艺路二十年——画家孔宪华从传统沃土到大写意重彩墨画的探索之路

圣衍居孔宪华国画

艺路二十年
-----画家孔宪华从传统沃土到大写意重彩墨画的探索之路
　　
二十载春秋流转，砚池里的墨痕从淡到浓，宣纸上的色彩由简入繁，我的绘画之路恰似一幅徐徐展开的长卷，在传统与创新的交织中，晕染出独属于自己的艺术轨迹。从案头临摹的一笔一墨，到旷野写生的一景一物，再到画室里打破藩篱的大胆实验，四个探索阶段（水墨，淡彩，浓彩，重彩）串联起的不仅是技法的蜕变，更是一场关于艺术本真的漫长修行。

初涉丹青：传统水墨里的筑基岁月
　　
上世纪九十年代，我与绘画的缘分始于一方砚台、几支狼毫。那时的画室里，总弥漫着松烟墨与宣纸的清香，案头堆叠的是陈大章先生的花鸟册页与张立辰老师的水墨范本。初学传统水墨，最讲究“笔力”与“墨法”，一笔兰草的提按顿挫，需反复临摹数十遍才能得其风骨；一片荷叶的浓淡干湿，要在宣纸上试错百次方能显其神韵。

陈大章先生常说：“传统不是枷锁，是根。”我去北京时，经常去拜访他，教我从《芥子园画谱》入手，先练“眼中之竹”，再悟“胸中之竹”，最后求“手中之竹”。记得第一次临摹他的《荷塘》，笔下的荷花总带着僵硬的匠气，先生亲自在宣纸上示范“中锋行笔”的圆劲与“侧锋皴擦”的灵动，墨色在他笔下仿佛有了生命，浓处如乌云聚顶，淡处似薄雾缠枝。那段日子，我整日泡在画室，从禽鸟的喙爪、花卉的苞萼到山石的肌理，逐一拆解传统花鸟画的密码，不知不觉间，笔下的翎毛有了跃然纸上的生气，墨竹也添了几分风雨摇曳的意趣。

张立辰老师则强调“写生”的重要性。有一次他带我们去郊外荷塘写生，让我们观察晨光中荷叶的露珠如何滚落，暮色里蜻蜓的翅膀怎样颤动。“画花要知花性，画鸟要懂鸟情”，他的话至今仍在耳畔。我曾在盛夏的荷塘边蹲守整日，只为捕捉荷花从含苞到盛放的微妙变化；也曾在寒冬的竹林里驻足良久，细看雪压竹枝时的坚韧姿态。这些写生积累的手稿，后来都成了我创作中最鲜活的素材，让传统笔墨有了自然的呼吸感。

淡彩初探：在水墨间晕染诗意
　　
千禧年初，在山东省美协举办的培训班上，我结识了郭志光老师。彼时我正困于传统水墨的“黑白世界”，总觉得画面少了些蓬勃的生命力。郭老师看过我的作品后，沉吟片刻说：“水墨有风骨，但花草本有颜色，何不让墨与色好好谈谈？”他建议我专攻荷花，并尝试淡彩渲染，在保持水墨气韵的同时，用轻柔的色彩唤醒画面的灵性。

淡彩的学习是一场与“分寸”的博弈。曙红染荷瓣，需分三遍晕染，第一遍如少女腮红般浅淡，第二遍似朝露初晞般温润，第三遍才显花瓣根部的醇厚；藤黄点花蕊，要像撒金粉般轻盈，多一笔则艳俗，少一笔则寡淡。郭老师教我用“撞水法”让色彩自然晕化，在未干的墨色上点入清水，墨与色便在宣纸上洇出朦胧的渐变，恰似雨中荷塘的氤氲意境。

那段时间，我常去济南的大明湖写生，后来博兴县麻大湖、滨州市十里荷塘，成了我写生采风的最佳去处。清晨的荷花带着露水，花瓣边缘泛着淡淡的粉白，午后的阳光穿过荷叶，投下青碧色的光斑。我试着用赭石调墨画荷叶的老嫩，用花青加少许藤黄表现水面的涟漪，让淡彩在水墨的骨架上流淌。有一次画《晨露荷风》，我在荷叶的墨色中调入极淡的石绿，再用清水轻扫边缘，竟意外晕出了露珠折射阳光的剔透感。郭老师见了，笑着说：“这便是色随墨走，墨借色活。”

淡彩阶段的探索，让我明白色彩不是水墨的附庸，而是情感的延伸。我开始在作品中融入季节的变化：春荷用嫩绿与鹅黄，透着初生的娇憨；秋荷以赭红与墨褐，藏着成熟的沉静。这些尝试让画面有了更丰富的叙事性，也为后来的浓彩创作埋下了伏笔。

浓彩蜕变：让色彩在宣纸上绽放
　　
2010年前后，我参加北京绘画函授班，我有幸得到郭怡孮老师的指点，他的“重彩写意”理念如一道强光，照亮了我艺术探索的新方向。郭老师认为：“中国的色彩不该只有淡雅，更要有盛唐的雄浑与热烈。”他带我们研究敦煌壁画的矿物颜料，看石青、石绿在千年岁月里如何保持鲜亮；解析工笔重彩的渲染技法，让矿物色与植物色在宣纸上和谐共生，在花卉作品热烈奔放。

初试浓彩时，我总陷入“色重则失墨韵”的困境。郭老师便教我“以墨骨立形，以色彩赋神”，先用浓淡墨勾勒物象的轮廓与结构，再层层叠加色彩，让墨色在色彩之下若隐若现。画《映日荷花》时，我先用焦墨勾出荷叶的筋脉，再以石绿打底，叠染翠绿、草绿，最后用石青点染叶尖，墨色在色彩的覆盖下依然能透出筋骨，恰似绿叶下暗藏的枝干。
　　

为了让色彩更有张力，我开始尝试矿物颜料与现代颜料的结合。将朱砂与丙烯调和，既能保持朱砂的厚重，又能增加色彩的附着力；把石黄与水彩融合，既保留石黄的明艳，又能实现水彩的晕染效果。这些实验让画面有了前所未有的视觉冲击，《秋塘惊鸿》中，我用胭脂红染荷花，以群青画秋水，墨色的芦苇在浓烈的色彩中穿插，竟生出“落霞与孤鹜齐飞”的壮阔意境。

浓彩阶段的探索，让我跳出了“淡雅即高级”的固有思维。我开始理解，色彩的浓淡无关优劣，关键在于能否传递情感。就像人生既有清风明月的恬淡，也有烈火烹油的热烈，艺术也该有容纳多元表达的胸怀。

大写意重彩墨：在中西融合中开辟新境
　　
近五年，我的创作迎来了突破性的转变。一次新疆采风途中，阿尔泰山的岩画深深震撼了我——先民们用赭石与木炭在岩壁上凿刻的牛羊、狩猎场景，线条粗犷却充满力量，形象稚拙却直击人心。那些剥离了细节的符号化表达，让我突然意识到：艺术的本质不是复刻自然，而是提炼生命的本真。

回来后，我开始尝试将传统大写意的笔墨精神、重彩的浓烈色彩与西方现代艺术的抽象语言结合，探索“大写意重彩墨”的新形式。我不再执着于物象的逼真，而是用夸张的线条、强烈的色彩、抽象的构图，传递对自然与生命的感悟。画《岩画遗风》时，我借鉴岩画的稚拙线条，将牛羊禽鸟的形象拟人化，牛的犄角化作弯月，羊的眼睛变成星辰，再用朱砂与墨色大面积泼洒，让原始的生命力在画面上奔涌，鸟儿群舞，象大妈们的广场舞，韵律憨态，动作可掬。

这种探索也延伸到了更广阔的题材。我开始画湖、海、山川、宇宙现象，用泼彩表现海浪的翻涌，用积墨塑造山峦的厚重，用亮色点缀星空的璀璨，用拟人化的禽鸟丰富画面。《幻宇星辰》中，我先在宣纸上泼洒浓淡不一的墨色，待半干时泼入石青、石紫，让色彩自然流淌交融，再用重色勾勒出抽象的星云轨迹，最后以亮色点染星辰，画面既有水墨的气韵，又有宇宙的浩瀚。

“大写意重彩墨”的形成，是对传统的致敬，更是对创新的坚守。它保留了中国画“写意传神”的核心，又吸收了西方艺术“色彩构成”的理念；既延续了毛笔与宣纸的独特质感，又拓展了颜料的使用边界。有评论家说这种风格“打破了中西艺术的壁垒”，而对我而言，它只是内心世界最真实的流露——当传统的笔墨不足以表达对生命的热爱，当单一的色彩难以承载对宇宙的敬畏，便自然会生出新的语言。

结语：在坎坷与收获中继续前行
　　
回望二十年绘画路，有过临摹不得法的焦虑，有过创新遇瓶颈的迷茫，也有过作品不被理解的失落。但更多的是收获：在画室里与古人对话的宁静，在自然中捕捉灵感的雀跃，在展览上与观众共鸣的温暖。那些熬过的夜、用过的笔、废掉的纸，都成了艺术修行中最珍贵的注脚。

有人问我，为何执着于“大写意重彩墨”的探索？我想，艺术的意义本就在于不断突破自我。传统是滋养我们的土壤，但不能成为束缚创造力的枷锁。就像荷花，既扎根于淤泥，又能开出清艳的花，艺术也该在传承中创新，在坚守中突破。
我一直坚信自己的理念：今天的创新就是明天的传统。

如今，我的砚台里依然墨香袅袅，画案上的颜料愈发丰富。未来的路还很长，或许会有新的困惑，新的挑战，但只要握着画笔，心中的热爱便不会熄灭。因为我知道，每一次蘸墨、每一笔色彩，都是与这个世界对话的方式，而艺术的风光，永远在前方等待着执着的行者。

孔宪华，诗人、画家、国家一级美术师。中国大写意重彩墨画派创始人，中国书画家协会理事，中央国家机关美术报会员，中国国学研究会研究员，中国国际书画艺术研究院终身画家，中华书画学会常务副主席，中华艺术家协会(香港)荣誉会长，山东大学所属美术研究室副主任，山东金融美协副主席，山东省美术家协会会员，滨州市美协顾问，上海未来艺苑、庭毓文化、千祝艺术网签约艺术家，锦秋书院院长。发表诗歌1400余首。国画作品在《人民政协报》、《美术报》、《中国收藏》、《世界知识画报》等80多家全国发行的报刊上刊登，互联网搜索资料铺天盖地；百余幅国画作品在全国、省、市展览、赛事中获奖。作品漂洋过海在韩国、日本、荷兰、委内瑞拉等国展览，并被友人收藏。还经常与意大利、俄罗斯、美国、伊朗、伊拉克、加拿大等十几个国家的艺术家共同联展和交流。被授予“中华书画艺术精英”、“献爱心优秀人民艺术家”、“ 终身成就奖”、“世界华人艺术先锋人物”、“最受读者欢迎的书画名家”等荣誉称号。被录入《当代书画家名录》、《全国书画从业者人才库》、《当代艺术家名录》、《中国书画信息档案》等丛书名录。2023年5月27日，株式会社汐丘“孔宪华——纠缠的色彩”在日本东京台场希尔顿二楼中央厅举槌开拍，专场呈现艺术家孔宪华拍品26件，成交率为100%，喜获白手套，成交额逾六百万元人民币；作品入展第27届国际广州艺术博览会；2024年被山东书画学会授予“十佳会员”称号；2025年5月作品获第七届国际抽象画网络展金奖。