卢浮宫一日游

新港家驹

卢浮宫是目前世界上参观人数最多的艺术博物馆，常年展出的艺术作品和考古文物大约有3.5万件，时间从古埃及跨越到19世中叶。近代艺术品（1850年以后）如莫奈、梵高的绘画于1986年移至到了塞纳河对岸的奥赛博物馆。

卢浮宫始建于1190年，最初是中世纪军事防御城堡。14世纪查理五世搬迁至此，成为了第一位住在卢浮宫内的国王。1546年的弗朗瓦索一世成为居住在卢浮宫的第二位国王，并对卢浮宫进行了改建，自此卢浮宫便正式成为了皇家宫殿，历代国王在此居住并扩建。法国大革命期间卢浮宫被改为博物馆对外开放。1989年法国大革命200周年之际，卢浮宫扩建工程由美籍华人建筑师贝聿铭先生操刀设计，修建了玻璃金字塔作为卢浮宫的主入口。

1985年，卢浮宫玻璃金字塔的设计方案一经推出，立即在社会上引发了激烈的争论，主流媒体纷纷加入了这场轰轰烈烈的舌战，大有剑拔弩张之势。人们担心，这项充满现代艺术气息的工程，会从根本上改变这座古老宫殿的面貌。孰不知，八个世纪以来，卢浮宫建筑经历了多少次翻天覆地的巨变！想当年，连位于中世纪城堡中心30米高的主塔都被连根拔起，拆除一净。在勒诺特尔园林设计中运用几何图案的启发下，贝聿铭先生选用透明度最高的玻璃，在卢浮宫古老建筑群的中心，建造了一座22米高的玻璃金字塔。这项设计起初引来骂名滚滚，而今则被公认为当代建筑史上的一件杰作。金字塔使古老的卢浮宫焕发了新的活力，“它点亮了卢浮宫”而成为巴黎的重要城市地标。（照片来自网络）

你能想像卢浮宫最早是这样的中世纪军事防御城堡吗？

这是卢浮宫的平面图。它一共分为三个馆：德农馆（Denon Wing）、叙利馆（Sully Wing）和黎塞留馆（Richelieu Wing）。

如果你随意地在迷宫般的展厅中闲逛，不是无意间走入了全是意大利名画的大画廊，就是迈入了拱顶和墙壁华丽至极的阿波罗长廊、或者是一个存放着埃及狮身人面像的展厅。想要参观完博物馆内的所有198个展厅，需要花费三天以上的时间。而我们仅有一天，如何取舍呢？根据这个平面图，参考巴黎奥运会开幕式中的“卢浮宫一分钟”，我们的一日行程攻略大致如下：

1. 不可错过的卢浮宫三大名媛

2. 气势恢弘的女像柱厅

3. 意大利文艺复兴珍品 — 大画廊

4. 绘画中的法国历史史诗 — 红厅

5. 豪华的阿波罗长廊和奢侈的拿破仑三世套房

6. 阳光下的雕塑庭院 — 马利中庭

我们曾在大都会和大英博物馆领略过古埃及文明的博大精深。因时间原因，我们这次非常遗憾地割舍了整个古埃及文物馆，其展品占居了叙利馆整整两层。文物馆的创立者兼馆长商博良（J. Champollion) 是根据罗塔石碑成功破解古埃及象形文字的著名法国学者。

这是古埃及文物馆入口处的斯芬克斯狮身人面像。从这里开始，参观者便踏上古埃及之旅，探寻在近5000年漫长岁月中流传下来的6000余件珍宝，揭开古埃及文明的神秘面纱。希望以后有机会补上这个旅程。

1. 不可错过的卢浮宫三大名媛

《蒙娜丽莎》、《米洛的维纳斯》和《萨莫色雷斯岛的胜利女神》是卢浮宫的三大名媛，也是卢浮宫的三大镇馆之宝。就算你时间紧迫，你至少要计划好1到1.5个小时来专门拜访这三位名嫒，不可错过哦。

《蒙娜丽莎》(Mona Lisa), 德农馆1层，711号展厅（议政厅）

《蒙娜丽莎》是史上最著名的画作。达芬奇对这幅作品独有钟情，这幅画始终被他带在身边。《蒙娜丽莎》一到卢浮宫，就像一颗宝石一样闪耀着熠熠光彩。这幅画因其卓越的画质、著名的神秘微笑、背景中梦幻般的风景、 “晕涂法” 云飘雾绕的效果而吸引着世界的目光。人们对《蒙娜丽莎》的迷恋使她几经波折，而她的明星地位则因此愈加显赫。1911年，意大利工匠将《蒙娜丽莎》从卢浮宫中盗走，这一偷盗事件引起世界一片哗然！

几个世纪以来，蒙娜丽莎那著名的神秘微笑一直令人一唱三叹，流连不已。她最早的崇拜者是法国国王弗朗索瓦一世。1518年，国王把达芬奇请入法国宫廷，并从大师的手中买下了这幅画。就这样，世界上最著名的肖像作品被收藏于法国王室。自十八世纪末法国大革命以来，它一直在卢浮宫展出。

自2005年起，在卢浮宫最大的展厅议政厅中央，为单独陈列《蒙娜丽莎》而专门设计了一面展墙。这幅画不是画在画布上，而是画在用杨木制作的木板上。久而久之，木板上出现了一条条裂纹。出于保护作品安全和避免变质老化的需要，画作被放在一个透明的安全保护展柜中。为了避免画板继续因环境因素而受损，展柜内部的温度和湿度均被严格控制。

《蒙娜丽莎》可能是被分析得最细致的绘画。她用那传奇的微笑看着观众，她身后有一片秀美的自然风景，向远方延伸而去。达芬奇捕捉到蒙娜丽莎转向观众的那一刻，正是这种自然的体态，让画作有了生命的动感：无论你从正面哪个角度赏画，都会觉得蒙娜丽莎的眼睛直视着你，报以“永恒的微笑”。除了人物表现力外，达芬奇还运用了一个称作“晕涂法”（sfumato) 的高超绘画技法，薄薄的颜料一层层叠加起来，营造着柔化朦胧的轮廓，令人物栩栩如生，呼之欲出，打造了唯美迷人的效果。

据卢浮宫统计，大约80%的游客来这里是为了观看《蒙娜丽莎》，每天超过3万人。大家都费力挤到《蒙娜丽莎》肖像前打卡自拍，往往忽略了同在议政厅的威尼斯画派大师们的杰作。

1963年，美国第一夫人杰奎琳和法国文化部长马尔罗助成了《蒙娜丽莎》从罗浮宫到美国的借展。法国政府不允许这幅画飞机运输，因此它被放在一个专门设计的漂浮保护盒中，通过法国邮轮横渡大西洋，并在华盛顿国家美术馆和纽约大都会博物馆展览了52天。这是迄今为止最具胆魄和最为精心策划的艺术展览，而此画传奇般的美国之旅也攫住了全世界的想象力。展览恰逢美国历史上的关键时刻，成为了冷战高峰时期的一种重要的外交利器，发挥了极为独特的作用，为人们认识顶尖艺术杰作的文化能量提供了不可多得的特殊案例。

这次展览创造了很多的第一次：这是白宫首次为一场艺术展览承担官方担保；这是卢浮宫博物馆第一次将镇馆之宝借出法国；这是第一次也是唯一一次由美国总统亲自为艺术展览举行开幕仪式，同时发表演讲；这也是第一次通过贝尔实验室的“中继”卫星从美国向欧洲实况转播开幕式，使得蒙娜丽莎的微笑同时在两大洲闪现。

《 米洛的维纳斯》(Venus de Milo)，叙利馆0层，345号展厅。

她柔和的目光和摇曳的胯部是否足以让她卓尔不群、独具一格？尽管她的两支胳膊一直没能找到，但学者们从性感的身躯和引人联想的裸体判断，她就是爱神阿佛洛狄忒(Aphrodite), 也就是古罗马神话中的维纳斯。

为何同一个神会有两个不同的名字呢？罗马征服希腊后开始将希腊的文化艺术移植到本民族的文化中。古罗马原本的神话比较零碎，他们就直接把希腊神话拿来当自己的神话，把罗马原有的神的名字套在希腊诸神头上，这就造成了为什么同一个神在希腊神话和罗马神话中各有不同的名字。从这个意义上讲应该是希腊（文化）征服了罗马。

这座雕像出土于希腊的米洛岛。1820年，在这座小岛上，当地农民发现了这尊雕像的碎片。当时法国驻希腊大使里维埃侯爵得知后，立即买下并送到巴黎，作为礼物献给了法国国王路易十八，路易十八随后将其送入卢浮宫。1815年，拿破仑在滑铁卢战役中战败，签署了《维尔纳条约》。此条约规定，法国必须归还在征服期间夺取的约5000件作品，于是，卢浮宫渐渐变得空空如也。《米洛的维纳斯》的到来可谓天赐良机，备受青睐。

从那时起，作为古希腊雕塑的吉光片羽，这件杰作的魅力和神貌就一直吸引着人们。雕像从头、肩、腰、腿到足的曲线变化使人体以无比圣洁的姿态展现在人们眼前。虽然维纳斯雕像诞生已有2000多年，但当你站在她的面前，丝毫感觉不出她有“古董”的气息。她是那么优美，又是那么现代，微微倾斜的身体静静地矗立在那里，仿佛在沉思，沉思中表露出坦荡而自尊的神态。曳地的长裙自然下垂，呈现出流畅的衣褶，使女神具有一种柔和的流动感。在她的面前，你感到的是亲切、喜悦及对生命自由的向往。

出土于法国的古罗马维纳斯。

维纳斯雕像的强烈艺术感染力曾激发了不同流派艺术家的创作灵感，催生出不同风格的大众文化艺术作品。

值得一提的是，为了庆祝巴黎奥运会，去年4月视觉艺术家洛朗·佩尔博斯制作了 6 幅有胳膊的维纳斯雕像。在雕像中，五颜六色的维纳斯玩起了网球、冲浪、射箭、篮球、拳击和标枪。这些雕像颜色对应着奥运五环，也象征着“最美的体育姿态”。有网友笑称：“艺术之都连“啃老”都可以很爽”。（照片来自网络）

《萨莫色雷斯岛的胜利女神》（Winged Victory of Samothrace) 昂然挺立于达鲁阶梯（Daru Staircase）顶部平台 (德农馆一层，703号展厅), 展翅欲飞，衣裙迎风飘扬，看着她仿佛能感受到2000多年前爱琴海强劲的海风，充满着一往无前的勇气，展显了这一古希腊艺术杰作的巍峨气势和迷人魅力。

雕像以其发现地 - 萨莫色雷斯岛 – 命名。这是一个非比寻常的考古发现。1863年，法国考古学家查尔斯·尚帕佐（Charles Champoiseau）在位于希腊爱琴海的萨莫色雷斯岛进行考古发掘时，惊喜地发现了这座精美的雕像。然而在当时，这座雕像支离破碎，残缺不全。人们共找到110个碎块，却不见头部和手臂的踪影。1879年，尚帕佐重返萨莫色雷斯岛，但仍未找到头部和手臂。不过，他此行还是有所收获，带回了船底和船头，作为雕像的底座。女神残缺的双翼以石膏加以修复，尽量复原其最初的形态。这座雕像自出土以来经过多次修复，曾屡次改变造型，直至成为现在的样子。

这座雕像大约创作于公元前190年。它最初作为献给神明的贡品，高高地伫立在希腊萨莫色雷斯岛的一座神庙中。卢浮宫根据雕像的原始位置为之设计了极为壮观的展示布局，雕像45度角左侧面是制作最细致完美的一面，雕像以此最佳角度迎接观众。从这一角度，人们可以领略到女神肩上的披风迎着海风舞动， 身上的抹胸纱裙飘逸透明。正是从女神展翅欲飞屹立战船船首的英姿，考古学家断定这是希腊神话中宣布胜利的使者 — Nike（罗马神话中的Victoria)。

2. 气势恢弘的女像柱厅。

1528年，法国国王弗朗索瓦一世决定对卢浮宫进行重大改造，他命人拆除了老城堡原来的主塔，卢浮宫中世纪城堡从此完成了其最初的使命。从弗朗索瓦一世在十三年前即位开始，国王就想让意大利文艺复兴的艺术革新之风吹入法兰西大地。弗朗索瓦一世把达芬奇接到自己的宫廷中，还请来罗素·菲伦蒂诺（Rosso Fiorentino）和普里马蒂斯（Primatice）等意大利艺术家，为巴黎地区和卢瓦尔河畔的王室城堡进行艺术创作。

女像柱厅得名于厅内四根支撑着乐师演奏台的女子雕像立柱，这些立柱由法国雕刻家让·古戎（Jean Goujon）于1550年制作。古戎才华出众，他从古典艺术中汲取灵感，以文艺复兴时期的艺术表现手法，重新诠释了公元前二世纪古罗马皇帝奥古斯都论坛的建筑风格。

女像柱厅原来是王室用来庆典享乐的舞厅，伴奏乐师们坐在女像柱厅入口处高悬的演奏台上。女像柱厅也是重大历史事件的发生地，1610年，亨利四世国王遇刺身亡，就是在这里为他举行了葬礼仪式。法国大剧作家莫里哀也是在这里，为路易十四接连演出了他的喜剧作品，先是《爱情的埋怨》，后又演出了《粗心鬼》和《可笑的女才子》。

去年巴黎奥运会开赛式中，当《刺客信条-大革命》中的主角亚诺客串的“神秘火炬手”闪现卢浮宫时，他就是先从女像柱厅演奏台上跳下来的。

女像柱厅是卢浮宫文艺复兴时期最美的建筑见证之一，其建筑风格标志着一种新艺术风格的兴起。自十七世纪起，在女像柱厅的大型拱顶下，一尊尊著名的古代雕塑作品向世人展现着精彩独特的文化内涵。

《美丽、艺术和生命三女神》（罗马，头像是后补上的）

战神马尔斯（罗马，对应于希腊神话中的阿瑞斯（Ares)).

展厅中央的《狩猎女神狄安娜》大理石雕像创作于公元二世纪，其原型是公元前330年左右制作的作品。这尊雕像曾长期收藏在凡尔赛宫的镜厅里，所以又被称为《凡尔赛的狄安娜》。

离阿佛洛狄忒几步之遥的地方，就可以看到与她同样性感的《沉睡的海尔玛弗狄忒》(Sleeping Hermaphroditos)。

海尔玛弗狄忒是爱神阿佛洛狄忒和众神的使者赫尔墨斯的儿子。仙女萨拉玛西斯的求爱遭到海尔玛弗狄忒的拒绝后，她祈求宙斯将自己与心爱的人永远结合在一起。在这尊《沉睡的海尔玛弗狄忒》雕像上，雕塑家为观者创造了一个极富戏剧性的效果：从一边看显出极度的女性气质，另一旁则是令人惊讶的男性气质。

3. 意大利文艺复兴之珍品 — 大画廊。

大画廊（德农馆1层，展厅708, 710， 712, 716), 简单直白、实至名归。这里数百幅意大利绘画作品错落有致地陈列在似乎一望无际的硕大空间里。这里也是世界上最重要的意大利绘画收藏之一。

在大画廊中，拉斐尔用他最柔美圣洁的圣母像迎接你。再往深处走几步，达芬奇奉上了他的《岩间圣母》，《施洗约翰》，《圣母子与圣安妮》，以及肖像画《伊莎贝拉·德斯特的肖像》。

如果你看到卡拉瓦乔的《圣母升天》，估计你的脑海中能闪现《达芬奇密码》中的场景。电影一开头，卢浮宫的馆长正是打开了这幅画背后的按钮，降下了铁栅栏。

当然，更多数不清的杰作静静地栖居在大画廊，在时光中讲述它们自己的故事。

卢浮宫是世界上收藏达芬奇画作最多的博物馆。这要归功于法国国王弗朗索瓦一世。当年，正是他盛情邀请这位佛罗伦萨艺术天才来到法国安度晚年。鉴于达芬奇留下的画作寥寥无几，这些藏品越发弥足珍贵。其中最富盛名的作品当然是《蒙娜丽莎》。这是《岩间圣母》。另一幅同名绘画藏于大英国家美术馆。

拉斐尔《花园中的圣母》（710展厅）

《圣母之死》（712展厅）完成于1605-1606年，是卡拉瓦乔最杰出的作品之一。圣母玛利亚升天是一个传统题材，不少大师都曾以画笔做出过出色的诠释。在异类画家卡拉瓦乔的这幅画中，我们既看不到天使回翔、诸神赞颂的雍容氛围，也看不到环佩珠玑、锦衣使徒的华丽气象，这完完全全是一幅人间的图景，一切都那么平凡可近、真实可感；破陋的农家茅舍里，死去的玛丽亚躺在床上，头上的光环模糊不清，几近不见，像一个死于贫困和饥寒的普通农家女子。她头发蓬乱，面色苍白，脸部略显浮肿，仿佛留有忧愁生活的影子; 身上穿的应该是当时农家的衣衫，而周围一群貌似乡野村夫的使徒在哭泣。

卡拉瓦乔的祭坛画把圣人画成普通人，甚至邋遢人。他远离了高贵、做作的风格主义，开创了一种坦率、稳健、充满活力的新风格。他承担了翻译人们的现实和情感的任务，而不必考虑对神圣事物的表达惯例。

吉多·雷尼《诱拐海伦》（716号展厅）

作品取材于古希腊神话。特洛伊（Troy) 王子帕里斯（Paris) 绑架了斯巴达王后海伦（Helen)。由此引发了特洛伊战争，最终特洛伊惨遭屠城。

711展厅中的《蒙娜丽莎》太过耀眼，以致于人们忽略了同室中提香、丁托列托、委罗内塞这些威尼斯最伟大的画家们的作品。例如面对《蒙娜丽莎》的是委罗内塞的不朽大作——占据了整整一面展墙的《加纳的婚礼》。以至于博物馆不得不在议政厅张贴告示，提醒大家 “《蒙娜丽莎》被其他名作环绕着——请看一看周围。”

《加纳的婚礼》是一幅巨大的绘画作品，6米多高，近10米长，面积约达70平方米，这是卢浮宫中最大的一幅绘画作品。画面色彩辉煌绚丽，场景布局独具匠心，完美地描绘出130多人赴宴的热烈场面，人物形象和风格均极具特色。这幅巨作是委罗内塞为威尼斯圣乔治·马焦雷修道院的饭厅而作。1798年，拿破仑的军队从威尼斯把这幅画带回法国。

威尼斯大师们的画作色彩斑斓，光影交错，跳跃着威尼斯文艺复兴时代精神的火花。

《镜中女子》，提香，711号展厅。

《田园音乐会》，提香，1509年，711号展厅。

画中两名文艺男青年正在创作着诗歌和乐曲，而他们身边的赤裸的女性，其实是给于他们灵感的森林精灵。这两位女神是隐形的，文艺青年是看不见她们的存在的。他们通过乐器进行着无言交流。

与文艺复兴时期绘画交相辉映的是米开朗基罗开创的雕塑艺术 — 用人体作为表达情感的主要手段。他的名作《哀悼基督》、《大卫》、《奴隶》系列等体现了文艺复兴时期生机勃勃的人文主义精神。

在德农馆0层米开朗基罗长廊（403号展厅）宽大的穹顶下，我们有幸看到了包括《奴隶》系列的众多意大利雕塑。在近三个世纪里，意大利雕塑家以非凡才华，表现出人类灵魂深处的各种情感。

《抗争的奴隶》（The Rebellions Slave) 与《垂死的奴隶》(The Dying Slave)

这两具矫健的身躯结合写实的人体与理想美正是米开朗基罗所擅长的风格。从近处看，可以看到他们身上的绳索，他们是被俘的奴隶，各自表现出截然不同的状态。一个似乎在沉睡，或许是永远的沉睡，这是《垂死的奴隶》；另一个是《抗争的奴隶》，他正试图挣脱身上束缚着他的绳索。这些雕像是米开朗基罗为装饰教皇尤利乌斯二世陵寝而创作的一组雕像的一部分，陵墓设计几经修改，而雕像最终未能完成，奴隶们成为被困在大理石中永恒的囚徒。不完整性使其意义变得更为复杂，神秘感更促成了其杰作的地位。

进入米开朗基罗长廊，你还会被爱神直冲苍穹的双翅所吸引，那是另一位意大利雕塑家安东尼奥·卡诺瓦的作品——《爱神吻醒普西莎》。

普西莎是一位美丽的公主。她的美貌甚至引起美神维纳斯的嫉妒。她命令儿子爱神去惩罚普西莎。然而，爱神却对普西莎一见钟情，并把她带到一个迷人的宫殿里。对这对恋人而言，一切似乎都尽善尽美。但是，普西莎没有遵守向爱神做出的承诺，爱神一怒之下弃她而去。维纳斯对普西莎提出严峻考验，要求她前往冥界，带回装有美丽圣水的瓶子。普西莎在好奇心的驱使下，打开瓶子，吸入从中飘出的冥界之气，当场陷入死亡般的沉睡中。幸运的是，爱神及时赶到，用他的吻唤醒了普西莎。卡诺瓦的这座雕塑展现的是普西莎重获新生的情景，精彩瞬间被凝固在时光中，向人们讲述着一个动人的故事。

卡诺瓦擅长把神话中的情节以大理石为载体加以表现，透过没有生命的大理石传达出人类的真挚情感。每当人们把目光投向这对拥抱在一起的恋人时，心头便会涌起一股爱的温情。在造型设计上，卡诺瓦采用了舞蹈般的肢体动作。卡诺瓦的作品在19世纪末广为浪漫诗人们所青睐。

离《爱神吻醒普西莎》不远处，有另一件卡诺瓦的雕塑作品《爱神与普西莎》。这对恋人直立着依偎在一起，那是他们悲剧故事的开始。卡诺瓦在这里选择了站立造型，赋予人物以生命，给人以动感。

《时间之神柯罗诺斯发现真理女神》

4. 绘画中的法国历史史诗 — 红厅（德农馆1层，700 —702号展厅）。

卢浮宫毕竟是一座法国博物馆，其藏品是由法国历代君主选择的。红厅里陈列着从大卫到德拉克洛瓦等法国19世纪绘画大师的最具代表性的巨幅作品。

法国绘画注重展示法国历史转折点中的史诗场面。启蒙运动所引发的1789年法国大革命，以及由此延伸将近一百年的反复斗争，向我们展示了一出由崇高的理念与龌龊的人性所交织的悲喜剧。被视为法国国家象征之一、新古典主义的奠基人雅克·路易·大卫（Jacques Louis David）的一生正好是大时代中野心精英的写照。

早期大卫的共和思想逐渐萌发。他钟情大题材画作，画作中带有浓重的政治色彩，如《荷拉斯兄弟之誓》高扬共和精神与公民美德，利用人物神情和场景氛围表现忠诚、牺牲和坚韧的精神。大革命中创作的《马拉之死》和革命失败后创作的《萨宾的妇女》两幅作品，都体现出与时代和法国革命背景结合的叙事特色。大卫精湛严谨的绘画功底——对宏大场面的完美把握、扎实的造型解剖，恰到好处的色彩和光线、以及近乎完美的细节表达，都在这些画作中可见一斑。

大卫的一生，既是法国大革命的缩影，也是艺术与政治紧密交织的典型案例。他利用自己的绘画技巧，参与并塑造了法国大革命的历史，也见证了这个动荡时代的兴衰。他的作品不仅具有艺术价值，更承载着丰富的历史信息和政治意义，成为了研究法国大革命的重要文献。可惜他本人最终成为了帝制时期拿破仑统治的宣传工具, 因其政治立场不断改变在艺术史上一直为人诟病。

（图片来源于卢浮宫官网）

《荷拉斯兄弟之誓》（702号展厅）

1784年，法国国王路易十六委托大卫创作一幅油画。他将其视为事业腾飞的良机，于是施展浑身解数，甚而超越自我，开创出一种全新的绘画风格：新古典主义。大卫始终崇尚自古流传的理想化古典美。但在这幅画上，他并没有随波逐流地描绘古希腊神话中的风雅场景，而是从古罗马历史中选取题材，展现了荷拉斯兄弟宣誓为国捐躯的情景，弘扬古罗马英雄的爱国主义精神，为这幅作品赋予教育意义。大卫出于创作需要，构想出这个宣誓的画面，同时突出了荷拉斯兄弟的母亲、妻子和姐妹的悲痛之情。大卫的这幅作品在巴黎艺术沙龙上大获成功，使其一举成名。

《荷拉斯兄弟之誓》不仅仅是一幅优秀的艺术作品，更是一件具有深刻社会意义的作品。它通过对古罗马故事的描绘，表达了对爱国主义、牺牲精神和公民责任的赞颂，也反映了法国大革命前夕的社会思潮。

《马拉之死》

该画以写实的笔法刻画了雅各宾派领袖马拉遇刺身亡。暗淡沉郁的画面充满了悲剧色彩，表述的是一个撼动人心的历史瞬间，反映了一个真实的具有激情与理想、流血与死亡的大革命时代。在营造马拉“圣徒”形象的技巧方面，大卫画的马拉整体姿态，特别是下垂的胳膊，巧妙地将观画者的感受与耶稣基督下十字架的印象联系了起来。通过去除所有的动作、所有的寓言人物以及弱化所有的谋杀痕迹，创作出一副革命者圣像，成为法国大革命史上的经典作品。

如果真的有哪幅画，能够表达出美的致命杀伤力，那无疑就是大卫的《马拉之死》。在这幅画里，艺术之美的力量是如此之大，能蛊惑人心，也能让人恨之入骨。你一定觉得很矛盾吧！但就是这样一幅画，编织了一个完美的骗局，将暴戾嗜血的马拉描述成了为革命而献身的“殉道者”。该画也成为了艺术史上最残忍的杰作。

大卫笔下的《马拉之死》成功地描绘了一个为人民牺牲的革命家形象，而鲜有人知的还有一幅画却描绘了一个截然相反的形象，这幅画就是法国画家保罗·波德里的《刺杀马拉之后的科黛》。

《萨宾的妇女》(702号展厅）

大卫在完成《荷拉斯兄弟之誓》十五年后，再度从古罗马历史中选取创作主题。不过，当时的法国局势已发生了翻天覆地的变化。1789年，法国大革命暴发。1791年，大卫投票同意将其前赞助人路易十六处以极刑。此后，他曾一度支持罗伯斯庇尔，在后者倒台后，自己也锒铛入狱。他在狱中萌生出创作这幅画的想法。在历史上，罗马城建立之初，由于城内缺少妇女，罗马人便到邻国萨宾人那里掠夺年轻女子。当两个阵营即将交战之际，萨宾妇女勇敢地站了出来，挡在两军之间，并成功地说服敌对双方结成一个统一的国家。大卫创作这幅画的深意不言而喻。当时革命成功以后出现乱象：政治野心家争夺权力，人民盲目被煽动，社会混乱失序。他想呼吁所有法国人在大革命后的动荡时期尽弃前嫌，重新团结起来。

1801年，大卫以这幅《拿破仑翻越阿尔卑斯山》赢得拿破仑的青睐。

1804年11月共和国再度修宪，改国号为法兰西帝国，拿破仑第一执政摇身一变成为拿破仑一世皇帝。一个高喊自由、民主、博爱的英雄，竟然走上了封建的老路。原先热衷平民革命的大卫却非常支持。他期待強人的出现、以独断专制结束革命的乱象。大卫在拿破仑的身上，看到古典神化的再现，在他看来，对拿破仑辉煌成就的赞颂，是一个唤醒整个时代和表现理想人物典范的时机。拿破仑的赏识。使得大卫好似从灰烬中重新升起的凤凰，从此他成为了拿破仑的御用画家。

《拿破仑一世加冕大典》雅克·路易·大卫（Jacques Louis David，1805–1807). (702号展厅，达鲁厅）

这幅画记录的是发生于1804年12月2日在法国巴黎圣母院隆重举行的法国皇帝拿破仑的国王加冕仪式，1799年，带着在意大利和埃及战疫中取得的胜利荣耀，拿破仑在“雾月政变”之后取得了绝对的统治权。

1804年5月18日，拿破仑废除了法兰西共和国，直接称帝，为了巩固帝位，拿破仑极其傲慢的让罗马教皇庇护七世亲自来巴黎为他加冕，以视君权神授，目的就是借助教皇在宗教势力上的巨大号召力，让法国人民乃至欧洲人民承认他的合法帝位。在加冕时，拿破仑直接拒绝跪在教皇前让庇护七世加冕，而是把皇冠夺过来自己戴上，大卫为避免这一事实，煞费苦心地选用皇帝给皇后约瑟芬加冕的后半截场面。

当年面对这幅油画时，拿破仑不禁感叹道“我们行走在画中”。

《自由引导人民》，欧仁·德拉克洛瓦，1830年。

作为大卫的学生，德拉克洛瓦是法国伟大的浪漫主义画家。《自由引导人民》的创作背景并不是人们通常认为的1789年法国大革命，而是1830年法国七月革命。法国民众为抗争查理十世的威权统治和维护新闻自由，连续暴动了三天，这就是法国历史上著名的“光荣三日”。法国七月革命期间，巴黎人在街头巷尾铺设了路障，德拉克洛瓦用写实的手法画出用木头和石块搭起来的这些路障。画面中的自由女神是一个寓意形象，颇具希腊女神的美感，但也是一个普通女子的化身，画家赋予她一种感性的力量，使古典精神和当代事件并不违和地同时存在于画中。如今，德拉克洛瓦这幅最富盛名的油画作品，已成为为自由而斗争的代表性标志。

《自由引导人民》是德拉克罗瓦对浪漫主义作家维克多·雨果的名作《悲惨世界》的呼应，这幅画和作者1997年被印在法兰西银行发行的100法郎上。它是欧元前的最后一版法郎纸币，非常具有收藏价值。

《梅杜莎之筏》，西奥多·杰里科 （700号展厅）

这是一幅罕见的以时事为题材的绘画。1819年，杰里科在艺术沙龙上展示了他的《梅杜莎之筏》。这幅画作描绘了一个真实的海难事件。“梅杜莎号”巡洋舰远征非洲，不幸在西非搁浅沉没。150多名水手被遗弃在简易木筏上，在茫茫大海上漂泊了13天。人们在饥饿和绝望中互相残杀，甚至啃食死者，最后仅15人幸存。

杰里科借鉴了古典主义金字塔式构图法和绘画严谨性。苍白的光投射在一群饥饿不堪的人身上，活人与尸体混在一起，蜷曲在木筏上。有人努力向暗郁远海摆手呼叫，祈求渺茫的求生机会。杰里科为这幅画呕心沥血8个月，画过几十幅素描和草稿。他到英吉利海峡边看海，去医院太平间观察尸体，与幸存者交谈，还制作了模型。画作一经展出就像扔出了一颗炸弹，引起了巨大轰动。画面效果如此震撼人心，激起观者的强烈反响。

1824年，杰里科去世后不久，这幅画被收入卢浮宫。

《大宫女》，大卫的学生，新古典主义的最后一位大师安格尔（Ingres）创作于1814年。

画作描绘了具有强烈东方情调的土耳其宫女的裸体形象。画面上，裸体的宫女背对画面侧身倚躺在软床上，正回眸望着画外，表情沉静、木然，具有古希腊雕塑般的美。最令人称道的是她那略显夸张拉长的背部，刻画细腻，美艳绝伦。该画作尊崇严谨的古典风格，以头包土耳其头巾、手拿孔雀羽扇的奥斯曼帝国的宫女为主题，整幅画面散发着美轮美奂的异国情调。

安格尔是一位多才多艺的高产画家。深厚的人文修养使他的画过滤了感官的煽动，在众多的裸女作品中保持着新古典一贯的洁净和优雅。

《在但丁和维吉尔面前显现的弗朗切斯卡·达·里米尼和保罗·马拉泰斯塔的幽灵》

阿里·谢弗（Ary Scheffer，1850年，700号展厅）

此画取材于但丁《神曲》“地狱”第五篇中讲述的一个悲剧故事。为了让两个强大的家族结成联盟，美丽的弗朗切斯卡被迫嫁给一名丑陋的跛脚男子，但她却与未婚夫的兄弟保罗相爱。后来，这对恋人被嫉妒的丈夫杀害。这个凄美的爱情故事，在几百年后激发出许多画家的创作灵感。出生于荷兰的法国画家阿里·谢弗（Ary Scheffer）就是其中之一。

谢弗运用深黯的重褐色，用以表达《神曲》"地狱"中的"诗意"。弗朗西斯和保罗的幽灵显现在画面中央。弗朗西斯卡紧搂着保罗，随着狂风的吹拂飘向左侧，长长的衣披搭落下来，加强了形象的飘浮感。两个幽灵将去地狱接受酷刑。裸体的翱翔之势，透视出一种剧烈的悲悯，空间似被灯光所照明，周围则是一片森森的阴暗。但丁与维吉尔的形象隐隐绰绰，他们处在深不可测的黑暗之中。他以阴暗地狱为背景，展现了这对永生受到诅咒的苦恋情人，并在画面一侧的阴影处，勾勒了但丁和他的老师、古罗马伟大诗人维吉尔的身影。

5. 豪华的阿波罗长廊和奢侈的拿破仑三世套房

阿波罗长廊（德农馆1层，705号展厅）

正是在阿波罗长廊，以“太阳王”自居的路易十四首次将王权与太阳神阿波罗联系在一起。路易十四召集当时最顶尖的艺术大师，以精美绝伦的绘画、雕塑和镀金装饰，创作出绚丽夺目的建筑内饰杰作。若干年后，这些大师重聚凡尔赛宫，为设计著名的镜廊出谋划策。如今，阿波罗长廊主要展出法国王室收藏的珠宝与钻石。

遗憾的是，路易十四很快厌弃了巴黎和卢浮宫，将满腔热情投入到凡尔赛宫的建设中，并最终在那里定居。阿波罗长廊也因此迟迟未能完工。直到两个世纪以后，在建筑师费利克斯·杜班（Félix Duban）的领导下，阿波罗长廊的内部装饰才于1850年大功告成。著名画家德拉克洛瓦创作了位于穹顶中央的大型装饰画，题为《阿波罗征服巨蟒》。这幅画长达12米，堪称浪漫主义绘画的经典之作。

您在观赏穹顶装饰时，是否感到眼花缭乱？在穹顶最高处，绘有从黎明到深夜的每个时段，中间位置展现了升至天空至高点的太阳。在其下方，仿大理石雕刻装饰代表着一年中的十二个月份，其间点缀着描绘四季的画作。象征小时的十二个带翼形象在空中飞舞。一周中的每一天以动物表示。例如，周四的行星时是木星（Jupiter），即神话中的众神之王朱庇特（宙斯），他的象征动物是老鹰。阿波罗长廊整个内饰融合大量绘画与雕塑作品，不仅充满艺术寓意，还富有政治内涵。它彰显了“太阳王”路易十四像太阳一样是宇宙主宰的显赫身份，并通过艺术之神阿波罗，歌颂国王是伟大的艺术家保护者。

拿破仑三世套房大客厅（黎塞留馆1层，544号展厅）

卢浮宫在成为博物馆之前，曾是一座极致奢华的皇家宫殿，在令参观者流连忘返的无数走廊和厅室之间，曾经穿行着法国君主与文武百官。如今，最能忠实再现卢浮宫昔日盛况的地方当属拿破仑三世套房。它们保持着当年建筑风格对奢华和舒适的追求。

拿破仑三世是一位野心勃勃的皇帝。五年内增建了黎塞留馆和叙利馆，卢浮宫整个建筑群才告以完成。为彰显皇权威严，奢侈是必须的。他的宫殿必须是金碧辉煌的，内部装饰必有雕梁画柱。

洛可可风格的国宴厅，里面的大桌能供将近100人用餐。

戏剧沙龙中的欧仁妮皇后肖像。

6. 阳光下的雕塑庭院 — 马利中庭

（ 黎塞留馆-1层，102号展厅）

当建筑设计大师贝聿铭和米歇尔·马卡利（Michel Macary）着手进行卢浮宫现代化改造工程时，马利中庭还是露天庭院。建筑师们将其视为理想场所，非常适合陈列曾经装点在花园或公共广场上的雕塑。他们在庭院中设计了高低错落的露台式展示系统，创造出不同的视觉纵深感，并增加玻璃屋顶，以保证最佳采光效果，还通过一套巧妙的铝制遮阳系统调节光线、声音和温度，让参观者在最佳条件下尽情欣赏雕塑杰作。

马利骏马史诗

安托万·柯塞沃（Antoine Coysevox）是路易十四最欣赏的雕塑家之一。为歌颂国王的无上荣耀，他取材于古希腊和古罗马神话，创作了这组大型雕塑，其中一座展现骑着带翼飞马的声望女神在宣告国王取得的军事胜利，另一座是同样骑着飞马的古罗马商业之神墨丘利，他代表着繁荣昌盛。由此，这组雕塑从多个角度称颂了路易十四的辉煌功绩。后来，这组杰作从马利城堡被移至卢浮宫。

四名俘虏，又名“被国王路易十四征服的四个国家”（马丁·德斯贾丁斯）

“只有艺术品才能证实，在时间的洪流里，人类确实发生过一些事。” — 克劳德·斯特劳斯

7个多小时的参观，卢浮宫以世界级的艺术珍品、让我们如同穿越时空的审美隧道，沉浸在一个过去照亮未来的世界中，完成了一次非常难忘的历史、文化和艺术之旅。用眼睛欣赏艺术只是第一层，用知识、思想和人生经验去品读，才会使艺术欣赏变得更加有趣而意味深长，也使我们短暂的生命变得更丰厚和润泽。艺术探索永不落幕，我们的旅程还将继续。