贪赃枉法。但他对贵族仍存有幻想，把奥利法瑞斯伯爵刻画成一个关心国家利益的贤明首相。 ［小说结构］ 《吉尔·布拉斯》是法国作家阿兰--列内·勒萨日的长篇小说。 《吉尔·布拉斯》的结构形式同西班牙流浪汉小说及十七世纪法国“世俗现实主义小说”有相似之处。它在叙述主人公的冒险生活的同时，穿插一连串的故事，这些故事之间往往缺乏有机的联系。勒萨日塑造了吉尔·布拉斯这一鲜明的人物形象，描绘了一个具体的历史环境，提出一些颇有现实意义的社会问题。他丰富了西欧现实主义小说的创作方法，并且在揭露封建社会方面具有启蒙文学的一些特征。 勒萨日在《吉尔·布拉斯》里写出了封建制度瓦解、资本主义关系上升时期的法国社会生活的特征。金钱统治一切，破坏了人与人之间应有的关系。这个社会是自私自利的黑暗王国，从上到下，人人都为私利打算，设法升官发财，做狡黠者中的最狡黠者。 ［各种版本的《吉尔·布拉斯》］ ［油画《吉尔·布拉斯》中的琵琶］ ［油画《吉尔·布拉斯》中的琵琶］ ［绘画上的巴洛克和洛可可风格的区别］ ［时代的区别 ］巴洛克绘画主要流行于17世纪，而洛可可则是18世纪。巴洛克实质上是文艺复兴后的一次艺术进步。而洛可可则是在巴洛克之后。 ［ 风格的区别］巴洛克画家的典型代表是鲁本斯、伦勃朗、委拉斯蓋茲、凡·戴克、贝尼尼和卡拉瓦乔等。他们的画作人体动势生动大胆，色彩明快，强调光影对比变化，富有戏剧性，宗教题材气息浓厚，比文艺复兴时代画家还要更强调人文意识。这个时期的艺术既有宗教特色又有享乐主义的色彩，极力强调运动，关注作品的空间感和立体感，强调艺术形式的综合手段，例如在建筑上重视建筑与雕刻、绘画的综合。也吸收了文学、戏剧、音乐等领域里的一些因素和想象，大多数巴洛克的艺术家有远离生活和时代的倾向，在一些天顶画中，人的形象变得微不足道。 ［色彩的区别］在色彩上，为了构成柔媚顺和，洛可可风格的建筑喜用娇嫩的色彩，如白色、金色、粉红色、嫩绿色、淡黄色。线脚多用金色，天花板常涂上天蓝色，常画上飘浮的白云。 ［内容的区别］洛可可风格画中人不再是神、圣人或骑士，而是宫廷的朝臣、贵族等，描述上流社会男女享乐生活，颜色细致、淡雅，人物纤细。一些画像体现当时的美学开始脱离宗教、国家等思想方向；不再表现人物的端庄神圣，开始表现得有点不纯洁和不道德。洛可可的风景画是田园诗式的，多数描写贵族男男女女在悠闲地游山玩水。主要代表画家是华托、布歇、法戈納等。 ［活可可绘画的历史背景 18世纪的欧洲，处在文艺复兴与19世纪这两个艺术繁荣高峰之间的“发展期”。无论政治、经济还是艺术，发展都相对平缓。虽然巴洛克艺术在17世纪风光无限，但进入18世纪后，由于失去赖以生存的宗教环境，便逐渐衰落了下去。而法国绘画却日渐繁荣，逐渐取代了意大利绘画的“霸主”地位成为了时髦的主宰。随着作为思想解放运动的启蒙运动的大爆发，国王不再是艺术的唯一赞助人，新兴资产阶级随着资本主义的发展，逐渐上升为主要阶层，而贵族阶层却走向堕落与颓废。 法国的政治日趋腐败，贵族只知及时行乐。在法国路易十五当政期间，诞生了一种新的艺术风格—“洛可可”，其特点是奢华、精致、富于装饰性，反映的是上流贵族的审美理想和趣味，它传神地展现了法国宫廷的轻快优雅，有一种女性特有的柔美、纤巧之感，充满了脂粉气和享乐主义倾向。 尽管此时法国的君主专制政体已经失去昔日的辉煌，但多年的物质财富和传统累积所导致的思想和文化艺术仍然极为活跃。王公贵族们虽日益腐朽、日趋堕落，但他们的审美趣味却对西方美术有着强大的影响力。各种物质和精神的进步，使得法国这个本来就具有优雅和轻佻的民族性格更加突出，追求享受已成为时髦∶要更舒适的住宅，要更典雅的环境，要更实用的家具，更美观的装潢，更合体的服装，更可口的菜肴，艺术品不再是为宫廷、教堂所专有，终于在法国也进入了寻常百姓家。在这种影响下，法国发展出洛可可艺术风格很快在欧洲风靡开来，至此，欧洲艺术中心从意大利罗马转移到了法国巴黎。直至今天，巴黎至今仍是世界时髦风尚的中心。 ［洛可可的美术风格］ 洛可可作为一种惹人注目的宫廷绘画风格迎合了那些崇尚典雅奢华的贵族资助者，将巴洛克艺术的宫廷因素推向极端，并在此基础上更趋于装饰性与豪华感。洛可可风格涉及到从建筑形式的内外装饰到绘画、雕刻，以及家具、陶瓷、染织、服装等各个方面，它们去除了以往的仪式性与宗教性，以轻快、奔放、易亲近和日常性取代了王权思想与宗教信仰的气息，体现出纤细、轻盈、华丽、精致的总体特征。这种刻意追求轻盈、纤巧的风格和视觉快感，强调精美柔软的气氛，很容易招人喜欢的。于是，宏大的建筑空间逐渐被小巧诱人的闺房与私宅所代替，晶莹的水晶枝形吊灯、纤巧的家具、清淡娇艳的色彩、盘旋的曲线纹样装饰和落地大窗，温柔甜腻的绘画，各种因素综合在一起，创造出优雅迷人的总体效果。洛可可风格不仅仅局限于美术，而且代表了一种讲究艺术品位的、无目的性的、属于贵族的享乐文化。 图为《天里的田园牧歌》，作者 布歇。 ［对洛可可绘画风格的评价］ 在某种程度上来说，洛可可风格反映了社会文明的极致，然而这种风格却也短暂到了极致。洛可可风格有排斥和贬低精神内容的倾向，虽然不免浮华做作，缺乏神圣的力量和深刻思想，但在摆脱宗教束缚、使艺术转向反映现实生活方面迈进了一大步，并在美术形式、手法、技巧等方面有重要贡献。由于这种样式尤其得到国王的情妇蓬巴杜的有力支持与赞助，洛可可风格也被称为“蓬巴杜风格”。 洛可可艺术在绘画上脱离了学院派的束缚和规范，打破了艺术上的对称、均衡、朴实的规律，追求自由与享乐。在形式上表现为浮华造作，色彩艳丽轻浮，题材上轻松活泼，偏重谈情说爱、卖弄风情的主题，洛可可艺术是法国财富和权势相结合的必然产物。尽管这种艺术风格浮华做作，缺少精神内容和深刻性的思想性，但在反映现实生活方面却向前大大迈进了一步，从而对19 世纪的浪漫主义美术及印象主义美术产生了重要影响。洛可可艺术盛行之后也遭到了强烈的抨击，在启蒙主义文化的影响下，艺术逐渐从美化转向再现实生活，从矫揉造作转向具有道德寓意的理性描述，回归自然成了新的追求，风俗画、静物画大量出现，代替了历史画和装饰画，开始注重表现普通市民的日常生活和自然、亲切、朴实的审美情趣。 ［洛可可绘画三杰之一：弗朗索瓦·布歇自画像］ 弗朗索瓦•布歇（Francois Boucher，1703 - 1770年），18世纪的法国画家，以洛可可风格的细腻与优雅著称。他曾在路易十五的宫廷中担任首席画师，作品种类丰富，数量众多，将洛可可时期的精致与浮华表现得淋漓尽致。布歇的画作多以神话和田园诗为题材，尤其擅长装饰画。 布歇是一位将洛可可风格发挥到极致的画家。1723年，年仅20岁的布歇就获得了罗马皇家学院展览会一等奖。此后，布歇在意大利留学4年多，回到巴黎后声名大震，备受路易十五情人蓬帕杜夫人所赏识，并得到其资助。布歇为她画了一些肖像画，并为她设计服装和装饰品，也正因如此他与蓬帕杜夫人一起被誉为“洛可可的双翼”，布歇所作的设计都成为当时宫廷贵妇人所追逐的时尚。 布歇的作品主要是迎合当时上流社会的需要，多以神话和寓言为题材，描绘上层社会所喜欢的裸女，表现女性的娇艳、柔媚和肉感，色彩明亮华丽，擅长用巴洛克技巧来营造精巧的构图，但将巴洛克有力的曲线转化为阿拉伯花饰的组合，线条优美，显示出丰富的想象力和不同凡响的艺术创造力。代表作品有《浴后的狄安娜》《被迷住的丘比特》《金发宫女》《梳妆的维纳斯》《牧歌》等，这些作品完整的诠释了他对人体标准美的看法。 ［出浴的《狄安娜》］ 该图描绘的是狄安娜狩猎回来，刚刚洗完澡，和侍女在山坡上休息时的情景。狄安娜坐在华贵的丝绸之上，头上戴着银色的月牙，她把脚尖搭在仕女的腿上，仕女的全部目光都集中在她的脚尖上。在画面中，狄安娜和她的女伴被描画成两个娇艳的裸女，正沉浸在自我欣赏的醉意之中。画面本身的神话意味已荡然无存，狄安娜和她的女伴就像两个刚从鸭绒枕衾里爬起来的娇滴滴的贵妇，尤其是狄安娜那纤小的手足、柔嫩的肌肤和她手中拿着的珍珠项链，更充分显示了宫廷贵妇的特征。 《狄安娜出浴》取材于古希腊、古罗马神话，主要描绘的是月亮和狩猎女神狄安娜。作品再现了古罗马诗人奥维德《变形记》中的情节，猎手阿克泰翁因无意中窥视了出浴后的狄安娜而被后者予以严惩。狄安娜是希腊神话中的阿尔忒弥斯，是宙斯与勒托的女儿、阿波罗的孪生妹妹，同时具有月神和猎神的双重身份。相传狄安娜非常残忍，猎人阿克泰翁因偷看她洗浴而被她变成一头鹿，并被他自己的猎豹撕成了碎块。 过去的绘画与雕刻中，狄安娜常被画成一个类似男孩的矫健少女，但布歇只不过借用古希腊神话题材，描绘皇宫中美丽的裸体女性，以迎合王公贵族们的欣赏口味。《狄安娜出浴》是以裸体女性为主的神话题材的油画，委托的贵族们要求尽可能画得甜腻，带有肉欲的诱惑力，这显示了没落贵族追求糜烂的享乐生活的一面。《狄安娜出浴》的主题表面上来自于古希腊、古罗马的神话，但该画实际上是在赞美妇的裸体。 在画面中，远处是雾霭朦胧的背景，它显然与现实的自然状况不相符，画家这样处理可能是想将柔美明亮的裸体完美地呈现出来。因为狄安娜是狩猎女神，因此，画家特意在画面的右下角放着打猎带回来的猎物，分别是两只鸽子和一只兔子。鸽子是爱与美之神维纳斯的象征，同时也象征了肉欲，放在此处则暗示着纯洁战胜欲望。 左边的浅水旁放着箭袋，在它旁边的稍高处，是跟随女神的两只猎狗，其中的一只正在喝水，另一只似乎发现了什么，警觉地抬起头看。中央部分是女神和她的随从，此时女神正洗浴完毕，非常悠闲地坐在柔软的布料上。狄安娜小巧而美丽的脸部正向着地面，仿佛陷入了沉思。她头上装饰着象征其身份的弯月，珍珠和缎带编人她的头发中，卷发和缎带垂落在脖子处，放在腰间的手上拿着的一串珍珠令她的裸体更加突出。 ［维纳斯和丘比特］ 法国弗朗索瓦·布歇(François Boucher) 作于1740-1743。尺寸：93.4cm × 162.5cm。 ［金发宫女传奇］ 弗朗索瓦·布歇于1752年创作的布面油画美人奥然菲小姐，尺寸为59cm x 73cm，现藏于慕尼黑的巴伐利亚国家绘画收藏馆老绘画陈列馆。 金发宫女奥默菲小姐，本名玛丽·路易斯，其父亲是一位爱尔兰士兵，后来在鲁昂成为了一名鞋匠。她自幼在巴黎接受教育，并在14岁时迎来了人生的转折点。1752年，她有幸成为了洛可可画家弗朗索娃·布歇的模特，为布歇创作了两幅裸体油画，这两幅作品至今仍广受赞誉。 布歇为奥默菲小姐精心绘制的两幅肖像画作，引人驻足欣赏。画中的柔软枕头和精美纺织品更是为整幅画面增添了几分柔美与细腻。据传，卡萨诺瓦在回忆录中曾盛赞这两幅画作，他写道：“这位技艺高超的艺术家，将奥默菲小姐的腿部线条描绘得如此令人心驰神往，仿佛世间再难寻觅比这更为动人的景致。” 弗朗索瓦·布歇精心创作，描绘的这位金发宫女，优雅而宁静的姿态。她悠然地躺在金色丝绒长沙发上，双腿微微张开，粉色和银色丝绸的环绕下，女子的皮肤显得细腻柔滑，如同剥壳的荔枝。整个画面仿佛被玫瑰金色的光芒所笼罩，营造出一种温暖而迷人的氛围。 时年42岁的法国国王路易十五，在观赏了弗朗索瓦·布歇所绘制的金发宫女肖像画后，内心激荡不已。他渴望亲眼目睹那画中少女的真容，于是坚持要求与模特儿相见。由此，他有机会结识了这位如花似玉的少女。路易十五，这位1710年至1774年的法国国王，与金发宫女肖像画的模特儿奥默菲小姐结识后，便深陷爱河。不久，这位年仅16岁的少女便为他诞下了一名私生女，路易十五对她们母女宠爱至极。 然而，在奥墨菲小姐深受路易十五宠爱并诞下私生女后，她却犯了一个许多情妇都曾犯过的错误。在1754年左右，这位得宠的奥默菲小姐试图排挤国王正式的情妇，也是他最钟爱的情人——蓬巴杜夫人。她显然低估了形势的复杂性。在这场权力斗争中，她最终败下阵来，失去了路易十五的宠爱，并被逐出宫廷。尽管后来她嫁给了一位伯爵，并在贵族圈中找到了更多的情人，但她与国王的缘分却已彻底断绝。她生下了众多孩子，其中一位甚至成为了一位献身革命的共和主义者，因其卓越贡献而荣获将军军衔。 在这幅画像中，奥默菲小姐展现了她惊人的美貌，即使岁月已在她脸上留下痕迹，却依然无法掩盖她的风韵。她的“断头台发型”简洁而大方，象征着那个时代的独特风貌。大革命后的恐怖统治时期，无数人因政治原因被送上断头台，整个国家陷入白色恐怖之中。在这样的背景下，女性们纷纷效仿即将走上断头台的人们的容貌，用剪刀将自己的头发剪短，以避免因头发韧性导致刀片无法干净利落地划过脖子。同时，她们还会在脖子上系上红丝带或红色的珠串、项链等，以象征刀刃划过颈部时的致命一刻。奥默菲小姐的最后一任丈夫，一位年轻的法国国民工会的副部长，与她有着30岁的年龄差距。在法国大革命的动荡时期，奥墨菲小姐因与王室的过往关系而身陷囹圄。然而，在恐怖统治和多年的政治风波中，她却奇迹般地幸存下来。最终，奥默菲小姐在1814年离世，享年77岁。 ［《梳妆的维纳斯》］1746 布歇 98x130.5 cm 斯德哥尔摩国立美术馆收藏。 布歇就这个画题作过多幅变体画。这里的维纳斯就是用鲜花与丝绸锦缎包裹起来的贵妇。她矫揉造作，让侍候她的宫廷女侍为她梳妆。为了表明她是美的象征，画家又添画了丘比特小爱神。 布歇起初画了一幅《化妆》，但画家本人觉得未曲尽其意，于是在四年后，即于1746年，又完成了这一幅《梳妆的维纳斯》。在这幅画上，女人的肌肤被画得同她身上的缎子裙服一样光滑，就象是一个玩偶。就其俗气的一面来看，我国旧时月份牌画上的擦笔画大美人也不敢望其项背。此画作于1746年，画幅稍大一些。 布歇既绘制天顶画、装饰壁画，也作肖像，还画一些具有牧歌情调与风俗场景的风景画，同时又为皇家织造厂设计挂毯稿子，负责宫廷演剧的舞台布景和服装设计。他的那些以裸体女性为主的神话题材的油画，显示了没落贵族追求糜烂的享乐生活的一面。订画的贵族们要求尽可能画得甜腻，带有肉欲的诱惑力。他画的那些裸体女神，就象是用玫瑰色瓷土捏成的，肤色圆润光滑，毫无真实感。 哲学家狄德罗对这位画家进行过激烈的抨击。在他评论官方举办的沙龙展览会和《论绘画》等文章里曾写道: “他的女神的风韵是从德桑的媳妇(当时的名妓)学来的”，“我敢说，高雅、正直、真诚、朴素等观念，对他几乎已经是生疏了。” 据说这幅画是应瑞典驻巴黎的大使特森伯爵定购而作的。 ［《梦中的牧羊女》］ 这幅《梦中的牧羊女》便是布歇众多杰作中的一幅，展现了牧羊女在梦中与自然和谐共处的美好瞬间。画面中的女子静谧而优雅，与周围的自然风光相映成趣，构成了一幅动人的田园风光画。 ［《情书》］作者弗朗索瓦•布歇。 揭秘欧洲贵族妇人的奢靡生活。 ［《捕鸟者》］作者弗朗索瓦• 布歇。 ［《夏季的莊园》］作者弗朗索瓦• 布歇。 ［《北风之神劫持娥瑞提亚》］法 1769 弗朗索瓦·布歇。金贝尔艺术博物馆收藏。 ［伏尔甘给维纳斯看为埃涅阿斯打造的兵器］ 弗朗索瓦·布歇作于1757 年的布面油画。这幅画的题材来源于寓言故事。弗朗索瓦·布歇在画中通过独特的构图表现了维纳斯的丈夫火神伏尔甘为埃涅阿斯打制兵器后给维纳斯看。维纳斯在画家笔下是超时代的性解放人物，也表现出那个时代的文化及背景。 ［让·安托万·华托（1684-1721）］ 让·安东尼·华托（Antoine Watteau，1684～1721）是法国18世纪洛可可时期最重要、最有影响力的一位画家。华托曾在舞台美术家吉洛的工作室当助手，这使他对戏剧发生了浓厚的兴趣，他的绝大多数作品取材于戏剧。1708年，华托又师从装饰画家奥德朗三世，悉心研究了17世纪巴洛克绘画大师鲁本斯的色彩技巧，深受鲁本斯和其他17世纪荷兰画家的影响，使自己的艺术进入一个新时期。 在法国与比利时交界处的乡野间，一个朴素的手工业家庭里悄然绽放，如同田野间一朵未被尘世沾染的雏菊。他是18世纪法国洛可可艺术殿堂中最为璀璨夺目、影响深远的星辰之一，以其画笔轻拂，勾勒出一个又一个梦幻而又略带哀愁的画卷。 华托的代表作品还有《爱之园》《小丑》《热尔森画店》等。 ［安托万·让·华托的素描］ ［《西泰尔岛的巡礼》］1717 作者让·安东尼·华托。卢浮宫收藏。 1710年华托26岁时曾受喜剧《三姐妹》的启发，画过一幅《发舟西泰尔岛》的草图，7年后（ 1717年）完成的布面油画，属18世纪法国洛可可艺术代表作。作品以希腊神话中爱神与诗神游乐的西泰尔岛为背景，描绘贵族男女乘船寻觅理想爱情乐园的场景。前景人物以写实手法...。画中描绘了一群贵族男女，梦寐以求地幻想有一个无忧无虑的爱情乐园，而西泰尔岛正是希腊神话中爱神与诗神游乐的美丽小岛，于是华托就尽情描绘一群贵族男女结伴乘船前往西泰尔岛去寻求幸福。人物组合的各个细节很有生活情趣。画家以写实的前景和人物与抽象的虚无飘渺的远方景色，构成一幅世外桃园式的、只有欢乐与爱情共存的幻境。这里的构图是一个充满诱惑的景色，人物组合的情节与整个大自然都充满诗意，人们称华托是位诗人画家。由于这幅画的成功，他被法兰西艺术院接纳为院士，从此声望日隆。 华托在年轻时画运不济，加上他生性高傲，所以历经坎坷。25岁时为争取参加罗马大奖赛而名落孙山，贫病交加，走投无路，后来幸得巴黎画商西鲁瓦的帮助，始渐生活稳定，这时创作了《西泰尔岛的巡礼》，一举成名于巴黎画坛。 ［《小丑》］作者让-安托万·华托。 华托的画作常常带有浓厚的喜剧色彩，他创造了一种独特的、浓郁的哲理之爱，这种爱以背景为衬托，使得画面中的人物显得格外小巧。 华托还擅长描绘戏剧演员和纨绔子弟们的风花雪月生活，这些题材在他的画中得到了生动的展现。他的画面色调柔和，人物形象妩媚，被誉为“香艳体”。 华托的画作不仅在构图上独具匠心，而且在色彩运用和人物刻画上也达到了极高的艺术水准。他的每一幅画都是对洛可可艺术的精彩诠释。 　　［《意大利喜剧演员》］法 1720 让-安托万·华托华盛顿特区国家美术馆收藏。 画家所描绘的这位专门供人取乐的喜剧演员，身着白色丑角衣裤。画家没有表现他在舞台上的表演，而毕恭毕敬地立正在画面中央，像座顶天立地的纪念碑，周围是他的同行和贵族男女。环境像一个舞台，主持人拉开帷幕在向人们介绍这位喜剧演员，画家以横竖曲直线构成浮雕式的背景，统一在暗色调中借以突出前景人物形象。色彩配置讲究呼应和均衡，红色帷幕和前景人物红色衣着构成呼应；左右人物的黄色衣服对称均衡，白色居中，如同出污泥而不染的莲花，纯洁美好。 ［小伙伴们的音乐会］安托万·让·华托。 华托一生画了许多耽于享乐的贵族生活题材作品，大多描绘求爱、嬉戏和音乐歌舞等，再现了上流社会无聊的生活。但画家本人的生活并不愉快，自从登上法国画坛以后，逐渐体弱多病，曾赴伦敦休养，因病情日渐严重，回巴黎不久即去世，终年仅37岁。 ［《热尔森画店》］ 《热尔尚画店》是画家的最后一幅作品，而且尺幅巨大。它写实地描绘了华托的艺术商朋友热爱画店内的情形。原本此画要用来做招牌的。艺术史学者认为，这是画家笔下最富古典气息、构图最完美的作品。与此同时，这也是晚期的华托在写实与心理探询上的追求。 华托来到巴黎时走投无路，幸亏结识了画商西鲁瓦，才使他有个安身立命之地。华托成名之后，他就给这位患难相助的朋友、画商热尔森画了这幅《热尔森画店》作为店铺的装饰相赠，据说只画了一个星期就完成，轰动了当时的巴黎。 这是一幅华托风格的风俗画，试图描绘出人在日常生活中的位置。与以前的画不一样，这里的爱情的背景不再是那种有天使飞翔的花园，而是变成了巴黎的朋友的画店；社交用的音乐改为了买卖过程。正如有的艺术史学者所指出的那样，此画除了伦理意义外，什么也不缺。在某种意义上说，此画是艺术杰作，也是重要的“文献”，18世纪的艺术家感兴趣的装饰性(那些挂着的画大概是热尔尚从未经手过的，而且画面被一分为二、欺骗眼睛的写实性等尽在其中。人物不再穿那种化装舞会上的礼服，而是时髦的衣服，画家不仅引人入胜地画了衣服上的花边和柔滑的质感，而且也精心描绘了普通的亚麻服装，譬如那个在搬路易十四肖像画的男子的丑角风格的衬衣。所有的人物均无大小主次之别。画中从街上走进画店的少女仿佛要将观者的视线引入店内，她的伴侣风度十足地走前一步，好像是在跳小步舞曲。他们成为华托笔下最后的一对爱侣。店内陈列的有些画作(如右边的圆形画)中的爱情描绘自然是一种印证、强调和渲染。年轻的女店员为顾客展示一面镜子，可是男性们到底是在看镜子还是美丽的少女呢?同时，镜子中被映照的是一个目光哀怨的盛装女士的形象。画中尽管没有什么清晰的故事的线索，可是所有的人物却似乎并非只是为了艺术品而来。因而，越看这幅画，越会让人反思人的内心世界。无怪乎有研究者认定，华托的这幅画属于“心理写实主义”，从而完成了华托对鲁本斯的最后敬意和超越。可惜的是，艺术家英年早逝，这种追求未能再延伸和发展。画家使用一种最好的稠性颜料，色泽丰润，画中男女身着华丽衣裳，光泽耀眼，那是画家运用光色的高超技巧，由于明暗处理巧妙，使画面呈现空间真实感。 ［洛可可绘画三杰之一：让·奥诺雷·弗拉戈纳尔《自画像》］ 让· 奥诺雷·弗拉戈纳尔（Jean Honore Fragonard，1732 ～1806）在法国洛可可绘画发展中占有突出的地位。他出生于法国南部，早年师从夏尔丹和布歇，继承了洛可可绘画田园风俗画，20 岁获皇家美术学院的“罗马大奖”，1765年以历史画《克雷苏斯和卡莉洛厄》被接纳为皇家学院院士。他将意大利巴洛克的激情与鲁本斯、伦勃朗的高超技巧结合起来，在华托深沉优雅的牧歌场面和布歇形之于色的欢乐盛宴的基础上，转向贵族男女挑逗嬉戏乃至轻浮甜俗的境地。代表作有《浴女》《秋千》《偷吻》，以及组画《少女心中爱情的升华》。 弗拉戈纳尔的第一个绘画老师是夏尔丹，可是他极其不喜欢老师描绘平民家庭生活的平实风格，学了6个月后转而投奔布歇门下。布歇的画风使得弗拉戈纳尔如鱼得水，他把洛可可艺术推向极致，发展得更加轻松更加具有娱乐性。 弗拉戈纳尔天赋极高，可以在古典风格和洛可可风格之间随心切换。他20岁就考取罗马大奖（关于罗马大奖我曾提到过多次，它是由法国国王路易十四创立的。每年一共有四个名额，在法兰西美术学院的绘画、雕塑、建筑和戏剧专业中各挑一名最优秀者前往意大利学习古典艺术，住在著名的美第奇家族别墅中，所有的费用都由法国国王承担），33岁成为成为皇家美术院院士。弗拉戈纳尔专为皇室和贵族绘画，订单接到手软。直到1789年法国大革命爆发，新古典主义绘画顺应了革命风潮和时代气候，重新回归庄严和理性，成为绘画主流，而表现贵族风花雪月情色男女的洛可可艺术遭到唾弃。弗拉戈纳尔，这位不见容于革命时代的洛可可大师渐渐被人遗忘，晚年贫病交加，被迫搬离居住了20多年的卢浮宫，于1806年因脑溢血死于法国巴黎。 ［《秋千》］作者弗拉戈拉尔： 弗拉戈纳尔在法国洛可可绘画的发展中，让· 奥诺雷·弗拉戈纳尔（Jean Honore Fragonard，1732 ～1806）也占有突出的地位。他出生于法国南部，早年师从夏尔丹和布歇，继承了洛可可绘画田园风俗画，20 岁获皇家美术学院的“罗马大奖”，1765年以历史画《克雷苏斯和卡莉洛厄》被接纳为皇家学院院士。他将意大利巴洛克的激情与鲁本斯、伦勃朗的高超技巧结合起来，在华托深沉优雅的牧歌场面和布歇形之于色的欢乐盛宴的基础上，转向贵族男女挑逗嬉戏乃至轻浮甜俗的境地。代表作有《浴女》《秋千》《偷吻》，以及组画《少女心中爱情的升华》。 华托是摄政王时期的画家，布歇属于洛可可美术的盛期—路易十五和蓬帕杜夫人的时代，而弗拉戈纳尔则深受杜芭莉夫人的关照，是第三代洛可可画家。此时新古典主义思潮已悄然兴起，而曾经宏大而华丽的的洛可可艺术逐渐瓦解和颓废。 ［《幽会》（女主的眼神和手势：“有人！等会儿！”）］1771年弗拉戈纳尔。 ［《偷吻》］1787年弗拉戈纳尔。 与男友偷吻时，把女主人不知所措的神情表现得淋漓尽致。 ［《门闩》］1777年弗拉戈纳尔。 穿着睡衣的一对男女，他们是夫妻吗？No! 你猜对了，他们是在偷情！左边桌上的苹果暗示了一切，苹果是禁果啊。拉丁语苹果（mālum）和罪恶（mălum）长得很像哦。 ［《读书的少女》］ 天才的弗拉戈纳尔可以在任何画风和任何题材之间切换自如。其《读书的少女》，就一改洛可可的浮华甜腻情色之风，画面也再没有洛可可惯常的曲线和堆砌的琐碎饰品，而是用横平竖直的直线勾画出椅子的靠背和扶手，画面稳定大气。少女金黄色的衣服简洁朴实，专注的读书神情，显得格外娴静、纯洁、典雅、庄重，高贵而又富于青春活力。 画中的少女是弗拉戈纳尔妻子的妹妹，后来跟弗拉戈纳尔学画，也成了小有名气的画家。 ［《母亲的喜悦》］法 1752 让-奥诺雷·弗拉戈纳尔印第安纳波利斯艺术博物馆收藏。 　　［玛吉的崇拜］ 意大利乔凡尼·巴蒂斯塔·提埃坡罗创作于1753年，巴伐利亚国家绘画收藏。 　　［生蚝午宴］ 法国让·弗朗索瓦·代·特洛伊创作于1735年，尚蒂伊城堡收藏。 　　［爱的宣言］ 法国让·弗朗索瓦·代·特洛伊创作于1731年，柏林-勃兰登堡州普鲁士宫殿和花园基金会（无忧宫）收藏。 ［埃及艳后的宴会］ 意大利乔凡尼·巴蒂斯塔·提埃坡罗创作于（1743-1744）维多利亚国家美术馆收藏。 ［在舞会之前］ 法国让·弗朗索瓦·代·特洛伊创作于1735年，保罗·盖帝博物馆收藏。 ［《俄罗斯摇篮》］法 1764- 1765 让-巴蒂斯特·勒·普林斯保罗·盖帝博物馆收藏。 　　［《猎人和鹿》］ 意大利乔凡尼·巴蒂斯塔·提埃坡罗作于1718- 1730。卡里普洛基金会收藏。 　　［《马背上的猎人》］ 意大利乔凡尼·巴蒂斯塔·提埃坡罗作于1718-1730年，卡里普洛基金会收藏。 ［1740年小王子洛可可服饰］ ［洛可可时代的音乐］ 洛可可音乐是18世纪欧洲（主要为法国）形成的音乐风格，得名于同期建筑装饰艺术，原指贝壳工艺的繁复美感，常被视为巴洛克音乐的分支，而非独立流派。其核心特征为轻盈优雅的装饰性趣味，旋律精巧华丽，大量运用颤音、倚音等装饰技法，并以简洁和声与清晰。［洛可可音乐领域术语］ 洛可可音乐术语最初带有贬义，用于描述17-18世纪法国宫廷文化衍生的音乐现象，其风格随市民阶层兴起逐渐转向华丽风格，最终融入古典主义时期创作。作为巴洛克与古典主义间的过渡桥梁，其装饰性特质与建筑艺术存在跨领［洛可可音乐的属性］ 法国音乐的一种趣味、一种风格。洛可可音乐的代表：法国库普兰的键盘音乐。 ［洛可可音乐的发展］ 洛可可音乐的发展分为两阶段：第一阶段，1720-1730年，以“法式风格”为主，线条典雅繁复，其无比轻盈、典雅的阶段，线条繁杂、装饰富丽，一直延续到1730年左右，正确地应称为“法式风格”或称“路易十六风格”；第二阶段，1730-1760年，这一阶段转向夸张细节化，所反映的洛可可风格是呈现奇想、多变的特征。［洛可可音乐的作品］该风格以法国作曲家库普兰的键盘音乐（如《古钢琴曲集》）为代表，达坎、拉莫的歌剧创作亦体现类似特质。巴赫《勃兰登堡协奏曲》与亨德尔《弥赛亚》中也可见其影响。 音乐中的洛可可风格从未被严格地、细致详尽地描述过，评论家们对于多种多样的音乐现象都借用这一词，而其中多数用于17、18世纪的法国。作曲家库普兰写了许多室内乐作品，多趋于玲珑秀巧、装饰华丽，深受国王路易十四的欣赏和喜爱。其特点与当时的建筑式样、装璜艺术有相似之处，这些作品便是洛可可风格在音乐上的早期反映。法国的另外两位作曲家达坎和拉莫在许多音乐作品中也表现了这种华丽、优美的风格，并且迅速由法国流传到欧洲各国。在德国，亨德尔和巴赫等人的作品中也都受到一定程度的影响，如亨德尔的《弥赛亚》中的一些装饰细腻的复调手法，巴赫的《勃兰登堡协奏曲》中某些变化多端的片断、甚至在海顿和莫扎特的一些轻松作品中，也常流露出洛可可的痕迹。 ［洛可可的母亲］ ［《音乐课》］弗拉戈纳尔。 ［弹吉它的人］ ［洛可可时代的八音盒］ 洛可可风格的八音盒 —《诉衷情》。天工巧夺奈如何？炫美洛可可。西风几度东渐，吹动一池波。莺燕唱，圣诞歌，众音和。嵌珠镶玉，斗彩鎏金，仙乐多多。 所谓“八音盒”，是一个既形象而又极富色彩的定义。我国古代《三字经》记载：“匏土革，木石金。丝与竹，乃八音。” 机械的音乐盒，是18世纪欧洲皇室中流行的奢侈品，可以追溯到中世纪文艺复兴时期。 洛可可（Rococo），是18世纪遍及欧洲的一种艺术风格，具有轻快、精致、细腻、繁复等特点，反映出当时社会享乐、奢华以及爱欲交织的风气。 链接：哈尔滨博物馆的八音盒，有木柜型、圆盘形，圆筒形、鸟笼型等，造型新奇，精雕细琢，珐琅绚丽，充满洛可可的艺术特色。