202503美国夏威夷——檀香山霍马艺术博物馆

YuHong

2025年3月30日下午，我们去参观了檀香山市中心附近的霍马艺术博物馆。两匹石马一左一右守卫在博物馆大门口，低矮的建筑从外表看，完全没有博物馆那种高大上的感觉，但里面藏品的丰富多彩却出乎我的意料。 这是夏威夷州最大型的综合性艺术博物馆，自1927年就开始对外展出各种艺术品，目前拥有永久藏品达5万件以上。 霍马艺术博物馆也称霍马美术馆或檀香山艺术学院，创建人是安娜.赖斯.库克女士。她出生于夏威夷欧胡岛的一个著名传教士家庭，自幼对艺术耳濡目染。她结婚后定居檀香山，夫妇二人都是艺术爱好者。最初，他们以收藏客厅陈设品为主，随着艺术品数量不断增多，超出了家庭住宅能够容纳的空间，于是决定创建夏威夷第一座视觉艺术博物馆，以反映这个岛屿的多元文化特色。1920年，库克与她的女儿爱丽丝·斯帕丁、儿媳达格玛．库克以及教师凯瑟琳．考克斯一起，开始对藏品进行分类和研究。1922年，她获得夏威夷领地政府颁发的博物馆建立许可证，于是聘请纽约建筑师将自家房产改建为艺术博物馆，之后又捐出了这座博物馆和500件藏品。艺术博物馆于1927年4月8日落成开放，渐渐发展为夏威夷最大的私立视觉艺术博物馆。 霍马博物馆像馆旁的大树一样根深叶茂，茁壮成长。所有馆藏品来自于私人和基金会捐赠，以及博物馆的购买，因其优秀及多元的收藏得到国际认可，其中以亚洲艺术的收藏品最为著名。博物馆还有意大利文艺复兴时期的绘画收藏，美洲及欧洲绘画与装饰艺术，非洲和大洋洲的传统艺术等丰富馆藏。 这是霍马博物馆的中央庭院。纽约建筑师伯特伦·古霍在100年前设计的霍马博物馆，充分利用了自然光和夏威夷温和的气候条件。博物馆建筑的布局是一系列画廊环绕着三个庭院，中央庭院两旁平衡分布着中国庭院和地中海庭院。 中央庭院的当代雕塑 插花艺术 中国庭院周围是亚洲艺术画廊，位于中央庭院的西边，地中海庭院周围是欧洲和美国艺术藏品的中心，位于中央庭院的东边。2001年，博物馆又进行了扩建，在博物馆后边增建了几个展厅和小剧院。 这是被欧美艺术展厅环绕的地中海庭院 我们首先进入的是东边的欧美艺术展区，第一个展厅里是众多人物雕塑。 这座雕塑作品的作者诺亚．哈德斯是一位生活和工作于怀卡普、毛伊岛的现代年轻人。他用夏威夷刺尾虾制作出套装（头盔、胸甲、马洛（内裤）、戒指），展现出了精美的雕塑式面具和头饰。 在他的作品中，花朵、树叶、蜕化的甲壳类动物外壳以及鱼骨常常反映出他与毛伊岛环境的紧密联系，而他的画作则借鉴了多种来源，包括传统的夏威夷工艺、科幻外星生物以及漫画英雄。对于哈德斯而言，这些可穿戴的雕塑暗示了转变的可能性，无论是对于佩戴者还是构成其作品的物件都是如此。 这幅石质镶嵌片拼图《罗马猎兽》（约公元450-520年）采购于1937年，是从达芙妮别墅中发掘出来的。达芙妮是安提阿附近一个奢华的花园社区，位于现今土耳其和叙利亚的交界处。安提阿始建于公元前300年，在公元4世纪已成为古代世界的主要国际大都市之一，其公共区域和富裕家庭的私人空间都装饰着融合了希腊和罗马风格的精美马赛克图案。此例属于所谓的地毯式风格，即人物和其他图案元素分布在一块中性色的背景之上。最初这幅设计被安装在别墅的地板上，当参观者沿着地板移动时，会从上方和不同角度欣赏到它的画面。彩色石砖（镶嵌石）的精心排列勾勒出了动物的解剖结构，同时通过不同颜色和色调的对比与搭配营造出层次感和深度感。所选的动物形象让人联想到罗马竞技场中举行的野兽狩猎和其他受欢迎的表演。 这“埃及古墓男”浮雕是出自公元前2350-2170年间，用石灰岩制作，来自萨卡拉的尼昂内克特墓室。图上的象形文字包含了尼昂内克特的名字，表明这个图形可能是他的画像，他生活在在第六王朝的泰提法老统治时期（公元前2323-2291年）。博物馆的所有展品都注明了作者、捐赠者的身份和捐赠日期，浮雕是1930年在多色色购买。 　　这幅作品是普莱萨（Jaume Plensa）《巢》系列作品的一部分。 生于1955年的普莱萨在西班牙巴塞罗那生活和工作，他将摄影的精确性和即时性与雕塑的坚固性和持久性完美融合在一起，让人想起米开朗基罗的名言﹣﹣雕塑家的任务是释放存在于石头内部的已有的形象。霍伦西娅的这幅宁静的画像就从一块明亮的雪花石膏中浮现出来。 这个带有彩色绘饰痕迹的大理石女性雕像，来自克里特群岛（位于爱琴海、希腊大陆与土耳其之间）的青铜时代（约公元前2900年至公元前2200年）墓地。这种晚期塞多斯类型（一种双臂交叉的女性雕像）的作品很可能是在葬礼仪式中被持有或供奉的，近乎完美的几何形状暗示了希腊更为宏大的度量观念和和谐理念。 阿梅代奥·莫迪利亚尼（1884年﹣1920年）是意大利人，曾就读于威尼斯的艺术学校，并于1906年移居巴黎，一生中饱受极度贫困、毒瘾以及默默无闻的困扰。他常被美化为典型的"波西米亚艺术家天才"，于1914年从雕塑转向绘画。他创作的肖像画通常以夸张的长脖子、慵懒的身体和空洞的眼睛为特色，这也是他最为人所熟知的风格。《坐着的裸体女郎》是莫迪利亚尼在1917年至1919年间创作的几幅备受争议的晚期裸体画作之一。 加斯顿·拉夏伊·弗朗西斯（1882-1915年） 青铜雕塑《行走的女人》 大理石石棺浮雕（公元3世纪至4世纪）可能源自卡拉拉地区。罗马石棺（石制棺材或雕刻的丧葬容器）上，会以赫拉克勒斯历险故事的图像为题材，令使用者与因拥有非凡力量而备受尊崇的伟大英雄联系起来。这类石棺通常在四个侧面都绘有赫拉克勒斯的形象，因为他的六项或甚至全部十二项历险都被纳入其中。这一碎片描绘了赫拉克勒斯的两项壮举：左侧是他与勒纳的多头海德拉战斗的场景，右侧是他将埃瑞马涅斯的野猪扛在肩上的画面。碎片的最左下角可以看到克里特公牛的后蹄和尾巴，而石棺的雕刻角则在右下角可见。 迭戈．里维拉（1886年﹣1957年）是墨西哥人，他以创作大型政府资助的壁画而闻名，也创作了不少架上绘画作品，许多作品都配有艺术家设计的木制雕花画框，1927年创作的这幅作品也是如此。 作者是未被记录的艺术家这种具象神秘的乌伊尔产自新爱尔兰岛，传统上用于丧葬仪式。20世纪初在欧洲很受欢迎，以致大量出口并直接出售给收藏者，包括希西亚斯的这件19世纪至20世纪初的作品。随着与西方的接触，乌伊尔的制作工艺发生了转变，如今这种图案和符号已不再被制作。 另一个展室是从霍马博物馆收藏的欧洲和美洲藏品中选取展出的宗教画和人物肖像画，主题是探讨从14世纪至今的艺术家们，如何通过用家庭、社区、信仰以及共同的人类精神的联系等方式来表达虔诚之情，展现多样化的表达方式。每幅画作下面有详细的介绍，帮助参观者了解作品和作者的历史背景，增长艺术欣赏能力。 在西方世界，基督教长期以来一直激发着人们以绘画、雕塑或刺绣等形式来描绘其信仰中至关重要的人物和事件。宗教主题作品中的多人物群像能够帮助人们更全面地理解《圣经》中所描述的人与人之间的关系，还能让我们了解到那些关于胜利或悲剧的著名故事如何与信徒自己的生活产生联系。《圣母与圣徒之子》，创作于1391年。据信，贾科波．迪．乔内曾为佛罗伦萨圣洛伦佐教堂的罗丁内利家族礼拜堂绘制了这幅大型祭坛画，画中的圣母和圣婴被圣徒阿马托．阿伯特、康多里卡、安德鲁和教皇马可环绕着。乔内采用了被称为"晚期哥特式"的风格进行创作，这种风格强调直线造型和精细装饰。 　　《圣婴敬礼》是弗朗切斯科．格拉纳奇早期（约1500年）的一幅作品，木板上的蛋彩画。格拉纳奇是意大利人（1469年﹣1543年），与米开朗基罗是同学，也曾参与圣西斯廷教堂的创作。这幅画描绘了约瑟夫、玛丽以及圣约翰施洗者幼童的形象，他们都向刚出生的基督幼子致敬。在他们身后，一头公牛和一头骡子暗示着基督诞生时所在的马厩，在远处，一位天使向牧羊人宣告了基督的诞生。格拉纳奇严格按照新制定的单点透视规则来描绘这一场景，其中的背景细节使得前景人物显得更近，从而增强了这幅画所旨在激发的敬拜体验。 卡洛·萨拉塞尼（1579年﹣1620年）是意大利人，他的《圣母与圣子身旁伴着圣安妮及一位天使的画像》约创作于1608年，铜板上绘制的油画。在17世纪之交的罗马，铜板绘画还是一种相对新颖的绘画技法，卡洛．萨拉切尼经常使用这种技法进行创作，尤其是在其职业生涯的早期阶段。这幅光芒四射、宛如宝石般的画作展现了圣母玛利亚与她的母亲圣安妮之间的对话场景。圣安妮可能在向玛利亚传达关于耶稣未来牺牲的预感，而玛利亚则以一种保护性的、慈母般的姿态抬起手。一位天使温柔地用白色的布包裹着熟睡中的基督幼子，这一举动预示着耶稣在被钉死在十字架上之后的安葬过程。 《三博士朝圣图》是约16世纪初木板上的油画。这个画板可能是大型祭坛画中剩余的四部分之一，整幅画描绘了基督生平中的若干情节。其中一幅画作现藏于安特卫普的迈耶·范登·贝尔赫博物馆，另外两幅则收藏于伦敦的国家美术馆。根据《圣经》记载，三位国王或智者（祭司）循着一颗星星前往伯利恒，因为基督刚刚在那里出生，于是他们带来了黄金、乳香和没药作为珍贵的礼物，以向这个婴儿表示敬意。这三位国王是从不同的地区前往圣地的，而北欧艺术家逐渐开始将其中一位国王描绘成非洲人，以此来暗示基督教信仰的全球影响力。 羊毛和丝绸织物锦缎作为一种艺术形式，盛行于14世纪到18世纪。这类织物不仅为宫殿中的宽敞公共空间提供了温暖和装饰，其制作成本高昂也彰显了拥有者的财富和地位。这幅《塞米拉米斯女王及其侍从像》创作于约1480年，背景是"千花织锦"图案，很可能出自一系列描绘传奇英雄和女英雄的织锦系列。图中描绘的是神话人物塞米拉米斯正在梳头，她以美貌和勇气而闻名，据说，她在率领军队出征前，誓言在平定巴比伦人的叛乱之前绝不梳头。织锦上的文字记述了塞米拉米斯征服的对手分别是亚述和巴比伦的女王。 为个人用途创作的艺术作品能够传递出有关社会关系的重要信息，比如家庭纽带、地位与权力、共同的历史与文化等。亲密的场景和图像展现了各种各样的情感，从满足、喜悦到对失去亲人的悲痛。 肖像小像往往代表着个人之间的关系。这种形式最早于16世纪在英国和法国，为王室和贵族客户所采用，随后因其价格亲民而被大多数阶层的人所接受。它们被用作表达爱意的信物或作为远方挚爱的纪念品，并且可以轻松展示、装入口袋、或镶嵌在胸针或其他个人饰品中。 《军官肖像》约1800年 《年轻女子画像》19世纪早期作品带有镀金金属边框的微型画作 美国的或欧洲的《一位女子的画像》,19世纪中期作品带有镀金金属和黑色漆面边框的微型画作 皮埃尔·米尼亚尔·弗朗西斯（1612-1695年）的油画《布伊利翁公爵的孩子们》,创作于1647年。皮埃尔·米尼亚尔曾在法国和意大利两地从事肖像画创作，为诸如法国的布伊隆公爵等权贵人物担任画师和画家。这幅肖像画中的孩子是布伊隆家族九个孩子中的三个，两个男孩开心地和小狗玩耍，这表明了温馨的家庭氛围，而小女孩展示花朵和樱桃，象征着她青春的女性魅力。米尼亚尔描绘这些孩子天真优雅，无疑满足了其赞助人的愿望，即通过展现其子女的骄傲以及家族的崇高社会地位，来表达他们的自豪感。 阿尔弗雷德．史蒂文斯（1823年-1906年）油画《永恒的爱》阿尔弗雷德·史蒂文斯是比利时人，以其对时尚社会的细致描绘而闻名。这幅画中的年轻女子深情地凝视并将一枝树枝置于一幅肖像之上（这幅肖像很可能描绘的是她的母亲），同时朝着肖像吹出一个飞吻。在圣帕尔周日（复活节前一周），基督徒们通常会将棕榈枝或其他树枝放置在圣经上或神圣的画作上方。根据《圣经》所述，这些树枝代表着追随者在基督胜利进入耶路撒冷时向他撒下的树枝。史蒂文斯对这一习俗进行了重新诠释，以展现这位女子对父母的世俗敬仰之情。这幅画在最初所有者的孙子手中流传下来，后被赠予霍尔艺术博物馆。 吉尔伯特．斯图亚特（1755-1828年）油画《约翰．布鲁克斯州长》吉尔伯特．斯图亚特是美国杰出的肖像画家，成功地将开国元勋托马斯·杰斐逊和乔治·华盛顿的画像定格在了画布上。这幅描绘马萨诸塞州州长约翰．布鲁克斯的肖像创作于1820年，展现了这位革命战争英雄身着军装的风采。斯图亚特在英国求学时习得欧洲风格规范，同时也借鉴了英国肖像画家如乔舒亚．雷诺兹爵士等人的创作范例。 罗伯特·丹皮尔（英国人，1800-1874年）油画《卡美哈梅哈二世》罗伯特．丹皮尔是"金色号"号舰船上的一名官方画家。1825年，这艘载着国王卡美哈梅哈一世及其王后卡玛马卢遗体的船启航前往夏威夷。卡美哈梅哈一世和王后在英国染上麻疹后去世。在夏威夷，丹皮尔为卡美哈梅哈一世的弟弟、妹妹卡美哈梅哈二世和纳希埃纳埃纳绘制了画像。他以即将成为君主的形象将年轻的卡美哈梅哈描绘出来：他身着华丽的服饰，站在一片葱郁的环境中，远处可以看到霍伦堡小城，它被香蕉树环绕着。他手持长矛，身上披传统的羽毛长袍。卡美哈梅哈二世于1825年至1854年在位期间，领导夏威夷从封建社会向君主立宪制转变。 罗伯特·丹皮尔为卡美哈梅哈一世的妹妹纳希埃纳埃纳绘制的油画，她手持一面"卡希利"（一种用羽毛制成的旗帜），这面旗帜象征着她的地位。她的头发上还戴着一顶羽毛发饰，这种发饰只有酋长们才佩戴。她双肩上披着一件华丽的羽毛披肩，这件披肩遮住了她据称在丹皮尔拍摄照片时所穿的黑色丝绸长裙。她的肖像以及她哥哥卡梅哈梅哈一世的肖像中，背景都描绘了他们统治的疆域。远处停泊的船只则暗示着夏威夷作为西方旅行者太平洋航程中停靠港的地位。 约翰．米克斯．斯坦利（1814年﹣1872年）约创作于1848年的油画，这是高首领威廉．科洛拉奥．卡汉维．桑纳之妻曼亚尤拉．特胡亚里伊公主的画像。 约翰·辛格·萨金特（美国画家，1856-1925年）油画《托马斯·林肯·曼森夫人》。这是约翰·辛格·萨金特1891年在第二次访美之行后，为感谢曼森夫人在纽约家中的接待，以这幅肖像画作为礼物以表示感谢。萨金特曾在巴黎接受训练，但最终定居在英国。他两次来到美国，以期提升自己作为当时最受欢迎的社交肖像画家的声誉。 让．夏洛特（美国人，1898年﹣1979年）创作于1936年的油画《弗朗西斯．怀特家族》让．夏洛特是艺术家、学者、壁画画家，同时也是夏威夷"活化石"称号的获得者（1976年）。他与弗朗西斯．怀特在20世纪30年代于纽约共同生活期间相识，此后他们的家庭一直保持着终生的友谊，即便夏洛特于1949年迁往夏威夷大学任教，他们的关系也未曾改变。 让﹣巴蒂斯特·卡波是法国人（1827-1875) ，青铜雕塑《中国青年肖像》创作时间约在1872年。 这是由德国表现主义雕塑家威廉·莱姆布鲁克(1881-1919)创作的半身像《沉思者之头像》。雕塑有着突出的额头、深陷的眼睛、坚定的表情以及一只紧握的拳头，展现出一种深沉的忧郁之态，一个在思考中备受折磨者的形象。其瘦弱的身形、扭曲的肢体以及整体的极度绝望之感，暗示了第一次世界大战及其后续影响所带来的焦虑与厄运，而莱姆布鲁克正是作为一名德国军医院的护士亲身经历了这一切。《沉思者之头像》或许是对他所目睹的巨大苦难的悲痛颂歌，也或许是对自身孤独绝望的一种自传式表达（他在完成这幅雕塑一年后自杀身亡）。《沉思者之头像》与其说是对特定人物的肖像描绘，不如说是对第一次世界大战之后许多人所感受的痛苦的严峻写照。 H . C ．西特曼是美国人（1922-1981年)，他的雕塑、绘画、版画以及素描作品与20世纪的诸多艺术流派有关联，其中包括超现实主义。他独特的创作手法大量借鉴了个人经历，包括他在第二次世界大战和朝鲜战争期间的军旅生活，并对现代生活和政治的荒谬之处进行了评论。《不情愿的杂技演员》是一幅自画像，纪念这位艺术家作为专业杂技演员短暂的表演生涯，他曾于1947年随美国统一服务团前往日本和中国表演。 道格拉斯·布尔乔亚出生于1951年，1991年创作了油画《两位诗人在岛上》。这位路易斯安那州的艺术家人生中受到了两种影响的启发，分别是美国诗人艾米莉．狄金森（1830-1886）以及美国说唱组合的成员拉基姆·阿卢（本名威廉·迈克尔·格里芬（1968年出生）。布尔乔亚在20世纪70年代作为英语专业的学生研究了狄金森的诗歌，后来他成为了拉基姆的粉丝，拉基姆的歌曲将嘻哈音乐的歌词赋予了严肃的诗意感。 欧洲艺术展厅有很多欧洲瓷器。欧洲人大约到了18世纪早期，才终于能够制造出那种坚固、轻薄、白色质地的陶瓷制品，而中国人早在1100年前就开始制作这种瓷器了。在西方世界，瓷器备受推崇，富有的收藏家们并非将其陈列在大型的陈列架上或精致的茶几之上，而是放在装饰华丽的房间里，整个房间从地板到天花板都摆满了被称为"白色黄金"的瓷器。 展厅中这些从地板到天花的陶瓷展品，再现了18世纪宏伟的瓷器陈列室的风采，它们包含了当时三种主要的陶瓷风格：青花瓷、洛可可风格以及中国风风格。 这场景似乎是在中国 青花瓷的蓝与白 中国风格瓷器 洛可可风格的设计体现了纯粹的西方美学，其图案和装饰元素与18世纪早期的绘画、雕塑和建筑中的元素相适应。瓷器的可塑性使其成为创造洛可可风格中那种充满趣味的曲线形状的完美媒介。 博物馆收藏的欧洲与美洲的油画、素描、版画、雕塑和装饰艺术品共有1.8万件，包括了17至18世纪英国、美国、意大利、法国的许多著名画家的作品，还有19世纪的代表艺术家德拉克洛瓦、梵高、高更、塞尚、毕沙罗、莫奈、伯纳尔、罗丹、马约尔、马蒂斯等人的作品。展厅展出的作品很多，我只是根据眼缘选择拍摄了一部分作品。 《那不勒斯的蛋壳城堡》是卡洛．博纳维亚这位意大利艺术家的最后作品，他活跃于1751年至1788年，这幅油画展现了那不勒斯最具标志性的景观之一。博纳维亚创作此画以及类似作品，作为纪念品送给那些被称为"格兰德游客"的英国贵族。卡斯特尔德尔奥沃是“格兰德之旅”中颇受欢迎的停留地，根据当地奇幻而悠久的历史传说，罗马诗人维吉尔曾在其地基中放置了一个神奇的蛋，以支撑其防御工事。博纳维亚这幅18世纪的油画，展现的景象与如今几乎完全相同。 尼古拉．德．拉吉列尔是法国人（1656-1746年) 。这幅油画描绘了一位着华丽服饰、头戴花环的女子，身后站着一名围头巾的奴隶男子。男子只是被当作一种装饰和构图手段，以突出画中人物的财富和社会地位。这是那一时期极少数包含被奴役者形象的法国肖像画之一。在法国大陆，奴隶制在名义上已存在数百年之久，绘制这幅画时，仍有数千名非洲裔人士被奴役。这些人大多为在加勒比地区进行殖民活动的富裕家庭担任家仆服务。1664年法国占领圣多明各（现属海地）后，法国人开始积极参与西非奴隶贸易。约110万人被从非洲强行送往法属加勒比地区，在极其恶劣的条件下在甘蔗田里劳作。后因海地的奴隶们发动起义，最终于1804年赢得独立。 莱昂纳多．科科兰特是意大利人（1680-1750年) 。这幅规模巨大的油画《罗马废墟的港湾》，突出了古代的辉煌。 乔瓦尼．巴蒂新塔．皮拉内西（意大利人，1720-1778年）创作了"想象中的监狱"系列作品，这些版画创作于1745年至1761年间，奇异且错综复杂的空间带给人令人震撼的视觉体验。《吊桥》中的那些矮小身影在巨大的楼梯间和充满折磨性的机械装置中漫无目的地游走。这位艺术家采用了低视角来放大建筑的规模。他于1761年重新创作的系列作品明显比1745年的原作色调更深、更具威胁性。皮拉内西还添加了另一座桥，进一步丰富了画面的复杂性。 《被锁链束缚的人》也是皮拉内西于1761年创作的“监狱”系列作品之一。在一片摇摇欲坠的罗马浮雕残骸之中，他巧妙地融入了对人类苦难的直接描绘，比如这幅画中央那处于刑架上的男子形象。皮拉内西对古罗马建筑风格的热爱并未使他忽视该帝国某些皇帝的不公与残暴行为，在画作顶部的雕像下方以及左侧的柱子上，皮拉内西列出了据称被尼禄皇帝处以惩罚的受害者的名字。 赫姆．鲍尔斯（1805-1873）是美国19世纪最著名的雕塑家之一。1837年，他离开美国，前往意大利，直接研究文艺复兴时期和古罗马帝国的艺术，创作出类似于古典灵感的春天女神珀尔塞福尔的半身像。鲍尔斯在佛罗伦萨期间创作了这座雕像，并因其在欧洲和美国的大受欢迎而复制了50次。在他后来的作品中，转而关注带有强烈基督教色彩的主题。 充满张力的雕塑 卡米耶．毕沙罗（丹麦﹣法国人，1830-1903年）毕沙罗以描绘乡村生活而闻名，但在其生命的最后十年里，他致力于描绘现代都市空间。这幅《冬日的阳光》是他在位于塞纳河边、巴黎市中心西端一座租来的公寓里创作的三十幅画作之一。在这幅场景中，两个人影在新大陆桥的高台上漫步，沐浴在冬日清晨稀薄而寒冷的光线中，河对岸是卢浮宫的城墙。作为一名年轻的激进分子，毕沙罗曾认为摒弃过去、烧毁卢浮宫能够推动现代艺术的发展，但他后来改变了这一立场。 尽管毕沙罗是法国印象派的先驱之一，但他出生在丹麦西印度群岛的圣托马斯岛，该岛如今属于美国维尔京群岛。毕沙罗有着塞法迪犹太人的血统，他的母亲是法国人，父亲则是葡萄牙人后裔。他小时候就读于一所摩拉维亚新教学校（该校以大量非裔加勒比人为主），在委内瑞拉生活了两年后，于25岁时移居法国，以艺术家的身份谋生。毕沙罗从未放弃过他的丹麦国籍。或许是因为早年的生活经历，皮萨罗倾向于支持平等主义的政治理念，并且一生都是一位非暴力的无政府主义者。他早期的作品歌颂的是乡村生活和劳动，但到了晚年，他将注意力转向了现代城市。在这幅画中，人们聚集在塞纳河畔的鲁昂繁忙港口处。背景中滚滚的烟囱则让人联想到工厂的劳作场景。 文森特·梵高的《麦田》创作于1888年 阿姆博雷．帕特森是澳大利亚裔美国人（1877-1966年），这是他在1917年创作的油画《基拉韦厄山，永恒之火》。帕特森原籍澳大利亚的戴勒斯福德，于1898年移居巴黎学习绘画。不久，他加入了后印象派画家的行列，这些画家以愈发大胆的色彩和造型选择震惊了法国社会。1916年，帕特森在从澳大利亚前往纽约的旅途中，在夏威夷拜访一位居住在檀香山的巴黎友人。他在那里待了将近一年，创作了一系列描绘风景和日常生活的油画和木刻作品。他对夏威夷岛上的基拉韦厄火山口产生了浓厚的兴趣。这幅画展示了火山口内的哈莱马乌马乌火山口，这个火山口是女神佩勒的传统居所，她掌控着夏威夷的所有火山活动。在其中，有一个炽热的熔岩湖，它会长时间保持沸腾状态，包括在1906年至1924年期间也是如此。与传统做法不同，帕特森巧妙地用金黄色的颜料描绘了熔岩喷射的痕迹。 从立体主义到抽象主义在20世纪初，西方文化正面临着巨大的变革浪潮。物理学领域的突破引发了对物质世界本质的质疑，新的心理学理论使人们能够深入探究心灵的最深处，而社会主义和无政府主义的政治哲学则要求对国家体制和经济模式进行全面改革。在视觉艺术领域，自文艺复兴以来一直盛行的绘画规范不可逆转地瓦解了，古典主义的统治地位以及支撑它的学院式结构也一同消亡了。一个新的先锋派应运而生，他们从各种文化源头汲取灵感，并寻求对现实主义的彻底颠覆。这些现代主义艺术家终于摆脱了当时盛行的规则和审美标准的束缚，自由地影显了自己的独立性。 这个展室的作品展现了20世纪现代主义的发展历程。在欧洲，像亨利．马蒂斯这样的表现主义艺术家构建作品并非基于直接观察，而是将情感转化为生动的色彩和奔放的线条。像巴勃罗·毕加索、乔治·布拉克和费尔南·莱热这样的立体派艺术家则对绘画的两个最基本问题进行了探讨：如何在二维平面上呈现三维物体，以及如何在一瞬间捕捉一个不断变化的世界。而罗伯特·德劳内和阿梅德·奥泽弗则将立体主义发展为能够适应色彩理论和数学理论的形式。在美国，像亚历山大．考尔德、亚瑟．多夫和乔治亚．奥基夫这样的艺术家与欧洲同行们一起开创了极具创新性的抽象艺术形式，但直到第二次世界大战期间，艺术界的中心才转移到了纽约。伊夫．塔努伊以及其他流亡在那里的欧洲超现实主义者的存在为抽象表现主义提供了动力，因为像汉斯．霍夫曼这样的艺术家，受到超现实主义对潜意识的专注探讨的影响，从那些未经深思熟虑的动作以及由此在画布上留下的痕迹中找到了意义，从而为新一代艺术家奠定了基础。 亚历山大·考尔德是美国人（1898-1976) ，约在1928年用钢丝和木材创作了《两位杂枝演员》。他彻底改变了雕塑艺术的传统规范，将开放空间和透明度引入三维形态的雕塑，展示了非传统媒介的美学潜力。 著名艺术家罗玛尔．贝登是美国人（1911年﹣1988年），这幅混合媒介作品（拼贴画）《蓝调》创作于1975年。罗玛尔．贝登出生于哈莱姆文艺复兴时期，他的拼贴画和油画都充满了对非裔美国人文化的赞美之情。贝登20世纪40年代早期的画作描绘了工人阶级人物，并受到了社会现实主义的影响。后来的作品则探讨了神话、历史和黑人文化的主题，并通过将形状分解成几何形状的方式运用了立体主义元素。贝登的拼贴画将涂绘区域与带有图案布料碎片和杂志剪报的片段相结合，这种融合类似于爵士乐的即兴创作。音乐是贝登生活中不可或缺的一部分，他在20世纪50年代初创立了蓝鸟音乐公司，并设计了多张专辑封面。《蓝调》生动地描绘了音乐会的环境，音乐庆祝的氛围因彩色灯光和人物的活泼动作而更加热烈。 大卫．德里斯克尔（美国人，1931年﹣2020年）是一位艺术家兼学者，曾为洛杉矶县艺术博物馆策划名为《两百年的美国黑人艺术》(1976年）专题展览，引起了人们对自18世纪以来美国黑人艺术家对视觉文化所做贡献的关注。这幅《室内女子》创作于2008年，是一幅丝网印刷与混合媒介作品。 艺术家阿兰．布罗姆利（生于旧金山，1928年出生）重新定义了版画艺术的内涵。自1952年起定居夏成夷以来，她通过举办展览、指导他人以及多年的教学工作，影响了一代又一代的艺术家。在其整个职业生涯中，她一直不断突破丝网印刷的常规，进入一个充满无限可能的广阔领域。 《在荒野边缘》充分展现了布罗姆利对材料的持续探索以及她独特的创作思维过程。这些作品创作于2016年至2024年之间，探讨了个人与全球层面的关于记忆、失去、迁移以及自然环境危险状态的主题。其中融入的二手和回收材料，强化了经济和环境保护的问题。年已96岁的布罗姆利仍在创作能够突破界限、鼓励想象超越的艺术作品。 《火焰碎片》创作于2024年，艺术家用燃烧过的木头和一片银色的叶子垂直排列在一起，呈现出一种屏障或围栏的形状。这些烧焦的木板是从一座废弃的建筑中收集而来，它们以火灾留下的痕迹，提醒人们重视日益威胁着乡村和城市空间的持续不断的野火。 被亚洲艺术展厅环绕的中国庭院。亚洲艺术展厅分为中国、日本、韩国、印尼、东南亚等部分。其中中国艺术和亚洲佛教藏品最为丰富。 在中国艺术展厅，有青铜器、瓷器、书画、木制家具等，分布在好几个展室中。 展厅全面展示了中国艺术的风貌，首先展示的是精美的新石器时代陶器，这是该博物馆藏品中最古老的物件之一。 中国地域辽阔，随着时间的推移，其众多的民族和文化群体为艺术领域做出了重大贡献。作为世界上最古老的文明之一，作为技术创新和艺术创新的悠久中心，中国对世界其他地区也产生了重要影响。 随着中国政治权力的日益集中，商朝（约公元前1600年-公元前1046年）和周朝（约公元前1046年-公元前256年）的统治阶层创造了具有极高技术水准和美学价值的祭祀青铜器和玉器。秦朝（公元前221年﹣公元前206年）和汉朝（公元前206年-公元220年）时期帝国的兴起进一步加强了权力集中，大量的财富被埋葬在帝王和其他政府官员的墓中，以为他们的来世服务。 中国汉朝的瓷砖墓碑（公元前202年﹣公元220年） 中国隋朝、唐朝、汉朝的青铜镜子 骑马女子 陶器中国，唐朝（618-907年） 汉朝时期，人们对于外部世界的认知日益增强，对沿丝绸之路进行亚洲地区贸易的兴趣也与日俱增。这一趋势一直延续到了唐朝（618-907年），当时中国在军事和贸易方面的扩张带来了一个辉煌的时代，造就了世界历史上最具多元文化的时期。来自亚洲其他地区的新兴强国在唐朝之后改变了权力的平衡，导致宋朝时期（960-1279年）出现了由不同民族建立的多个相互竞争的王朝。这一时期还见证了瓷器大规模生产的出现，而这一技术正是中国所独有的。 宋朝最终因蒙古人对欧亚大陆的扩张而崩溃，但这也使得中国再次通过贸易与外界有了联系，并且能够方便地获取钴元素，从而生产出了带有釉下钴氧化物蓝色装饰的白色瓷器（最初是为了与西方的伊斯兰文化进行贸易而推广的）。 在接下来的明朝时期（1368-1644年），青花瓷继续发展，成为了全世界的珍品。人口众多的城市中心开始南方占据主导地位，从而造就了一个文化高度发达的社会，人们在文学、绘画、书法等方面有着高雅的品味，甚至在漆器和家具等国内艺术领域也有着精湛的技艺。 中国明朝（1368-1644年）的古筝和中国元朝（1271-1368年）的木漆珍珠母贝拼花几 中国明朝万历时期的马鞍（公元1572年﹣1620年木材，漆料） 漆器 中国最后一个封建王朝——清朝（1644-1911年）是由满族人建立的。他们的半游牧民族的起源痕迹依然存在，比如体现在他们的皇室服饰上。与此同时，满族的上层阶级迅速接受了文人的审美趣味，并成为了绘画和瓷器等艺术领域的无可匹敌的鉴赏家，使后者达到了技术上的最高水平。然而，清朝末期的停滞导致了文化危机，一方面引发了对理想化古代历史的重新好奇，另一方面带来了新的外国技术。在20世纪，中国经历了多次政治危机，最终再次成为世界上最具影响力的文明之一，对当代艺术产生了深远的影响。 中国清朝嘉庆年间（1796-1821年）的一对杯子，带有釉上珐琅装饰的瓷器。 展示的这些鼻烟壶来自劳·沙利文女士的收藏。2005年，她慷慨地向霍马博物馆捐赠了75个中国明清时代的鼻烟壶，制造材质有玛瑙、珊瑚、玻璃、象牙、翡翠、珍珠、石英、水晶、珐琅金属制品等。 在中国艺术领域中，山水画和书法占据了至高无上的地位。展厅里的中国古画看上去相当陈旧，我比较喜欢人物画，随手拍摄了几幅。 张晓杰中国清末至民国初期的扇面画 盖琪（1774-1829）纸本水墨画中国，清朝（1644-1912年），制作于1827年 费．达努（1801-1850）中国清朝（1644-1912年），创作于1848年 沈新海（1855-1041）中国，清朝（1644-1912年），制作于1894年 费．达努（1801-1850）中国，清朝（1644-1912年），创作于1848年 沈心海（1855-1941）中国，清朝（1644-1912年）至民国时期（1912-1949年） 任宇（1854-1901）中国，清朝（1644-1912年） 日本浮世绘展厅现在展出了一批木板印制的书籍和漫画。霍马博物馆内收藏的日本浮世绘版画藏品数量约有1万件，包括喜多川歌磨、葛饰北斋、歌川广重等著名艺术家的作品。由于版画对光线极敏感，据说博物馆每两个月会更换一次展品，每次展出的画作不太多。我匆匆拍了一些漫画。 长谷川是活跃于约1650年代的出版商，《十尺方屋》是出版于1658年（江户时代）的木版印刷书籍，其中的《物語集》成书于1212年,《河马之记》约在1154年至1216年，记载了1170至1180年代期间的京都，这座首都城市所遭受的一系列灾难，其中包括地震、饥荒、旋风和火灾。 《肮脏的富豪》是一幅匿名者的版画，描绘1855年地震灾难所暴露的经济和社会不平等现象。底层民众居住在结构简陋的公寓里，极易遭受地震、火灾和洪水的侵袭。而富裕的商人阶层则拥有较为坚固的住所，往往会将贫困的邻居当作廉价劳动力使用。在一种带有讽刺意味的视觉隐喻中，艺术家描绘了商人将金币排泄在地上的场景，以此对比富人和穷人在对资源的重视程度上的巨大差异。 在19世纪30年代，为应对迅速发展的国内旅游业，作家斋藤朝助和插画家长谷川哲太郎（1777-1843）合作编写了这套共20卷的《江户城市指南》系列书籍。这些文字广受欢迎，以至于二十年后，促使歌川广重（1797-1858年）在学生歌川广重二郎（1826-1869年）的协助下，创作出了他最后的、备受赞誉的系列版画作品《江户一百名胜图》(185-1859年）。 在20世纪初的日本，一些主流的艺术和文学作品都聚焦于城市贫困问题。《风俗画报》杂志出版了《东京新选名胜》系列，大胆地突出了这座城市的社会问题。山本昭国（1870-1965）在这幅画作中描绘了位于横须贺区的下层住宅区的拥挤、不卫生状况，插画师运用了大量的交叉线描技法，是对描绘对象所处劣质生活环境的一种图像隐喻。 这是艺术家桐谷千林的画作。1923年9月1日，距著名的安政德川大地震过去了近七十年之后，日本东部的关东平原再遭受地震的袭击。这场地震与由地震活动引发的海啸相结合，再加上东京易燃的基础设施以及社会动荡，巨大的关东大地震夺去了超过10万人的生命。次年，日本出版商小林诚委托了六位艺术家，根据他们的亲身经历去创作设计作品。 桐谷千林（1877-1932）描绘弘津附近的一处临时避难所的画作《大正地震之影像》系列作品之一 津贺泰雄1970年的的漫画作品《无赖平野》，讲述了太平洋战争结束后，一群无家可归的退伍军人流浪和创建家园的故事。这本漫画在日本广受读者喜爱，同时备受评论家推崇。该书于1994年完整再版，还被改编成电影上映。 《无赖平野》（又名《流浪者平原》）的第一部分于1975年10月在《加罗》杂志上发表，其余部分在1976年刊出。这些漫画体现了"戏剧性图画"类型，是专为成人读者创作、常常涉及严肃且有争议主题。作者凭借其独特的绘画风格以及对社会问题的关注，很快就成为了该杂志备受尊敬的撰稿人。这幅图是第36页 第9页：漫画故事开头描述了在太平洋战争（1941-1945年）结束后的几年里，那片草地上住着一群无家可归的退伍军人。他们临时搭建的住所逐渐破旧不堪，最终完全融入到不断扩张的东京城范围。 第22页：他们住的这个社区已发展成为一片繁荣的红灯区，而非一个宁静的小镇。贩毒者、妓女和赌博摊主面对熙熙攘攘的顾客群，其中还有几位被委以保安任务的美国士兵。津古从战后日本的摄影作品中汲取了创作灵感，并在本页的下部画面中巧妙地描绘了一位戴着飞行员眼镜、手持香烟的士兵，以此讽刺性地引用了战后占领期间盟军最高统帅道格拉斯．麦克阿瑟将军的画像。 第26页：这些画像描绘了该社区日益衰败的景象，吸毒者在周围四处游荡。营养不良的孩子哭着寻求关注，妓女们则浓妆艳抹得不成样子。津古的绘画风格是通过这些简单画像传达了情感的冲击力。 第27页：在一系列没有文字的场景剪辑中，津古通过阴影将人物形象表现得充满异域感，让他们闭上眼睛，遮住脸庞，或是躲到阴影中，或是转身避开，色调交叉的线描强化了这种令人不安的氛围。人物的服装皱巴巴的，不合身，脸上布满严重的伤疤，人物上方的空气也似乎被滚滚的烟雾所阻塞。 第48页：在故事的高潮部分，两名美国赌徒拒绝在赌场偿还赌债，与庄家的争吵逐渐升级为一场斗殴。当警察赶到时，保镖被迫逃跑，并从高处跳下。故事没有一个明确的结局，这突显了津古在讲故事时所采用的前卫、即兴的风格。他传达的信息令许多读者难以接受，尽管日本"战后经济奇迹"备受公众赞誉，但经济和社会的复苏对于许多人来说，在太平洋战争结束很久之后仍未实现。 第31页：《无赖平野》中的许多人物形象，借鉴了摄影师森山大二郎的摄影作品《太平洋战争时期及随后的占领时期》的手法，对霓虹灯招牌、机动车辆、西方时尚以及乌兰哈特娱乐区的视觉混乱，以一种颗粒感强烈、对比度高的拍摄手法去表现，体现了他的审美特质。例如森山大二郎在描绘一位歌手在情绪激动的表演场景中，使用紧闭双眼和痛苦表情的摄影手法。 第52页 韩国展厅有许多瓷器，仔细看，与中国瓷器有明显区别。 这是韩国高丽王朝（918-1392年）约为12世纪前半叶的青釉瓷器 梅瓶韩国高丽王朝（918-1392年）12世纪早期 胎盘罐韩国，朝鲜王朝（1392-1910年）15世纪早期本青瓷，一种带有釉面和白色镶嵌物的器制品 有鱼图案的青瓷瓶韩国朝鲜王朝15世纪 海龟图案的球形瓶韩国朝鲜王朝，19世纪末至20世纪初带有氧化铜釉下装饰的瓷器 亚洲佛教展厅有各国的佛教人物雕像。佛教与世界其他宗教的一个重要区别在于：其众多人物并非神明，而是具有较高精神境界的人士，只有人类能够达到觉悟状态，不受困于轮回低级阶段（如地狱）所带来的痛苦，也不受困于轮回高级阶段（如天堂）所带来的过度享乐的束缚。 佛陀是佛教艺术中的主要形象。一些传统认为，在每个世界时代中只有一位佛陀；另一些则认为，在无限的世界中存在着无数的佛陀；还有一些人则认为所有的佛陀都是同一至上本体的显现，有时被称为"宇宙佛陀"。 "佛陀"意为"觉悟者"，作为最神圣的存在，他们已完全摆脱了那些导致痛苦的世俗牵挂。因此，他们通常（但并非总是）被描绘为穿着简单朴素的僧袍，没有任何装饰。 出自中国塔格王朝（618-906年）9世纪时期的菩萨画像 这是出自中国西夏（1038—1227年）时期的观音像 砖雕的飞天菩萨 这是出自日本平安时代（10世纪早期）的大日如来（全知大佛）材质为木材、金漆 这是出自日本室町时代晚期至镰仓时代初期（12世纪至13世纪时期）的利佐菩萨木材、漆料和黄金 曼朱斯里．库马拉，印度智慧之神，9世纪的护法神祇 湿季王朝（公元386年-535年）6世纪早期的菩萨像 亚洲艺术 户外咖啡厅 伊斯兰世界艺术展厅的展品琳琅满目，别具民族风情。可惜时间有限，我只能匆匆忙忙走马观花地看了一下，没有细拍文字说明了。 出自巴尔干地区或者土耳其的碗奥斯曼帝国时期（1391—1924年）18世纪早期鍍彩铜质 《波斯诸王史诗》阿博尔卡塞姆·费尔多西（940-1020年）在10世纪末至11世纪初创作了《列王纪》，这是波斯文学中著名的民族史诗，以诗歌的形式呈现。其开篇部分颂扬了上帝、智慧、宇宙的创造、太阳、月亮以及最早的波斯国王。接下来是基于这些国王统治时期的三段故事，分别对应神话时代、英雄时代和历史时代。这部杰作激发了众多的绘画作品，并深深融入了伊朗文化之中，以至于它已渗透到伊朗生活的方方面面：其故事被改编成适合儿童阅读的内容，以戏剧式的故事讲述方式呈现，反映在常用的波斯谚语和表达中，并且在一千多年的时间里，人们会阅读或带着极大的自豪和喜悦之情公开朗诵这些内容。尽管《列王纪》讲述的是波斯的历史故事，但其影响力却遍及整个亚洲大陆，从莫卧儿印度到奥斯曼帝国，都有丰富的手稿插画作品流传下来。 当代艺术家哈米德·拉赫马尼安1968年生于伊朗，创作了一本新的插图版作品，为当代观众重新诠释了这部史诗。拉赫马尼安查阅了无数资料，从早期的手绘手稿到19世纪的石版画，精心挑选了一系列引人注目的设计元素，用于重新构想这部史诗的版本。拉赫马尼安将现代图形艺术家和电影制作人的技能应用于历史《列王纪》插画的原始素材之上，每幅画板包含超过一百二十个元素，这些元素通过数字拼贴技术组合成新的插图。在许多画板中，来自不同时代、不同流派和不同故事的元素被无缝地融合在一起，将其数字化并精心处理，从而创作出了一件全新的艺术作品。拉赫曼安的插画成功地捕捉到了原诗中那充满魔力的抒情风格和诗意，以令人震撼的强烈色彩组合的方式，为插画引入了新的节奏，为这个故事注入了奇幻的氛围。这与费多西的杰出原作完全相契合，其结果就是一部适合数字时代的《列王纪》。 《鲁斯塔姆·伊朗的七次考验》2015年数字印刷这幅画描绘了《列王纪》中的英雄鲁斯塔姆以及他心爱的战马拉什。在恶魔击败波斯军队之后，鲁斯塔姆急忙去营救他的战友们，他选择了最危险的路线，一路上要经历七次考验。在其中一次考验中，经过两天的艰苦骑行后休息时，鲁斯塔姆被一只狮子接近。拉什为保护他的主人杀死了狮子，而此时鲁斯塔姆才醒来。然而，鲁斯塔姆并没有赞扬反而斥责了这匹马，命令它今后要叫醒他，而不是为了他而冒生命危险。 《鲁斯塔姆与伊斯凡迪亚尔的决斗》在波斯国王的阴谋安排下，伟大的英雄鲁斯塔姆被诱使与勇士王子伊斯凡迪亚尔交战。尽管鲁斯塔姆此时已年事已高（从他那白胡子可以看出），但他依然英勇地与王子作战，直至身受重伤，被迫逃入藏身之处。 《夜间袭击——伊朗事件》在向邪恶的阿法西布王发起攻击的途中，波斯军队在一夜之间举行了庆祝胜利小规模战斗的活动。由于过度饮酒，他们未能在营地周围安排哨兵，阿法西布的将军，一位杰出的战略家，趁机发动了攻击。这支军队被彻底消灭，这场战役随之告终，也让波斯统治者蒙上了耻辱。 流亡在外的波斯王子西瓦什是《列王纪》中最具悲剧色彩的角色之一。他因继母的嫉妒阴谋而成为受害者，被迫向波斯的敌人投降。在那里，他得到了保护，并最终娶了敌国国王的女儿为妻。然而，敌国国王的谋士们对这位王子心怀怨恨，国王也转而与他作对。西瓦什预感到不祥的预兆，意识到国王的背叛，决定带着怀孕的妻子离开。然而，国王将西瓦什抓获并将其斩首，将他的鲜血收集在一个金容器中，以避免其"招致上天的愤怒"。 卡伊科斯罗逃离图兰在那位流亡的波斯人不幸离世之后，西瓦什王子的妻子以及儿子（卡伊·霍斯罗）被留在了敌方的图兰领土上。这位波斯英雄盖夫花了七年时间寻找他们，并最终说服他们与他一同逃走。在被敌军追击的情况下，他们来到了雄伟的奥克斯河畔，但渡船夫拒绝载他们过河。毫不畏惧的卡伊·霍斯罗身着全套盔甲，策马跃入河中。他的母亲和盖夫紧随其后（如图所示）。所有人都成功渡过了河，卡伊．霍斯罗成为了波斯的国王，并为他的父亲报了仇。 “克里斯滕森基金会画廊”展出的是夏威夷艺术，从距今300年前夏威夷群岛的手工制品，到20世纪乔治亚·欧姬芙绘制的毛伊岛风景绘画，呈现18世纪迄今的夏威夷本地艺术的发展历程。展厅核心藏品包括18世纪晚期至19世纪初期欧洲和俄罗斯探险家绘制的风景，以及“火山学派”创作的夏威夷火山绘画等。 东南亚艺术展厅东南亚位于重要的海上贸易通道之上，这些通道在连接世界、传播文化影响方面发挥着关键作用。数百年来，商品和信息沿着这些通道往来穿梭，不仅抵达了亚洲其他地区，甚至也传到了遥远的欧洲等地。16世纪时，欧洲开始在东南亚建立军事和商业存在。这种殖民主义留下的复杂影响至今仍对当代国际政治产生着影响。 海上贸易带来的物质和知识财富促进了东南亚各地帝国的崛起。这些帝国在一定程度上是由跨越海洋传播的各种思想塑造而成的，从印度教和佛教到伊斯兰教。这些宗教适应了它们的新环境，并形成了独特的地域特色。 来自东亚的高温烧制、釉面陶瓷（直到很久以后世界其他地区才无法获得）等先进技术也影响了东南亚的贸易，因此泰国和越南的古老陶瓷在岛国东南亚各地都能见到。许多地区都出现了生产中心，这从这个展厅展出的种类繁多的陶瓷制品中就可以看出来。 柬埔寨风格的班特亚西雷雕像10世纪的砂岩制纳加是一种多头的蛇形生物，在柬埔寨的信仰体系中具有复杂的象征意义，此外它还是守护佛陀的神灵。柬埔寨人相信，他们的种族和文化源自一位纳加公主与一位印度婆罗门的结合。纳加经常被用作长廊栏杆的装饰图案，这些栏杆环绕着和存在于柬埔寨的寺庙之中。在那里，纳加象征着人类世界与神灵世界的桥梁，引领信徒从世俗世界进入神圣世界。 苏科泰王朝之后时期的泰国花瓶（15至16世纪） 印度的玫瑰水顺雾器（19世纪）和带鞘的匕首（约1650年）铜铁、玉石、红宝石、黄金 深受人们喜爱的财神象头神迦内什印度泰米尔纳德邦，20世纪 印度卡里奥特拼花地板，喀拉拉邦（17世纪晚期）多色木板 纳迪·海德雕像是用于节日中的游行，放在一辆游行车上，上面装饰着鲜花和鲜艳的饰品。（18世纪晚期作品） 印度的灯（13至14世纪） 印度 20世纪 印度尼西亚艺术画廊中展示的印尼传统艺术，反映了世界上最大的群岛群所具有的悠久而复杂的历史以及多样的文化特色。 早在公元前二千年，说雅利安语系的民族在东南亚和印度尼西亚大部分地区进行旅行和贸易是常见的现象。众多印尼艺术品上的图案可以追溯到拉皮塔陶器传统（公元前1500年至500年）以及越南的东松青铜文化（公元前600年至公元100年）。 印尼的纺织品和图案受到了来自广泛地区的移民的影响，始于约公元前2500年织布技术的引入。印度对印尼纺织品发展的贡献尤为显著。 西方人所熟知的古典印度教、佛教以及印度教与爪哇文化的艺术与建筑风格，以及后来受伊斯兰和欧洲影响的印尼作品，只是这个广袤群岛艺术遗产的一部分。还有来自更偏远地区的人们所创造的丰富艺术遗产，这些地区的人们保留了大量他们自身古老的习俗和审美观念。 土著人民的艺术在他们的文化中发挥着多种作用，它们既是衡量社区内财富和地位的标志，又是传家宝、祈福用品、仪式用具，或是占卜或治疗的工具。 青铜雕塑的妇女形象婆罗洲，约公元前200年生育与再生是世界各地早期艺术中非常重要且常见的主题。这件雕塑此前被认定源自东松文化，该文化起源于越南北部，并在公元前一千年达到鼎盛时期。 当代艺术展厅展出有美国、德国等国家艺术家的瓷器、玻璃器、珠宝、织物、金属器等当代工艺品。 佐尔塔．阿贝是出生于1926年的美国人，焊接铜和青铜制品《轮子》,制作于1973年。 后建展厅庭院的当代艺术雕塑 漫步博物馆展厅，这里有全世界最优秀的亚洲艺术藏品，有令人印象深刻的西方、欧洲和波利尼西亚艺术珍藏。浏览室内画廊累了，可去露天庭院的凉亭咖啡馆小坐，在精致美丽的庭院内享用午餐。每月最后一个星期五的晚上6点至9点，博物馆会举办一些有趣的艺术灵感主题活动，这是一种全新的博物馆体验方式。